-
| Viktor Alekseevici Kulbak | |
|---|---|
| Data nașterii | 12 martie 1946 (76 de ani) |
| Locul nașterii | |
| Țară | |
| Ocupaţie | pictor |
| Fișiere media la Wikimedia Commons | |
Viktor Alekseevich Kulbak (n . 12 martie 1946 , Moscova) este un artist francez de origine rusă.
Viktor Kulbak a fost al doilea copil din familie. Tatăl său era pilot militar, mama lui avea grijă de copii și de casă. Ea a fost cea care a atras prima atenție asupra dragostei lui Victor pentru desen și, într-o bună zi, l-a dus la școală la Academia de Arte , care era situată alături, pe strada Kropotkinskaya . După ce a trecut în revistă munca și a vorbit cu băiatul, directorul i-a sugerat să înceapă cursurile de mâine. Kullback a studiat la această școală timp de patru ani și încă își amintește cu recunoștință: „Ne-au învățat meseria. Profesorii noștri erau de la Academia de Arte, iar metodele de predare sunt cele mai clasice. Ne-au cerut un singur lucru - acuratețea. Mi-a plăcut foarte mult și am studiat cu plăcere. Cele mai bune lucrări au fost agățate în mod regulat într-o fereastră specială de pe stradă. Când desenul meu a apărut pentru prima dată acolo, am fost teribil de mândru și chiar mi-am adus mama și sora, ca să se bucure de succesul meu. Vă puteți imagina groaza lor când au văzut că geamul era spart și desenul meu era singurul expus! - răpit. Eu, dimpotrivă, eram fericit: a fost primul meu succes profesional.” [unu]
După ce și-a terminat studiile în școli de artă și gimnaziu, Kullback, realizând insuficiența educației școlare și urmând exemplul vechilor maeștri, a început să caute un mentor. După ce a vizitat multe ateliere, a ales unul dintre artiștii cunoscuți la acea vreme, care i s-a părut cel mai interesant. Învățătura nu a durat mult: chiar în prima zi, Kulbak s-a certat cu maestrul și a părăsit studioul înfuriat. Motivul a fost foarte simplu: maestrul i-a învățat stilul, principiile estetice, viziunea și deloc secretele meșteșugului, pe care el însuși le-a stăpânit perfect. [2] După acest incident, Kullback ia poate cea mai importantă decizie din viața sa: să învețe de la vechii maeștri, să le studieze tehnica, să analizeze principiile estetice, să privească îndeaproape detaliile. Ca toți artiștii începători, a experimentat diverse influențe: Van Gogh , Cezanne , Brueghel... Dar toate acestea s-au încheiat în cele din urmă cu un apel la Renaștere: Leonardo da Vinci , Michelangelo , Dürer , Van Eyck , Memmling - aceștia sunt adevărații profesori ai lui Kullback. Și aici trebuie să vorbim nu despre influență, ci despre continuitate, despre continuarea tradiției.
Irascibilitatea și intransigența inerente lui Kullback, pe care le-a arătat în mod repetat în anii de școală [3] [1] , nu au putut decât să conducă la conflict cu realitatea sovietică. Ceea ce era important și valoros pentru Kullback nu se încadra în canoanele plictisitoare ale artei oficiale. Și el, la fel ca mulți dintre contemporanii săi, care mai târziu au devenit cunoscuți ca artiști nonconformiști , a fost forțat să își câștige existența creând cărți și reviste ilustrate și a lucrat în secret la ceea ce îl interesa cu adevărat, prezentând lucrări doar într-un cerc restrâns de prieteni. Autoritățile, în schimb, i-au hrănit doar pe cei ascultători, în timp ce cei netratați și mândri le-a fost greu. Chiar și materialele de lucru (vopsele, pensule, pânze, creioane) de bună calitate nu puteau fi cumpărate de către membrii Uniunii Artiștilor decât într-un stand special, iar toate celelalte erau „cumpărate” în magazine pentru oamenii de rând. Într-o zi, Kullback a intrat într-una dintre aceste unități pentru a cumpăra vopsea verde. Vânzătoarea l-a privit cu surprindere neascunsă: „Uite ce ai vrut, vara e în curte, acum se vopsește toată verdeața”. „Deci nu vei avea vopsea albă iarna?” a glumit sumbru artistul.
Pentru a adera la Uniunea Artiștilor, a trebuit să participi la două expoziții oficiale. [4] Comisiile de selecție, formate din oficiali de partid și artiști ortodocși, au asigurat cu strictețe că nu există abateri de la principiile estetice ale realismului socialist și au blocat calea oricui încerca să încalce aceste principii.
Dar la începutul anilor '70, având în vedere nemulțumirea tot mai mare în rândul tinerilor artistici, autoritățile au făcut următorul pas: unui artist începător i s-a permis să facă o expoziție într-o instituție închisă (de exemplu, Institutul de Fizică al Academiei de Științe), unde era imposibil să ajungă fără permisiunea specială și a aranjat acolo o discuție despre munca lui. Desigur, situația a fost controlată de reprezentanții KGB și ai comitetului de partid. Kullback a avut două astfel de expoziții, iar ambele au fost interzise și închise la doar două ore după începerea din ordin de sus.
În 1975, Viktor Kulbak a părăsit Uniunea Sovietică . A locuit șase luni la Viena . A încercat să lucreze și acolo, dar principala lui ocupație a fost vizitarea muzeelor. Viena este un paradis al artistului: Kunsthistorisches Museum , Academia, Albertina, Muzeul de Artă Modernă - a petrecut zile întregi acolo. Odată părea să fie amorțit în fața unuia dintre tablourile lui Brueghel. Timpul s-a oprit, lumea exterioară a încetat să mai existe. Îngrijitorul l-a scos dintr-o stare de inconștiență: muzeul se închidea. Kullback a fost foarte surprins: când a intrat în muzeu, era doar ora 11 dimineața. S-a uitat pe fereastră: luminile stradale fuseseră deja aprinse, se întuneca... După cum a aflat mai târziu, a experimentat un fenomen cunoscut de medicina modernă sub numele de „sindrom Stendhal ”. Acest sindrom poartă numele scriitorului, deoarece el a fost cel care l-a descris pentru prima dată în 1817 în cartea Napoli și Florența: o călătorie de la Milano la Reggio. [5] [6]
Înainte de a părăsi Uniunea Sovietică, Kullback, cu ajutorul prietenilor, a reușit să-și introducă de contrabandă picturile în Suedia . Și apoi, în sfârșit, a venit o invitație de la Stockholm de la o galerie cunoscută. [7] se mută în Suedia și petrece aproximativ un an acolo. În acest timp, patru dintre expozițiile sale personale au loc cu succes în Scandinavia: Helsingforg , Stockholm, Malmö , Oslo . În 1976, Kullback s-a mutat la Paris. De atunci, au avut loc 25 dintre expozițiile sale personale: Franța, Italia, Japonia, Canada, Belgia, Statele Unite ale Americii, Marea Britanie, Germania, Malta. Lucrările sale au fost expuse și la un număr mare de expoziții colective și saloane, printre care este important de menționat „La Biennale di Venezia” [2] (link inaccesibil) (Veneția, Italia, 1977), „Grands et Jeunes d'aujourd”. 'hui” ( Paris , Franța, 1974-1984), „Silver Point in America” ( Florida , Arkansas , Massachusetts , SUA, 1982), „Art Albertina” [3] (Viena, Austria, 2009).
Din 2000, Kullback locuiește și lucrează în Malta .
În lucrarea lui Kullback, mai multe perioade pot fi distinse condiționat:
Fluture (1971)
Icar (1972)
Fluture mecanic (1973)
Vacanta (1970)
În contemplare (1977)
Metamorfoze (1977)
Meditație (1978)
Călător (1977)
Pilot (1986)
A făcut tot ce a putut, dar tot singur (1987)
Destinul (1987)
Se spune că tatăl ei era răutăcios (1985)
Maimuță verde (2004)
Portret (2001)
Nud nr. 4 (2006)
Natura moartă (1987)
Kullback lucrează într-o mare varietate de tehnici: ulei, guașă , acuarelă , vârf uscat , creion, cerneală, vârf de argint . Folosește rețetele maeștrilor Renașterii, adaptându-le la conceptul său estetic. La un moment dat, chiar a făcut el însuși pensule și hârtie în atelierul său. [opt]
Cu toată diversitatea stilistică, tematică și tehnică, lucrările lui Kullback din toate perioadele sunt unite de zgârcenia mijloacelor tehnice și de bogăția lumii interioare a obiectelor reprezentate. Modul în care artistul reușește să combine aceste, la prima vedere, trăsături opuse și să obțină armonie este secretul său. Pe fundalul colegilor săi contemporani, el rămâne un fenomen unic, iar acesta a fost succint formulat de un colecționar: „Kullback nu aparține artei moderne: poate să deseneze”.
„Renașterea în civilizația noastră”, spune Viktor Kulbak, „ocupă un loc excepțional. Înfățișând o persoană, artistul din acea vreme l-a înfățișat pe Dumnezeu în el și numai un profesionist putea face față acestei sarcini. Niciodată – nici înainte, nici după – meșteșugul artistului nu s-a ridicat la asemenea înălțimi. Istoria artei perioadelor ulterioare este istoria coborârii din Olimp. Dumnezeu este înlocuit treptat de om, iar procesul se încheie cu artistul însuși devenind obiectul cu tot ceea ce îi este inerent: dureri de cap, indigestie, sciatică... Artistul nu mai este interesat de frumusețea prin care Creatorul comunică cu noi. in lumea asta. Centrul universului este el însuși, centrul interesului filozofic este un coș pe corpul său, iar acest fenomen este explicat prin sute și mii de pagini de zaumi pseudo-filozofice. Un artist autoproclamat fără meșteșuguri sau talent, un negustor de artă fără remușcări și un colecționar fără gusturi – adică cel care domină astăzi așa-numita piață de artă. Fabrici în care ucenicii lipesc benzi de hârtie colorată pe pânză, iar artistul își pune numele doar pe aceste capodopere, baloane în formă de inimioare roz, borcane cu excrementele artistului – cum am ajuns la o astfel de viață? Elevului i se dă o perie în mâini și i se spune: exprimă-te. Cui i-ar veni ideea să-l așeze în fața pianului și să-i spună: exprimă-te. De ce pare absurd acest lucru în cazul pianului și nu în cazul pensulei? Desigur, pentru a face un adevărat artist dintr-un copil, trebuie mai întâi să-l înveți să deosebească frumosul de urât, să-l înveți să stăpânească materialul, transformând chiar și neajunsurile în virtuți și să-l înveți tehnica. Acest lucru, desigur, necesită ani de muncă grea și muncă grea. Dar dacă nu începem să o facem astăzi, viitorul lumii noastre mi se pare sumbru. Renunțând la frumusețe, renunțăm la civilizație. Nu știu dacă lumea va fi salvată de frumusețe, dar nu va putea supraviețui fără ea.”
1975 Suedia, Helsinborg, Briiska Galleriet
1976 Suedia, Stockholm, Grafikhuser Futura
1976 Suedia, Malmo, Galerie Leger
1976 Norvegia, Oslo, Galerie 27
1976 Franța, Paris, Galerie Etienne de Causans
1977 Franța, Paris, Galerie Etienne de Causans
1980 Japonia, Tokyo, Galerie Takeishi
1981 Franța, Paris, Galerie Isy Brachot
1982 Canada, Toronto, Galeria Lavrov-Tannenbaum
1983 Belgia, Bruxelles, Galerie Isy Brachot
1984 Franța, Paris, Galerie Isy Brachot
1985 Japonia, Tokyo, Galeria Isetan
1986 Italia, Roma, Studio S
1986 SUA, New York, Galeria Leslie Cecil
1987 Japonia, Tokyo, Galeria Isetan
1988 SUA, New York, Galeria Leslie Cecil
1997 Franța, Paris, Cite des Arts
1999 SUA, Arkansas, Little Rock, Arkansas Arts Center
2000 SUA, New York, Galeria Beadleston
2000 SUA, Los Angeles, Galeria Jan Baum
2001 Franța, Paris, Musée de la Chasse et de la Nature
2002 SUA, New York, Galeria Beadleston
2002 Malta, La Valletta, Muzeul Național de Artă Plastică
2004 SUA, New York, W. M. Brady & Co
2005 Marea Britanie, Londra, Portland Gallery
2007 SUA, New York, W. M. Brady & Co
2008 Marea Britanie, Londra, Portland Gallery
2009 Malta, La Valletta, Muzeul Național de Artă Plastică
2009 Germania, Frankfurt pe Main, Nathalia Laue Galerie & Edition