Distrugerea (din lat. destructio - „distrugerea, prăbușirea unei structuri ”) este un termen care denotă în operele de artă o calitate, o tendință sau o mișcare spre distrugerea structurii unui întreg artistic, sau cel puțin o iluzie exterioară. (apariția) unei astfel de distrugeri.
Termenul distrugere provine din lat. destructio , care înseamnă literal: lat. de - anulare (sau negație) și lat. structio - a compune sau a construi. Atunci când este aplicat obiectelor de artă și conceptelor estetice , conceptul de distrugere înseamnă o tendință vizibilă (precum și nedisimulata sau chiar demonstrativă ) de a distruge unul sau altul complex de relații interne (precum și proporții) între părțile individuale și elementele artistice. întreg. [unu]
Ținta principală pentru impactul distructiv al distrugerii este conexiunile vizibile (de preferință externe) dintre părțile individuale ale lucrării, precum și relația generală dintre elementele figurative și formante , în funcție de funcția și scopul lor specific. De aici rezultă că distrugerea (sau distructivitatea) este un concept, prin însăși intenția sa, direct opus constructivității (dar nu construcției ).
Aproape în egală măsură, termenul de distrugere se aplică la toate tipurile de arte, de la artele plastice și decorative și terminând cu muzică (și chiar dans ). Fiecare arte la un moment și un loc specific al dezvoltării sale (în contextul culturii și civilizației sale contemporane ) are propria sa idee, destul de definită (sau foarte vagă) de constructivitate și distrugere. În mod similar, pentru fiecare dintre arte, distrugerea are un sens și un sens foarte specific, precum și specificul și trăsăturile externe ale motivației : din forme extrem de specifice, aproape tehnologice (de exemplu, în arhitectură sau unele tipuri de sculptură constructivă sau masivă ) - și la construcții destul de speculative, aproape fanteziste (în pictură , performance sau muzică).
Fără îndoială, cele mai „vizibile” dintre arte în ceea ce privește distrugerea sunt artele plastice , în special, pictura, sculptura și arhitectura. Distrugerea poate produce o impresie deosebit de vie în formele utilitare mari, unde este de așteptat să fie văzută cel mai puțin. În special, în construcție și arhitectură, întregul complex de interconexiuni interne ale părților individuale și ale elementelor întregului artistic are o semnificație extrem de specifică, și chiar mai mult decât atât, destul de practică și, prin urmare, distrugerea atunci când este privită din exterior provoacă un sentiment de pericol sau chiar frică , a cărei natură fiziologică constă în integritatea fiecărui organism animal . Știind despre propria sa moarte (distrugere, distrugere) , fiecare individ nu poate (deși implicit) să se teamă de nicio manifestare de autodistrugere în realitatea înconjurătoare.
În oricare dintre arte , mișcarea , susținerea sau echilibrul (ca sarcină artistică și tehnologică) - ca regulă indispensabilă a creației, presupune o construcție și un mijloc constructiv corespunzător problemei care se rezolvă. [2] În sens invers, distrugerea (înțeleasă ca sarcină artistică și tehnologică) - acceptată în prealabil ca regulă pentru distrugerea unei structuri vizibile, presupune mijloace distructive (reale sau simulate ) corespunzătoare sarcinii de rezolvat. Și dacă scopul principal al unei construcții artistice este de a crea un fel de lucrare sau imagine integrală , atunci scopul distrugerii este direct opus: să provoace un sentiment viu de încălcare a integrității imaginii (sau obiectului) și să conducă la ideea distrugerii a tot ceea ce există (sau inevitabilitatea acestuia).
Cu toate acestea, ar fi greșit să considerăm distrugerea (sau distructivitatea) drept opusul direct al construcției (sau constructivității). Această comparație se vede în mod deosebit în exemplul arhitecturii , unde orice structură este în primul rând o construcție și un suport tehnologic , care urmărește să asigure echilibrul și rezistența clădirii, precum și confortul acesteia pentru uz utilitar. Din motive evidente, clădirile construite în stilul deconstructivismului nu sunt distruse (adică nu sunt complet distructive) și au toate calitățile necesare de construcție, stabilitate și echilibru. Totuși, pe lângă structura clădirii, fiecare clădire, atât în interior, cât și în exterior, poartă și o anumită imagine artistică integrală, care are propriul design creativ, separat de cel tehnic. El, această imagine, este supus efectului distructiv al distrugerii, formând un fel de sentiment formal (sigur sau simulativ) de colaps, devastare sau chiar o catastrofă locală (în funcție de profunzimea și amploarea intențiilor autorului ) .
În fiecare dintre tipurile (și genurile ) de artă , designul are propriile sale specificități separate, atât profesionale, cât și individuale. Cu toate acestea, cu toate diferențele, există ceva în comun. Deci, în pictură , grafică sau sculptură , designul creează un complex de conexiuni interne, prin care se realizează o anumită integritate figurativă, precum și „forța vizibilă” (unitate, coerență și echilibru) a unui obiect sau a unei imagini. Astfel, arta constructivă are ca scop într-un fel sau altul crearea unei opere armonioase și același sentiment de la contactul cu ea. În contrast direct cu arta constructivă, distrugerea urmărește să creeze un sentiment sau iluzie de dizarmonie , disproporție sau cel puțin deformarea întregului artistic, decât să provoace (în cele din urmă) disconfort și un sentiment de moarte. O problemă separată pentru psihologia și filozofia clasică este relația strânsă dintre distrugere și estetica urâtului .
În muzică și dans , ca arte mai puțin concrete, distrugerea în cea mai mare măsură este un atribut al epocii, stilului și limbajului (un mod de a construi o țesătură sonoră (sau plastică). De regulă, gradul de distructivitate al unui anumit fenomen la un moment dat și într-o anumită țară este determinat de mediu sau de mediul profesional (și depinde de gradul de conservatorism și clanism al acestuia ). Foarte des în istoria artei, termenul „distrugere” (sau distrugere) în sine a fost folosit ca blestem, bogey sau „ critică non-constructivă ”.
Într-un fel sau altul, de fiecare dată și fiecare stil artistic din zona de acțiune observă un echilibru (sau proporție) general acceptat între constructivitate și distrugere. Orice fenomen sau artefact care provoacă o senzație de distrugere strălucitoare încalcă limitele proporției general acceptate și, astfel, este perceput ca o „nouă” distrugere. Acest fenomen de percepție a fost folosit de toate curentele estetice (și de mulți autori individuali). Cu toate acestea, arta secolului al XX-lea s-a remarcat cu un accent deosebit și un interes pentru cele mai diverse forme de distrugere .
Fără îndoială, fiecare dintre tipurile și genurile de artă (în fiecare țară) are propria sa istorie separată de distrugere: de la societatea tribală primitivă până în zilele noastre. Cu toate acestea, distrugerea este cea mai expresivă și interesantă în formele de artă ale secolului al XX-lea, care în sine este o poveste separată a pătrunderii și dezvoltării distrugerii ca metodă creativă. Această direcție nu a apărut de la sine, ci a apărut din accelerarea generală a dezvoltării psihologiei sociale și a conștiinței oamenilor în epoca industrializării hiperactive și a războaielor mondiale. Parțial, răspunsul la motivele generale pentru întărirea tendințelor distructive este oferit de psihologia inversă și conceptul de deconstrucție ca parte a activității mentale superioare a omului modern. Începând cu o opoziție revoltătoare și demonstrativă față de contextul cultural și profesional existent , fiecare nouă direcție în artă s-a afirmat într-un fel sau altul de distrugere substanțială sau formală.
Una dintre primele tendințe distructive în pictură care a aruncat literalmente în aer artele plastice a fost impresionismul . Aproape toți artiștii academicieni și chiar muzicienii tradiționaliști au vorbit despre influența sa distructivă. [3] Și, deși în cazul impresionismului, distrugerea a vizat doar modul însuși de a descrie realitatea, dar nu s-a extins la conținutul artei, semnificația acestui stil, care a deschis cutia Pandorei a modernismului distructiv , este foarte greu de supraestima. În cursul dezvoltării sale, metoda impresionistă și-a dezvăluit natura sa distructivă: ca urmare, a ajuns treptat la negația completă a compoziției și la descompunerea formei de artă în componentele sale constitutive. [patru]
Fauvismul francez și expresionismul german , care au urmat parțial ca o reacție directă la impresionism, în impulsul lor spre distrugere, au atins nu numai aspectele picturale, ci și de conținut ale picturii. Patosul parțial distructiv ( scandalos ) a fost, de asemenea, impregnat de cubismul francez , care a căutat să „împartă” obiectele reale în forme primitive și accentuat geometrice, care până atunci nu erau considerate artistice. Dezvoltându-se într-o direcție consecventă, cubismul a ajuns la concluzia sa logică: Suprematismul și alte forme de abstractionism geometric - forme de artă pure și de sine stătătoare care au negat latura sa de conținut.
Lucrarea a numeroși futuriști , destul de diverse ca formă și semnificație, cu toate acestea, în fiecare caz individual, a fost saturată de patosul opoziției negare directe (sau distrugere a trecutului și a tradițiilor sale ). Îndreptată exclusiv spre viitor, aceasta „a aruncat istoria artei din vaporul modernității”.
„Pictura” a atins un nivel fundamental nou de distrugere (atât latura formală, cât și cea de conținut a artei) cu manifestul dadaismului , iar apoi continuarea sa directă (și mai detaliată) - suprarealismul . Cu toate acestea, suprarealismul însuși, timp de aproape jumătate de secol de dezvoltare, a trecut prin mai multe etape de distrugere internă - de la expozițiile timpurii scandaloase până la decăderea senilă.
La o jumătate de secol după dadaiști, au apărut forme mai dezvoltate de artă șocantă : cum ar fi happening -ul și performance -ul, care sunt deja aproximativ la mijloc între artă și eveniment . Continuând acțiunile distructive ale artei subiect a primului dada , formele de artă plastică în sine au fost supuse distrugerii. Sculptura și pictura tradițională au fost în cele din urmă înlocuite de simplul fapt al prezenței artistului, care a „sfințit” și a dat oricărui fapt și eveniment ales semnificația unui artefact sau fenomen de artă nouă. Astfel, funcția artistului, ca urmare a distrugerii consistente, s-a apropiat cât mai mult de preot .
Ca o reacție distructivă la arta abstractă abstractă, arta pop a apărut la sfârșitul anilor 1950 , operând în interiorul artei cu imagini extrem de obișnuite, nesublimate și obiecte ale culturii de consum de masă. În esență, distrugerea substanțială a artei pop a constat în faptul că a vulgarizat subiectul și esența artei la maximum, reducându-l la o reproducere aproape directă a imaginilor seriale ale conștiinței de masă.
Într-o oarecare măsură, dezvoltarea începuturilor artei pop, poate cele mai directe și evidente rezultate în distrugere au fost obținute de unii reprezentanți ai artei cinetice , în special, Jean Tengueli , ale cărui compoziții autodistructive au infirmat teza despre valoarea intrinsecă a unei opere. a artei ca obiect. Chiar în fața ochilor publicului, obiectele complexe ale operei artistului au încetat să mai existe. În acest caz, distrugerea ar putea demonstra din nou sensul său direct.
O contribuție nu mai mică la distrugerea temei de bază a artei a fost adusă de conceptualiștii , care credeau pe bună dreptate că „ arta este puterea unei idei, nu a unui material”. În deplin acord cu această teză , o frază, rând, cuvânt (scris sau oral), literă sau semn necunoscut ar putea acționa ca corp material al unei opere de artă plastică.
Op-art s-a deplasat pe calea distrugerii , făcând obiectul o iluzie optică sau o imagine temporară într-un plan și în spațiu. Una dintre varietățile acestei arte, imp-art , și-a propus un scop abstract autosuficient: să înfățișeze figuri imposibile. Combinația de formalism pur și suprarealism a dus la apariția unui fel de hibrid : un joc de iluzie picturală geometrică , cel mai adesea reprezentând o grimasă a intelectului și lipsită de putere semnificativă.
Ignorarea constantă a părții de conținut a artei este o tendință atât de notabilă, tipic americană în spirit, în pictură ca fotorealismul , care a continuat parțial abordările estetice ale artei pop . Funcția artistului fotorealist s-a redus practic la un proces mecanic de reproducere a realității, când autorul imaginii trebuia să aibă „capacitatea tehnică de a face ca rezultatul final să pară nedistins de fotografie ”.
Mult mai complexă a fost tabloul general al tendințelor și curentelor din arhitectura secolului XX . Fiind o artă mult mai puțin autosuficientă și închisă decât toate celelalte (și, de asemenea, mai utilitară, strâns legată de construcție și de scopul specific al clădirii), arhitectura a evitat în mare măsură tendințele distructive. Cu toate acestea, nu există nicio îndoială că în secolul al XX-lea (ca niciodată înainte) arhitectura a fost influențată direct de ultimele tendințe în pictură, sculptură și teoria artei. Poate cel mai grafic în acest caz este exemplul personal al unui astfel de pionier al modernismului precum Le Corbusier . Începând în primul rând ca artist (sub numele de Jeanneret), el însuși a exercitat o influență directă a picturii și sculpturii moderne asupra arhitecturii. Pe de altă parte (oricât ar părea de ciudat), profesia de arhitect în sine este mai individuală decât cea de artist, iar ciclul de producție al construirii unei clădiri nu este foarte propice unirii în grupuri și creării de manifeste de tendințe și scoli. Cu toate acestea, secolul al XX-lea oferă toate oportunitățile de a identifica stiluri și tendințe destul de clare în arhitectură și de a face analiza psihologică și structurală a acestora.
Una dintre primele și cele mai puternice tendințe ale arhitecturii de avangardă ale secolului al XX-lea este de obicei considerată constructivismul sovietic . La prima vedere, este greu de detectat ceva distructiv în acest stil utilitar și maxim funcțional , atât prin însuși numele său, cât și prin setările sale constructive și estetice . Cu toate acestea, această impresie este înșelătoare. Și mai presus de toate, problema constă în însuși mecanismul apariției unor linii directoare extrem de înguste și clare ale constructivismului. Ia naștere pe valul așa-zisei „ culturi proletare ” ca o negare directă a stilurilor burgheze ale modernului și art deco cu „excesele” lor și „desfrânarea” consumatorului de forme, constructivismul a purtat patosul negării și distrugerii externe în relație. la tradiţiile formaţiei sociale distruse . În raport cu clădirile armonioase bine înființate din stilurile trecute (începând de la baroc și clasicism ), formele extrem de primitive și aspre ale clădirilor constructiviste păreau fățiș (pretins proletare ) șocante și au adus o anumită provocare pentru restul lumii. Aici a fost inclusă acuzația necondiționată de distrugere internă a primilor ani ai constructivismului sovietic. Destul de curând, această acuzație a dispărut și, în locul formelor de „impact” ale primelor decenii de putere sovietică, a apărut mai întâi post-constructivismul , iar apoi stilul Imperiului Stalinist (care a absorbit „tot ce e mai bun” din experiența constructivismului). ).