Cinematograful independent din SUA are o istorie lungă. Astfel de filme sunt produse în mare parte sau în întregime în afara sistemului de studiouri de film de masă și sunt distribuite de companii independente. Filmele independente pot fi produse și/sau distribuite, de asemenea, de filialele unor mari studiouri de film. De obicei, dar nu întotdeauna, bugetele filmelor independente sunt mult mai mici decât bugetele marilor filme de studio. De regulă, distribuția de filme independente se caracterizează printr-o lansare limitată , dar, în același timp, poate avea campanii de marketing serioase și o lansare largă.
Compania Motion Picture Patents (MPPC , mai bine cunoscută sub numele de Edison Trust ) a fost fondată în 1908 . Edison Trust a fost creat ca un acord între studiourile concurente care dețineau un monopol asupra producției și distribuției filmelor . Acesta includea toate marile companii de film ale vremii ( Edison , Biograph, Vitagraph , Essanay , Selig, Lubin, Kalem, American Star, American Pathé ), principalul distribuitor (George Kleine) și cel mai mare furnizor de stoc de filme neexpuse Eastman Kodak . Câțiva regizori au refuzat să se alăture companiei sau li s-a refuzat creditul și au fost etichetați „independenți”.
În timpul formării MPPC, Thomas Edison a deținut majoritatea brevetelor cheie de tehnologie cinematografică . George Eastman , care a susținut trustul de film, deținea și el un monopol, producând peste 90% din stocul mondial de filme neexpuse. MPPC a cerut aplicarea strictă a brevetelor sale, emitând în mod constant ordonanțe împotriva realizatorilor de film independenți. Drept urmare, unii regizori și-au mutat filmările la Hollywood , California, unde distanța față de baza principală a lui Edison din New Jersey le-a făcut să nu mai fie accesibile MPPC și brevetelor sale.
Edison Trust a fost închis în curând prin două decizii ale Curții Supreme din SUA : prima în 1912, care a anulat brevetul pentru filmul neexpus, și a doua în 1915, care a anulat toate brevetele MPPC. Deși aceste decizii au reușit să legalizeze filmele independente și să corecteze interzicerea de facto a producțiilor mici de film, realizatorii de film independenți care au fugit în California de Sud puseseră deja bazele cinematografiei clasice la Hollywood .
La începutul anului 1910, regizorul D. W. Griffith a fost trimis de Compania Biograph pe coasta de vest cu trupa sa de actorie, formată din actorii Sweet Blanche , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore și alții. Au început să filmeze într-un teren viran de lângă strada Georgia din centrul orașului Los Angeles . În acest timp, compania a decis să exploreze un nou teritoriu conducând câteva mile spre nord, spre Hollywood . Micul sat a fost prietenos cu echipa de filmare. Griffith a creat aici primul film realizat vreodată la Hollywood, In Old California , o melodramă despre California în anii 1800, când aparținea Mexicului. The Biograph Company a stat acolo o lună și a reușit să facă mai multe filme înainte de a se întoarce la New York.
În timpul Edison Trust, la începutul anilor 1900, mulți imigranți evrei și-au găsit de lucru în industria cinematografică din SUA. Sub Edison Trust, au putut să facă o carieră într-o afacere complet nouă. În câțiva ani, bărbați ambițioși precum Samuel Goldwyn (MGM), Harry Cohn (Columbia Pictures), Carl Laemmle (Universal Pictures), Adolph Zukor (Paramount Pictures), Louis Mayer și frații Warner (Harry, Albert, Sam și Jack ). ) sa mutat în partea de producție a afacerii. În urma zvonurilor despre succesul companiei Biograph la Hollywood, în 1913 mulți cineaști potențiali au fugit în vest pentru a evita taxele stabilite de Edison Trust. Curând au devenit directori ai unui nou tip de întreprindere: studiourile de film .
Prin crearea unui nou sistem de producție, distribuție și distribuție care a fost independent de Edison Trust din New York, aceste studiouri au deschis un nou teren pentru cinematograful din Statele Unite . Monopolul de la Hollywood l-a înlocuit pe cel al Edison Trust. În cadrul acestui nou sistem, a fost creată o ierarhie care a lăsat puțin loc pentru nou-veniți. În frunte se aflau cinci studiouri importante: 20th Century Fox , Metro-Goldwyn-Mayer , Paramount Pictures , RKO Pictures și Warner Bros. Sub ele erau Columbia Pictures , United Artists și Universal Studios . Puțin mai târziu, a apărut termenul „Poverty Row”, care este folosit pentru a se referi la orice alte studiouri de film mai mici care au reușit să lupte pentru locul lor în industria filmului. În ciuda studiourilor mai mici Poverty Row, care pot fi descrise ca existente „independent” de orice studiouri majore, au folosit același tip de sisteme de afaceri integrate vertical și orizontal ca și marii jucători de pe piață. Cu toate acestea, acest sistem de studiouri de film și restricții este probabil să se dezintegra, permițând studiourilor de film independente să umple piața cu produsele lor Poverty Row, ceea ce va duce la dispariția Poverty Row ca fenomen de la Hollywood. În timp ce filmele produse de Poverty Row doar au crescut în popularitate, în cele din urmă au devenit mai accesibile decât filmele de la marile companii de producție și producători independenți care nu mai trebuiau să se bazeze pe capacitatea studiourilor de a le împacheta și de a le distribui.
Următorul tabel listează categoriile care sunt utilizate în mod obișnuit pentru a caracteriza sistemul Hollywood:
| Marii cinci lideri | Top trei mici | Poverty Row (primele patru companii) |
|---|---|---|
| Metro-Goldwyn-Mayer | Artiști uniți | Grand National |
| Paramount Pictures | Columbia Pictures | Poze Republicii |
| Secolul al XX-lea | studiouri universale | Poze cu monogramă |
| Warner Bros. | Producers Releasing Corporation (alias RPC) | |
| Imagini RKO |
Sistemele de studio au devenit rapid atât de puternice încât unii regizori s-au străduit din nou pentru independență. La 5 februarie 1919 , patru dintre figurile de top ale cinematografiei mut americane ( Mary Pickford , Charles Chaplin, Douglas Fairbanks și D. W. Griffith) au format United Artists (UA), primul studio independent din America. Fiecare deținea 20% din acțiuni, restul de 20% fiind deținut de avocatul William Gibbs McAdoo. Fairbanks, Chaplin, Pickford și starul cowboy William S. Hart au avut ideea unei astfel de aventuri cu un an mai devreme, când făceau un turneu prin SUA, vânzând obligațiuni pentru a ajuta cu eforturile lor în Primul Război Mondial . În calitate de veterani de la Hollywood, cele patru vedete ale filmului au vorbit despre înființarea unei firme pentru a-și spori controlul asupra propriei lucrări. Ei au fost stimulați să intre în acțiune de producătorii și distribuitorii de la Hollywood, care făceau măsuri pentru a întări controlul asupra salariilor și licențelor creative ale vedetelor lor. Odată cu alăturarea lui Griffith, a început planificarea, dar Hart i-a părăsit înainte ca totul să fie finalizat. „Când a auzit de planul lor”, a spus Richard A. Rowland, șeful Metro Pictures , „a remarcat: „Prizonierii preiau azilul de nebuni”.
Cei patru parteneri, la sfatul lui McAdoo (fostul secretar al Trezoreriei și ginerele președintelui de atunci Woodrow Wilson ), și-au format compania de distribuție cu Hiram Abrams ca prim director general. Termenii inițiali prevedeau ca Pickford, Fairbanks, Griffith și Chaplin să producă în mod independent cinci filme pe an, dar până când compania și-a început activitatea în 1920-1921, lungmetrajele deveneau din ce în ce mai scumpe și mai rafinate, iar durata de rulare era de aproximativ nouăzeci de minute. (sau opt tobe cu film). Se credea că nimeni, indiferent de popularitate, nu poate lua parte la cinci lungmetraje de calitate pe an. Până în 1924, Griffith a abandonat compania și s-a confruntat cu o criză: fie a aruncat toate resursele în menținerea unui sistem de distribuție scump, fie a eșuat. Veteranul producător Joseph Schenck a fost angajat ca președinte al companiei. Nu numai că a produs imagini timp de zece ani, dar s-a angajat și să îi aibă în rolurile principale pe soția sa, Norma Talmadge, pe sora soției sale, Constance Talmadge, și pe fratele soției sale, Buster Keaton , în filme . Au fost semnate contracte cu o serie de producători independenți, în special Samuel Goldwyn, Alexander Korda și Howard Hughes. Shenk a format, de asemenea, un parteneriat cu Pickford și Chaplin pentru a cumpăra și a construi teatre numite United Artists.
Cu toate acestea, chiar și cu extinderea, United Artists a întâmpinat probleme. Apariția filmului sonor a pus capăt carierei lui Pickford și Fairbanks. Chaplin era deja destul de bogat și lucra doar ocazional. În 1933, Schenk și Darryl Zanuck au fondat o nouă companie, Twentieth Century Pictures , care a filmat în curând patru fotografii pe an (aproape jumătate din producția United Artists), iar când Schenk i s-a refuzat dreptul de proprietate parțială a United Artists în 1935, el a părăsit-o. , aranjarea fuziunii dintre 20th Century Pictures” și „Fox Film Corporation”, care a dus la formarea companiei de film „ 20th Century Fox ”. Shenk a fost înlocuit ca președinte al United Artists de fostul director de vânzări Alexander Lichtman, care și-a dat demisia după doar câteva luni la serviciu. În diferite momente, producători independenți precum Goldwyn, Korda, Walt Disney , Walter Wanger și Selznick au distribuit filme prin United Artists, dar până în 1940 dinamica afacerilor s-a schimbat și acești parteneri au plecat: Goldwyn și Disney la RKO , Wagner la Universal Pictures , iar Selznick este pensionar. Televiziunea a avut și ea impact, înlocuind cinematografele, așa că până la sfârșitul anului 1940 United Artists a încetat practic să mai existe ca producător și distribuitor de filme.
În 1941 , Mary Pickford , Charles Chaplin , Walt Disney , Orson Welles , Samuel Goldwyn , David Selznick , Alexander Korda și Walter Wanger – mulți dintre aceiași oameni care erau membri ai United Artists – au fondat Societatea Producătorilor Independenti de Film, SIMPP pentru scurt . Ulterior, William Cogney, Saul Lesser și Hal Roach au devenit și ei membri. Societatea a fost direcționată să lupte pentru păstrarea drepturilor regizorilor independenți, care erau controlați în mod covârșitor de sistemul studioului. De altfel, societatea SIMPP a reușit să spargă monopolul celor mai mari șapte studiouri de la Hollywood, care controlau producția, distribuția și proiecțiile filmelor.
În 1942 , SIMPP a intentat un proces antitrust împotriva teatrelor din Detroit ale Paramount. Plângerea a acuzat-o pe Paramount că complotează pentru a ocupa sălile de cinema din Detroit. A fost primul proces antitrust intentat împotriva marilor companii de film.
În 1948 , Curtea Supremă a SUA a decis să ordone studiourilor de film de la Hollywood să vândă lanțuri de cinematografe și să elimine practicile anticoncurențiale. Acest lucru a pus capăt efectiv sistemului de studiouri ale epocii de aur de la Hollywood .
Până în 1958 , SIMPP și-a îndeplinit misiunea și a închis birourile.
Prin eforturile SIMPP și odată cu apariția camerelor portabile ieftine în timpul celui de-al Doilea Război Mondial , a devenit posibil ca oricine din America interesat să facă filme să scrie, să producă filme direct, fără ajutorul unui mare studio de film . Aceste circumstanțe au dezvăluit curând, mulțumită criticilor, o serie de lucrări remarcabile, inclusiv Umbrele prânzului din 1943 de Maya Deren , Fireworks de Kenneth Anger în 1947 și The Little Fugitive de Morris Engel, Ruth Orkin și Ray Abrashkin în 1953. . Cineaști: precum Ken Jacobs, fără educație specială, au început să experimenteze noi moduri de filmare.
The Little Runaway a devenit primul film independent nominalizat la Oscar pentru cel mai bun scenariu original. De asemenea, a primit Leul de Argint la Veneția . Atât filmele lui Engel, cât și ale lui Unger au primit aprecieri internaționale de la Noul Val , iar Fireworks a primit laude și invitații de a studia în Europa cu Jean Cocteau și François Truffaut , care a citat Micul fugar ca inspirație majoră pentru lucrarea sa principală, „ Four Hundred Blows ”. ". O nouă paradigmă a cinematografiei cu buget redus a progresat în anii 1950, câștigând recunoaștere internațională larg răspândită pentru filme precum Apu Trilogy (1955-1959), aclamata de critici a lui Satyajit Rai .
Spre deosebire de filmele din sistemul de studio stricat, aceste noi filme cu buget redus și-ar putea permite să-și asume riscuri și să exploreze noi orizonturi artistice în afara tiparelor clasice de la Hollywood. Maya Deren i s-a alăturat curând o mulțime de regizori de avangardă din New York care erau interesați să facă filme ca opere de artă, nu ca mijloc de divertisment. Pe baza credinței comune că „cinema oficial” este „lipsa de aer” și a devenit „imoral, învechit din punct de vedere estetic, superficial tematic, plictisitor din punct de vedere al temperamentului”, [9] această nouă generație de realizatori independenți formează Societatea Cinematografilor, Artiștilor Promițători și Organizații nonprofit, pe care le vor folosi pentru a-și distribui filmele printr-o arhivă centralizată. Înființată în 1962 de Jonas Mekas , Stan Brakhage , Shirley Clark , Gregory J. Markopoulos și alții, societatea a servit ca principală desfășurare pentru mulți oameni de creație a filmului în anii 1960, inclusiv Jack Smith și Andy Warhol . Când Ken Unger s-a întors în America, a debutat cu multe lucrări importante. Mekas și Brakhage au continuat cu Arhivele de film de antologie în 1970, care s-au dovedit, de asemenea, esențiale pentru dezvoltarea și conservarea filmelor independente până în prezent.
Nu toate filmele cu buget redus au existat ca aventuri artistice necomerciale. Filme precum Little Fugitive , care sunt realizate cu bugete mici (sau uneori zero), sunt extrem de populare printre fanii filmelor care nu sunt de studio. Bugetul mic al filmului promite o rentabilitate potențial mare (din punct de vedere al dobânzii) dacă filmul are o lansare de succes în cinematografe. În acest timp, producătorul/regizorul independent Roger Corman s-a angajat într-un corp amplu de lucrări care aveau să devină exemple legendare de frugalitate și un program obositor de filmări. Până la așa-numita „retragere” sa ca manager în 1971 (a continuat să producă filme după), a putut produce până la șapte filme pe an, adesea peste programul de producție.
Ca și în cazul avangardei, filmele lui Roger Corman au profitat de faptul că, spre deosebire de sistemul de studio, filmele independente nu au fost niciodată legate de Codul Hays . Exemplul lui Corman (și al altora ca el) a contribuit la crearea unui boom în filmele independente de tip B în anii 1960, al căror obiectiv principal era de a câștiga un loc într-o piață de tineret cu care marile studiouri pierduseră legătura. Promițând sex , violență nebunească, consum de droguri și nuditate, aceste filme sperau să atragă publicul în teatrele independente oferindu-le să le arate ceea ce marile studiouri nu au putut. Filmele de groază și ficțiunea științifico-fantastică au cunoscut o perioadă de mare cerere în această perioadă. Întrucât aceștia erau producători minusculi, teatrele și distribuitorii au continuat să încerce să se submineze reciproc, filmele de clasă B, în ceea ce privește costurile de producție, au scăzut curând la nivelul filmelor Z. Popularitatea acestor imagini a făcut în curând astfel de filme ideale pentru proiecțiile de filme la miezul nopții.
În 1968, un tânăr regizor pe nume George Romero a șocat publicul cu Night of the Living Dead , un nou tip de tensiune și nemiloasă în filmele de groază independente. Acest film a fost lansat imediat după abandonarea Codului Hayes, dar înainte de adoptarea sistemului de rating MPAA. Ca atare, a fost primul și ultimul film de acest gen care a avut o lansare complet nerestricționată în care copiii mici au putut asista la scene gore realiste. Filmul a contribuit la stabilirea atmosferei de groază independentă pentru deceniile următoare, filme precum „ The Texas Chainsaw Massacre ” (1974) și „ Cannibal Hell ” (1980) depășind granițele genului.
După ce Codul Hayes a fost abandonat, filmele înfricoșătoare și violente au început să câștige popularitate, așa că Hollywood a decis să calmeze publicul îngrijorat cu sistemul de rating MPAA, care a putut impune restricții privind vânzarea biletelor pentru tineri. Spre deosebire de Codul Hayes, acest sistem de evaluare a reprezentat o amenințare pentru filmele independente, deoarece a afectat numărul de bilete pe care le puteau vinde la cinematografele Grindhouse . Această schimbare a lărgit și mai mult decalajul dintre cinematograful comercial și cel necomercial.
În urma televiziunii și a cazului Paramount, marile studiouri au încercat să atragă telespectatorii cu un spectacol spectaculos. Trucurile de ecran, afișajele cu ecran lat și îmbunătățirile tehnice, cum ar fi CinemaScope , sunet stereo , 3-D și altele, au fost inventate pentru a opri declinul publicului, oferind spectatorilor mai mult decât propria lor experiență.
În anii 1950 și începutul anilor 1960, Hollywood-ul a fost dominat de muzicale, epopee istorice și alte filme similare. S-au dovedit a fi viabile din punct de vedere comercial în cea mai mare parte a anilor 1950. Cu toate acestea, până la sfârșitul anilor 1960, cota de audiență a scăzut într-un ritm alarmant. Mai multe flop-uri costisitoare, inclusiv Cleopatra și Hello, Dolly! a provocat îngrijorare serioasă în studio. Între timp, în 1951, avocatul devenit producător Arthur Krim și Robert Benjamin au încheiat un acord cu restul acționarilor United Artists care le-a permis să încerce să revigoreze compania și, dacă reușesc, să o cumpere după cinci ani. Încercarea sa dovedit a fi un succes, iar în 1955 United Artists a devenit primul studio fără un studio propriu-zis. UA a închiriat spațiu la studiourile Pickford/Fairbanks, dar nu a deținut studioul ca atare. Din această cauză, multe dintre filmele lor vor fi imediat „împachetate”. Acționând în primul rând ca bancheri, au oferit bani producătorilor independenți. În acest fel, UA nu are costul general, întreținerea sau personalul costisitor de producție pentru care percep alte studiouri. UA a devenit publică în 1956 și, spre deosebire de alte studiouri importante de film care au declinat, UA a înflorit, construind relații cu frații Mirisch, Billy Wilder, Joseph E. Levine și alții.
La mijlocul anilor 1960, RKO se prăbușise complet, iar ceilalți patru dintre cei cinci mari au recunoscut că nu știau cum să ajungă la un public de tineret. Filmele străine, în special cinematograful european și japonez , au crescut în popularitate în rândul tinerilor care erau interesați de filme cu lucruri neconvenționale și structuri narative noi. Ei, ca și filmele independente americane, erau împovărați cu un cod de producție. În încercarea de a capta acest public, studiourile au angajat mulți regizori tineri (mulți dintre ei studenți ai lui Roger Corman) și le-au permis să-și realizeze filmele cu o implicare relativ mică a studioului în acest proces.
În 1967, Warner Brothers i-a oferit aspirantului producător Warren Beatty 40% din profiturile din filmul său Bonnie and Clyde , mai degrabă decât o taxă minimă. Filmul a încasat peste 70 de milioane de dolari în întreaga lume până în 1973. Acest succes inițial a deschis calea pentru ca studioul să renunțe practic la controlul complet al generației școlilor de film și a început ceea ce mass-media a numit „ Noul Hollywood ”.
Pe 16 mai 1969, Dennis Hopper , un tânăr actor american, și-a făcut debutul în scenariul și regia cu The Rogue . Alături de producătorul/co-actorul/co-scenariul său Peter Fonda, Hopper a fost responsabil pentru unul dintre primele filme complet independente de la New Hollywood. „Easy Rider” a debutat la Cannes și a câștigat „First Film Award” („Prix de la premiere oeuvre”), după care a primit două nominalizări la Oscar, una pentru cel mai bun scenariu original și cealaltă pentru Jack Nicholson ca avocat alcoolic din America. Uniunea Libertăților Civile.
Pe urmele lui Easy Rider, Midnight Cowboy de la United Artists a fost reînviat la puțin peste o săptămână mai târziu. A devenit primul și singurul film cu rating X care a câștigat Premiul Oscar pentru cel mai bun film. Midnight Cowboy a prezentat apariții cameo ale multor superstaruri ai lui Andy Warhol, care au devenit deja simboluri ale sentimentului anti-Hollywood în rândul comunității cinematografice independente din New York.
În decurs de o lună, un alt tânăr stagiar de la Corman, Francis Ford Coppola , și-a făcut debutul spaniol la Festivalul Internațional de Film de la Donostia-San Sebastian cu The Rain People și un film pe care l-a realizat cu propria sa companie, American Zoetrope . Deși Rain People este în mare măsură ignorat de publicul american, American Zoetrope a devenit o forță puternică în New Hollywood. Prin Zoetrope, Coppola a încheiat un acord de distribuție cu gigantul studioului Warner Bros., pe care l-a folosit pentru lansări ample ale filmelor sale, lucrând fără controlul studioului.
Acest lucru a oferit un model de urmat pentru marile studiouri de la Hollywood și o oportunitate de a atrage noi talente dintr-o nouă generație. În 1971, co-fondatorul Zoetrope, George Lucas , și-a făcut debutul cu lungmetrajul Galaxy THX 1138, care a fost lansat de Zoetrope. Astfel, Lucas s-a declarat un alt talent serios din New Hollywood. Până în anul următor, liderii noii revoluții de la Hollywood și-au făcut nume, iar lui Coppola i s-a oferit epopeea de gangsteri Paramount în trei părți, Nașul. Între timp, Lucas a primit finanțare pentru studioul American Graffiti de la Universal. La mijlocul anilor 1970, marile studiouri de la Hollywood au continuat să-i exploateze pe acești noi regizori, producând filme idiosincratice, surprinzătoare și originale, precum Paper Moon , Dog Day Afternoon și Taxi Driver , toate s-au bucurat de un mare succes comercial și de aprecieri de critică. Succesul membrilor noului Hollywood a dus la o creștere a cererilor exorbitante atât din partea studiourilor, cât și a publicului.
Se pare adesea că toți membrii noii generații de la Hollywood au fost regizori independenți. În timp ce toate cele menționate mai sus au început cu revendicări semnificative ale titlului, aproape toate filmele lor majore au fost de obicei proiecte de studio. Noua generație de la Hollywood s-a consolidat în curând în reîncarnarea sistemului de studiouri care finanțau dezvoltarea, producția și distribuția filmelor lor. Foarte puțini dintre acești regizori au fost vreodată finanțați independent sau autoproduși sau au lucrat vreodată cu finanțare independentă de producție. Este probabil ca filme independente precum Taxi Driver , Last Picture Show și altele să fi fost filme de studio: scenariile au fost comandate și ulterior plătite de studiouri, producția și finanțarea au fost de la studiouri, iar marketingul și distribuția filmului a fost dezvoltat și gestionat de studiouri. Deși Coppola a făcut eforturi considerabile pentru a contracara influența studioului, preferând să-și finanțeze însuși filmul riscant din 1979, Apocalypse Now , decât să facă compromisuri cu directori de studio sceptici, el și realizatorii de film au salvat vechile studiouri de la ruina financiară, oferindu-le o nouă formulă pentru succes.
Într-adevăr, în această perioadă însăși definiția cinematografiei independente a devenit estompată. Deși Midnight Cowboy a fost finanțat de United Artists, compania era, desigur, un studio. În plus, Zoetrope a fost un alt „studio independent” care a lucrat în cadrul sistemului pentru a crea spațiu pentru regizorii independenți care aveau nevoie de finanțare. George Lucas a părăsit Zoetrope în 1971 pentru a-și forma propriul studio independent, Lucasfilm , care va continua să producă filmele de succes din Star Wars și franciza Indiana Jones . De fapt, există doar două filme care pot fi descrise drept cinematograf independent fără compromisuri - Easy Rider și They All Laughed Peter Bogdanovich. Peter Bogdanovich și-a cumpărat drepturile asupra filmului său de la studio în 1980 și a plătit pentru distribuția acestuia din propriul buzunar, convins că imaginea este mult mai bună decât credea studioul - a ajuns să dea faliment din cauza asta.
În retrospectivă, Jaws (1975) de Steven Spielberg și Star Wars (1977) de George Lucas au marcat începutul sfârșitului pentru New Hollywood. Cu succesele lor de box office de neegalat, aceste filme au devenit impulsul pentru succesele de succes de la Hollywood, oferind studiourilor un nou model pentru cum să facă bani în acest spațiu comercial în schimbare. Accentul pus pe spațiile comerciale cu un concept înalt, cu o concentrație mai mare de mărfuri (cum ar fi jucăriile), produse derivate, cum ar fi coloanele sonore și utilizarea sequelelor (care au devenit mai solicitate după The Godfather 2 de Coppola ), toate au arătat studiourilor cum să facă bani în noul mediu...
Dându-și seama cât de mulți bani ar putea fi câștigați din filme, marile corporații au început să cumpere studiourile de film de la Hollywood rămase, salvându-le de uitarea care a avut loc pe RKO în anii 1950. Drept urmare, chiar și RKO a fost reînviat. Mentalitatea corporativă a acestor companii a forțat industria cinematografică să stoarcă încet sucul tinerilor realizatori unici, lucrând cu cei mai flexibili și de succes comercial. La fel ca primii cineaști independenți care au fugit de la Edison Trust pentru a forma vechiul Hollywood, tinerii absolvenți de școli de film care au fugit din studiouri pentru a explora filmările în locații, stilurile și structurile neo-realiste au ajuns să-i înlocuiască pe tiranii pe care căutau să-i alunge dintr-o bază mai stabilă și mai răspândită. .autorităţi.
Începând cu anii 1970, cinematografia americană a descris sexul și violența într-un mod destul de realist. Cineaștii care doreau să ajungă la publicul de masă din vechiul Hollywood au învățat rapid să stilizeze aceste teme pentru a face filmele lor mai atrăgătoare și ademenitoare decât respingătoare sau obscene. Totuși, în același timp, studenții liberali americani New Wave dezvoltau noi abilități pe care le vor folosi mai târziu pentru a prelua Hollywood-ul; mulți dintre colegii lor au început să se dezvolte într-o direcție diferită. Influențat de regizorii de case de artă străine (cum ar fi Ingmar Bergman și Federico Fellini ) care au exploatat scene șoc în filmele lor (inclusiv Joseph P. Mawra, Michael Findlay și Henri Pachard ) și cei care au mers pe margine ( Kenneth Anger și etc.), mulți cineaști tineri au început să experimenteze cu încălcări nu pentru box office, ci pentru actul artistic. Regizori precum John Waters și David Lynch și-au făcut un nume la începutul anilor 1970 cu imaginile ciudate și adesea tulburătoare care le-au caracterizat filmele.
Când primul film al lui Lynch , Eraserhead , în 1977, a atras atenția producătorului Mel Brooks , Lynch a reușit să treacă în curând pentru a face The Elephant Man pentru Paramount pentru 5 milioane de dolari. Filmul a avut un succes comercial uriaș și a primit opt nominalizări la premiile Oscar, inclusiv cel mai bun regizor și cel mai bun scenariu adaptat. De asemenea, filmul s-a dovedit a fi viabil din punct de vedere comercial. Văzându-l pe Lynch ca un nou angajat al studioului, George Lucas , un fan Eraserhead , i-a oferit lui Lynch oportunitatea de a regiza următorul său Star Wars. Episodul VI: Întoarcerea Jediului .” Cu toate acestea, Lynch a văzut ce sa întâmplat cu Lucas și tovarășii săi de arme după o încercare eșuată de a elimina sistemul studioului. A refuzat oportunitatea, declarând că ar prefera să lucreze la propriile proiecte.
În schimb, Lynch a ales să lucreze la o adaptare a romanului fantasy Dune al lui Frank Herbert pentru De Laurentiis Entertainment Group, cu condiția ca compania să lanseze al doilea proiect al lui Lynch, asupra căruia regizorul ar avea controlul creativ deplin. Deși Dino De Laurentiis spera că următorul Star Wars va fi un nou proiect, Lynch's Dune (1984) a eșuat la box office la 45 de milioane de dolari, încasând doar 27,4 milioane de dolari pe plan intern. Producătorul era furios că va fi acum forțat să-l lase pe Lynch să facă orice film își dorea. I-a oferit lui Lynch doar 6 milioane de dolari, crezând că astfel va putea scăpa de regizor. Cu toate acestea, Blue Velvet a fost un succes răsunător. Ulterior, Lynch a revenit la rădăcinile sale independente și nu a mai lucrat cu alte studiouri importante de mai mult de un deceniu.
Alți jucători cheie în această mișcare au fost Kembra Pfahler, Casandra Stark, Beth B, Tommy Turner, Richard Kern și Lydia Lunch . Adunându-se în jurul unor instituții precum Society of Cinematographers și Anthology Film Archives, această nouă generație de realizatori independenți s-a angajat să creeze un nou Hollywood, declarând că „toate școlile de film vor fi aruncate în aer și toate filmele plictisitoare nu vor mai fi făcute niciodată”.
Începând cu anii 1990, filmele independente au cunoscut o ascensiune și un succes nu numai la festivalurile de film, ci și la box-office, iar cu oameni ca Bruce Willis , John Travolta și Tim Robbins , filmele independente au devenit populare și în studiourile de la Hollywood. Teenage Mutant Ninja Turtles de la New Line Cinema a încasat peste 100 de milioane de dolari în SUA în 1990, făcându-l cel mai mare film indie din istorie . Miramax Films a avut hituri precum „ Sex, Lies and Videos ”, „ My Left Foot ” și „ Clerks ”, care plasează Miramax și New Line Cinema printre marile companii care achiziționează studiouri independente de succes. Disney a cumpărat Miramax pentru 60 de milioane de dolari în 1993. Turner Broadcasting a cumpărat New Line Cinema, Fine Line Features și Castle Rock Entertainment într-o afacere de 1 miliard de dolari în 1994 . Achiziția s-a dovedit a fi o mișcare bună pentru Turner Broadcasting. Când New Line a lansat The Mask and Dumb and Dumber în 1994 , Castle Rock a lansat The Shawshank Redemption , iar Miramax a lansat Pulp Fiction .
Achiziția de mici studiouri de către companiile de la Hollywood a fost legată de planurile de a intra în domeniul industriei cinematografice independente și, în același timp, de a-și înființa propriile studiouri independente. Următoarele sunt studiourile indie deținute de conglomeratul de la Hollywood:
Până la începutul anilor 2000, Hollywood producea trei categorii diferite de filme și producea trei clase diferite de lungmetraje prin trei tipuri diferite de producători.
1) Blockbuster cu buget mare.
Produse de înaltă calitate (produse de succes cu un buget mare, cu vedete și mașini scumpe) au fost produse de șase mari companii de film. Bugetele de filmare pentru studiourile importante au fost de aproximativ 100 de milioane de dolari, aproximativ o treime din studioul cheltuind pentru marketing din cauza lansării mari.2) Filme de lung metraj cu buget redus realizate de regizori independenți.
O altă clasă de filme de la Hollywood include lungmetrajele produse de regizori independenți. Bugetele pentru aceste filme indie erau în medie de 40 de milioane de dolari la începutul anilor 2000, plus costuri de marketing între 10 și 15 milioane de dolari.3) Gen și filme speciale realizate de adevărate studiouri și producători indie.
Această categorie este formată din filme de gen produse de distribuitori independenți pentru doar câteva zeci sau poate câteva sute de lansări pe unele piețe urbane. Aceste filme costă de obicei mai puțin de 10 milioane de dolari, dar adesea mai puțin de 5 milioane de dolari, cu buget redus de marketing.Având în vedere cantitatea mare de echipamente de cinema digital la preț redus , disponibile la nivel de consumator, realizatorii de film independenți nu mai sunt dependenți de studiourile importante și de echipamentele lor pentru a realiza un film. Prin reducerea costului tehnologiei, mii de mici companii de producție pot obține resursele de care au nevoie pentru a face filme de divertisment. Post-producția a fost, de asemenea, simplificată cu software -ul de editare neliniar disponibil pentru computerele de acasă .
În prezent, principalele studiouri de la Hollywood sunt așa-numitele cinci „Golden Age Studios”. Producția lor este încă caracterizată de povești familiare și de turnări și filmări conservatoare. Companii precum Lucasfilm continuă să existe, cofinanțându-și producțiile și colaborând cu cele șase mari studiouri pentru distribuție. De fapt, cofinanțarea a devenit o tendință în creștere în Hollywood-ul de astăzi. Mai mult de două treimi din filmele lansate de Warner Bros. în 2000 au fost finanțate ca asociații mixte (față de 10% în 1987).
În încercarea de a profita de boom-ul filmelor independente, cele șase mari studiouri majore de astăzi au creat o serie de filiale independente pentru a crea filme de natură și conținut mai puțin comerciale, dar mai ușor de gestionat, care aduc atenția pieței în creștere a casei de artă. Aceste companii includ MGM, UA (sub MGM), New Line Cinema, HBO Films, Castle Rock Entertainment , Disneynature, DreamWorks , Sony Pictures Classics, Fox Searchlight Pictures , Miramax Films , Warner Independent Pictures, Picturehouse, Paramount Classics/ Paramount Vantage , Go Fish Pictures (sub DreamWorks), Focus Features , Screen Gems, TriStar Pictures , Destination Films, Fox Faith, Fox Atomic , Gener8Xion Entertainment, Hollywood Pictures , Rogue Pictures , Five & Two Pictures, New Name Pictures, Sherwood Pictures.
Popularitatea și posibilitățile tot mai mari ale filmelor cu buget redus în ultimii 15 ani au dus la o creștere uriașă a numărului de regizori și aspiranți care au scris scenarii și rezumate și care speră să strângă câteva milioane de dolari pentru a-și transforma scenariul într-un scenariu de succes. film independent ca Reservoir Dogs , Little Miss Sunshine sau Juno . Acești regizori lucrează adesea la muncă de zi, în timp ce își propun scenariile de film independente companiilor de producție, agenților de talente și investitorilor bogați. Visele lor sunt mult mai realizabile decât erau înainte de revoluția filmului independent, pentru că nu mai este necesar să obții sprijinul unor studiouri importante pentru a accesa milioane de dolari și a-ți face filmul.
Producția independentă de filme a dus la o scădere a cererii de scurtmetraje și festivaluri de scurtmetraje. Filmele de lung metraj sunt adesea prezentate la festivaluri de film precum HANDMOVIE, Slamdance Film Festival, South By Southwest, Raindance Film Festival, ACE Film Festival sau Cannes Film Festival . Câștigătorii acestor festivaluri sunt cel mai probabil să fie remarcați de marile studiouri de film.
Următoarele studiouri sunt considerate a fi cele mai cunoscute din industria modernă a studiourilor independente (sunt folosite pentru producția/filmarea de filme independente și filme în limbi străine în America):
Pe lângă aceste studiouri independente de profil superior, există mii de companii mai mici care produc filme independente în fiecare an. Aceste companii mici caută să-și lanseze filmele în cinematografele din statul lor și, după ce au găsit fonduri și resurse suplimentare pentru distribuție și publicitate , își expun proiectele la nivel național. Este rar să găsești lucrări de artă de calitate pe piața video, dar printre numeroasele filme s-au numărat filme independente ambițioase care nu au reușit să ajungă la distribuția în cinematografe. Acum există o divizare clară între filme, care vor fi vândute doar pe DVD, și videoclipuri de lungă durată, al căror canal principal de distribuție este complet electronic.
În 1981, Robert Redford a fondat Sundance American Independent Film Institute , care găzduiește Festivalul Internațional de Film Sundance din ianuarie 1985.
O treime din toate filmele independente americane sunt realizate în New York City .
lucrări celebre Pulp Fiction (1994, dir. K. Tarantino, Miramax ) [2]Odată cu apariția camerelor video de larg consum în 1985 și, mai important, odată cu apariția video digital la începutul anilor 1990, bariera în calea tehnologiei de producție a filmelor a scăzut. Cinematograful independent s-a dezvoltat în anii 1990 și 2000 și a fost stimulat de o serie de factori, inclusiv dezvoltarea de camere de cinema digitale la prețuri accesibile, care rivalizau cu filmul de 35 mm de înaltă calitate , plus software-ul de editare pe computer ușor de utilizat . Înainte ca alternativele digitale să devină disponibile, costul echipamentelor și materialelor profesionale de filmare a fost o barieră majoră pentru cineaștii independenți care doreau să-și realizeze propriile filme (în 2002, costul filmului de 35 mm a crescut cu 23%, în funcție de tipul acestuia). Calculatoarele personale și editarea neliniară au redus drastic costurile de post-producție , în timp ce tehnologii precum DVD -urile , discurile Blu-ray și serviciile video online au simplificat distribuția . Chiar și tehnologia 3-D este acum disponibilă regizorilor independenți cu buget redus.
Datorită noilor tehnologii precum Arri Alexa , RED Epic și o serie de noi camere SLR , realizatorii de film independenți pot crea imagini care arată ca un film de 35 mm fără costuri ridicate. Aceste camere funcționează bine și în condiții de lumină scăzută. În 2008, Canon a lansat primul SLR digital, Canon EOS 5D Mark II , care ar putea filma videoclipuri de înaltă definiție. Odată cu apariția modelului 5D Mark II și a DSLR-urilor cu înregistrare video ulterioară, realizatorii de film independenți au reușit să înregistreze videoclipuri la o rezoluție de scanare progresivă de 1920x1080 ( 1080p ) la 24 de cadre pe secundă (această rată a cadrelor este considerată standardul cinematografic). În plus, aceste camere foto permit un control mai mare asupra adâncimii câmpului , o capacitate mai mare de lumină scăzută și o varietate mai mare de lentile interschimbabile - lucruri pe care realizatorii de film independenți le așteptau de ani de zile.
Pe lângă noile camere digitale, realizatorii de film independenți beneficiază de un nou software de editare. În loc să fie nevoiți să folosească studiourile de post-producție pentru a-și edita filmele, realizatorii de film independenți pot acum să folosească un computer personal și un software pentru a-și edita filmele ieftin. Software de editare care include Avid Media Composer , Adobe Premiere Pro , Final Cut Pro , (Software de gradare a culorilor) DaVinci Resolve și multe altele. Aceste noi tehnologii permit regizorilor independenți să creeze filme care sunt comparabile cu filme cu buget mare.
Regizorul Francis Ford Coppola a fost un susținător de multă vreme al noilor tehnologii, cum ar fi editarea neliniară și camerele digitale. În 2007, el spunea că „scăparea cinematografiei de sub controlul finanțatorilor este un lucru minunat. Nu trebuie să mergi mână în mână cu distribuitorii și să spui: „Te rog, lasă-mă să fac un film”.