Portretul din timpul lui Petru cel Mare este epoca formării genului de artă portretistică seculară în Rusia în timpul domniei împăratului Petru cel Mare .
Începând din vremea lui Petrovsky, portretul în arta rusă a ieșit pe primul loc în ceea ce privește prevalența și calitatea. Portretul „și-a asumat de fapt sarcina principală a stăpânirii principiilor artistice ale timpurilor moderne” [1] . În lucrările acestui gen special, sunt testate mișcări creative necunoscute anterior - scheme compoziționale, tehnici coloristice, setări de stil. Concomitent cu portretul, s-au dezvoltat și alte genuri care au fost necesare statului absolutist - compoziții istorice și alegorice, datorită cărora cultura rusă a intrat în lumea unui sistem de personificări necunoscut anterior. În timpul lui Petru cel Mare „au fost identificate clar unele trăsături caracteristice ale portretului rusesc” [2] .
Un grup caracteristic de monumente din perioada inițială este seria Preobrazhenskaya . „‘ Descoperirea caracterului ’ are loc treptat în toate tipurile de arte plastice și ocupă un spațiu temporar care coincide în termeni generali cu perioada domniei lui Petru cel Mare”, scriu cercetătorii de portrete din Rusia [3] . În portretele „Serii Preobrazhenskaya” s-a făcut o tranziție de la parsuna la portret. In to ser. Secolul al XVIII-lea este deja posibil să enumerați maeștri originali și talentați.
M.F. Naryshkin („Patriarhul lui Milak”)
Andrei Bessyashchiy
Iakov Turgheniev
Portretul maiorului S.L. Buhvostov
Pe vremea lui Petru cel Mare, pictura rusă stăpânește noi mijloace de transmitere a realității - intră în uz perspectiva directă , care conferă profunzime și volum imaginii din plan; artiștii înțeleg relația dintre lumină și culoare, rolul luminii ca mijloc de construire a volumului și a spațiului. Se nasc noi genuri laice, inclusiv portretul. „Arta acestei perioade de tranziție istorică se caracterizează prin împletirea diferitelor trăsături: tradiționale și noi, primordial rusești și străine. Arta epocii petrine se caracterizează printr-un înalt patos de afirmare. Tema centrală este ființa umană. Genul principal este portretul” [4] .
Petru I a invitat atât maeștri străini în Rusia (vezi rossika ), cât și a contribuit la formarea artiștilor autohtoni. Introducerea în legile picturii de șevalet în Rusia petrină a fost dificilă. Artiștii trebuiau nu numai să stăpânească o nouă înțelegere a conținutului, ci și să învețe cum să construiască în mod competent planul imaginii, arta perspectivei și redarea corectă anatomic a corpului uman, precum și elementele de bază ale tehnicilor de pictură în ulei și ale legile culorii.
Pentru vremea lui Petru cel Mare, problema autorului este o problemă dificilă. Artiștii își semnau foarte rar lucrările. În spatele fiecăruia dintre ele se află un set de „standarde”, datorită cărora oamenii de știință completează gama de lucru. În plus, la sfârșitul secolului al XVII-lea și începutul secolului al XVIII-lea, le plăcea foarte mult să comande repetări ale portretelor. Au existat o serie de „portrete exemplare” ale împăratului și ale familiei sale, funcționari, care au fost „replicate”. Pentru portretele din acest timp, pe lângă calitatea de autor, însăși identificarea modelului este adesea problematică [5]
Începând din vremea lui Petru cel Mare, dezvoltarea portretului urmează trei linii principale [6] :
ArhaizareÎn primul rând, a existat o artă arhaică asociată cu provincialul, așa-zisul. „primitiv artistic”. Se simte stilul de la cumpăna dintre secolele XVII-XVIII, influența școlii naționale de parsuna. (Fenomenele similare sunt caracteristice majorității țărilor care trec de la Evul Mediu la Noua Eră). Parsuna a jucat un rol important - a fost transmițătorul principalelor caracteristici ale noii metode de portret, care în condițiile rusești a fost transformată în felul său. Portretele aparținând acestei linii se remarcă prin dimensiuni mari, scheme compoziționale împrumutate din pânzele ceremoniale ale Europei de Vest din secolul al XVII-lea, impresionant și impunător, marcaj social strict și „liniște importantă”. Modelele descrise în astfel de portrete întruchipează o anticipare indiferentă aproape iconică. Pictura din ele combină scrisul personal voluminos și concret cu „dolicități” plane - așa cum era în parsuna. Parsuna a adus pictura rusă pe drumul artei șevalet - ia dat nu numai asemănări, ci și pitoresc, ia dat un loc în interiorul secular în curs de dezvoltare.
„Din toate variantele tipologice, parsuna preferă portretul ceremonial și se găsește în această calitate în mai multe soiuri. Dintre acestea, „teza-portret” este cea mai arhaică. Combină imagini portret și numeroase inscripții explicative în spațiul convențional al pictogramelor. Se poate vorbi și de un „portret-apoteoză” [7] . (acestea sunt portrete-picturi care înfățișează isprăvile lui Petru cel Mare). Portretele obișnuite ale lui Peter și ale asociaților săi în înălțime și călare sunt comune. Spațiul din astfel de picturi este tratat stereotip, iar obiectele sunt situate în el mai mult ca simboluri decât ca relații spațiale reale. Relația dintre spațiul interior și cel extern este, de asemenea, condiționată. Curios este că parsuna se îndepărtează de abundența coloristică a secolului al XVII-lea, totuși, se păstrează redarea minuțioasă a detaliilor ornamentale și costume, dând pânzelor un sunet decorativ sporit [7] .
Maeștrii nu stăpânesc încă noile principii ale transferului de volum. Ele combină fețe în mod deliberat convexe, realist voluminoase și robe cu model iconografic plate. „Dimensiunea mare a pânzelor, spiritul lor impunător, bogăția mobilierului și bijuteriile expuse sunt menite să ilustreze semnificația socială a celui reprezentat. Imaginea este autonomă, este concentrată pe ea însăși și este indiferentă față de mediu. Pictura nu s-a maturizat încă pentru a transmite individualitate, dar încă încearcă să transmită trăsăturile modelului în felul său. Acest lucru contrazice tendința de a crea o imagine generalizată simbolic. Generalul și individul nu au fost încă îmbinați într-o unitate organică, iar trăsăturile specifice abia se văd sub „mască” tipică [7] .
Linia parsunei (1680-1690) intalneste apoi un aflux puternic de lucrari de catre straini si pensionari, care o inlocuieste aproape in totalitate. Cu toate acestea, în același timp, continuă să existe, iar trăsăturile sale se manifestă în opera artiștilor avansați ai epocii (Nikitin, Vishnyakov, Antropov), ca dovadă a unei tranziții neterminate de la modul medieval la cel nou. Urme de parsonism se găsesc și în a 2-a jumătate a secolului al XVIII-lea, mai ales în lucrările iobagilor și maeștrilor de provincie, autodidacți. Acest fenomen are analogi în Ucraina, Polonia ( portretul sarmatian ), Bulgaria, Iugoslavia, țările din Orientul Mijlociu [7] .
Până la sfârșitul anilor 1710. portretele în acest stil au încetat să-i mulțumească pe clienți din cauza greutății, a legăturii de limbă și a arhaismului, care au devenit evidente după primele călătorii în străinătate ale lui Peter. Clienții au un nou reper - arta Occidentului (în primul rând Franța): picturile sunt cumpărate în străinătate, artiștii străini sunt invitați în Rusia, iar rușii - să studieze. Linia principală (Nikitin și Matveev) a dezvoltării portretului avansează constant, iar parsuna își pierde atractivitatea în ochii clienților de rang înalt. Cu toate acestea, cu cât mai departe de Petersburg, cu atât mai clar trăsăturile parsunei se vor manifesta în provincii - pe tot parcursul secolului al XVIII-lea și chiar în prima jumătate a secolului al XIX-lea. Particularitatea acestei linii a portretului este implicarea sa în pictura icoanelor, care ea însăși în această perioadă, pierzând spiritualitatea medievală, devine compromis, strălucitor și elegant. Va afecta unii artiști din apropierea Cancelariei din clădiri.
Artist necunoscut de la mijlocul secolului al XVIII-lea. „Portretul lui G. P. Chernyshev”
Artist necunoscut, începutul secolului al XVIII-lea (?). „Portretul Anastasiei Naryshkina cu copiii Alexandra și Tatyana”
În cadrul său, linia care se află în afara pensionarilor străini este completată de artiști care și-au făcut în mod independent drum de la pictura de icoane la portrete, maeștri iobag de formare acasă și admiratori ai picturii - nobili amatori.
RossicaÎn al doilea rând, arta rusă este reprezentată de artiști străini care au lucrat în Rusia pe tot parcursul secolului al XVIII-lea. Această linie este eterogenă în ceea ce privește compoziția națională și nivelul calității. Este mai aproape de mainstream-ul portretului rusesc, sarcina sa este de a expune modelul local într-un mod paneuropean. Datorită artei rusești, arta rusă este adusă în contact cu arta țărilor vecine — la nivel de tipologie, stil și formarea criteriilor generale de calitate artistică.
Louis Caravaque. „Portretul prințesei Elisabeta Petrovna în copilărie”
Johann Tannauer. „Portretul țareviciului Alexei”
Heinrich Wedekind. „Portretul Ecaterinei I”
În al treilea rând, școala nativă a erei Petrine și generația următoare ( Ivan Nikitin , Andrey Matveev , Ivan Vishnyakov , Alexei Antropov , Ivan Argunov ). Lucrările lor se disting prin pricepere și acuratețe în transferul aspectului, deși nu au atins perfectiunea deplină. Această linie principală se distinge prin continuitate. În același timp, a avut unitate internă - la început a avut ca scop stăpânirea principiilor artistice de bază ale New Age, apoi, după ce le-a ajuns din urmă, a început să se dezvolte în conformitate cu tendințele stilistice paneuropene ( baroc , rococo ). , clasicism , sentimentalism , preromantism ).
Ivan Nikitin. „Portretul prințesei Elizaveta Petrovna”
Roman Nikitin . „Portretul lui M. Stroganova ”
Andrei Matveev. „Portretul lui A.P. Golitsyna"
O trăsătură specifică a tipologiei portretului rusesc din secolul al XVIII-lea este absența sau raritatea extremă a unui portret de grup (inclusiv de familie), care în aceeași epocă era foarte indicativ pentru Anglia și Franța din aceeași perioadă; precum și absența „scenelor de interviu” [8] . Până la etajul 2. Secolul al XVIII-lea nu a existat un portret sculptural.
„Compoziție barocă, construită pe mișcarea puternică a figurilor, reprezentativitate, peruci înalte luxuriante descrise, armuri, rupturi în faldurile mantiilor în curs de dezvoltare, dimensiuni destul de mari de pânze - toate acestea au fost un mijloc de a crea o imagine monumentală și maiestuoasă care corespundea la ideea publică a semnificației acestor oameni” [9] .
Ivan NikitinIvan Nikitin este fondatorul noii picturi rusești. Biografia sa este tipică pentru o generație: a început să lucreze la Moscova, conform lucrărilor din această perioadă („Tsarevna Natalya Alekseevna”, „Tsarevna Anna Petrovna”), este clar că Nikitin este deja bine familiarizat cu sistemul european de compoziție , tratează cu grijă modelele, dar figurile sunt încă încătușate, iar în pictură se văd urme ale tehnicilor vechi. Apoi pleacă într-o călătorie de pensionare în Italia, la întoarcerea de acolo creează lucrări mature complet în sistemul modern de pictură. Nu se caracterizează prin trucuri superficiale, dorința de „grație”, se străduiește la seriozitate, îi pasă de conținut, se concentrează în întregime pe identificarea fețelor. Prin urmare, portretele lui sunt apropiate ca mărime, format, poză, gamă. În portretele lui Petru cel Mare (rotund), cancelarul Golovkin și hatmanul de podea, el este cu mult înaintea contemporanilor săi care au lucrat în Rusia. „Portretele sale dezvăluie o perspectivă profundă asupra caracterului, o trăsătură care va deveni disponibilă școlii în ansamblu abia în a doua jumătate a secolului. În această plumbă, care este în general caracteristică vremii furtunoase a lui Petru cel Mare, talentul artistului se arată deosebit de strălucitor” [7] . Influența sa asupra picturii ruse ar fi putut fi mai puternică, dar sub Anna Ioannovna a fost arestat, închis în Cetatea Petru și Pavel, a fost în exil și a murit pe drum de acolo.
I. Nikitin. „Prițesa Natalya Alekseevna”
I. Nikitin. „Prițesa Anna Petrovna”
I. Nikitin. „Portretul lui Petru cel Mare”
I. Nikitin. „Portretul unui hatman în aer liber”
Un alt maestru major al acestei epoci este Andrei Matveev. A fost trimis să studieze în Olanda și s-a întors după moartea lui Petru cel Mare, ocupând un loc important în arta anilor 1730. Printre lucrările sale se numără „Venus și Cupidon” și „Alegoria picturii”, dovezi ale greutății pentru arta rusă de a stăpâni un complot mitologic necunoscut, scheme compoziționale complexe și imagini ale unui corp gol. Aceste mici pânze au un început pictural, care se află și în Autoportret cu soția sa (1729) - o întreagă compoziție pe fundalul unei coloane și a unui peisaj, cu interacțiunea personajelor, colorare moale. „Un alt lucru este, de asemenea, important: pentru prima dată, un sentiment intim subtil este deschis și, în același timp, prezentat cu castitate spre revizuire. Aici s-a manifestat o schimbare semnificativă a conștiinței artistice, cucerirea unei calități care este fundamental nouă pentru pictura rusă” [7] . De asemenea, sunt bune portretele pereche ale lui I. Golitsyn și soției sale (1728), unde, spre deosebire de Nikitin, se străduiește pentru o mai mare claritate și franchețe în transmiterea individului.