Artist ( artist bulgar , artist ucrainean , persoană subțire, artistică , din ( Old Slav Khedog ), din Handugs gotici - înțelept; Handags gotici - dexter, din handus - mână) [1] - în sensul cotidian un artist este o persoană care face arte plastice [2] . Cu toate acestea, numim adesea un artist o persoană care lucrează nu numai în domeniul artelor plastice , ci și în alte tipuri de creativitate artistică și, de asemenea, metaforic: un artist în domeniul său în orice domeniu de activitate creativă. Prin urmare, o altă definiție este mai acceptabilă: „o persoană creativă, un expert, un maestru înzestrat cu talent artistic și imaginație creatoare” [3] .
Este necesar să se facă distincția între conceptele de activitate estetică și artistică. În anii 1960, M. S. Kagan , la prelegeri despre estetică, a explicat diferențele dintre zonele conștiinței estetice și artistice, desenând cu creta pe o tablă o diagramă a două cercuri, suprapuse parțial. Ulterior, M. S. Kagan a clarificat astfel de relații în cărțile „Activitatea umană” (1974), „Estetica ca știință filosofică” (1997), subliniind că aceste concepte nu pot fi sinonimizate sau considerate artistice doar ca „cea mai înaltă manifestare a esteticii” . O operă de artă poate fi doar parțial în domeniul esteticii sau poate depăși complet acesta, iar activitatea estetică, la rândul ei, poate să nu coincidă cu activitatea artistică. Deci, de exemplu, ridicarea pietrelor colorate pe malul mării sau aranjarea mobilierului într-o cameră, agățarea tablourilor pe pereți sunt activități estetice, dar nu artistice. În același timp, o persoană, având grijă de frumusețe, nu devine artist [4] .
O precizare este faptul că numim activitate artistică activitate de creație menită să creeze nu numai valori estetice (frumusețe), ci și imagini artistice - „imprimarea unui obiect în altul”, creând o nouă integritate, generalizând după trei principii de bază. :
Imaginea artistică este întotdeauna concretă, individuală (subiectivă) și emoțională. În munca materială pricepută, nu apare, de regulă, un meșteșug simplu, un model figurativ. Activitatea estetică nu produce imagini artistice, ci doar armonizează obiectele care există efectiv și modelele lor mentale; cu ajutorul activității artistice, o persoană „se dublează în modelul figurativ” și în materialul unui tip de artă sau al unuia. Gândirea figurativă „induce să dubleze obiectul experimentat astfel încât artistul însuși să fie imprimat în el” [7] . În conștiința estetică - senzația și experiența frumuseții - o persoană, așa cum spunea, se dizolvă, se depersonalizează în obiectul experimentat; în artă, interferează activ cu realitatea. Prin urmare, nu orice imagine este estetică și artistică, o imagine artistică poate fi urâtă, iar una estetică nu este neapărat artistică.
Specificul activității artistice umane constă în interacțiunea holistică a multor componente ale acesteia.
Există de obicei patru componente principale:
Toate acestea caracterizează separat cutare sau cutare tip de activitate umană. Împreună dobândesc un subiect specific - creativitatea artistică, care se realizează prin anumite metode, metode și tehnici creative în conceptul de „ compunere ” [8] .
În limbile romanice, nu există nicio distincție lingvistică și semantică între conceptele de „artă” și „artă”. Arta, arta, priceperea, măiestria, arta sunt desemnate în același mod (engleză, artă franceză, italiană, german Kunst). Prin urmare, în estetica vest-europeană s-au dezvoltat și alte relații categorice, ceea ce se reflectă negativ mai ales în teoriile artei contemporane. De exemplu, conceptul de „obiect de artă” poate însemna orice: o operă de artă plastică sau non-fină, dadaism , instalații, body art , ready-made , adesea neavând nici proprietăți estetice, nici artistice. Definiția cea mai încăpătoare: „Creativitatea artistică este o parte a culturii, a activității umane (mentale și materiale) pentru a crea imagini artistice ale „lumii umanizate”, care reflectă cea mai înaltă realitate spirituală” [9] . În tradiția ortodoxă , artistul este adesea menționat ca Domnul Dumnezeu [a] .
Activitatea vizuală primitivă a omului nu era estetică și artistică în sensul modern al acestor cuvinte din cauza sincretismului (inseparabilității) funcțiilor originare: ritual, magic, cognitiv, educațional, comunicativ, creator (tehnic). Calitățile estetice ale imaginilor au fost, de asemenea, dezvoltate și realizate mult mai târziu. Acest lucru este dovedit în mod convingător de sculpturile în stâncă ale „stilului natural al vânătorilor primitivi” și așa-numitul „model natural al fiarei” [11] [12] .
Chiar și în antichitate, „arta” este încă holistică, nu iese din ea nici estetică, nici arta propriu-zisă, nici cognitivă sau „producție” (funcții tehnice). Daedalus a fost considerat primul artist mitologic , dar a fost în același timp un sculptor, un muncitor de turnătorie și un meșter-inventator. În Egiptul antic , artiștii decorau morminte și case de piatră, iar meșteșugul artistului era strâns asociat cu fabricarea vopselelor [13] . În Egiptul antic, crearea imaginilor era considerată un act magic, iar artiștii erau venerați la egalitate cu preoții.
Grecii antici au înțeles arta ca orice lucrare bine făcută, meșteșug. Fără a împărtăși conceptele de valoare materială, estetică și artistică, ei l-au desemnat cu un singur cuvânt „techne”. A.F. Losev a scris: „În general, anticii au împărțit foarte slab arta și meșteșugurile, precum și arta și activitatea mentală, știința sau, după cum spuneau grecii, înțelepciunea... Homer nu cunoaște sculptura sau pictura” ca forme independente de artă. , dar descrie în detaliu „diverse feluri de produse artistice... Arta lui Homer este complet identică cu meșteșugul și nu există nicio modalitate de a trasa o graniță clară între unul și celălalt aici” [14] .
Chiar și în Grecia clasică, zeul Apollo a patronat întregul complex de „arte muzicale” (mai târziu: fine) și „arte tehnice” (inclusiv știință și meșteșuguri) [15] . Și doar treptat „artele mecanice”, care au fost patronate de Atena și Hephaestus , s-au separat de „complexul muzical” .
În Evul Mediu, pictorii de icoane și frescele, de exemplu, Andrey Rublev [16] ), conform tradiției bisericești, reflectau esența divină „transcendentă”, de nedescris, și, prin urmare, nu erau considerați pe deplin autorii operelor lor. Numai în Italia în timpul Renașterii au început să se dezvolte intens procesele morfologice de autodeterminare a diferitelor tipuri, tipuri, soiuri și genuri de artă, formarea personalității unui artist-creator liber, intrând în mod independent în relații de afaceri cu clientul. În același timp, s-a afirmat și dreptul artistului de a „compune povești”. Dar multă vreme funcția mimetică (imitativă) și nu cea compozițională a artelor plastice a rămas principala . S-a format arta „Șevalet”, pictura și sculptura au fost separate de spațiul arhitecturii și meșteșugului tehnic: artiștii s-au eliberat treptat de dependența atelierului meșteșugăresc [17] [18] .
Potrivit criticului de artă N. O. Tamruchi, până la mijlocul anilor 2000, majoritatea artiștilor erau ghidați de relații comerciale raționale, iar crearea de lucruri absolut necomerciale a fost un fenomen rar nedefinitiv în viața lor, în același interviu, Natalia Tamruchi a susținut că cazurile în care artiștii puteau fi indiferenți față de mediul social erau, la acea vreme, extrem de rare, deoarece „artștii liberi” erau mai dependenți de bani și critici decât omologii lor artizani comercializați:
Artistul care creează liber este mai dependent de portofel decât de artizanul creativ. Pentru că meșterul - arhitect sau designer - este plătit primul. Și nu mai depind de ei. Ce va face după ce a primit comanda și a executat contractul depinde doar de ceea ce este capabil. Dar un artist independent, dacă vrea să obțină bani pentru munca sa, în procesul de creare a acesteia, trebuie să țină cont de gusturile publicului, de gustul galeristului, de gusturile criticilor, adică de mediul înconjurător. ... Dacă, desigur, nu vrea să se miște, vrea să fie un artist de succes.
- N. O. Tamruchi, revista [kak) Nr. 30-31 / 2004Art managerul și galeristul Marat Gelman [19] avea un alt punct de vedere , în 2008 susținând că în momentul în care mediul extern a început să dicteze ce fel de artă are nevoie, artista contemporană i-a rezistat:
Sferele care se hrănesc cu artă încep la un moment dat să-și dorească să influențeze arta, iar în acel moment artistul începe să-și construiască limite de nepătrundere: cunoaște-ți locul.
— Marat Gelman: „Criza nu este o piedică în calea artei...” [20]Cu toate acestea, sub aspect istoric, Marat Gelman a recunoscut că artistul a trebuit să țină cont de particularitățile politicii și ale pieței:
Din punct de vedere istoric, arta este eternă, iar piața are diferite forme. Iar piața are sens doar ca modalitate de finanțare a artei. Banii sunt sângele artei. Pe vremuri, biserica era singurul client, era necesar să se respecte mostrele, să primească o comandă, să participe la intrigi. Apoi a fost Epoca Iluminismului, conducătorii luminați au finanțat arta, a fost necesar să le ghicim gusturile... Este foarte posibil ca piața să-și schimbe formele.
— Marat Gelman, Artă și bani [21] anii 2010La începutul anilor 2010, managerul de artă Victor Misiano credea că practica artistică din Rusia reflectă situația politică, așa că este necesară fie ca resursă de propagandă, fie ca industrie de lux și divertisment, curatorul a evidențiat și câteva trăsături ale acelei perioade, de exemplu, Răspunzând Întrebat dacă criza a fost bună pentru arta rusă, Victor Misiano a spus următoarele:
Am auzit deja un punct de vedere similar, că criza va fi benefică pentru situația artistică. Cu toate acestea, cred că dacă artiștii consideră piața ca fiind contextul optim pentru arta lor, atunci în momentul recesiunii economice este puțin probabil să se schimbe: vor încerca pur și simplu să se adapteze la noile condiții de piață.
În același timp, este revelator faptul că opinia noastră publică asociază o anumită perspectivă pozitivă cu criza. Asta înseamnă că pentru el dezvoltarea artei într-un fel sau altul se realizează exclusiv prin bani! Nu de asta ar trebui să se preocupe comunitatea artistică.
- Victor Misiano: „O picătură uzează o piatră” [22]