| Georges Seurat | |
| Cancan . 1889-1890 | |
| fr. Le Chahut | |
| Pânză, ulei. 170×141 cm | |
| Muzeul Kröller-Müller , Otterlo, Gelderland , Olanda | |
| ( Inv. KM 107.757 ) | |
| Fișiere media la Wikimedia Commons |
Cancan [1] ( franceză: Le Chahut ) este un tablou neo- impresionist al pictorului francez Georges Seurat , pictat între 1889 și 1890 [2] . O parte din colecția Muzeului Kröller-Müller din parcul național De Hoge Veluwe , lângă așezarea Otterlo din Țările de Jos . Tabloul a fost expus pentru prima dată în 1890 la Salonul Societății Artiștilor Independenți din Paris, devenind subiect de discuție între istoricii de artă și criticii simboliști. Reprezentând quadrila la Moulin Rouge , pânza i-a influențat pe fauviști , cubiști , futuriști și orfiști .
„Can Can” a fost scris de Seurat în stilul puntillismului , care presupune crearea unei serii de puncte colorate care se însumează pentru a alcătui imaginea. „Cancan” este un prim exemplu al acestei tehnici. Este dominată de o schemă de culori care gravitează spre capătul roșu al spectrului și constă din tonuri pământii de maro, gri cald și albastru care alternează cu culori primare (în special roșu și galben) și alte optsprezece nuanțe (Seurat a creat amestecurile adecvate) .pe paletă înainte de aplicarea pe pânză, iar oricare dintre ele poate fi amestecat și cu alb) [3] . Rama de-a lungul marginii pânzei, de un albastru mai profund, se termină cu un arc blând la marginea de sus.
Modularea luminii și umbrei se realizează prin utilizarea unor puncte mici colorate situate unul lângă altul și diferite atât ca intensitate, cât și ca concentrație [4] . Aceste puncte ar trebui să se îmbine în ochii privitorului pentru a da impresia de culori amestecate atunci când sunt privite de la distanță. În timp ce impresioniștii s-au concentrat pe armonia culorilor bazată pe nuanțe similare sau înrudite (doar parțial separate), armonia neo-impresionistă s-a bazat pe nuanțe contrastante juxtapuse unele față de altele; ca urmare, când se ia în considerare pânza, apare un „amestec optic” vibrant ( fr. mélange optique ) [3] .
Pictura este împărțită în trei spații principale. Partea stângă jos este ocupată de muzicieni; unul dintre ele este situat în centru cu spatele la privitor, cu contrabasul montat în stânga. În dreapta sus este un șir de dansatori: două femei și doi bărbați cu picioarele în sus. Principalul lucru în aspectul lor este curbele și repetările ritmice care creează un sentiment sintetic de mișcare. Fundalul este format din corpuri de iluminat decorative în stil cabaret și mai mulți spectatori așezați în rândul din față, care se uită la spectacol. În colțul din dreapta jos, un alt client arată înclinat, ceea ce indică dorință sexuală sau intenție vicleană; acesta este arhetipul voyeurului masculin , adesea descris în ilustrațiile din reviste can-can de la mijlocul secolului al XIX-lea [5] .
Can-can este un dans provocator, încărcat sexual, care a apărut pentru prima dată în sălile de bal din Paris în jurul anului 1830. Stilul de dans a atras adesea controverse din cauza leagănelor înalte ale picioarelor și a altor mișcări ale brațelor și picioarelor. Până în anii 1890, spectacolele solo ale cancanului în sălile de bal făcuseră loc spectacolelor de grup în locuri precum Moulin Rouge din Montmartre .
„În comparație cu Degas ’ Café Chantant de la Les Ambassadors”, scrie istoricul de artă Robert Herbert, „o lucrare care precede opera lui Seurat, dansatorii din Cancan sunt aliniați cu ritmul repetitiv al artei ornamentale. Paralel cu suprafața, nu o retragere. în adâncurile spiralei, ele se îndoaie și se desfășoară într-o mișcare sacadată care izbucnește literalmente în câmpul nostru vizual . o serie de mici accente tipice artelor decorative, cum ar fi zig-zaguri, curbe ascuțite, fascicule intermitente, paralele repetitive și zone plane persistente” [5] .
Seurat se concentrează pe mișcarea ascendentă a liniilor de-a lungul picturii (o „mecanică extrem de complexă a liniilor”, așa cum o descrie istoricul de artă John Revald [6] ), creând iluzia unei atmosfere energice de dans și muzică [7] . El înfățișează figuri de caricatură într-o manieră reținută și impresionantă, dar cu umor și distracție [5] . Natura antinaturalistă a Can-Can, cu superioritatea sa de expresivitate față de pictorialism și utilizarea elocventă a liniilor și culorii, reflectă atât influența lui Charles Blanc , cât și a lui Humbert de Superville . Teoria lui Humbert de Superville l-a inspirat pe Blanc să creadă că liniile (precum culorile) evocă sentimente. Direcția liniei schimbă expresia feței și, prin urmare, este un semn de emoție. Liniile orizontale sunt sinonime cu seninătatea, asociate cu echilibrul, durata și înțelepciunea, în timp ce liniile largi reprezintă distracția datorită asocierii lor cu expansiunea, inconstantitatea și voluptatea.
Seurat s-a bazat, de asemenea, pe teoriile matematicianului francez Charles Henri cu privire la expresia emoțională și simbolică a liniilor și culorilor, precum și în lucrarea lui Michel Eugène Chevreul și Ogden Rude privind culorile complementare . În plus, el a fost influențat de imprimeurile și lucrările grafice japoneze ale lui Jules Cheret . Deși Seurat a recunoscut că Henri a avut o influență asupra „esteticii sale”, Superville și Blanc nu sunt menționate de el [5] . Și dacă, teoretic, Seurat își rambursează în mod clar datoria față de predecesorii săi, în practică, „Can-can” stă deoparte. Formele sale nu sunt abstracte, ci doar schematice și sunt perfect recunoscute ca mediul social popular în care s-a scufundat Seurat după mutarea sa la Montmartre în 1886; cu un complot provocator din punct de vedere sexual (expunând picioarele și lenjeria intimă) inspirat de dansul parodic al interpreților din Montmartre, cafenele cantiny, teatre, săli de bal, săli de muzică, vodevil și viața de noapte la modă din Paris [5] .
Jules Christophe, un prieten al lui Seurat, care l-a intervievat pentru o scurtă biografie publicată în primăvara anului 1890, descrie Cancanul astfel:
„... sfârșitul unui cadril pretențios pe scena unei cafenele-concert din Montmartre: un spectator, jumătate fanfaron, jumătate voluptuar în căutarea unui obiect, adulmecând parcă cu nasul sus; solistul orchestrei, înfățișat din spate, parcă într-un gest de sacrament; mâinile cuiva pe flaut; doi tineri dansatori în rochii de seară, cu fuste zburătoare, picioarele zvelte ridicate, cu râs la colțurile ridicate ale buzelor, cu nasul sfidător - și partenerii lor cu cozi de șarpe... Pictorul acestor delicatese, Georges Seurat, dăruiește parizienilor. din suburbiile muncitoare o imagine aproape sacră a preoteselor care îndeplinesc ritualuri. Toate picturile sale nu sunt altceva decât linii ascendente deasupra orizontalei, care, în sistemul lui Charles Henri, ar trebui să exprime distracția - dar o exprimă ele? [opt]
Tabloul a fost expus la Salonul Societății Artiștilor Independenți de la Paris, între 20 martie și 27 aprilie 1890 [9] , eclipsând cealaltă lucrare majoră a lui Seura, Femeia care se pudrează , care a primit puțină atenție din partea criticilor la acea vreme [5] . Cancan, cea mai mare și modernistă dintre cele două pânze, a fost discutată pe larg de critici simboliști precum Arsène Alexandre, Jules Christophe, Gustave Kahn , Georges Lecomte , Henri van de Velde , Émile Verhaern și Théodore de Waizeva. Două teme au dominat: Montmartre ca subiect de reprezentare și întruchiparea teoriilor exprimării liniare ale lui Charles Henri. Poza nu merita laude generoase, deoarece criticii au considerat compoziția sa lineară ca fiind prea incompletă. Cu toate acestea, datorită elementelor antinaturaliste ale pânzei, formalismului hieratic și componentelor rituale, Seurat a fost clasificat drept inovator [5] .
John Rewald scrie atât despre „Cancan” cât și despre „ Circ ”:
„Figurile din aceste tablouri sunt dominate de monotonie sau bucurie (nu există tristețe în picturile lui Seurat), și ele, desigur, se supun unor reguli stricte, guvernate de acel joc de linii și culori, legile pe care le-a studiat Seurat. În aceste pânze, Seurat, fără a cădea nici în literar, nici în pitoresc, a reabilitat intriga, pe care impresioniștii au abandonat-o.
Lucrările sale sunt „exemplare ale unei arte decorative foarte dezvoltate, care sacrifică intriga pentru linie, particularități pentru generalizări, trecătoare pentru neschimbabil și dă naturii – obosită în cele din urmă de realitatea ei dubioasă și nesigură – cu o realitate autentică”, a scris Felix Feneon . [6] .
Până în 1904, neoimpresionismul suferise schimbări semnificative, îndepărtându-se de natură, de la imitație, spre identificarea formelor geometrice de bază și a mișcărilor armonioase. Aceste forme au fost considerate superioare naturii deoarece conțin o idee reprezentând stăpânirea artistului asupra naturii. „Armonia înseamnă sacrificiu”, a scris Henri Edmond Cross , iar o mare parte din neoimpresionismul timpuriu a fost aruncată. Cross, Paul Signac , împreună cu Henri Matisse , Jean Metzinger , Robert Delaunay , André Derain (din generația mai tânără) au început să picteze cu linii mari care nu se amestecau niciodată în ochii observatorului. Culorile curate și îndrăznețe (roșu, albastru, galben, verde și violet) scânteiau din pânzele lor, „făcându-le la fel de eliberate de lanțurile naturii”, în cuvintele lui Herbert, „ca orice altă imagine creată în acel moment în Europa” [3]. ] .
Faza expresionistă a protocubismului (între 1908 și 1910) a fost foarte influențată de opera lui Paul Cézanne , în timp ce picturile lui Seurat, cu structurile lor mai plate, mai liniare, nu au intrat în atenția cubiștilor decât în 1911 [3] [10 ]. ] . Seurat a fost fondatorul neoimpresionismului, cel mai zelos inovator al acestuia și s-a dovedit a fi unul dintre cei mai influenți în ochii avangardei emergente , mulți dintre ai cărei reprezentanți - Jean Metzinger, Robert Delaunay, Gino Severini și Piet Mondrian - a trecut printr-o fază de neoimpresionism care a precedat experimentele lor în stilul fauvist .cubism sau futurism .
"Odată cu apariția cubismului monocromatic în 1910-1911", scrie Herbert, "întrebările de formă au scos culoarea din atenția artiștilor, iar pentru aceștia Seurat a devenit mai relevant. Ca urmare a mai multor expoziții, picturile și desenele sale au devenit cu ușurință. disponibile la Paris, iar reproducerile principalelor lucrări ale sale au fost răspândite pe scară largă printre cubiști. André Salmon a numit „Can-can” „una dintre cele mai mari icoane ale noii credințe”. „Can-can” și „Circus”, potrivit Guillaume Apollinaire , „aproape aparțin cubismului sintetic ” [3] .
| Tablouri de Georges Seurat | ||
|---|---|---|
| Picturi |
| |
| Alte | ||