Peisaj

Versiunea actuală a paginii nu a fost încă examinată de colaboratori experimentați și poate diferi semnificativ de versiunea revizuită pe 2 octombrie 2020; verificările necesită 30 de modificări .

Peisajul ( French  Paysage , din pays - țară, localitate) este un gen de artă plastică (precum și opere individuale ale acestui gen), în care subiectul principal al imaginii este primordial sau, într-o măsură sau alta, natura transformată de om. Ideile moderne despre peisaj s-au format de-a lungul secolelor odată cu dezvoltarea tehnicilor artistice de reprezentare a acestuia. Într-o lucrare de peisaj, o importanță deosebită se acordă construcției perspectivei și compoziției vederii, transferului stării atmosferei, mediului aer și luminos și variabilității acestora.

Caracteristicile genului

Peisajul este un gen de pictură relativ tânăr. Timp de secole, imaginile naturii au fost desenate doar ca o imagine a habitatului personajelor, ca decorațiuni pentru icoane , mai târziu - pentru scene de gen și portrete.

Treptat, odată cu dezvoltarea cunoștințelor științifice și experimentale ale perspectivei liniare și aeriene , clarobscurul , proporționalitatea , compoziția generală , culoarea , relieful imaginii , vederile naturale au devenit mai întâi un membru egal al compoziției intrării, apoi s-au transformat în subiectul central al imaginii. .

Pentru o lungă perioadă de timp, motivele peisagistice au fost vederi generalizate, compuse, idealizate. O descoperire semnificativă în ceea ce privește conștientizarea de către artist a semnificației peisajului a fost reprezentarea sa a unei zone specifice (vederi ale malurilor lacului Geneva de către artistul elvețian din secolul al XV-lea Konrad Witz , peisajele dunărene ale artistului german de la sfârșitul anului XV - prima treime a secolului XVI Albrecht Altdorfer ).

Lucrările de peisaj ale maeștrilor europeni din secolele XVII-XVIII sunt un exemplu integral de vederi estetice ideale ale peisajului; lucrările impresioniştilor şi postimpresioniştilor au constituit punctul culminant al dezvoltării extraordinare a genului peisagistic la sfârşitul secolului al XIX-lea.

Perioada de glorie a picturii peisagistice a fost marcată de dezvoltarea peisajului în aer liber , asociat cu inventarea în secolul al XIX-lea a metodei de producere a vopselelor pe tuburi . Pictorul putea lucra departe de atelierul său, în natură, cu lumină naturală. Acest lucru a îmbogățit foarte mult alegerea motivelor, a adus arta mai aproape de privitor și i-a permis creatorului să-și transpună impresiile emoționale imediate într-o operă de artă.

În istoria europeană, mai ales sub dominația academismului , peisajul a aparținut unui gen „minor” de pictură . În același timp, în tradiția răsăriteană, peisajul face parte din tradiție încă din secolul al VI-lea și unul dintre genurile centrale cel puțin din secolul al IX-lea. Acum, mai ales începând cu impresioniști (cu prioritatea lor, fără îndoială, peisajului), această tendință este reprezentată în opera multor artiști și se bucură de interesul durabil al iubitorilor de artă.

Elemente, tipuri și personaje ale peisajului

Peisajul descrie de obicei un spațiu deschis. Acesta, de regulă, prezintă o imagine a apei și/sau a suprafeței pământului. În funcție de direcție - vegetație, clădiri, echipamente, formațiuni meteorologice (nori, ploaie) și astronomice (stele, soare, lună).

Uneori, artistul folosește și incluziuni figurative (oameni, animale), în principal sub forma unor situații intriga relativ trecătoare. În compoziția peisajului, totuși, li se acordă o importanță secundară fără echivoc, adesea rolul personalului .

În funcție de tipul de motiv descris, se poate evidenția un peisaj rural , urban (inclusiv arhitectural  - veduta - și industrial ). O zonă specială este imaginea elementului marin - peisajul marin sau portul de agrement . În același timp, peisajele pot fi atât camerale, cât și panoramice .

În plus, peisajul poate fi epic, istoric, eroic, liric, romantic, fantastic și chiar abstract.

Dezvoltarea genului peisajului în pictura europeană

Elemente ale peisajului pot fi găsite deja în arta rupestre a epocii neolitice ( Podisul Tassilin-Adzher din Sahara). Maeștrii primitivi au reprezentat schematic râuri sau lacuri, copaci și blocuri de piatră pe pereții peșterilor.

În arta Mediteranei antice , motivul peisajului este un detaliu destul de comun în picturile murale ale caselor patriciene .

Cu toate acestea, mai târziu, în arta Evului Mediu , idealurile care i-au inspirat pe artiștii antici - bucuria de a fi, fizicul, veridicitatea - au făcut loc viziunilor picturale, în primul rând într-o formă solidă, figurativă, dând o idee despre frumusețe. a divinului: pictura a fost concepută pentru a influența privitorul ca o predică tăcută . (Majoritatea covârșitoare a populației nu a avut acces direct la Biblie ; traducerea acesteia din latină a apărut abia în secolul al XIV-lea.)

Peisajul practic dispare din pictură pentru o lungă perioadă de timp - pictorii de icoane aproape neglijează fundalul, dacă este necesar înfățișând natura și clădirile foarte schematic și fără volum.

Interesul pentru peisaj devine evident, începând cu pictura Renașterii timpurii - Quattrocento, secolul XV. (patru sute de ani, începând cu al miilea). Multe picturi mărturisesc dorința pictorilor de a realiza o imagine armonioasă și holistică a naturii și a omului. Așa este, de exemplu, pânza „Procesiunea magilor” a maestrului italian Sassetta (1392-1450/51).

Motivele peisagistice au început să joace un rol și mai important în epoca Înaltei Renașteri, Cinquecento (sec. XVI) . A fost această perioadă, mai mult decât oricare alta, concentrată pe găsirea celor mai bune posibilități pentru compoziția , perspectiva și alte componente ale picturii pentru a transmite lumea din jur. Acum peisajul pare a fi un element important al tabloului. Cel mai izbitor exemplu în acest sens este celebrul portret al Monei Lisei , pictat de Leonardo (1452-1519). Nu e de mirare că în această epocă statutul social al artistului s-a schimbat diametral: dintr-un reprezentant al uneia dintre clasele inferioare ale societății tradiționale (în Evul Mediu artistul a fost repartizat într-un atelier de vopsea ), el este transformat într-un sociocultural . ideal, deoarece în activitatea sa se realizează principalele idei culturale, valori și idealuri ale Renașterii.umanism : libertate, creativitate, inițiativă, autosuficiență și autodezvoltare.

Maeștrii școlii venețiane au jucat un rol important în crearea genului peisagistic din această perioadă . Unul dintre primii artiști în picturile cărora natura este personajul principal a fost Giorgione (1476/7-1510). Peisajul de pe pânza „ The Storm ” este cu siguranță un purtător de sentimente și stări. Și deja în pânza timpurie a lui Tițian (1473 / 88-1576) „Fuga în Egipt” (1508), imaginea naturii din fundal începe să domine scenele prezentate în prim-plan.

Tradițiile școlii venețiane s-au reflectat și în pictura elevului lui Tizian, artistul spaniol El Greco (1541-1614). Printre cele mai faimoase picturi ale maestrului se numără peisajul „ Vedere din Toledo ”.

În Europa de Nord, începând din secolul al XVI-lea, peisajul părăsește și treptat câmpul de atracție a altor genuri artistice. Imaginile naturii ocupă un loc important în opera multor artiști ai școlii olandeze  - Pieter Brueghel (bătrânul) (c. 1525-1569), Jan Vermeer din Delft (1632-1675) și alții. Majoritatea peisajelor olandeze sunt caracterizate de culori atenuate , formate din argintiu deschis, ocru-ocru, nuanțe maronii, apropiate de culorile naturale ale naturii.

În Germania, peisajul își are originea în lucrările maeștrilor așa-numitei școli de pictură dunărene din prima treime a secolului al XVI-lea.

Arta realistă a Spaniei, Italiei și Franței a influențat dezvoltarea ulterioară a picturii peisajului. Picturile virtuoase ale marelui maestru spaniol Diego Velasquez (1599-1660) mărturisesc despre nașterea picturii în aer liber . În lucrarea sa „Vedere de la Villa Medici”, este transmisă prospețimea verdeață, nuanțe calde de lumină alunecând printre frunzele copacilor și pereții înalți de piatră.

În perioada clasicismului (secolul al XVII-lea), natura era interpretată pe baza legilor rațiunii, iar reprezentarea ei sub formă de armonie ideală era considerată un standard estetic ( peisaj idilic ). Claude Lorrain (1600-1682) și alți pictori.

Natura apare diferit pe pânzele maeștrilor baroc , căutând să transmită dinamica lumii înconjurătoare, viața turbulentă a elementelor. Peisajele care afirmă bucuria de a fi sunt caracteristice operei flamandului Peter Paul Rubens (1577-1640) („Peisaj cu curcubeu”).

În secolul al XVIII-lea s-a răspândit peisajul arhitectural, elemente ale cărora au apărut în arta Evului Mediu. Maeștri remarcabili ai vedutei au fost reprezentanți ai școlii venețiane de pictură Francesco Guardi (1712-1793), Canaletto (1697-1768).

Un reprezentant de seamă al artei rococo (secolul XVIII) a fost artistul francez Francois Boucher (1703-1770), care a creat peisaje, parcă țesute din nuanțe de albastru, roz, argintiu. Boucher a studiat cu un alt artist francez care a lucrat în acest stil - Jean Honore Fragonard (1732-1806), ale cărui peisaje colorate sunt pătrunse de aer și lumină.

În pictura de peisaj a Iluminismului (a doua jumătate a secolului al XVIII-lea), artiștii au căutat să arate privitorului estetica naturii naturale. Bazate pe observații naturale și dotate cu efecte de lumină strălucitoare, peisajele marine ale lui Joseph Vernet (1714-1789) au stârnit încântarea contemporanilor săi.

Pictura lui Vernet a avut un impact asupra reprezentanților tendinței romantice apărute în arta europeană și americană în prima jumătate a secolului al XIX-lea. Reprezentanți semnificativi ai peisajului romantic din Anglia au fost William Turner (1775-1851) și John Constable (1776-1837), în Germania - Caspar David Friedrich (1774-1840).

Frumusețea naturii rurale simple a fost descoperită pentru privitor de pictorii francezi de peisaj - reprezentanți ai școlii Barbizon : Theodore Rousseau (1812-1867), Jules Dupre ( 1811-1889) și alții valers .

Camille Corot a fost considerat un precursor de către impresioniștii francezi . Peisajele în aer liber de Claude Monet (1840-1926), Auguste Renoir (1841-1919), Edouard Manet (1832-1883), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899) și alții transmit uimitor lumina schimbătoare și mediul aerian.

Tradițiile impresioniștilor au fost dezvoltate în pictura lor și de artiștii postimpresionişti : Paul Cezanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890), Georges-Pierre Seurat (1859-1891), Paul Signac (1863-1935 ). ) si altii.

În secolul al XX-lea, reprezentanții diferitelor mișcări artistice s-au orientat către genul peisajului. Fauviștii au creat imagini vii ale naturii : Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954), Albert Marquet (1875-1947), Maurice Vlaminck (1876-1958), Raoul Dufy (1877-1953) și alții.

Cubiștii  - Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963), Robert Delaunay (1885-1941) și alții și-au interpretat peisajele sub formă de forme geometrice. Genul peisajului a fost, de asemenea, de interes pentru suprarealişti  - Salvador Dali (1904-1989) şi alţii, şi pentru abstracţionişti  - Helen Frankenthaler (1928-2011) şi alţii.

Maeștri recunoscuți ai picturii peisagistice în secolul al XX-lea au rămas invariabil reprezentanți ai tendințelor realiste  - Rockwell Kent (1882-1971), George Wesley Bellows (1882-1925), Renato Guttuso (1911 / 2-1987) și alții.

Dezvoltarea genului peisajului în pictura chineză

Pictura tradițională de peisaj chineză datează din secolul al V-lea d.Hr. în timpul Imperiului Sui și atinge apogeul în secolul al IX-lea, când atenția artiștilor s-a mutat de la reprezentarea omului la reprezentarea naturii. Această tranziție a avut loc în mare parte sub influența taoismului : atenția acordată naturii și proceselor naturale din lumea înconjurătoare a fost pentru prima dată subliniată de poeții și artiștii taoiști din perioada șase dinastii . Imaginile peisajului au existat înainte în pictura chineză, dar în secolele al V-lea și al VI-lea peisajul a început să fie reprezentat ca un obiect cu valoare artistică independentă. Zong Bing (375-443) este considerat a fi primul text despre principiile picturii peisagistice chineze . Din păcate, imaginile din această perioadă au supraviețuit doar în copii ulterioare.

În timpul dinastiei Tang, două școli principale de pictură peisagistică au început să prindă contur. Școala nordică, fondată de pictorii de curte Li Sixun (李思訓, 653–718) și fiul său Li Zhao-dao (李思訓, 651–716), s-a concentrat pe măiestria formală, tindea spre mai mult naturalism și folosea mai des un albastru-verde. paleta.. Artiștii Școlii de Sud, proveniți de la artistul și poetul Wang Wei (王維, 701–761), dimpotrivă, au apreciat stilul individual, expresia, au scris mai des cu o singură cerneală neagră și au respins ordinele aristocratice și patronajul. Numele școlilor nu sunt legate de locația lor geografică, ci sunt numite după școlile din sud și nord ale budismului Chan .

Cele mai multe dintre picturile dinastiei Tang nu au supraviețuit și au fost deja pierdute în perioada dinastiei Song; multe picturi sunt cunoscute doar din descrieri sau copii ulterioare. În istoriografia chineză, această perioadă este descrisă mai degrabă ca legendară decât ca istorică.

Perioada de glorie a picturii peisagistice în epocile celor Cinci Dinastii (907-960) și Cântecul Nordic (960-1127) se caracterizează prin apariția unor peisaje monumentale de șevalet și o unificare vizibilă a tuturor elementelor de stil și compoziție. În nord, principalii artiști ai acestei perioade sunt Guan Tong (906-960), Jing Hao (855-915), Fan Kuan (960-1030), Li Cheng (919-967) și Guo Xi (1020-1090). ), în sud - Juiran (pr. secolul X) și Dong Yuan (c. 930-960). În aceeași perioadă, s-au format multe justificări teoretice pentru principiile picturii peisagistice, în special cele exprimate de Su Shi (蘇軾, 1037–1101) și de intelectualii apropiați lui ai Școlii de Sud, care până atunci primiseră comunitatea numele „școlii învățate” (文人畫, în critica de artă occidentală - „pictură literară”). Su Shi a declarat direct că scopul picturii nu este reprezentarea, ci expresia, iar mulți artiști ai perioadei au lucrat într-un stil extrem de experimental pentru vremea lor - precum Mi Fei (1051-1107), care aproape că nu folosea linii. , dar a scris cu pete de cerneală lichidă și perii laterale largi.

Această perioadă a format ideea picturii „clasice” și a „vechilor maeștri” pentru generațiile ulterioare de artiști chinezi.

În timpul dinastiei mongole Yuan (1271-1368), interzicerea participării clasei educate chineze la treburile statului a creat condițiile pentru apariția multor cercuri private de poeți, artiști și intelectuali, care s-au întâlnit în casele de la țară ca un fel de emigrare internă. Deseori se vorbește despre această perioadă ca o reacție împotriva picturii Cântecului de Sud și o dorință de a restabili o legătură cu pictura din perioadele anterioare. Artiști importanți ai perioadei sunt Zhao Mengfu (1254-1322) și cei patru maeștri Yuan: Huang Gongwang (1269-1354), Ni Zan (1301-1374), Wang Meng (1308-1385) și Wu Zhen (1280-1280). 1354).

Aderarea dinastiei Ming (1368-1644) a fost caracterizată de reflecția asupra propriei istorii și de o revenire parțială la conservatorism, dar mulți artiști de curte au lucrat, printre altele, sub influența puternică a Școlii de Sud. Putem spune că tocmai în această perioadă, începând din secolul al XV-lea, pictura chineză a devenit mai academică, au apărut primele descrieri ale periodizării și o împărțire mai clară a școlilor și a învățăturilor. Personajul cheie în acest proces a fost Dong Qichang (董其昌, 1555–1636), autor al tratatelor teoretice Huazhi (Esența picturii), Huayan (Ochiul picturii), o altă traducere este Surveying Painting) și Huachanshi Suibi (Note din camera de pictură și meditație).

În multe privințe, această tendință a continuat după invazia Manchu din 1644. Dinastia Qing a încurajat dezvoltarea artei și a creat condiții favorabile pentru apariția așa-zisului. O școală ortodoxă ai cărei artiști principali au fost cei patru Wang: Wang Shimin (1592-1680) și elevii săi Wang Yuanqi (1642-1715), Wang Jian (1598-1674) și Wang Hui (1632-1717). Într-o anumită opoziție cu ei se aflau așa-numiții Patru Călugări - Shitao (1642–1707), Zhu Da (cunoscut sub pseudonimul Bada Shanzhen, 1626–1705), Kunzan (1612–c. 1682) și Hongren (弘仁, 1610 ). –1663) asociat cu un grup de loialiști Ming.

Peisajul în pictura rusă și sovietică

Peisajul ca gen de pictură a apărut în arta rusă la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Semyon Shchedrin (1745-1804) este considerat a fi fondatorul său . Lucrările de peisaj ale lui Shchedrin sunt construite pe canoanele stilistice ale clasicismului (folosirea scenelor în compoziție, distribuția tridimensională a culorii, textura netezită a scrisului). În frumusețea lor încă relativă, totuși, ele diferă semnificativ de „vederi pitorești” ale orașelor și locurilor de interes care existau înainte prin expresivitatea lor artistică și emoțională. Se realizează în diverse moduri prin adâncimea și lățimea distanțelor, contrastele dintre mase mari ale primului plan și întinderile verde-albastru care se deschid în spatele lor, ceea ce conferă în general peisajelor sale o aerisire impresionantă.

Alți pionieri ai acestui gen au fost artiștii Fyodor Matveev (1758-1826), Fyodor Alekseev (1753/55-1824) și alți artiști, precum Shchedrin, care au fost formați în pictura academică în Europa de Vest.

Clasicismul a continuat să ocupe o poziție dominantă în arta rusă a picturii peisagistice la începutul secolului al XIX-lea. Matveev (peisaje eroice) și Alekseev (vederi elegiace ale Sankt Petersburgului și Moscova) continuă să funcționeze, iar Andrey Martynov (1768-1826) atrage și vederi urbane.

Această direcție, însă, a fost treptat din ce în ce mai înlocuită de romantism . Aici trebuie remarcat Sylvester Shchedrin (1791-1830), Vasily Sadovnikov (1800-1879), Mihail Lebedev (1811-1837), Grigory Soroka (1823-1864) și, bineînțeles, Alexei Venetsianov (1780-1847), unul dintre primele arătând farmecul naturii întunecate a fâșiei Rusiei Centrale.

Arta picturii peisagistice rusești în a doua jumătate a secolului al XIX-lea sa dezvoltat într-o direcție artistică extrem de diversă. Lucrările de peisaj în spiritul romantismului au fost încă create pe scară largă de maeștri precum Maxim Vorobyov (1787-1855) și studenții săi: frații Grigory (1802-1865) și Nikanor (1805-1879) Chernetsov , Ivan Aivazovsky (1817-1900), Lev Lagorio (1826-1905), Alexei Bogolyubov (1824-1896).

Pyotr Sukhodolsky (1835-1903), Vladimir Orlovsky (1842-1914), Efim Volkov (1844-1920) și alți pictori din acea vreme au lucrat și ei în genul peisajului .

Tendințele artistice specifice narațiunii s-au reflectat viu în opera multor pictori, în primul rând Ivan Șișkin (1832-1898), fabulos de poetic - în opera lui Viktor Vasnețov (1848-1926), emoțional-dramatic - în lucrările unui alt clasic al Pictura rusă de peisaj .pictură de Fiodor Vasiliev (1850-1873) și alți maeștri, mai puțin cunoscuți - de exemplu, Lev Kamenev (1833 / 34-1886). Mikhail Klodt (1832-1902) a devenit faimos pentru peisajele sale epice .

Unii pictori au fost fascinați de căutarea unei imagini generalizate, de culoarea și decorativitatea peisajului - Viktor Borisov-Musatov (1870-1905), Mihail Vrubel (1856-1910), Boris Kustodiev (1878-1927) și alții.

De la jumătatea secolului al XIX-lea, plein air s-a impus în cele din urmă în pictura de peisaj rusă . În evoluția ulterioară a peisajului, cel mai important rol l-a jucat impresionismul, care a influențat opera aproape tuturor pictorilor serioși din Rusia. În același timp, s-a format un concept estetic special de percepție și reflectare a naturii - un peisaj liric .

Alexey Savrasov (1830-1897), care a devenit fondatorul acestei tendințe a picturii peisagistice, a reușit să arate frumusețea discretă și lirismul subtil al naturii ruse discrete. Lățimea și puterea sa au fost afișate de Mihail Nesterov (1862-1942). Arkhip Kuindzhi (1841-1910) a fost atras de jocul pitoresc de lumină și aer.

Pictura rusă de peisaj din secolul al XIX-lea și-a atins adevăratele culmi în opera lui Isaac Levitan (1860-1900), un elev al lui Savrasov. Levitan este un maestru al „peisajelor de dispoziție” calme, dar pătrunzătoare. Multe dintre capodoperele sale descriu vederi ale Plyosului de pe Volga de sus .

Vasily Polenov (1844-1927), Konstantin Korovin (1861-1939), Ilya Repin (1844-1930), Nikolai Ge (1831-1894) au avut și ei o contribuție semnificativă a celor mai înalte realizări la dezvoltarea peisajului rus din secolul al XIX-lea. secolului, unic prin versatilitatea și semnificația sa socială . , Valentin Serov (1865-1911), Kiriak Kostandi (1852-1921), Nikolai Dubovskoy (1859-1918) și alții.

Ulterior, soarta „impresionismului rus” s-a dovedit a fi dificilă. Atitudinea negativă față de „studiu” care a apărut în anii 1930 și a căpătat o inerție pe termen lung a paralizat multe dintre destinele artiștilor și i-a forțat pe istoricii de artă să „salveze” în mod retroactiv I. Repin, V. Serov., I. Levitan de la el, cu omisiuni de a evalua opera lui K. A. Korovin și a altor maeștri remarcabili ai peisajului.

Pictura de peisaj a secolului XX. Tradițiile și tendințele stabilite în secolul al XIX-lea – Pyotr Konchalovsky (1876–1956), Igor Grabar (1871–1960), Konstantin Yuon (1875–1968) și alți artiști – s-au dezvoltat cu talent.

În primele două sau două decenii și jumătate, a fost întreprinsă o căutare, adesea cea mai îndrăzneață, a unor noi mijloace expresive pentru a transmite peisajul - artiști de avangardă ( Kazimir Malevich (1879-1935), Wassily Kandinsky (1866-1944) , Natalya Goncharova (1881-1962)).

Pavel Kuznetsov (1878-1968), Nikolai Krymov (1884-1958), Martiros Saryan (1880-1972) și alții și -au creat peisajele în spiritul artei simboliste .

Aproape în același timp (anii 20-30) tendințele neo-academice au fost dezvoltate de Nikolai Dormidontov (1898-1962), Semyon Pavlov (1893-1941).

În anii 1930, în URSS a început epoca metodei justificate ideologic a realismului socialist în artă în general și pictura în special. În cadrul său, cu ajutorul diferitelor forme artistice, stiluri, tehnici și preferințe individuale, se realizează o varietate de tendințe stilistice . Vasily Baksheev (1862-1958), Nikolai Krymov (1884-1958), Nikolai Romadin (1903-1987) și alții - linia lirică a picturii peisagistice; Konstantin Bogaevsky (1872-1943), Alexander Samokhvalov (1894-1971) și alții - ritmurile rapide ale peisajului industrial; Alexander Deineka (1899-1969), Georgy Nissky (1903-1987), Boris Ugarov (1922-1991), Oleg Loshakov (1936) - „ stil sever ”. Mulți alți pictori de peisaj au lucrat în limitele realismului socialist până în anii '70.

Din a doua jumătate a anilor 1950, în legătură cu reînnoirea conștiinței publice cauzată de dezghețul Hrușciov , au fost reabilitate treptat o serie de domenii ale artei interne și străine, în primul rând impresionismul . Un astfel de „fulcrum” atât pe tradițiile culturale generale, cât și pe cele locale de pictură a deschis calea către un limbaj al picturii mai liber și mai divers în toate deceniile sovietice ulterioare, iar în anii 60-70 a dat o adevărată „stropire” de înalte realizări artistice în peisaj. pictură în lucrări ale maeștrilor reprezentând Moscova [1] , Leningrad , Odesa [2] , Vladimir [3] , Crimeea [4] , Ufa , Kiev și alte școli de pictură.


Vezi si

Fotografie de peisaj

Peisajul în fotografia timpurie

În 1826, Joseph Niépce a instalat o cameră obscura cu o tablă acoperită cu asfalt pe pervaz pentru a face o imagine și a început filmarea, care a fost efectuată toată ziua. Așa a fost creat primul peisaj fotografic.

Dagherotipul , inventat de artistul francez Louis Daguerre în 1839, a făcut posibilă înfățișarea peisajului și arhitecturii, care pot fi considerate ca bază a peisajelor naturale și arhitecturale. „Orașul a fost obiectul imaginii încă de la apariția dagherotipului. În 1839-1840, Daguerre a filmat panorame ale Parisului, definind astfel baza reproducerii mediului urban” [6] . În anii 1830, inventatorul britanic William Talbot a creat procesul de calotip , iar în 1844 a publicat prima carte cu ilustrații foto: Creionul naturii [7] .

Crearea unui peisaj poate fi considerată unul dintre punctele de plecare pentru inventarea fotografiei [5] . Crearea peisajelor în timpul unei călătorii în Italia și dificultatea de a realiza un desen în acuarelă l-au determinat pe Talbot să inventeze și să îmbunătățească procesul fotografic – el menționează acest lucru în cartea sa „Creionul naturii” [8] . Odată cu îmbunătățirea tehnologiei fotografice și odată cu apariția cadrului instant, imaginea peisajului a devenit un motiv pictural comun. Peisajele sunt fotografiate într-o varietate de scopuri: științifice, artistice, documentare, topografice.

Peisaj și caracteristici tehnice

Crearea unui peisaj în fotografia timpurie a fost asociată cu o serie de dificultăți [5] [9] . Una dintre ele a fost posibilitățile tehnice de fotografiere: expunerea a durat de la 15 la 30 de minute. Prin urmare, fotografiarea peisajului a fost dificilă. Elementele de peisaj în mișcare (nori plutitori, copaci legănați, oameni care se plimbă în fundal) nu au fost afișate la expuneri lungi. Au apărut dificultăți și în legătură cu iluminarea diferită a diferitelor părți ale peisajului. De exemplu, cerul, pământul și marea erau adesea tipărite din mai multe negative pentru a echilibra cadrul [10] .

În ciuda dificultăților tehnice, unul dintre principalele motive pentru răspândirea fotografiei de peisaj a fost soluția relativ ușoară a problemei înfățișării perspectivei [11] . Crearea unei fotografii a durat mult mai puțin decât execuția unui tablou și, în același timp, imaginea a făcut posibilă realizarea unei imagini de perspectivă de încredere.

Fotografia și-a dezvoltat propriul set de tehnici picturale asociate cu scurtarea , creșterea (sau, dimpotrivă, slăbirea) adâncimii câmpului, folosirea unui obiectiv mare etc. Fotografia a susținut și a continuat parțial tradiția unui peisaj pitoresc, reproducând schemele picturale ale o pictură clasică sau dezvoltarea tehnicilor simboliste . Tradiția peisajului pitoresc a fost folosită, de exemplu, de fotografia picturală .

Fotografie de peisaj și pictorialism

Peisajul a fost un gen important în fotografia picturală . De fapt, în cadrul pictorialismului s-a format peisajul natural (mai degrabă decât arhitectural) ca gen independent [12] . Peisajul pictural a imitat imaginea picturală și, în același timp, a căutat să-și formeze propriile metode picturale. Unul dintre semnele unui cadru pictural poate fi considerat o focalizare moale și un cadru neclar [13]  - această tehnică se găsește atât printre maeștrii pictorialismului clasic, cât și printre susținătorii acestei metode într-un moment ulterioară.

Fotografia și peisajul arhitectural

Arhitectura a fost inițial o parte importantă a peisajului fotografic [5] . Prima fotografie făcută de Niépce înfățișa clădirile moșiei sale. Peisajul arhitectural a câștigat prioritate în fotografia timpurie datorită imobilității și obiectelor de arhitectură mari, locale [5] .

Dacă peisajul arhitectural a prins imediat rădăcini în fotografie, atunci imaginile cu imagini cu animale sălbatice cu frunziș care se mișcă în vânt și clarobscur instabil nu au permis pentru mult timp obținerea unei imagini de înaltă calitate. Această instabilitate a fost exploatată (parțial în mod conștient) de fotografia picturală . Reprezentarea peisajului a prezentat o focalizare moale , care a legat fotografia de tradiția picturală. Pădurile și câmpurile au fost descrise într-o formă generalizată. O astfel de vedere a naturii i-a permis fotografului să evite detaliile inutile care nu erau încă disponibile camerei și, în același timp, să transmită o anumită dispoziție în peisaj.

Maeștri de bază

În dezvoltarea peisajului fotografic s-au dezvoltat principiile creative ale respectării scrupuloase la toate detaliile peisajului natural, unde fiecare fir de iarbă, fiecare frunză este înfățișată cu o claritate stereoscopică . Peisajul fotografic, atât arhitectural cât și peisagistic, este reprezentat de o mare listă de nume. Printre ei se numără maeștri precum Gustave le Gré , Edouard Baldus , Charles Marville, Eugène Atget [14] , Robert Demachy , Ansel Adams și alții.Unul dintre exemplele clasice de fotografie de peisaj sunt priveliștile parcurilor naționale realizate de celebrul fotograf, membru al Grupului F /64 de către Ansel Adams [15] . Realizate în anii 1940, ele rămân un exemplu de fotografie de peisaj realistă și, în același timp, conceptuală.

Fotografia suprarealistă a arătat un interes mai degrabă pentru subiect decât pentru peisaj. Cu toate acestea, peisajul este reprezentat în lucrările multor reprezentanți ai fotografiei suprareale. De exemplu: Philippe Halsman , Man Ray , Dora Maar , Renee Magritte și alții.

Forma peisajului este folosită în fotografiile lui Ed Ruscha , Shirin Neshat , Sophie Calle , Andreas Gursky .

Vezi și

Note

  1. ↑ Şcoala de Pictură din Moscova . Data accesului: 23 decembrie 2012. Arhivat din original la 1 februarie 2015.
  2. ↑ Școala de Pictură din Odesa (Rusia de Sud)  (link inaccesibil)
  3. ↑ Şcoala de Pictură Vladimir (link inaccesibil) . Data accesului: 23 decembrie 2012. Arhivat din original la 24 ianuarie 2013. 
  4. ↑ Şcoala de pictură din Crimeea (Cimmerian).
  5. ↑ 1 2 3 4 5 Vasilieva E. Oraș și umbră. Imaginea orașului în fotografia artistică a secolului XIX - începutul secolului XX. — Saarbrücken: LAP, 2013.
  6. ↑ Vasilyeva E. Oraș și umbră. Imaginea orașului în fotografia artistică a secolului XIX - începutul secolului XX. — Saarbrücken: LAP, 2013, p. 7.
  7. ↑ Talbot WHF Creionul naturii: în 6 părți. — Londra: Longman, Brown, Green și Longmans, 1844-1846
  8. ↑ Talbot WHF Creionul naturii: în 6 părți. - Londra: Longman, Brown, Green and Longmans, 1844-1846, p. unu.
  9. ↑ Levashov V. Prelegeri despre istoria fotografiei. M.: Trimedia Content, 2014.
  10. ↑ Stamp, G. The changing metropolis: earliestphotographs of London 1839-1879. NY, Londra: Penguin Books, 1984
  11. ↑ Vasilyeva E. Fotografia și sistemul de perspectivă vizuală. // Comunicarea vizuală în dinamica socio-culturală Colecția de articole a II-a Conferință Științifică Internațională. 2016. S. 182-185.
  12. ↑ Vasilyeva E. Oraș și fotografie picturală // Vasilyeva E. Oraș și umbră. Imaginea orașului în fotografia artistică a secolului XIX - începutul secolului XX. Saarbrücken: LAP, 2013. p. 120-130.
  13. ↑ Levashov V. Prelegere 5. Fotografia de artă de la pictorialism la suprarealism / Levashov V. Prelegeri despre istoria fotografiei. M.: Trimedia Content, 2014. - 102-116.
  14. ↑ Vasilyeva E. Eugene Atget: biografie artistică și program mitologic // International Journal of Cultural Studies, Nr. 1 (30) 2018. P. 30 - 38.
  15. ↑ Alinder M. Group F/64: Edward Weston, Ansel Adams, Imogen Cunningham și comunitatea artiștilor care au revoluționat fotografia americană. Londra: Bloomsbury, 2014.

Surse

  Accesați articolul Wikidata  Dicționare și enciclopedii