| Stanislav Sichev | |
|---|---|
| Numele la naștere | Stanislav Ivanovici Sicev |
| Data nașterii | 19 decembrie 1937 |
| Locul nașterii | Odesa , URSS |
| Data mortii | 2 septembrie 2003 (65 de ani) |
| Un loc al morții | Odesa , Ucraina |
| Cetățenie | URSS → Ucraina |
| Studii | Școala de artă din Odesa |
Stanislav Ivanovich Sychev ( ukr. Stanislav Ivanovich Sichov ) (19 decembrie 1937, Odesa - 2 septembrie 2003, Odesa ) - artist ucrainean , unul dintre fondatorii școlii de artă neoficială din Odesa.
Stanislav Sychev s-a născut la 19 decembrie 1937 la Odesa [1] .
În 1960 a absolvit Colegiul de Artă din Odesa . Grekova (profesoare Frumina, Dina Mihailovna ).
În 1961-1963 a trăit și a lucrat în Uzbekistan .
Mulți critici consideră că Bufnița + Hrușcik, organizată la 8 mai 1967 la „ Expoziția de gard ” de tinerii artiști Stanislav Sychev și Valentin Hrușci , pe gardul Operei din Odesa, a devenit punctul de plecare al „nonconformismului de la Odesa” [2]. ] . Această expoziție a durat doar trei ore [2] .
În anii 1970 a participat la expoziții neoficiale la Odesa și Moscova. În 1989 a participat la expoziția internațională „Impreza” din Ivano-Frankivsk . În 1989 și 1994 , expozițiile sale personale au avut loc la Muzeul de Artă Occidentală și Orientală din Odesa [3] .
Stanislav Sychev a murit la 2 septembrie 2003 la Odesa [4] .
Lucrările lui Sychev astăzi sunt împrăștiate în țări și continente. Picturile, acuarelele și desenele sale sunt păstrate în colecții publice și private, multe în proprietari aleatori care nu știu ce au.
Este rar ca cineva astăzi să aibă un asemenea universalism al gândirii picturale. Poate că ar fi mai corect să numim această calitate a talentului lui Sychev o multivarianță pe scară largă. A lucrat cu pasiune la picturi murale monumentale - o frescă în incinta Școlii de Artă Odessa (a fost distrusă în curând din ordinul administrației, care se temea de creativitatea prea liberă a celor mai talentați studenți ai săi). A lucrat la o frescă în Uzbekistan , impregnată cu motive naționale vesele și rafinate. A lucrat la alte lucruri monumentale, a căror soartă s-a dovedit adesea a fi la fel de dramatică ca cea a unei fresce de școală. În viața lui a fost o perioadă întreagă de picturi la scară mare: tragică, frenetică, în care culoarea roșie a pulsat, străpungând pânza cu lovituri puternice. Acestea erau picturi de șevalet de dimensiuni uriașe: 3x4 metri, 5x5 metri - așa este scara acelui tablou, care a intrat curând în foc. O scară proporțională cu intensitatea tragică a personalității artistului. Dar lângă aceste pânze, arse cândva cu mâinile sale în curtea propriei case și păstrate doar în amintirile celor dragi, se află gravurile sale supraviețuitoare. Vor fi discutate. Gravura este o artă aristocratică în reținerea ei: o linie neagră, o pată, o foaie albă. Fără mișcare liberă a periei, stropire liberă de vopsea. Mișcare verificată cu scrupulozitate a acului de gravură, tăietorului, gravorului. Păstrate și păstrate cu grijă de familia artistului, gravurile sale sunt magic miniaturale, dimensiunea lor medie este de 2x3 centimetri. Iată „acul uscat” - tehnica acum aproape uitată de a zgâri o imagine în oglindă pe o placă de metal, care apoi se regăsește în imprimeu. Aceste capodopere minuscule arată cum, cu toată ardoarea, a stăpânit tehnica epuizantă a gravurii. Gravură gravă, gravură cu vârf uscat, linogravură , gravură în lemn (gravură în lemn) . Este într-adevăr aceeași mână, același ochi, același suflet care a creat furia puternică a pânzelor tragice ale lui Sichev și virtuozitatea minusculă a gravurilor sale? Datorită computerului, le putem răsfoi la nesfârșit, mări și îndepărta de noi înșine, fără a uita că, contrar tradiției graficelor tipărite, aceste lucruri există fiecare într-un singur exemplar. Nu au fost replicate, păstrate doar în prima imprimare. Au fost norocoși - ei, mici și fragili, au supraviețuit totuși.
Sunt puține desene de Stanislav Sychev și sunt distribuite neuniform în timp. Lucrările studențești din anii 1956-1958 predomină clar , sunt prezentate 1961 și 1965 , din celelalte rămân doar câteva foi. Din ele se poate doar ghici cum a crescut artistul în arta exigentă a desenului: din studiile clasice ale naturii, a trecut la o posesie din ce în ce mai liberă a unei linii curate, eliberând forma din planul foii (desene „ Uzbek”, „Pisici”) și un joc de linie ironic și relaxat încântător cu un avion („Capră”).
Desenul , destul de ciudat ar putea părea privitorului, este în general cea mai „săracă” colecție. Colecționarii știu că piața de artă este cea mai puțin probabilă să întâlnească desene. Artiștii înșiși le tratează adesea fără vreo reverență, ca pe un material pur auxiliar pentru imaginea viitoare, astfel încât desenele sunt rareori salvate. Dar anii trec, iar o schiță păstrată accidental capătă autenticitatea și credibilitatea unui document. Acesta este și cazul desenelor lui Sychev prezentate în această secțiune.
Acuarelele lui Sychev sunt o sferă specială a existenței sale picturale. În acuarelă, foaia se arată întotdeauna prin culoare, dându-i luminozitatea familiară acestei tehnici. Dar în cearșafurile lui Stanislav Sychev, luminozitatea și aerisirea nu sunt în niciun caz dominante. Foaia lui de acuarelă este structurată cu linii care smulg o formă din inexistență și o fixează în spațiu. Spatiul in sine este creat printr-o tehnica rafinata: artistul are incredere totala in libera miscare a petelor colorate de pe plan. Interacționând cu structura liniară a foii, ele creează un suflu de volum în ea. Marele critic de artă rus Pavel Florensky a susținut că într-o lucrare o linie întruchipează gândirea, iar culoarea întruchipează emoția. Acuarelele lui Sychev sunt doar atât. Au nevoie de o privire atentă, „sentiment” intelectual. Privește orice foaie Sychev, cel puțin „Câinii zboară” (7x10 cm, 1979 ) cu strigătul său roșu. Culoarea aici, de fapt, este scoasă din subiect, există ca o emoție independentă, ca un strigăt al sufletului care nu se concretizează într-un lucru. Aceste acuarele nu sunt atât de blânde și luminoase, cât de ascunse și, adesea, sincer tragice și emoționante, amestecate dens cu amărăciunea senzației lumii. Iată-le în fața ta într-un fișier numit simplu „Acuarelă”. Dar aceasta este o acuarelă de Stanislav Sychev.
Sunt disponibile multe portrete și portrete timpurii din ultimul deceniu al vieții artistului. Lucrările lui Sychev din anii 1950 sunt formal educaționale. Dar nu sunt în niciun caz studenți sau tineri. Privind aceste fețe, vedem oameni și vedem o persoană: vedem oamenii reprezentați pe pânză și vedem persoana care i-a înfățișat - un tânăr, aproape un băiat, care are capacitatea de a privi eroul la fel de obiectiv ca posibil. Există ceva special în acest look: delicatețea pensulei, atât de rar inerentă tinereții.
Tânărul Sychev are o pictură strictă, impregnată de respect pentru persoana înfățișată - un model de școală, o fată atrăgătoare, un tată într-un portret-poză. Vor trece câțiva ani și în portrete va apărea un sentiment pătrunzător de anxietate (de exemplu, „Autoportret”, construit pe roșu și multe altele). Acest sentiment corodează literalmente armonia realismului obținut în portretele timpurii. Distrugerea formei academice prin exprimarea viziunii asupra lumii a devenit unul dintre factorii determinanți în dezvoltarea ulterioară a artistului. Acest proces este imprevizibil, pentru că s-a dovedit a fi un dialog.
Dialogul lui Sychevsky cu el însuși a condus la concepția sa despre un portret feminin în anii 1990 , ceea ce părea neașteptat pentru mulți. Vorbim despre lucrări precum „Patricia Valeria”, „Melodie pentru Hellas”, „Dansul lui Salome”, „Primăvara Helgei”. Au întrebat: ce este? Stilul Belle Epoque , un tribut tardiv adus Salonului sau altceva? - Cred că este ultimul. Astfel de portrete feminine ale lui Sychev sunt o întâlnire eșuată a eroinelor cu ei înșiși. Cine, de fapt, „în viață” aceste eroine, nu contează pentru artist. La urma urmei, el a scris în poeziile sale: Nu-mi pasă cine ești - o prințesă sau o prostituată, o eroină și ce s-a întâmplat să experimenteze pe calea vieții ... Cu adevărat, știm cu toții cine suntem, dar nu se știe cine am putea fi. Cu aceste portrete, artista le arată femeilor cine ar putea fi. A fi acolo, „în unele secole îndepărtate”, așa cum spunea poetul ( Anna Akhmatova ). Artistul și-a condus eroinele în spațiul ființei și în timpul existenței pe care le crease. Le-a luat și le-a lăsat acolo, în imagini. Acesta este drumul portretelor lui Stanislav Sychev din anii 1950 până la sfârșitul anilor 1990 , pe care spectatorul îl va vedea în această secțiune.
Tot ceea ce scrie Sychev este proiectat asupra unei persoane - fie că este vorba despre un interior, o natură moartă sau un peisaj (de fapt, ele practic nu apar în forma sa pură). Trăind lângă mare, a rămas un străin de portul de agrement ca atare, dar și-a dezvoltat propriul gen de autor, pe care aș dori să-l numesc „omul și elementele”. Aruncă o privire la acuarela „Vânt”, unde complotul este lupta corpului unei fete cu presiunea aerului. Dar o astfel de luptă fizică a unei persoane cu elementele este mai degrabă o excepție pentru el. El, un locuitor al orașului și un sudic, transformă interacțiunea unei persoane cu elementele de apă, soare și aer într-o declarație a afinității lor, în interacțiunea unor chestiuni înrudite. Sychev a văzut corpul uman ca pe ceva co-natural cu elementul apă, încălzit de soare și devenind particula acestuia, ca pe ceva inclus în mod natural în ritmurile plastice ale țărmului. Surprinzător de frumoase sunt trupurile femeilor sale, întinse pe malul mării și spălate de valuri. Sunt asemănătoare elementelor naturale, fac parte din această ființă ritmică și sunt generate de ea. Prezența invizibilă a omului în peisajele Asiei Centrale („Kittab”, „Mulberry Tree”) este mai degrabă o excepție de la conceptul autorului. De obicei, persoana lui este inclusă în peisaj ca o întruchipare vizibilă a stării individuale a personajului. Prin urmare, răsfoind reproducerile genului peisagistic al lui Stanislav Sychov, privitorul prinde în ele nu atât un „peisaj al sufletului”, cât un peisaj dominat de un element separat - un element irezistibil, al cărui nume este Soarta.
Definiția „picturii de gen”, binecunoscută tuturor iubitorilor de artă plastică , este adesea înțeleasă ca un sinonim pentru termenul „gen de zi cu zi” , adică o imagine în care se întâmplă ceva. Acest „ceva” din istoria artei europene a fost înțeles de artiști în moduri diferite: de la alinierea conștiincioasă a personajelor pe o pânză uriașă de către academicieni până la „smulgerea” unei stări din fluxul de momente de către impresioniști. Totuși, așa cum a remarcat un critic strict și observator, impresioniștii au transformat astfel totul într-un peisaj, chiar și într-un chip uman (ca să nu mai vorbim de eveniment). Încercând să nu ne înecăm în adâncul teoriei genurilor, să ne punem întrebarea: de unde și-a luat subiectele artistul Stanislav Sychev? Unde ai cautat-o, unde ai gasit-o? Cadrul care conține parcela, el se dovedește adesea a fi ferestrele locuinței (privind la întâmplare pe fereastră), geamurile mașinii, tramvaiul, ușa întredeschisă. Astfel, artistul își rezervă dreptul de a nu compune personajele pe o pânză goală, de a nu se amesteca în relația lor, ci de a repara compoziția deja compusă de Majestatea Lor Chance. Desigur, aceasta este o tehnică conștientă - dar ce măsură de tact artistic, respect delicat pentru eroii imaginii viitoare! Ceea ce se întâmplă este spus în singurul mod: felul în care este descris. Pânza „Pe port” poate fi numită oficial peisaj - dar este absolut imposibil să o numim așa, deoarece imaginea este despre altceva. Este vorba despre singurătatea unei persoane într-o lume crudă și rece, în care singurul suflet viu este un câine. Culoarea galbenă pătrunzătoare, contururile zdrăngănitoare ale figurilor personajelor creează o scenă de gen dedicată singurătății cu adevărat fără speranță și care rămâne în memoria privitorului ca un exemplu al „ genului dur ” al lui Sychev . Foarte multe lucrări ale lui Stanislav Sychev, învecinate în mod oficial cu un portret sau o schiță, sunt prin natura lor tocmai un „gen dur”. Cum să explic acest termen ocazional (adică compus pentru o anumită ocazie)? Să căutăm o metaforă. Iubitorii de jazz sunt bine conștienți de definiția uimitoare: „Bluesul este atunci când o persoană bună se simte rău”. Nu este vorba de picturile lui Stanislav Sychev, care formal pot fi definite ca pictură intriga sau portret, dar în esență sunt pur „genul dur” al lui Sychev? Imagini despre cât de răi sunt oamenii buni. Ei sunt în fața ta. Fii receptiv! Era atât de plin de speranță .