Expresionismul figurativ american este o mișcare de artă plastică din secolul al XX-lea , care a apărut mai întâi în Boston și apoi s-a răspândit în Statele Unite ale Americii . Istoricii de artă și criticii expresionismului le este adesea dificil să ofere o definiție clară a mișcării artistice [1] [2] . Cu toate acestea, o definiție clasifică mișcarea ca fiind o filozofie umanistă , deoarece este orientată spre om și raționalistă. Abordarea formală a manipulării vopselei și a spațiului este, de asemenea, adesea considerată o trăsătură definitorie [3] deoarece este mai degrabă un angajament radical decât un angajament reacționar față de figură [2] .
Termenul de „expresionism figurat” a apărut ca contrast cu expresionismul abstract [4] . La fel ca expresionismul german , mișcarea americană abordează problemele din centrul sensibilității expresioniste, cum ar fi identitatea personală și de grup în lumea modernă, rolul artistului ca martor la probleme precum violența și corupția și natura procesul creativ și consecințele acestuia [3] . Acești factori vorbesc despre asocierea puternică a mișcării cu expresia emoțională a viziunii interioare a artistului, prin pensulele hotărâte și alegerile îndrăznețe ale culorilor în picturi precum Noaptea înstelată a lui Vincent van Gogh și țipătul lui Edvard Munch . Ei vorbesc, de asemenea, despre respingerea realismului exterior al impresionismului și sugerează influența simbolismului , care vede sensul în linie, formă, formă și culoare.
Mișcarea expresionistă a apărut cu artiștii de la începutul secolului al XX-lea: James Ensor , Edvard Munch și Vincent van Gogh . În același timp, la dezvoltarea sa au contribuit grupuri franceze, germane și ruso-germane active între 1905 și 1920. Grupul francez, care s-a concentrat pe aspectele picturale ale operei lor, în special pe culoare, a fost numit Fauviști („fiare sălbatice”), iar Henri Matisse este considerat unul dintre liderii ideologici. Grupul din Dresda era cunoscut sub numele de grupul de artă Most , care căuta să „conecteze” trecutul [5] . Grupul de artă autodidact Most , la fel ca fauviștii, avea un interes puternic pentru primitivism, dar alegerea lor pentru paleta de culori a fost mai puțin naturală decât cea a francezilor, iar peisajele lor urbane mai conturate. Opera lor de artă a fost, de asemenea, uneori sexuală, în spiritul alienării pe care l-au exprimat în gravuri în lemn și sculptură. Ultimul grup, Blue Rider , cu sediul la München, includea preponderent artiști ruși, printre care Wassily Kandinsky . Lucrările acestui grup au fost mult mai abstracte, respingând abordarea realistă a picturii lui Kandinsky Călărețul albastru , care a dat numele grupului.
Originile de la Boston ale mișcării americane pot fi găsite în „avântul imigranților germani și europeni-evrei” din anii 1930 și „afinitatea lor cu imaginea germană modernă a picturii figurative... la artiști precum Otto Dix (1891-1969). ), Ernst Kirchner (1880-1938), Oskar Kokoschka (1886-1980) și Emil Nolde (1867-1956), atât ca stil, cât și ca subiect”, scrie istoricul de artă Adam Zucker. Numind umanismul etosul definitoriu al mișcării americane, Zucker spune că acesta a fost „în mare măsură condus de probleme și conflicte politice și/sau sociale”, la fel ca multe „arte de la mijlocul secolului al XX-lea, inclusiv dadaismul , suprarealismul , realismul social , au luat o poziție. împotriva războiului sau a războaielor, atât pe pânză, cât și în afara acesteia [6] .
Mulți artiști din Boston au avut legături cu Școala Muzeului de Arte Frumoase din Boston sau cu Galeria Boris Mirsky, unde artiști precum Karl Zerbe (1903-1972), Hyman Bloom (1913-2009) [7] , Jack Levine (1915-1972) 2010) [8 ] , David Aronson (n. 1923) [9] a studiat, a predat, a expus și în cele din urmă a devenit activiști după „contestarea deschisă a unei declarații a Institutului de Artă Contemporană din Boston intitulată „Artă modernă” și a Societății americane” [6] . Preocupați de faptul că muzeele din Boston, strâns asociate cu brahmanii , nu îi vor sprijini niciodată, într-o luptă pentru drepturile lor, au fondat New England Artists Equality Society și au organizat Festivalul de Artă din Boston pentru a face arta mai democratică [10] .
Lucrarea lor actuală și dialogul modernist au prezentat arta „ca o narațiune care s-a desfășurat prin încorporarea unor figuri și peisaje în alegorii extrase din subiecte tradiționale sau imaginare, alimentate de experiențele și lumile interioare ale artiștilor. Temele lor tindeau spre” scene și imagini. în care au exprimat emoții profunde, groaza și fantezia sunt în mare măsură alegorice. Scenele extrem de spirituale și fantastice erau astfel banale, iar reprezentările unor manifestări religioase înalte, satira politică și tratarea temei mortalității umane... toate au contribuit la progresul picturii figurative și la schimbarea definiției artei umaniste contemporane.” [11]
Istoricul de artă Judith Bibinder a stabilit că expresionismul figurativ din Boston este o parte integrantă a modernismului american [12] : „[A] exprima neliniștea epocii moderne cu un accent special pe oraș” [3] . Primii membri ai Boston Expressionist Group au fost imigranți sau copii ai imigranților din Europa Centrală și de Est. Mulți erau evrei, iar unii de origine germană.
Astfel, expresioniștii germani precum Max Beckmann , Georg Gross și Oskar Kokoschka au avut o influență puternică asupra artiștilor din Boston, la fel ca artistul de origine germană Karl Zerbe, care a predat la Școala Muzeului de Arte Frumoase din Boston , unul dintre cele două axele centrale pentru formarea expresionismului din Boston împreună cu galeria modernistă a lui Boris Mirsky. La începutul anilor 1930, mișcarea a atras doar un număr mic de susținători, iar în această perioadă mulți emigranți, critici și savanți germani au încercat, de asemenea, să nege toate legăturile cu mișcările artistice legate în vreun fel cu Germania [13] . Dar, în anii 1940, Hyman Bloom și Jack Levine, care au început ca artiști în administrarea lucrărilor publice , au fost remarcați de critici și de public. În 2006, directorul Muzeului de Artă Danforth, Catherine French, a spus: „A existat o perioadă de aproximativ șase luni când Hyman Bloom a fost cel mai important artist din lume și poate o perioadă de aproximativ cinci ani când a fost cel mai important artist din America. ." [14] Revista Time a remarcat vânzarea picturii lui Bloom [15] și a lui Jackson Pollock și Willem de Kooning din New York . l-a numit „primul expresionist abstract” [16] . Întorcându-se la Boston, a devenit mai târziu considerat unul dintre pionierii expresionismului din Boston, o mișcare care a înflorit în anii 1950 și este, după unele relatări, influentă și astăzi.
| David Aronson (1923-) | William Harsh | Arthur Polonsky (1925-2019) | Carl Zerbe (1903-1972) |
| Hyman Bloom (1913-2009) | Suzanne Hodes | Joyce Reopel (1933-2019) | Harold Zimmerman |
| Bernard Chet (1924-2012) | John Imber (1950-2014) | Barbara Swan (1922-) | |
| Kahlil Gibran (sculptor) (1922-2008) | Reed Kay | Lois Tarlow | |
| Philip Guston (1913-1980) | Jack Levin (1915-2010) | Mel Zabarsky (1932-) |
Odată cu nașterea expresionismului abstract în anii 1950, New York a depășit Parisul ca centru mondial de artă [17] . Această mișcare, ca și expresionismul figurativ american, a căutat atât o anumită expresie a modernității, cât și o altă identitate postbelică [18] . Dar, în timp ce expresionismul figurativ a inclus umanismul ascuns în desen, expresionismul abstract l-a respins în mod explicit. Influența lui Hyman Bloom în mișcarea de la New York a început să scadă [16] din cauza diferențelor de opinii, iar critici precum Clement Greenberg au susținut arta care se referă la ea însăși mai degrabă decât la relicve literare precum arta. Între timp, criticul și avocatul Action Painting Harold Rosenberg l-a considerat pe Jackson Pollock ca fiind idealul .
„În timpul anilor de război și în anii 1950”, scrie Judith E. Stein, „publicul larg era extrem de suspicios față de abstractizare, pe care mulți o considerau „neamericană”. Criticul Clement Greenberg a contestat cu succes reacția publică împotriva abstracției. Încercarea sa de a comunica cu figurativele din New York din anii cincizeci a avut mai puțin succes . În 1960, Thomas B. Hess scria: „Noua pictură figurativă, pe care unii o așteptau ca răspuns împotriva expresionismului abstract, dar care a fost încorporată în ea încă de la început și este una dintre continuările sale [20] ”.
În 1953, revista Reality [21] a fost înființată „pentru a apăra dreptul oricărui artist de a picta în orice mod dorește”. Această misiune a fost susținută de redacția revistei, care includea Isabelle Bishop (1902-1988), Edward Hopper (1882-1967), Jack Levin (1915-2010), Raphael Sawyer (1899-1987) și Henry Varnum Poor ( 1888-1970).
Sculptorul Philippe Pavia a devenit „editorul de gherilă” al revistei It is. Magazine for Abstract Art” (Aceasta este o revistă de artă abstractă), pe care a fondat-o în 1958. Într-o scrisoare deschisă către Leslie Katz, noul editor al revistei Arts [22] , el a scris: „Vă implor să-l ajutați pe reprezentantul artelor plastice. Artiștii, aproape abstracționiști, nu abstracționiști, au nevoie de un campion în zilele noastre.”
Deși niciunul dintre acești susținători figurativi nu a avut același nivel de influență ca Clement Greenberg sau Harold Rosenberg, ei au fost aclamați de critici ca radicali „reprezentând o [nouă] generație pentru care arta figurativă a fost într-un fel mai mult revoluționară decât abstracția” [23] . O conversație amintită de Thomas B. Hess a subliniat puterea percepută a criticului: „Astăzi este imposibil să pictezi o față”, spunea edificator criticul Clement Greenberg în jurul anului 1950. „Așa este”, a spus de Kooning, „și este imposibil să nu nu fă-o. ” .
Istoricul literar Marjorie Perloff a argumentat convingător că poezia lui Frank O'Hare despre scrierile lui Garacy Hartigan și Larry Rivers a dovedit că „a fost într-adevăr mai bun în a scrie opere care păstrează cel puțin o anumită formă decât cu abstracțiuni pure”. [25] Grace Hartigan, Larry Rivers , Helen de Kooning , Jane Freilischer, Robert De Niro Sr. , Felix Pasilis, Wolf Kahn și Marcia Marcus sunt artiști care au răspuns la „un cântec asemănător unei sirene, chemarea naturii”, O. „Hara s-a explicat în Nature and New Painting, 1954. Expresioniştii figurativi din New York aparţineau expresionismului abstract, a argumentat el, subliniind că au luat întotdeauna o poziţie fermă împotriva protocolului implicit, „fie în Metropolitan Museum of Art, fie în clubul artiștilor”.
Curatorul Klaus Kertesss de la Muzeul de Artă Contemporană din Detroit (MOCAD) [26] a observat că „în ajunul epurării abstracției de figurativism și a ascensiunii sale la o importanță atotcuprinzătoare, figura a început să dobândească o forță nouă și puternică”. Această putere a fost reprezentată prin mit și spiritualitate de Max Weber (1881-1961) și Marsden Hartley (1877-1943). Dar a fost prezentat și cu reținere lirică de către Milton Avery (1885-1965) și claritate și franchețe aparentă în cazul lui Edwin Dickinson (1891-1978).
Expresionismul figurativ din New York din anii 1950 a reprezentat o tendință în care „diverși artiști din New York s-au opus modului abstract predominant de a lucra cu figura”. [27] Figura a servit diferite scopuri pentru diferiți artiști:
Curatorul Muzeului de Artă Modernă din Detroit (MOCAD), Klaus Kertess, a descris traiectoria istorică a figurii după cum urmează: „La începutul anilor patru și la începutul anilor cincizeci... figura, ca un vestitor al conservatorismului , a devenit o țintă evidentă pentru apărarea abstracționistă - o forță defensivă . care tinde să estompeze distincția dintre artiștii figurativi și să exagereze diferența dintre figurativ și non-figurativ. Abia la sfârșitul anilor șaizeci și începutul anilor șaptezeci i s-a permis figurii să se întoarcă din exil și chiar să revendice o poziție centrală [29] ”.
Mișcarea figurativă, care s-a dezvoltat în zona golfului San Francisco din California, este considerată prima mișcare de artă majoră care a apărut pe Coasta de Vest. Ea își are originea la San Francisco Art Institute , unde mulți expresioniști figurativi au predat sau studiat [30] . Data oficială a expresionismului figurativ este considerată a fi o expoziție din 1957 la Muzeul Oakland, unde artiștii locali care lucrează în diverse genuri, înfățișând peisaje, figuri și peisaje moderne, au respins în cele din urmă abstracția pură care domina atunci scena expresionistă abstractă din New York. Această expoziție, intitulată „Pictură figurativă contemporană din zona golfului”, a adus o atenție larg răspândită asupra tendinței [31] în care imaginile erau prezentate într-o manieră picturală condusă de pensula bogată și viguroasă a expresionismului abstract [32] . Unii critici au remarcat și colaborarea dintre artiștii din Golf, deoarece aceștia au tradus expresionismul abstract într-un stil figurativ viabil [33] .
Personajele cheie ale mișcării Golfului au fost Richard Diebenkorn (1922-1993), David Park (1911-1960) și Elmer Bischoff (1916-1991). Acești trei, alături de James Wicks (1922-1998), au fost considerați fondatorii mișcării [34] . Ei au creat lucrări de artă care s-au concentrat pe obiecte recunoscute, cum ar fi peisajul golfului [34] . În special, Park a declanșat mișcarea artistică după ce pictura sa cu o trupă de jazz a făcut furori în comunitatea artistică din San Francisco, după ce a fost inclusă într-o expoziție de grup [31] . Pictura sa din 1951 Copii pe biciclete este, de asemenea, un simbol al mișcării. [30] [35]
| Theophilus Brown (1919-2012) | Rolland Petersen (1926-) |
| Joan Brown (1938-1992) | Joan Savo (1918-1992) |
| Bruce McGaugh (1935-) | Hassel Smith (1915-2007) |
| Manuel Neri (1930-) | James Wicks (1922-1998) |
| Nathan Oliveira (1928-) | Paul Wanner (1920-2008) |
„Artistul și criticul Franz Schulze a inclus aproximativ o duzină de artiști figurativi în Lista Monștrilor – și ca referință la Monsters on the Road, porecla echipei de fotbal de la Universitatea din Chicago”. [37] [38] Mulți membri ai acestui grup au luptat în al Doilea Război Mondial și au participat la Școala Institutului de Artă din Chicago datorită sprijinului din partea Bill G. I. [34] [39] . Expresioniştii figurativi din Chicago din anii 1950 „au împărtăşit o profundă preocupare faţă de noţiunea umană existenţială de rezistenţă zădărnicită, dar necruţătoare”. [40] Poetul și istoricul de artă Carter Ratcliffe a spus : „Chicagoenii anilor 1950 nu s-au grupat niciodată. [41] Cu toată incompatibilitatea lor, arta lor avea același scop: să declare alienarea artistului în termeni suficient de clari pentru a fi înțeles pe scară largă.
Leon Golub (1922–2004) a ocupat fruntea Listei monștrilor cu o apărare din 1953 a expresionismului figurativ într-un articol pentru College Art Journal , în care a criticat abstracția ca o negare a umanității omului, numind-o o formă dezumanizată [34] . Alte figuri cheie în cele mai importante contribuții din Vestul Mijlociu la arta americană au fost George Cohen (1919-1999), Seymour Rosofsky (1924-1981) și H. C. Westermann (1922-1981).
Richard Diebenkorn a fost unul dintre primii expresioniști abstracti care s-au întors la arta figurativă înainte de criza expresionismului abstract, dar au urmat multe altele: „În Statele Unite până la sfârșitul anilor 1950... Expresionismul abstract nu mai era nou... Criza expresionismului abstract i-a eliberat acum pe mulți... artiști să-și urmeze tendința de mult timp deziluzionată de a picta figura”, ceea ce a condus la o renaștere a expresionismului figurativ american, [42] împreună cu expresionismul din Boston în a treia generație [43] .