Muzica din sud-estul Europei
Cuvântul „muzică” în sine este de origine greacă veche ( greacă Μουσική ) și provine de la „muze” – în mitologia greacă antică, fiicele lui Zeus , care au dat naștere poeziei, artei și științei.
În Grecia antică, muzica a însoțit diverse sfere ale vieții și suna la întâlniri și evenimente publice, în ritualuri, în teatru și jocuri. Figuri ale muzicienilor se găsesc în mitologie ( Orfeu , Filamon , Tamyris , Marsyas ) și în poezii epice ( Demodocus și Femiu în Odisee ). Pe vaze antice, s-au păstrat imagini ale muzicienilor cântând la instrumente muzicale, cum ar fi harpa, citara și lira. În cinstea zeilor, grecii antici au compus imnuri, precum nomes paean în onoarea lui Apollo sau ditirambe în onoarea lui Dionysos.
Începând din secolul al VI-lea î.Hr. e. muzica devine obiectul de interes al filosofilor. În special, Pitagora a descoperit o serie de modele acustice care sunt de o importanță fundamentală pentru teoria muzicală europeană modernă. Aristoxenus a înaintat teza despre percepția empirico-auditivă a intervalelor muzicale, Platon și Aristotel au dezvoltat doctrina rolului muzicii în educația etică.
Muzica greacă antică era predominant monofonică ( monodie ). Baza sa modală era formată din moduri grecești antice, care se bazau pe tetracorduri, care puteau fi combinate în moduri de octave - „armonii”. Numele modurilor de octave grecești antice (Lydian, Dorian etc.) sunt de asemenea utilizate pe scară largă în teoria muzicii moderne.
Potrivit unor muzicologi și critici, în special a grecilor [1] [2] , muzica bizantină a fost puternic influențată de cultura muzicală greacă antică . Muzicologii sovietici K. K. Rozenshild și Yu. V. Keldysh au descoperit influența cântecului persan , evreiesc , sirian și armean și și-au asumat influența muzicii grecești antice târzii. [3] Trebuie remarcată și influența romană , deoarece Bizanțul includea centre culturale precum Alexandria și Antiohia . E. Hertsman, cercetător al culturii bizantine, consideră că muzica bizantină este o continuare a muzicii antice târzii. [patru]
Notarea muzicii bisericești bizantine este o varietate regională de notație neumentală . De obicei, distinge patru tipuri corespunzătoare celor patru etape ale dezvoltării istorice a sistemului:
Linia de înălțime a cântărilor înregistrate în sistemul de notație bizantină mijlocie (și mai târziu) este descifrată [5] . Ritm (de exemplu, prelungirea irațională a sunetelor individuale, fermate și pauze), nuanțe de performanță (de exemplu, accente dinamice, glissando, agogie ) și ornamente bogate (de exemplu, microcromatice ornamentale și vibrato ), de asemenea, „codate” în neumele originale , sunt descifrate ambiguu până în zilele noastre fac obiectul unor controverse (adesea foarte ascuțite) în rândul bizantologilor. Tradiția interpretării muzicale a manuscriselor de notație paleo-bizantină s-a pierdut.
În 1814, așa-numitele Trei Didascalas (alte denumiri pentru reformă sunt „notația crizanteană” și „Metoda nouă”) [6] au propus o metodă de descifrare simplificată a manuscriselor muzicale antice, care a devenit larg răspândită în practica greacă modernă. închinarea ca principală. În secolul XX. încercările de descifrare a notaţiei bizantine s-au înmulţit. Începând cu 1936 în Occident, editorii (sub conducerea lui Egon Welles ) ai seriei de publicații științifice Monumenta Musicae Byzantinae (MMB) și-au propus propriul mod de a descifra manuscrisele muzicale. Trancrierile lor fac melodia ca fiind strict diatonica , iar ritmul ca „cuvânt liber”. Această „libertate”, însă, în transcrierea MMB modernă de 5 linii este fixată sub forma a doar două durate - sferturi și optimi; astfel, transcripțiile editorilor MMB seamănă puternic cu transcripțiile ritmice (învechite) ale cântului gregorian [7] . Trancrieri alternative (în mare parte legate de ritm , mai rar melodii ) ale monumentelor de notație bizantine au fost propuse de oameni de știință occidentali proeminenți - germanul Ewald Yammers (1962) [8] și olandezul J. van Bizen [9] . Metoda lui Bizen a fost dezvoltată de grecul I. Arvanitis, care a insistat pe ritmul binar în stichera și irmosul bizantine [10] . În Rusia, transcripțiile ritmice ale Arvanitisului au fost susținute de un student al lui I. E. Lozovoi M. Shkolnik, care a aplicat monumentelor bizantine sistemul ritmic cunoscut din semnele duble rusești (mai târziu) și tratatele muzical-teoretice [11] . În Grecia însăși, cea mai îndrăzneață încercare de a restabili muzica bisericească bizantină a fost făcută de Simon Karas (1903-1999), care a crescut o întreagă școală de adepți ai săi (unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai acesteia este Lycurgus Angelopoulos ). Adepții tradiției neobizantine a „trei didascali” au respins reconstrucția lui Karas, calificând-o drept „neprofesională” și chiar „eretică”.
Dimitri Cantemir a fost primul compozitor de muzică otomană. Multe instrumente muzicale au fost aduse în Balcani în timpul controlului otoman, dar multe instrumente otomane au fost adoptate și de localnici. Influența ritmurilor și melodiilor turcești poate fi observată în muzica balcanică.
Instrumentele tradiționale din muzica clasică turcă de astăzi includ tanburul , o lăută ciupită cu gât lung , nai , un flaut cu o gaură longitudinală la capăt, kemancha , o lăută îndoită, oud , o lăută ciupită cu gât scurt și fără căptușeală, qanun , o citră ciupită , vioară și, în muzica Mevlevi , - instrument de percuție kudyum și harpă .
Arta populară a grecilor este diversă. Cântecele pot fi împărțite în balade epice, istorice, de zi cu zi. Printre cele de zi cu zi se numără munca, cântecele de leagăn, dragostea, nunta, băutura, comicul, calendarul, dedicate sărbătorilor populare în masă. Marea majoritate a cântecelor istorice au fost create în anii luptei grecești împotriva jugului turcesc ( cântece de klefts ) și în timpul formării statului grec, când glorificarea libertății și independenței au devenit conținutul lor principal. Interpretarea cântecelor populare grecești este adesea însoțită de un dans rotund .
Denumirile dansurilor populare provin din zona în care acestea există (de exemplu, dansul cretan), dintr-un eveniment istoric (dansul Zalongo), din denumirea profesiei (hasapiko - dansul măcelarilor etc.). Sau își iau numele din ritm și mișcare (sirtos, sirtaki etc.). Instrumentația populară include diverse tipuri de lăută, flaut (avlos), liră (liră cretană), flaut longitudinal, cimpoi. Bouzouki, baglama, mandolina, vioara sunt deosebit de populare. Compoziția orchestrelor moderne de instrumente populare grecești include și clarinete și chitare.
Muzica albaneză este o fuziune a tradițiilor muzicale din sud-estul Europei și a fost foarte influențată de culturile popoarelor balcanice vecine, slavi și italieni, precum și influența turcă ca urmare a jugului otoman. Dar, în ciuda faptului că Albania a făcut parte din Imperiul Otoman timp de aproape 500 de ani , poporul albanez a reușit să-și păstreze identitatea culturală, inclusiv în muzică.
După independență în 1912, Albania nu a avut o cultură muzicală profesională până în anii 1940. Prima colecție de muzică populară a fost lansată de pianistul Peter Dunguîn 1940. După instaurarea regimului comunist în 1944, cu asistența activă a URSS, a început dezvoltarea artei naționale, inclusiv a culturii muzicale profesionale. Deja în 1944, corul Armatei Populare a Albaniei (mai târziu Ansamblul artistic al Armatei Populare) a fost organizat sub conducerea lui G. Avrazi, în 1960 Ansamblul de cântec și dans popular de stat.condus de Česk Zadeya[12] . În orașele Albaniei au început să se deschidă școli de muzică; în 1947 , Liceul de Artă a fost numit după A. Y. Misya cu departamentul de muzică pentru clase de vioară, violoncel, instrumente populare și canto. În 1950, la Tirana a fost deschisă Filarmonica de Stat Albaneză, reunind grupuri profesioniste: o orchestră militară simfonică și de suflat, un grup de dans și cântăreți soli. În anii 1950, Filarmonica Albaneză a pus în scenă o serie de lucrări ale compozitorilor ruși - opera Rusalka de Dargomyzhsky (1953), Ivan Susanin de Glinka (1955), baletul Fântâna lui Bakhcisaray de Asafiev (1953).
În 1956, la Tirana a fost deschis Teatrul Național de Operă și Balet cu o școală de balet, unde au fost puse în scenă o serie de opere clasice, operete și balete, inclusiv cele sovietice - " Lola " de S. N. Vasilenko, " Shurale " de F. Z. Yarullin și alții. . Artiști de frunte ai Teatrului Național au fost educați în URSS și în alte țări ale lagărului socialist, inclusiv cântăreți - artiști onorați ai NRA A. Mula, I. Tukichi, M. Dzhemali, L. Kachay, precum și D. Atanas, G. Chako; cântăreți - R. Yorgandzhi, G. Heba, I. Velya; dansatori de balet - artiști onorati ai ANR A. Aliay, Z. Khadzho, G. Vendresh, precum și coregraful P. Kanachi, dirijorul M. Wako.
Până în anii 1950, în Albania nu a existat muzică națională de forme majore. Primele opere naționale au început să apară la mijlocul anilor 1950 (opera Mrika de P. Yakova, 1954) și în anii 1960 - Primăvara de T. Daiya (1960), Floarea memoriei de K. Kono (1961), „ Heroine” de V. Nova (1967), „Skanderbeg” de P. Yakova (1968), „Fata din munți” de N. Zorachi (1970); balete — Khalil și Khayria de T. Daiya (1963), Delina de C. Zadeya (1964), Partisan de K. Lyara (1967), Children of the Fisherman de T. Daiya (1972), balet pentru copii Fearless eaglet" Ch Zadei (1971); operete - „Zorie” de K. Kono (1954), „Layla” de T. Daiya (1957); oratoriu patriotic de K. Trako (1961), marș- cantată de T. Avrazi, uvertură pe teme populare albaneze de D. Leki (1954), Simfonia 1 de Ch. , „Suita copiilor” pentru orchestra simfonică T. Daya (1956) , cvartetul de coarde T. Daya (1956), „Rondo” pentru cvartetul de coarde N. Zorachi (1960), „Suita albaneză” pentru flaut și pian N. Zorachi (1960 ), „Trei tablouri simfonice” de C. Zadei, vocal și suită instrumentală de T. Harapi (1965), concerte pentru pian și orchestră de T. Harapi și C. Zadei (ambele 1969), pentru vioară și orchestră de N. Zorachi (1969) ș.a.
După căderea regimului comunist, în țară au apărut noi compozitori, precum Alexandru Peci, etnograful muzical Ramadan Sokoli, Sokol Shupo, Andry Sina, Pyolumb Worpsy, Vasil Tole, au apărut și noi organizații muzicale, precum Society of Professional Musicians și Society of New Albanian Music [13] .
Cântăreața de operă albaneză Inva Mula , fiica compozitorului Avni Mula , se bucură de recunoaștere internațională.
Muzica bulgară face parte din cultura bulgară , balcanică , europeană și mondială.
Bulgaria a adoptat creștinismul în anii 863 - 864. Odată cu instaurarea creștinismului, s-a dezvoltat și cântarea bisericească în limba bulgară antică, dar în timpul dominației bizantine (1018-1187), pătrunderea cântului bizantin canonizat în biserica bulgară a întârziat dezvoltarea limbii bulgare. cântece religioase naționale legate de baza populară. După eliberarea de sub stăpânirea Bizanțului și formarea celui de-al doilea regat bulgar (1187-1396), cultura bulgară a început să înflorească. În secolele XIII-XIV. sub influența artei muzicale populare s-a format cântarea bulgară , din care s-au păstrat mostre în cântarea liturgică a Bisericii Ortodoxe Ruse din secolele XVII-XVIII. De atunci s-au păstrat Trefologia Zograf (secolul al XIII-lea) și Sinodikonul de pe țarul Boril (secolul al XIV-lea) - singurele monumente scrise cu notație muzicală care au ajuns până la noi.
În secolul al XVII-lea Clerul rus i-a invitat pe cântăreți bulgari să-i învețe pe coristii ruși să cânte în biserică.
Mulți coriști bizantini sunt de origine bulgară. Cel mai faimos dintre ei este cântărețul și compozitorul John Kukuzel , supranumit „îngerul” (a trăit într-o mănăstire din Bizanț). El a creat notația neumentală neobizantină (așa-numitele „cukuzel neumes”), care este folosită în muzica bisericească modernă până astăzi. În timp ce în Bizanț s-au cultivat cântări de cuc complexe, virtuoase, cu ornamente modelate , în Bulgaria s-a dezvoltat cântatul de cult mai simplu și democratic. Melodii bulgărești, așa-zise. „bulgarica”, pătrunde în muzica bisericească occidentală. Cucerirea Bulgariei de către turci (1393-96) a pus capăt independenței sale ca stat independent. Călugării bulgari din mănăstirile de pe Muntele Athos și-au păstrat melodiile bisericești, iar călugării rătăcitori erau distribuitorii cântărilor bulgare printre alte popoare slave.
Există șapte regiuni principale în Bulgaria, diferite în folclor : Rhodope, Thracian, Strandzha, Pirin, Shopskaya, Dobrudzhanskaya, Severnyashkaya (Nordul Bulgariei) Principalele instrumente muzicale populare ale Bulgariei sunt cimpoiul , kavalul , gadulka , tambura și tapanul .
În timpul stăpânirii otomane nu existau instituții muzicale și pedagogie muzicală în Bulgaria. Doar bulgarii individuali au primit educație muzicală în Rusia și Europa. După Eliberarea Bulgariei, unii dintre ei s-au întors în patria lor și au creat mostre de muzică clasică bulgară originală.
În 1899, Emanuil Manolov a creat prima operă bulgară, Siromahkinya. Georgy Atanasov a scris operele „Altsek”, „Kosara”, „Abandoned Vodnitsa”. Panayot Pipkov a creat primele operete bulgare pentru copii „Copiii și păsările” și „Schuretz și Mravki”. Cea mai cunoscută lucrare a sa este Imnul Sfinților Chiril și Metodie. Nikola Atanasoff a scris prima simfonie bulgară. Cel mai important teoretician al muzicii bisericești și populare bulgare la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea a fost Dobri Hristov .
Turbo-folk ( sârbă. Turbo-folk , engleză Turbo-folk ) este un gen muzical, o combinație de muzică electronică și populară care a apărut la începutul anilor 1980 în Iugoslavia și este popular în prezent în Balcani. Pionierii turbofolkului au fost interpretele feminine Lepa Brena și Dragana Mirković . Turbofolk a înflorit în anii 1990 în Serbia - unul dintre popularizatorii acestui gen a fost președintele iugoslav Slobodan Milosevic . Pentru prima dată, un astfel de termen a fost folosit de cântărețul Rambo Amadeus , care a numit în mod ironic această muzică „cacofonie” [14] , descriindu-și propriile lucrări.