Teoria filmului formalist este o teorie a filmului care se concentrează pe elementele formale sau tehnice ale filmului: i.e. iluminare, sunet, sunet și scenografie, schemă de culori, compoziție și editare a cadrelor. Aceasta este teoria dominantă a studiilor cinematografice astăzi.
Formalismul în forma sa cea mai generală are în vedere sinteza (sau lipsa de sinteză) a numeroaselor elemente ale filmului, efectele emoționale și intelectuale pe care această sinteză sau elementele individuale le produc. De exemplu, putem lua elementul de editare: un formalist poate studia atât „editarea liniară” standard de la Hollywood ( editare de continuitate în engleză ), care creează un efect mai calm, cât și cea intermitentă, sau „ cut cut ” ( în engleză jump cut ), care poate devin mai descurajatoare și mai incitante în ochii privitorului.
De asemenea, filmul poate fi considerat ca o sinteză a mai multor elemente, precum montaj, compoziție de cadre și muzică. Schimbul de focuri care pune capăt filmului „ Dolar Trilogy ” al lui Sergio Leone a western-urilor cu spaghete este un exemplu excelent al modului în care aceste elemente lucrează împreună pentru a produce efectul de care are nevoie regizorul. Pe măsură ce episodul progresează, scenele se schimbă de la cele mai generale la cele mai mari și mai intense, lungimea tăierilor se scurtează pe măsură ce episodul progresează, muzica construiește o imagine tensionată. Toate aceste elemente, lucrând împreună, creează tensiune mai eficient decât individual.
Formalismul este unic prin faptul că îmbrățișează atât aspectele ideologice, cât și cele autoriale ale criticii de film. În ambele cazuri, numitorul comun al criticii formaliste de film este stilul. Ideologii se concentrează asupra modului în care procesele socio-economice afectează formarea unui anumit stil; la rândul lor, autorii teoriei autorului se concentrează asupra modului în care regizorul își aduce propria amprentă materialului. În primul rând, formalismul explorează stilul și modul în care interacționează cu ideile, emoțiile și temele (spre deosebire de criticii formalismului care subliniază temele lucrării în sine).
Două exemple de interpretări ideologice care sunt relevante pentru formalism sunt:
Cinematograful clasic de la Hollywood are un stil foarte specific, uneori numit IMR ( Modul Instituțional de Reprezentare ): montaj liniar, scară largă, iluminare în trei puncte ( ing . Iluminare în trei puncte ), muzică care formează starea de spirit, absorbție. Toate acestea sunt făcute intenționat pentru a face experiența vizionării unui film cât mai plăcută pentru spectator. Explicația ideologică a aspectului socio-economic al acestui stil este destul de evidentă - Hollywood-ul vrea să câștige cât mai mulți bani pe filmele sale, atrăgând la cel mai mare număr posibil de consumatori.
Filmul noir , sau „filmul negru”, care își ia numele de la criticul francez Nino Franck, este asociat în mod obișnuit cu deteriorarea mediului economic. Folosește imagini mai întunecate, „ Colțul olandez ”, scene întunecate, nihilism general. Acest lucru este de obicei considerat o consecință a faptului că regizorii (precum și publicul) în anii de război și în anii postbelici au fost mai pesimiști. În plus, expresioniștii germani (inclusiv Fritz Lang , care nu era un expresionist așa cum se crede în mod obișnuit) care au emigrat în America și-au adus efectele stilizate de iluminare (și deziluzia postbelică) pe pământul american.
Cu această abordare, se poate argumenta că stilul, sau „limbajul” acestor filme, nu depinde direct de viziunea individuală, ci de aspectele sociale, economice și politice de care cineaștii înșiși ar putea să nu fie conștienți. Această ramificație a criticii de film este cea care ne oferă o perspectivă asupra unor categorii precum cinematografia clasică de la Hollywood, mișcarea independentă americană, noua mișcare independentă americană, cinematografia New Queer și noile valuri franceze , germane și cehe.
Dacă abordarea ideologică se referă la mișcările și influențele generale ale lumii înconjurătoare asupra regizorului, atunci teoria autorului , dimpotrivă, ia în considerare trăsăturile individuale din personalitatea regizorului, observând modul în care deciziile personale, gândurile și stilul acestuia sunt reflectate în filme.
Această ramificație a criticii de film, inițiată de François Truffaut și alți tineri critici care scriu pentru Caye du cinema , a fost creată din două motive.
În primul rând, a fost creat pentru a reabilita arta cinematografică ca atare. Susținând că filmele au regizori sau autori, Truffaut a căutat să facă filme (și creatorii lor) la fel de importante ca formele de artă mai consacrate, cum ar fi literatura, muzica și pictura. Critica fiecăreia dintre aceste forme se referă în primul rând la personalitatea autorului: autorul unei opere literare (dar nu editorul sau compozitorul acesteia), compozitorul unei opere muzicale (deși uneori interpreților li se acordă nu mai puțin credit decât actorii de film de astăzi) , sau artistul care a pictat fresca (dar nu asistenții săi care amestecă vopsele și adesea desenează ei înșiși părți din lucrare). Acordând regizorului (dar nu scenaristului) un statut nu mai puțin important decât cel al scriitorului, compozitorului sau artistului, teoria autorului a căutat să elibereze cinematograful de conceptul popular de artă bastardă în lumea artei ( ing. arta bastardă ), care se află undeva între teatru și literatură.
În al doilea rând, această abordare a căutat să reabiliteze mulți regizori care au fost priviți cu dispreț de criticii de film de seamă. S-a susținut că regizorii de gen și filmele B cu buget redus sunt la fel de importante, dacă nu mai mult, decât filmele de prestigiu, care tind să aibă mult mai multă acoperire de presă și mai multă recunoaștere în Franța și Statele Unite. Conform teoriei lui Truffaut, realizatorii de film iau materialul în funcție de talentul lor - thriller, acțiune suculentă sau dramă - și își lasă pecetea pe el prin stilul lor personal.
Astfel, formalismul explorează acest stil auctorial.
Un exemplu excelent de critică formalistă de film ar fi opera lui Alfred Hitchcock . Hitchcock a realizat în mare parte thrillere, care, potrivit lui Caillier du Cinema, au fost populare în rândul publicului, dar au fost respinse de critici și de premiile de film, deși filmul „Rebecca” a câștigat Oscarul pentru cel mai bun film în 1940. În ciuda faptului că Hitchcock nu a câștigat niciodată un Oscar la categoria Cel mai bun regizor, a fost nominalizat de cinci ori pentru acest premiu. Truffaut și colegii săi au susținut că Hitchcock nu avea un stil mai puțin distinctiv decât Flaubert sau Van Gogh: montaj virtuos, mișcări lirice ale camerei, umor ciudat. Truffaut a numit unele teme „hitchcockiane”: persoana greșită este acuzată pe nedrept, violența care apare atunci când este mai puțin așteptată, blonda „rece” . Acum Hitchcock a primit mai mult sau mai puțin recunoaștere, filmele sale sunt analizate în detaliu, opera sa este venerată ca opera unui maestru. Studiul acestui stil, variațiile și obsesiile sale, se desfășoară tocmai sub auspiciile teoriei formaliste a cinematografiei.