Pictura figurativă Bay Area (cunoscută și sub numele de artă figurativă Bay Area și variații aferente) este o mișcare de artă de la mijlocul secolului XX creată de un grup de artiști din San Francisco Bay Area care au abandonat stilul expresionist abstract , dominant atunci, în favoarea unui revenirea la arta figurativa . În anii 1950 și 1960, mișcarea a trecut prin trei perioade: prima generație, generația de tranziție și a doua generație.
Mulți dintre artiștii primei generații au fost admiratori pasionați ai expresionismului abstract și au lucrat în această direcție până când au abandonat pictura non-obiectivă în favoarea lucrului cu un obiect real. Prima generație include David Park, Richard Diebenkorn, Rex Ashlock, Elmer Bischoff, Glenn Wessels, Wayne Thiebaud și James Wicks.
Generația de tranziție este reprezentată de Nathan Oliveira, Theophilus Brown, Paul Wanner, Roland Petersen, John Hultberg și Frank Lobdell [1] .
Mulți artiști din a doua generație au învățat de la artiștii din prima generație sau au intrat în mișcare într-o perioadă ulterioară. Printre aceștia se numără Bruce McGaugh, Henry Vilherme, Joan Brown, Manuel Neri și Robert Qualters.
Multe școli și instituții din Bay Area au jucat un rol important în dezvoltarea și îmbunătățirea acestei mișcări artistice. Printre acestea se numără Institutul de Artă din San Francisco , Colegiul de Arte și Meserii din California și Universitatea din California din Berkeley .
Respingerea expresionismului abstract i-a condus pe artiști la un stil în care emoțiile reflectă realitatea înconjurătoare. Stilul se caracterizează prin simplitatea și strălucirea paletei și formei și o manifestare puternică a sentimentelor în lucrări [2] .
David Park (1911-1960) a fost poate cel mai important pictor figurativ din zona Bay. Park a început în San Francisco ca artist abstract, dar a fost unul dintre primii care a început pictura figurativă. În primăvara anului 1951, Park a primit un premiu pentru o pictură scrisă în acest stil și a fost prezentată la o expoziție-concurs. Întoarcerea lui Park către arta figurativă i-a derutat pe unii dintre colegii săi, deoarece pictura abstractă era considerată singura artă progresivă la acea vreme. Îndepărtarea sa îndrăzneață de la abstractizare către obiect a dus la o creștere a interesului pentru arta figurativă, una dintre cele mai importante evoluții postbelice în arta de pe Coasta de Vest.
Trecerea lui Park de la abstractionism la arta figurativă a avut loc instantaneu. Mătușa Parka a spus într-un interviu că artistul și-a dus lucrările abstracte la o groapă de gunoi și le-a aruncat sau le-a distrus ritual. Timp de un an, colegii nici nu au fost conștienți de această transformare [3] .
În 2004, Galeria Hackett Friedman din San Francisco a susținut o expoziție cu 35 de lucrări ale lui David Park, create între 1953 și 1960, în ultimii ani ai vieții artistului. Unele dintre lucrările timpurii prezentate în expoziție surprind influența lui Max Beckmann asupra parcului , în special în The Band (1955). În câțiva ani, paleta lui Park s-a transformat într-un cromatism furtunos , dar abordarea lui nervoasă de a lucra cu vopsea a fost prezentă până în 1959, când artistul a decis să renunțe la ulei .
Cele mai importante lucrări ale lui David Park - „Soacra” ( Mother in Law , 1954-1955), „Torso” ( Torso , 1959), „Figură în scaun” ( Figure in Chair , 1960) [4] .
Elmer Bischoff (1916-1991) a cunoscut o perioadă creativă în anii 1940-1950, pe care a desemnat-o drept o imitație a lui Picasso [5] . Întors din război în 1945, a simțit nevoia să conteste toate presupunerile despre artă și viață. Întrebat despre asta într-un interviu, el a spus: „Până acum, arta a fost o achiziție externă, dar acum a devenit mai mult o căutare”. Cam în același timp, a lucrat temporar ca profesor la școala de arte plastice.
Ca și în cazul picturii abstracte, opera figurativă timpurie a lui Bischoff a câștigat rapid recunoaștere. La a cincea expoziție anuală de ulei și sculptură de la Centrul de Artă Richmond, el și-a prezentat pictura Figure and Red Wall și a câștigat premiul I de 200 USD [6] . Acest succes ia asigurat o expoziție personală la Paul Kantor Gallery din Los Angeles . Cu toate acestea, Bischoff însuși a considerat o expoziție personală din galeria Școlii de Arte Frumoase din California, organizată în ianuarie 1956, ca fiind definitorie în cariera sa.
Cele mai importante lucrări ale lui Elmer Bischoff sunt Figure at window with Boat (1964), Playground ( 1954), The River (1953) [7] .
Richard Diebenkorn (1922-1993), îndreptându-se către arta figurativă în 1955, și-a asumat cel mai mare risc dintre toți artiștii din prima generație. În acest moment, el a fost recunoscut la nivel național ca artist abstract. Expoziția Young American Painters [8] a lui James Johnson Sweeney a făcut munca sa populară printre dealerii din Los Angeles și Chicago . Pe lângă o reputație națională, Diebenkorn a fost și un artist abstract favorit printre localnicii din Sausalito .
După ce s-a alăturat artei figurative, Diebenkorn a încercat abia în 1956 să creeze o imagine figurativă complexă. Se presupune că primele sale lucrări se bazează pe autoportrete. La mijlocul anilor 1960, Diebenkorn a revenit la arta abstractă [9] .
Cele mai importante lucrări ale lui Richard Diebenkorn sunt „Cityscape 1” ( Cityscape 1 , 1963), „Interior with a doorway” ( Interior with Doorway , 1962) [10] .
Theophilus Brown (1919-2012) și Paul John Wanner (1920-2008) au fost puternic influențați de artiști mai consacrați. În 1955, Brown și Wonner au închiriat garsoniere în aceeași clădire în care lucra Diebenkorn. Pack, Bischoff și Diebenkorn au organizat sesiuni de desen cu Brown și Wannerr, uneori alături de James Wicks și Nathan Oliviera.
Pictura figurativă a lui Wanner a fost expusă la o expoziție organizată la galeria California School of Fine Arts la sfârșitul anului 1956. De la început, Wanner a aderat la principiile prezentării .
Cele mai importante lucrări ale lui Theophilus Brown sunt „Nud așezat” ( Nud masculin așezat , 1960), „Soare și lună” ( Soare și lună , 1960)
Cele mai importante lucrări ale lui Paul John Wanner sunt „Side of the house in Malibu” ( Side of the house, Malibu ; 1965), „Mountain near Tucson” ( Mountain Near Tucson , 1963 ) .
Roland Petersen (născut în 1926) și-a început „seria de picnic” în anii 1960. Aceste picturi prezentau culori bogate, pigment gros stratificat și compoziții geometrice. Activ pe scena artistică din Bay Area de mai bine de patruzeci de ani, Petersen a predat generații de artiști nu numai în pictură, ci și în imprimare și fotografie. Lucrările lui Petersen au fost expuse în muzee și galerii din întreaga țară și sunt prezentate în colecții importante ale muzeelor, inclusiv Muzeul de Artă Modernă din New York , Muzeul Whitney de Artă Americană ; Muzeul de Artă Contemporană din San Francisco , Muzeul și Grădina de Sculptură Hirshhorn , Muzeul de Arte Frumoase din San Francisco și Muzeul de Artă din Philadelphia [12] .
Nathan Oliveira (1928–2010) a arătat inițial un interes pentru muzică care a dispărut odată cu vârsta. În timpul unei călătorii la Muzeul Memorial de Young, a decis să devină portretist. În timpul stagiului militar, a continuat să păstreze legătura cu comunitatea artistică. Artistul nu s-a considerat un artist de avangardă sau parte a unei anumite mișcări [13] .
Lucrarea figurativă timpurie a lui Oliveira conține mai multe detalii și culoare, un exemplu tipic fiind pictura Omul așezat cu câine . Lucrările pictate într-un studio din San Leandro în 1959, în propriile cuvinte ale lui Oliveira, „au devenit însăși fundamentul întregii sale identități de artist”.
Cele mai importante lucrări ale lui Nathan Oliveira sunt Omul așezat cu câine (1957), Omul care merge (1958), Adolescent lângă pat (1959).
Henrietta Burke (1919–1990) a pictat în primul rând în ulei. Opera ei a fost caracterizată de culori și forme puternice [14] . Burke a urmat Colegiul de Arte și Meserii din California din Oakland între 1955 și 1959 [15] [16] unde a fost îndrumat de Richard Diebenkorn și Harry Krella [14] .
Bruce McGaugh (născut în 1935) este singurul artist din a doua generație care a participat la expoziția de pictură figurativă contemporană din Bay Area din 1957. A studiat la Colegiul de Arte și Meserii din California și a fost unul dintre primii studenți ai lui Diebenkorn în 1955. S-a dezvoltat o relație strânsă între McGaw și Diebenkorn [17] , iar Diebenkorn s-a întâlnit chiar cu părinții lui McGaw pentru a arăta sprijinul pentru munca fiului lor. McGaugh a studiat și cu Leon Goldin, care a predat pictura abstractă.
Figurația nu a fost un hobby secret pentru McGaugh. Ca și alți artiști din a doua generație, el nu s-a limitat la nicio direcție anume și a trecut de la un stil la altul. Una dintre lucrările figurative mature timpurii ale lui McGaw a arătat clar influența lui Diebenkorn, dar și-a arătat și propriile idei. Îi plăcea să lucreze la o scară foarte mică, împărțind corpul în vederi standard ale trunchiului sau părți neobișnuite ale acestuia.
Cele mai importante lucrări ale lui Bruce McGaugh sunt „Abstraction” ( Abstraction , 1955), „Figure” ( Figure , 1957), „Patt's Feet” ( Patt's Feet , 1957).
Joan Brown (1938-1990) a lucrat în pictura figurativă între 1955 și 1965, dintre care jumătate a fost studentă la Institutul de Arte Frumoase din California. Drept urmare, perioada ei de artă figurativă matură este cea mai scurtă dintre cei mai importanți artiști. În ciuda acestui fapt, productivitatea ei a produs unele dintre cele mai importante lucrări de pictură figurativă din Bay Area [18] .
După liceu, părinții ei au vrut să o trimită la Lone Mountain, un colegiu catolic pentru femei. Căutând o alternativă, ea a dat peste o reclamă pentru California School of Fine Arts. Îi plăcea atmosfera de la școală, deși Joan nu era foarte interesată de pictură. După un prim an nu prea reușit, a vrut să renunțe, dar a ajuns să rămână printr-o întâlnire cu viitorul ei soț, Bill Brown, care i-a sugerat să urmeze un curs de peisaje cu Bischoff. El a introdus-o, de asemenea, în istoria artei, oferindu-se să citească mai multe cărți despre Goya , Velázquez , Rembrandt și impresioniști .
Cele mai importante lucrări ale lui Joan Brown sunt Woman and Dog in Room with Chinese Rug (1975), Noel at the Table with a Large Bowl of Fruit , 1963) [19] .
Manuel Neri (născut în 1930) este sculptor. Ca toți artiștii tineri din zona Bay, a fost un artist abstract la începutul carierei sale. S-a orientat către arta figurativă după ce a absolvit Colegiul de Arte și Meserii din California în 1959. În lucrările sale, Neri a acordat atenție culorii și formei, lăsând în același timp conținutul neclar. Nespecificitatea figurilor sale și calitățile lor abstracte l-au făcut parte din arta figurativă a Bay Area, și nu doar un sculptor figurativ american modern.
Neri, ca și Nathan Oliveira, nu a avut niciun interes pentru artă în tinerețe. Neri a ales cursul de ceramică la școală din cauza ușurinței în comparație cu alte materii. Profesorul său a fost Roy Walker, care a încurajat artele. Drept urmare, Nery și-a abandonat cariera de inginer și a început să studieze la Colegiul de Arte și Meserii din California în 1951, deși nu s-a înscris oficial până în 1952.
Cele mai importante lucrări ale lui Manuel Neri sunt Untitled Standing Figure (1956-1957), College Painting No. 1 (1958-1959) [20] .