Anii 1970 au fost, probabil, cel mai important deceniu din istoria science fiction-ului. Inovația A Space Odyssey, care a ridicat ficțiunea pe ecran deasupra granițelor cinematografiei de gen marginal, a fost percepută atât de public, cât și de noua generație de cineaști care tocmai începeau să pună în aplicare primele lor proiecte majore. În plus, audiența pentru genul fantastic s-a extins dramatic datorită popularității serialului de televiziune Star Trek. Toate acestea au creat condiții prealabile bune pentru ca science fiction să atingă un nou nivel - atât comercial, cât și artistic.
De o semnificație fenomenală pentru science-fiction și cinema în general a fost lansarea în 1977 a Star Wars (Star Wars) de George Lucas , care a combinat în mod emfatic motive epice și mitologice cu anturajul științifico-fantasticii spațiale în intriga și imaginile filmului. Succesul uriaș al filmului, care a devenit campionul absolut al box-office-ului, a creat aproape instantaneu un nou cult, comparabil cu cultul „Star Trek”, iar câteva alte filme științifico-fantastice au fost „lansate” datorită acestui film. Filmul nu numai că a devenit rampa de lansare a două sequele directe care au apărut în următorul deceniu și au alcătuit așa-numita „trilogie clasică” („ The Empire Strikes Back ”, 1980 ; „ Retur of the Jedi ”, 1983 ), dar a stabilit și un nou standard în implementarea efectelor vizuale în filmele fantastice.
Spre deosebire de simbolismul epic al Războiului Stelelor, filmul de groază SF al lui Ridley Scott din 1979 , Alien , este construit pe mult realism psihologic și un sentiment de autenticitate pe care science-fiction abia le cunoștea până atunci. În plus, decizia de a acorda rolul principal „activ” în film unei femei (Ellen Ripley interpretată de Sigourney Weaver ) și rolul primei victime unui bărbat s-au dovedit a fi extrem de importante, ceea ce a creat o situație complet nouă. pentru repartizarea rolurilor între sexe pentru cinematografia science fiction. Continuările ulterioare ale acestui film au creat un precedent strălucit pentru un ciclu de film de succes, niciunul dintre ele nu este ca precedentele.
Filmul de referință de la sfârșitul anilor 1970 a fost blockbuster-ul de mare succes al lui Steven Spielberg , Close Encounters of the Third Kind ( 1977 ), care a demonstrat în mod clar legătura strânsă dintre science fiction și religie în mintea omului modern: așteptarea sosirii extratereștrilor. este prezentat în film ca experimentat Roy Neary ( Richard Dreyfuss ) o experiență religioasă. Spielberg îl privește pe Neary cu înțelegere și simpatie, dar demonstrează imediat privitorului cât de ușor o experiență sublimă devine o obsesie și se transformă aproape în fanatism, o respingere a lumii reale în favoarea necunoscutei „lumi de dincolo”.
O altă imagine fundamentală a acestei perioade a fost „ Superman ” de Richard Donner (Superman, 1978 ) – prima încercare de a realiza un film cu adevărat „mare” bazat pe o carte de benzi desenate cu supereroi (anterioare numeroase adaptări de benzi desenate au fost enumerate în categoria meșteșugurilor). pentru adolescenții nepretențioși și nu au avut rezonanță semnificativă) . Pentru a crea un film fidel spiritului uneia dintre principalele legende ale culturii populare americane din secolul al XX-lea, Donner a trebuit să dea dovadă de o ingeniozitate remarcabilă în combinarea convențiilor familiare de benzi desenate cu mediul vizual realist al filmului. Norocul lui a deschis calea pentru o serie de filme de benzi desenate de mare succes care au crescut la zece ani după lansarea lui Superman.
Distopiile și „filmele de avertizare” (în terminologia criticii cinematografice sovietice din acei ani) au devenit o tendință independentă importantă în cinematografia științifico-fantastică din anii 1970.
O societate futuristă construită pe principiile totalitarismului dur a fost descrisă în primul film serios al lui George Lucas, THX 1138 (THX 1138, 1971 ).
Soylent Green ( 1973 ) - un film despre un Pământ suprapopulat catastrofal al viitorului apropiat, pus în scenă de Richard Fleischer , bazat pe romanul lui Harry Harrison , a avut o mare rezonanță . Conform intriga filmului, în 2022 populația din New York va crește la 40 de milioane de oameni, circulația oamenilor între orașe va fi interzisă, hrana naturală va dispărea aproape complet, iar aprovizionarea populației cu alimente sintetice, curate. apa și spațiul de locuit vor fi luate sub control strict al autorităților. Chiar și o formă particulară de sclavie va fi reînviată, atunci când femeile frumoase vor fi atașate la apartamentele din casele de elită distribuite printre oficialii de rang înalt ca „mobilier de locuit”. Eroul filmului, polițistul Thorn ( Charlton Heston ), investighează uciderea uneia dintre persoanele influente și descoperă că hrana sintetică cu care autoritățile hrănesc populația nu este produsă din plancton (oceanele sunt infectate și viața este murind în ele), ci din cadavre umane.
Un alt film binecunoscut despre o societate care este forțată să-și controleze strâns numărul este Logan's Run (Logan's Run, 1976 ) de Michael Anderson , în care bunăstarea exterioară a oamenilor care locuiesc într-un oraș sub cupolă se datorează obligativității distrugerea tuturor cetățenilor care au împlinit vârsta de 30 de ani. O temă importantă a rolului social al telemedia este preluată în filmul lui Norman Jewison „ Rollerball ” (Rollerball, 1975 ), unde o emisiune sportivă violentă acționează ca un regulator al tensiunii sociale. O temă similară a fost folosită în filmul satiric Death Race 2000 de Paul Bartel (Death Race 2000, 1975) - aici, participanții la o cursă de mașini live au fost însărcinați să zdrobească cât mai mulți pietoni.
O categorie separată este formată din filme de genul „ post-apocaliptic ”, a căror acțiune are loc după o catastrofă globală sau un război nuclear care a lovit Pământul. În filmul lui Douglas Trumble Silent Running ( 1971 ), un om de știință încearcă să împiedice autoritățile să distrugă o navă spațială cu mostre de plante care au murit pe toată planeta. Un punct culminant în science-fiction a fost filmul A Boy and his Dog ( 1975 ) bazat pe romanul clasic al lui Harlan Ellison cu același nume despre cum se schimbă valorile umane după schimbarea condițiilor de existență în condițiile de supraviețuire. Filmul lui George Miller „ Mad Max ” (Mad Max, 1979 ) a devenit un clasic minimalist al ficțiunii post-apocaliptice , unde criza „târâtoare” de combustibil care se răspândește peste civilizație devine fundalul tragediei personale a eroului (unul dintre primele filme ale lui Mel Gibson). roluri ).
Apariția unor filme care ridiculizează standardele de gen și clișeele stabilite ale ficțiunii cinematografice a marcat o nouă etapă în dezvoltarea sa: regia nu numai că s-a format ca ceva integral, ci a crescut și până la capacitatea de a râde de sine. Această tendință a fost consolidată la mijlocul anilor 1960 (în principal la televiziune și în animație), dar la începutul anilor 1970 astfel de filme au devenit unul dintre fenomenele caracteristice nu numai cinematografiei de gen.
Unul dintre cele mai clare exemple în acest sens poate fi filmul lui Woody Allen Sleeper ( 1973 ), în care, cu causticitatea caracteristică lui Allen, ideile utopice filistene despre societatea ideală a viitorului sunt ridiculizate. Eroul filmului, clarinetistul și fanatic al unui stil de viață sănătos, Miles Monroe, este înghețat și prinde viață 200 de ani mai târziu, când sexul normal a fost înlocuit cu „orgasmatroni” cibernetici, serviciile religioase sunt conduse de roboți fără păcat, iar statul este gata să lupte pentru idealurile purității prin orice mijloace până la genocid. Pe lângă semnificația sa social-satiric, filmul a fost și o parodie evidentă și inteligentă a unei serii de simplificări inerente ficțiunii, care a fost apreciată de fanii genului - „Sleeper” a câștigat premiul Hugo pentru cea mai bună producție fantastică a filmului. an.
Filmul parodic din 1974 al lui Mel Brooks , Young Frankenstein s -a dovedit a fi semnificativ din punct de vedere artistic , care a combinat respectul pentru realizările filmelor de groază clasice și o batjocură crudă a epigonilor, care au adus temele stabilite în ele la o totală lipsă de sens. Filmul a fost o rară unitate de versuri nostalgice și farsă de-a dreptul, pe care, mai târziu, Mel Brooks, probabil, nu a reușit să o repete.
Filmul de debut al lui John Carpenter „ Dark Star ” (Dark Star, 1974 ), care a fost filmat ca o producție de lungă durată de amatori, a avut un impact semnificativ asupra dezvoltării cinematografiei de gen , dar a interesat producătorii și a fost extins de către autori la standardele cinematografiei de lungă durată. Acțiunea acestei parodii comedie „neagră” are loc pe nava spațială „Dark Star”, care se află în zbor autonom de douăzeci de ani într-o misiune de distrugere a planetelor cu o orbită instabilă. Din cauza unei serii de accidente, jumătate din echipamentul navei nu funcționează, iar comandantul grav rănit este înghețat și poate comunica cu echipajul datorită electrozilor implantați în creier. Patru membri ai echipajului, fiecare dintre care a reușit să se miște ușor în douăzeci de ani de zbor, sunt angajați în tot felul de prostii între bombardarea planetelor. În timpul unuia dintre bombardamente, o „bombă inteligentă” cibernetică scapă de sub control, iar echipajul reușește să o împiedice să detoneze în apropierea navei, doar „încărcând-o” cu probleme fenomenologice . Cu toate acestea, acest lucru nu ajută mult: bomba ajunge curând la concluzia că trebuie să aducă sens golului fără suflet care domnește în jur și explodează chiar pe navă cu cuvintele „Să fie lumină”. Filmul a parodiat multe filme științifico-fantastice cunoscute (inclusiv 2001: A Space Odyssey ) și a creat câteva modele de gen care au fost reutilizate de atunci atât în producții de comedie, cât și în filme serioase.
Comediile britanice de lungă durată create de celebrul grup de comedii Monty Python ocupă un loc cu totul special în istoria science fiction-ului . Multe schițe de televiziune ale acestui grup au fost rezolvate într-un mod suprarealist-fantastic, iar intonația absurdului vesel și plin de sens (tradițională pentru cultura britanică) a fost apoi transferată cu succes pe ecranul de film. Comedia lui Terry Jones și Terry Gilliam „ Monty Python and the Holy Grail ” (Monty Python și Sfântul Graal, 1975) a dobândit statutul de cult . Mai puțin succes a fost debutul regizoral „solo” al lui Terry Gilliam – „ Jabberwocky ” (Jabberwocky, 1977). Culmea creativității cinematografice a grupului poate fi considerată geniala comedie a lui Terry Jones Life Of Brian (1979), cel mai complet film „Monty Python” din punct de vedere al dezvoltării intrigii. În „Viața lui Brian”, acțiunea are loc în Iudeea condiționată a timpului lui Hristos , cu toate acestea, filmul este plin în mod deliberat de anacronisme și situații ridiculizează de obicei stereotipurile și viciile civilizației moderne, făcând uz pe scară largă de motivele Evangheliei. . Comediile lui Monty Python au avut un impact semnificativ asupra cinematografiei britanice și mondiale, iar Terry Gilliam, care s-a remarcat din grup, a devenit unul dintre cei mai influenți și mai originali regizori ai cinematografiei mondiale încă din anii 1980.
Temele distopice în cinematografia fantastică din anii 1970 au început adesea să fie folosite pentru a crea o parabolă filozofico-ficțiune, adesea cu elemente semnificative de satiră socială.
Unul dintre primele din această serie ar trebui să se numească filmul regizat de Stanley Kubrick bazat pe romanul lui Anthony Burgess A Clockwork Orange (A Clockwork Orange, 1971 ), care a provocat o mare rezonanță. Rigiditatea și lipsa de compromisuri cu care regizorul a abordat tema violenței în societatea modernă și impactul violent asupra conștiinței care impune „modele de comportament acceptabile social” au provocat o controversă aprinsă și au avut o mare influență asupra modului în care s-a schimbat ulterior atitudinea față de manifestarea violenței în cinema. .
Zardoz de John Burman (Zardoz, 1974 ) este rezolvat într-un mod cu totul diferit , în care civilizația viitorului a împărțit omenirea în numeroși barbari și câțiva „estetici” nemuritori care s-au îngrădit de restul lumii, care și-au păstrat rămășițe de cunoștințe științifice din trecut. Războinicul barbar Zed ( Sean Connery ) intră în orașul nemuritorilor și îi infectează fără să vrea cu vitalitatea sa - pe care, totuși, ei o percep drept „binecuvântarea morții”. Deși filmul nu a reușit tocmai ca o operă de ficțiune, este de un interes considerabil ca o reinterpretare ironică a ideilor lui Nietzsche .
Regândirea rolului femeilor în societatea modernă în secolul XX și rezistența acestei regândiri a conservatorilor a devenit subiectul unei alte producții cinematografice independente - comedia satirică „neagră” de Bryan Forbes „The Stepford Wives ” (Soțiile Stepford, 1974 ), bazat pe romanul cu același nume de Ira Levin . În patriarhalul Connecticut Stepford, bărbații care cu greu suportă independența în creștere a femeilor găsesc o modalitate de a-și înlocui soțiile cu copiile lor mecanice exacte ( roboți ) și sunt hotărâți să impună această „nouă ordine” unei familii nou stabilite în oraș. În ciuda mai multor decizii de compromis luate de regizor, filmul a avut un impact semnificativ asupra dezvoltării ulterioare a temei emancipării feminine în cinema.
Filmul lui George Roy Hill „ Slaughterhouse 5 ” (Slaughterhouse 5, 1972 ), bazat pe romanul cu același nume al lui Kurt Vonnegut , poate fi, de asemenea, atribuit aceleiași ramuri a science-fiction . Eroul filmului, Billy Pilgrim, există simultan în fiecare moment al vieții sale - în tranșeele celui de-al Doilea Război Mondial și într-un lagăr de prizonieri de război german și în Dresda , bombardată barbar de aliați și în perioada postbelică. America și chiar și pe planeta Tralfamador, unde îl duc extratereștrii. Înainte ca privitorul să treacă în episoade, o viață umană uriașă, toate evenimentele care sunt interdependente și conectate între ele. Cea mai veche amintire a lui Billy Pilgrim și cunoștințele sale exacte despre timpul și circumstanțele morții sale sunt la fel de valoroase și, prin urmare, fiecare pas al vieții sale este perceput dintr-un unghi foarte special, foarte „vonnegutian”. Filmul este atât ironic, cât și tragic; în multe privințe este cea mai reușită adaptare a prozei bogate de personalitate a lui Vonnegut.
Un fenomen caracteristic al anilor 1970 a fost lansarea unui număr de thrillere mistice care nu se încadrau puternic în granițele genurilor ficțiunii de groază.
Prima descoperire majoră de acest gen a fost The Exorcist ( 1973 ) de William Friedkin , care a folosit un complot de posesie demonică pentru a explora ce înseamnă credința pentru omul modern. Preotul Damien Karras, care se confruntă cu o criză de credință , este martor la transformarea teribilă a unei adolescente, Regan, care, fără îndoială, este stăpânită de diavol. El însuși nu poate conduce ritul exorcizării și trebuie să implice un exorcist experimentat Lancaster Merrin ( Max von Sydow ) pentru aceasta. Demonul se dovedește a fi atât de puternic încât părintele Merrin moare în timpul ceremoniei, dar Karras încă găsește o modalitate de a o elibera pe fată - profitând de slăbiciunea credinței sale, îi oferă demonului să treacă în trupul său, iar când se întâmplă acest lucru. , reușește să se sinucidă în ultimul moment, aruncându-se pe fereastră. Cheia biruinței asupra Răului, așadar, nu este tăria credinței religioase, ci tăria compasiunii față de aproapele și inflexibilitatea spiritului uman.
Filmul serios și realizat în mod realist a provocat un șoc și este încă considerat unul dintre cele mai influente filme de groază din istorie, provocând multe continuare și imitații, citate clare din acesta pot fi găsite în thrillere recente precum, de exemplu, „ Constantine ” ( 2005).
Această regie a fost dezvoltată în filmul lui Richard Donner „The Omen ” (The Omen, 1976 ). Familia diplomatului american Robert Thorn este victima unei conspirații a sataniștilor care ucid copilul nou-născut al lui Thorns și îl înlocuiesc cu pruncul Antihrist . Când Damien Thorne împlinește cinci ani, în jurul lui încep să se întâmple lucruri groaznice. După ce soția lui Thorn moare din cauza lui, iar numărul coincidențelor fatale depășește orice limite rezonabile, diplomatul devine convins că fiul său adoptiv este într-adevăr Antihrist și trebuie ucis. Încearcă să-și ducă la îndeplinire planul, dar moare din cauza glonțului unui polițist, care pe bună dreptate îl ia de maniac. Damien nu numai că supraviețuiește, dar cade și în grija familiei președintelui Statelor Unite.
Regizorul filmului a declarat că nu filmează un film de groază, ci o dramă religios-psihologică. Fantezia intrigii este într-adevăr susținută nu atât de efectele speciale, ci de legarea într-un lanț de coincidențe mistice, fiecare dintre ele nu arată fantastic în sine, dar toate împreună creează un sentiment de intervenție constantă a forțelor din altă lume. Filmul a avut un succes uriaș și a dat naștere mai multor continuare directe și un remake cu buget mare .
Anii 1970 au văzut apariția unui număr de filme ale căror intrigi s-au bazat pe presupunerea fanteziei, dar au evitat dispozitivele pur de gen. Astfel de filme, subliniind semnificația lor, nu se referă în mod tradițional la science fiction, ci la „mainstream” al cinematografiei.
Unul dintre aceste filme importante a fost The Day of the Dolphin ( 1973 ) regizat de Mike Nichols , bazat pe romanul Rational Animal de Robert Merle . Oamenii de știință etologi dintr-un laborator de pe o insulă îndepărtată studiază comportamentul delfinilor . Ei reușesc să stabilească contact verbal cu animalele - nu numai că descifrează „limbajul” delfinilor, ci îi învață și să pronunțe în mod semnificativ câteva cuvinte scurte din limba engleză - „pa (pa)”, „ma (ma)”, „lu”. (albastru)”, etc. e. Delfinii prietenoși și de încredere se atașează de oamenii care îi tratează ca pe niște copii. Cu toate acestea, aventurierii militari invadează brusc viața pașnică a laboratorului, care intenționează să folosească delfini „inteligenti” pentru a organiza atacuri teroriste. Semnificația filmului este o metaforă a creșterii, o ciocnire dură a eticii „copilești”, pe care delfinii o întruchipează, și răutatea cinică „adultă”; iar oamenii de știință din laborator se află în postura de „părinți”, care trebuie fie să ia decizia pentru secțiile lor, fie să le încredințeze decizia.
Filmul autorului de Michael Crichton „ Westworld ” (Westworld, 1973 ) nu a obținut un succes semnificativ la box office, dar a făcut mai multe inovații semnificative, care au fost ulterior preluate și dezvoltate de cinematografia științifico-fantastică. Crichton a scris o parabolă filozofică despre modul în care un mediu artificial creat de oameni pentru divertisment scapă de sub control și devine mortal. Potrivit intrigii, în viitorul apropiat apar parcuri tematice robotizate , în care sunt simulate perioade populare ale istoriei: Roma Antică , Evul Mediu cavaleresc și Vestul Sălbatic . Vizitatorii parcurilor sunt echipați în funcție de epocă și pot face tot ce doresc - sistemele de securitate asigură că nu sunt răniți în lupte cu roboți de cowboy sau lupte cu sabia cu cavaleri-roboți. Eroii filmului se distrează în parcul Vestului Sălbatic, dar sistemul informatic se prăbușește și roboții, scăpați de sub control, încep să omoare vizitatori. Filmul a stabilit o temă care a fost dezvoltată ulterior de Crichton în romanul „ Jurassic Park ” și pusă în scenă de adaptarea cinematografică cu același nume a lui Steven Spielberg (Jurassic Park, 1993). Imaginea robotului de neoprit Gunslinger ( Yul Brynner ) care urmărește personajele filmului a fost un precursor direct al Terminator din filmul lui James Cameron The Terminator (Terminator, 1984 ). În plus, pentru prima dată într-un film de lungă durată, Westworld a folosit imagini procesate de computer (fragmente afișate din „punctul de vedere” al unui robot) ca efecte speciale .