Orfeu (operă)

Orpheus ( italiană  Orfeo , uneori italiană  L' Orfeo , favola in musica ) este o operă de Claudio Monteverdi , creată în 1607 pe un libret de Alessandro Strigio cel Tânăr . Alături de „ Orpheus and Eurydice ” de Christoph Willibald Gluck , este considerată una dintre cele mai semnificative lucrări muzicale pe tema mitului grecesc antic al lui Orfeu [2] ; este una dintre acele opere timpurii care încă sunt montate în mod regulat în multe teatre din întreaga lume astăzi. Premiera operei a avut loc la 24 februarie 1607 la Mantua ( Italia ). Opera a fost scrisă pentru a fi interpretată la curtea din Mantua în timpul tradiționalului carnaval anual.

În teatrul muzical de la începutul secolului al XVII-lea, interludiul tradițional - numere muzicale dintre actele piesei principale - s-a dezvoltat treptat într-o dramă muzicală completă, care a primit mai târziu numele de „operă”. Orpheus de Monteverdi a marcat sfârșitul unei perioade de experimentare și a devenit prima operă cu drepturi depline a noului gen. După premieră, opera a fost jucată din nou la Mantua și, posibil, în următorii câțiva ani în alte orașe italiene. Partitura lui Orfeu a fost publicată de Monteverdi în 1609, republicată în 1615. După moartea compozitorului (1643), opera a fost uitată. Interesul pentru această lucrare, reînviat la sfârșitul secolului al XIX-lea, a dus la apariția noilor sale ediții și producții. La început, acestea au fost spectacole-concert ale operei în cadrul instituțiilor de învățământ (institute) și al societăților muzicale. Primul spectacol de operă a fost pus în scenă la Paris în 1911, din acel moment Orfeu a apărut din ce în ce mai des pe scena muzicală. După al Doilea Război Mondial , spectacolele autentice au început să fie favorizate în punerea în scenă a operei . „Orpheus” a fost înregistrat în mod repetat și este pus în scenă din ce în ce mai mult în teatrele de operă. În 2007, cea de-a 400-a aniversare a operei a fost sărbătorită cu spectacole în întreaga lume.

În ediția sa a partiturii operei, Monteverdi indică 41 de instrumente, care, combinate în diferite grupuri, sunt folosite pentru a descrie diverse scene și personaje. Așadar, coarde , clavecin și flaut longitudinal reprezintă regiunile pastorale ale Traciei, locuite de nimfe și ciobani; instrumentele de alamă ilustrează lumea interlopă și locuitorii ei. Creat în epoca de tranziție de la Renaștere la Baroc , „Orfeu” folosește toate realizările muzicale ale timpului său și mai ales polifonia cu îndrăzneală . Inovația lui Monteverdi s-a arătat și în orchestrarea (parțială) a partiturii, prevăzută cu „dorințe” separate ale autorului pentru interpreți. În același timp, spre deosebire de partitura orchestrală în sensul său ulterioară (clasic) - cu instrumente scrise cu precizie, cu toate detaliile texturii , cu tempo-uri notate, nuanțe etc., partitura lui "Orpheus" (așa cum era general acceptat în apoi tradiţia ) a lăsat muzicienilor o anumită libertate pentru improvizaţie .

Nașterea genului operistic

În 1590 sau 1591, Claudio Monteverdi, care a lucrat ca muzician la Verona și Milano , a primit un post de violist la curtea ducelui Vincenzo Gonzaga din Mantua. Talentul și munca asiduă i-au permis lui Monteverdi să ajungă în 1601 la funcția de maestro della musica la curtea din Gonzaga , el fiind responsabil de întreaga viață muzicală a curții ducale [3] [4] [5] .

Pasiunea specială a lui Vincenzo Gonzaga pentru teatrul muzical s-a dezvoltat sub influența tradițiilor curții florentine. Până la sfârșitul secolului al XVI-lea, muzicienii florentini inovatori au dezvoltat interludiul - o piesă muzicală care a umplut timpul dintre actele de drame conversaționale - într-o formă din ce în ce mai rafinată [3] . Conduși de Jacopo Corsi , urmașii celebrei asociații Florentine Camerata [K 1] au creat prima operă în general legată de genul operei: Daphne a fost scrisă de Corsi și Jacopo Peri , directorul de trupă al ducelui florentin , și pusă în scenă la Florența în 1598. . Această lucrare a combinat elemente ale cântului madrigal și monodiei cu dansuri și pasaje instrumentale într-o singură acțiune dramatică. Doar fragmente din partitura Daphne au supraviețuit, dar câteva alte lucrări florentine din aceeași perioadă - Ideea de suflet și trup a lui Emilio de Cavalieri , Eurydice a lui Peri și o altă Eurydice - Giulio Caccini  - au supraviețuit până astăzi complet. Lucrările lui Peri și Caccini au fost prima dintre multele reprezentări muzicale ale mitului lui Orfeu bazat pe Metamorfozele lui Ovidiu și au fost predecesorii direcți ai lui Orfeu al lui Monteverdi [7] [8] .

La curtea Gonzaga, spectacolele de teatru au avut o istorie bogată. În 1471, aici a fost pusă în scenă drama lirică a lui Angelo Poliziano Povestea lui Orfeu, unde cel puțin jumătate din acțiune, împreună cu conversațiile personajelor, erau părți vocale. În 1598, Monteverdi a asistat departamentul muzical al curții la punerea în scenă a operei lui Giovanni Battista Guarini Ciobanul credincios ; conform istoricului de teatru Mark Ringer, a devenit „punctul hidrografic al producțiilor teatrale” și a dat naștere unei fascinații generale pentru drama pastorală în Italia [9] . La 6 octombrie 1600, după ce a sosit la Florența pentru a participa la sărbătorile nunții Mariei de Medici cu regele Henric al IV-lea al Franței , ducele Vincenzo a participat la o reprezentație cu „Eurydice” a lui Peri [8] . Este posibil ca muzicienii săi de frunte, inclusiv Monteverdi, să fi asistat și ei la acest spectacol. Ducelui îi plăcea această nouă formă de dramă și a apreciat posibilitățile acesteia de a-și întări prestigiul ca patron al artelor [10] .

Libretto

Printre spectatorii „Eurydice” din octombrie 1600 a fost un tânăr avocat și diplomat care a slujit la curtea din Gonzaga, Alessandro Strigio [11] , fiul unui compozitor celebru . Tânărul Strigio, un muzician talentat, a cântat la violă la vârsta de șaisprezece ani la festivitățile de nuntă a ducelui Ferdinand de Toscana în 1589 . Împreună cu cei doi fii ai ducelui Vincenzo, Francesco și Ferdinando , el a fost membru al societății intelectuale privilegiate din Mantua, „Academia fermecaților” (în italiană:  Accademia degli Invaghiti ), unde au fost produse majoritatea producțiilor teatrale ale orașului . Nu este clar când Striggio a început să scrie libretul pentru Orpheus, dar în ianuarie 1607 lucrările la acesta erau în plină desfășurare. Într-o scrisoare din 5 ianuarie, Francesco Gonzaga îi cere fratelui său, care în acel moment se afla la curtea florentină, să apeleze la serviciile unui virtuoz castrato dintre cântăreții Marelui Duce pentru a participa la reprezentația unei „piese de teatru cu muzică”. „ cronometrat pentru a coincide cu carnavalul de la Mantua [13] .

Principalele surse pentru libretul lui Strigio au fost cărțile zece și unsprezece din Metamorfozele lui Ovidiu și cartea a patra din Georgicii lui Virgil . Din aceste lucrări a luat materialul principal, dar nu structura dramei; acțiunile actului I și II urmează exact cele treisprezece versuri din Metamorfoze [14] . Când a lucrat la libret, Striggio a folosit și piesa lui Poliziano din 1480, Păstorul credincios al lui Guarini și libretul lui Ottavio Rinuccini pentru Eurydice a lui Peri . Muzicologul Harry Tomlinson găsește relativ multe asemănări între textele lui Strigio și Rinuccini, observând că unele dintre discursurile din Orfeu „sunt rescrise aproape de conținut și chiar repetă expresii folosite în Eurydice” [16] . Potrivit criticului Barbara Rassano Hanning, poezia lui Strigio nu a fost la fel de rafinată ca cea a lui Rinuccini, dar dramaturgia libretului este mai interesantă. Rinuccini, a cărui piesă a fost scrisă special pentru festivitățile din jurul nunții Medici, a modificat mitul pentru a oferi un „sfârșit fericit” potrivit ocaziei. În contrast, Strigio, care și-a creat opera nu pentru o sărbătoare de curte, a avut ocazia să urmeze mitul, conform căruia Orfeu a fost sfâșiat de femei furioase (Bacchantes) [15] . De fapt, el a scris o versiune ușor atenuată în care Bacchantes amenință că îl va ucide pe Orfeu, dar moartea lui nu este afișată, lăsând finalul deschis [17] .

Ediția libretului, care a fost realizată la Mantua în 1607, anul premierei, conține finalul ambiguu al lui Striggio. În libretul lui Striggio din 1607, monologul lui Orfeu din actul 5 este întrerupt nu de apariția lui Apollo, ci de un cor de Bacchantes beți cântând despre „furia divină” a patronului lor, zeul Bacchus . Motivul mâniei lor este Orfeu și renunțarea lui la femei, el nu va scăpa de furia lor și, cu cât le va ocoli mai mult, cu atât mai greu îi așteaptă soarta. Orfeu părăsește scena, iar soarta lui rămâne neclară, femeile de la finalul operei cântând și dansând în cinstea lui Bacchus [18] . Partitura lui Monteverdi, publicată la Veneția în 1609 de Ricciardo Amadino , sugerează un final diferit. Apollo îl duce pe Orfeu în ceruri, unde va găsi imaginea Euridicei printre stele. Cine este autorul textului noului final este necunoscut. Cercetătorii notează stilul modificat al finalului alternativ, majoritatea comentatorilor cred că poeziile nu au fost scrise de Strigio. Se presupune că este opera unui amator, poate Ferdinando Gonzaga, sau chiar (parțial) a compozitorului însuși. Printre autorii posibili se numără și numele lui Ottavio Rinuccini, care a fost libretistul următoarei opere a lui Monteverdi, Ariadna [19] . Istoricul muzicii Claude Paliska crede că ambele finaluri sunt destul de compatibile: Orfeu se sustrage de furia Bacantelor și este salvat de Apollo [20] .

Potrivit lui Ringer, finalul original al lui Striggio a fost aproape sigur folosit în premieră, dar nu există nicio îndoială că Monteverdi a considerat că finalul revizuit este corect din punct de vedere estetic . Potrivit lui Nino Pirrotta , sfârșitul cu Apollo  făcea parte din planul inițial al lucrării, dar nu a fost implementat la premieră, deoarece sala mică în care avea loc spectacolul nu putea găzdui mașina teatrală pe care o necesita acest final. În schimb, a fost introdusă o scenă cu Bacchantes; Intențiile lui Monteverdi s-au adeverit atunci când au fost înlăturate constrângerile tehnice [21] .

O traducere completă a libretului operei în limba rusă cu toate remarcile instrumentale (după edițiile libretului din 1607 și partitura din 1609) a fost făcută de M. Saponov [22] .

Compoziție

Monteverdi, la momentul lucrării la Orpheus, avea deja suficientă experiență în compunerea muzicii de teatru. Până atunci, el a slujit la curtea din Gonzaga timp de aproximativ 16 ani, majoritatea ca interpret sau aranjator de muzică de scenă. În 1604, pentru carnavalul de la Mantua, a compus ballata Iubirea Dianei și a Endimionului [23] . Elementele din care Monteverdi și-a construit primele sale opere - arii , cântece strofice (cuplete), recitative , coruri, dansuri, pauze muzicale (interludii) - nu au fost, așa cum a subliniat dirijorul Nikolaus Arnoncourt , inventate de el, „el a pus cap la cap întregul stoc al celor mai noi și vechi posibilități într-o unitate cu adevărat nouă . Muzicologul Robert Donington scrie: „[Partitura] nu conține niciun element care să nu se bazeze pe precedent, ci să ajungă la maturitate deplină în acea formă nou dezvoltată... Iată cuvintele la fel de direct exprimate în muzică așa cum și-au dorit [pionierii operei] exprimă-le; iată o muzică care le exprimă... cu inspirația deplină a unui geniu ” [25] . Una dintre inovațiile introduse de Monteverdi în Orpheus, care a făcut furori în rândul publicului, a fost dialogurile cântând. Înainte de premiera din Mantua, melomanul Carlo Magno i-a raportat fratelui său acest lucru ca fiind ceva „incredibil”: „... toate personajele [pe scenă] vor vorbi muzical” [19] .

Monteverdi la începutul ediției partiturii indică cerințele pentru componența orchestrei, dar, în conformitate cu tradiția vremii, nu precizează utilizarea exactă a instrumentelor [24] . La acel moment, fiecărui interpret i se acorda libertatea de a lua decizii pe baza setului de instrumente de care dispunea. Interpretările pot diferi foarte mult una de cealaltă. Mai mult, după cum a remarcat Harnoncourt, la acea vreme toți muzicienii erau compozitori și se aștepta să colaboreze creativ la fiecare spectacol, mai degrabă decât să urmeze cu strictețe partitura [24] . Prin tradiție, cântăreților li se permitea să-și decoreze arii. Monteverdi a scris versiuni simple și înfrumusețate ale unora dintre arii, precum Possente spirto al lui Orpheus (probabil versiunea neornamentată era destinată unui cântăreț care nu le putea cânta) [26] . După cum notează Arnoncourt, Monteverdi, în comparație cu alți compozitori ai epocii sale, a introdus o mulțime de podoabe în operele sale și „unde nu a scris podoabe, a vrut foarte puțin din ele” [27] .

Fiecare dintre cele cinci acte de operă corespunde unuia dintre episoadele poveștii și fiecare se încheie cu un refren. Acțiunea din Tracia este transferată în Hades și din nou în Tracia, dar, probabil, „Orfeu”, așa cum era obișnuit în distracțiile de curte din acea vreme, a fost jucat fără întreruperi, fără o cortină între acțiuni. Conform obiceiului de atunci, schimbarea scenelor pentru public s-a reflectat muzical: schimbări în instrumentație, ton și stil de interpretare [28] .

Caracteristici muzicale

Muzicologul Hans Redlich , analizând opera, constată că este produsul a două epoci muzicale. În „Orfeu” elemente ale madrigalului tradițional din secolul al XVI-lea sunt combinate cu noua direcție florentină în muzică, care se distinge prin utilizarea recitativului și a homofoniei , în conformitate cu ideile membrilor cameratei și ale adepților acestora [29]. ] . În această nouă direcție, textul domină muzica. În timp ce devine o ilustrare a acțiunii, atenția publicului este atrasă în primul rând asupra textului. Cântăreții trebuiau acum să acorde atenție nu numai părții vocale a spectacolului, ci și să reprezinte caracterul personajului și să transmită emoțiile corespunzătoare [30] .

Recitativul lui Monteverdi a fost influențat de Peri („Eurydice”), dar în „Orfeu” este mai puțin predominant decât este obișnuit în muzica dramatică din acea vreme. Reprezintă mai puțin de un sfert din muzica din primul act, aproximativ o treime din actul al doilea și al treilea și puțin mai puțin de jumătate în cele două acte finale .

Semnificația lui „Orfeu” constă nu numai în faptul că a fost prima operă, ci și în faptul că „Orfeu” este prima încercare de a aplica toate posibilitățile muzicii cunoscute la acea vreme în noul gen emergent [32]. ] . Așadar, Monteverdi a mers la inovații îndrăznețe în utilizarea polifoniei , domeniu în care până atunci Palestrina a fost principala autoritate . Monteverdi extinde și schimbă regulile pe care compozitorii fideli ideilor lui Palestrina le respectau cu strictețe [33] . Monteverdi nu a fost un orchestrator în sensul convențional [34] ; Ringer consideră că elementul improvizației instrumentale face din fiecare reprezentație a operei lui Monteverdi „o experiență unică și separă opera sa de canonul operistic de mai târziu” [30] .

Opera începe cu o toccată pentru trompete cu sunet marțial, repetat de două ori. Când este cântat pe instrumente de suflat baroc, acest sunet poate uimi publicul modern, Redlich îl numește „zdrobitor” [35] . Un astfel de început era obișnuit pentru spectacolele muzicale de la curtea din Mantua. Corul de deschidere al Vecerniei de Monteverdi ( Vespro della beate Vergine, SV 206 1610), creat pentru curtea din Gonzaga, este, de asemenea, însoțit de această toccată [30] . Toccata a jucat rolul unui salut către duce. În opinia lui Donington, dacă nu ar fi fost scris, întâmplarea ar fi cerut ca salutul să fie improvizat [25] . Tocata militantă face loc unui ritornello blând , care precede apariția Muzicii. Într-o formă prescurtată, ritornello se repetă între fiecare dintre cele cinci versuri ale secțiunii introductive și integral după versetul final. Funcția sa în cadrul operei este personificarea „puterii muzicii” ca atare. Apărând la sfârșitul actului 2 și din nou la începutul actului 5, devine unul dintre cele mai vechi exemple de laitmotiv operistic . Actul 1 prezintă o idilă pastorală. Două coruri, solemne și vesele, încadrează cântecul central de dragoste Rosa del ciel . Jubilația continuă în actul 2, cu un cântec și o melodie de dans care, potrivit lui Harnoncourt, arată cunoștințele lui Monteverdi despre muzica franceză [37] .

Personaje

Cuprins

Acțiunea are loc în Tracia (actele unu, doi și cinci) și regatul lui Hades (faptele trei și patru) în timpul mitologic. O toccată instrumentală precede ieșirea din Muzica, care joacă prologul. Întâmpinând publicul, ea anunță că prin sunete dulci poate „calma orice inimă tulburată”. Ea își exprimă puterea și îl prezintă pe protagonistul dramei, Orfeu, care „îmblânzise animalele sălbatice cu cântarea lui”.

Primul act

Orfeu și Euridice ies cu nimfe și ciobani care acționează ca un cor grec , comentând acțiunea. Unul dintre păstori anunță că astăzi este nunta lui Orfeu și Euridice; corul răspunde, maiestuos la început ( Vieni, Imeneo, deh vieni… ), apoi într-un dans vesel ( Lasciate i monti… ). Orfeu și Eurydice cântă despre dragostea lor unul pentru celălalt înainte de a pleca cu invitații la ceremonia de nuntă de la templu. Partea corului care a rămas pe scenă povestește cum Orfeu a fost transformat de iubire, cel pentru care suspinele erau hrană și plânsul era o băutură, transformat într-un om fericit.

Actul II

Orfeu se întoarce cu corul principal și laudă cu el frumusețea naturii. Orfeu reflectă la fosta sa nenorocire, dar declară: „După durere, cineva este mai mulțumit, după ce a fost rănit, este mai fericit”. Deodată, Mesagerul intră cu vestea că, în timp ce culegea flori, Eurydice a primit o mușcătură fatală de șarpe. Corul cântă cu simpatie: „Ah, un caz amar, ah, o soartă nesfântă și crudă!”, iar Mesagera se pedepsește pentru că aduce vești proaste („Voi pleca pentru totdeauna și într-o peșteră singuratică voi trăi după durerea mea” ). Orfeu, după arie („Ești mort, viața mea și respir?”), își anunță intenția de a coborî în lumea interlopă și de a convinge conducătorul acesteia să-i permită Eurydicei să revină la viață, altfel el însuși va rămâne acolo. Orfeu pleacă și corul își reia bocetul.

Actul trei

Orpheus se îndreaptă cu Hope către porțile Lumii de Subteran. Arătând spre inscripția de pe poartă („Lăsați speranța, toți cei care intrați aici”) [K 4] , Nadezhda s-a despărțit de el. Orpheus se întâlnește cu feribotul Charon, care refuză să-l ducă peste Styx . Orfeu încearcă să-l convingă pe Charon și îi cântă un cântec care-i măgulește ( Possente spirto e formidabil nume ), dar ferrymanul este necruțător. Cu toate acestea, când Orfeu începe să-și cânte lira, Charon adoarme. Orfeu ia barca și traversează râul pentru a intra în lumea interlopă, în timp ce un cor de spirite cântă că natura nu are apărare împotriva omului: „A îmblânzit marea cu un copac fragil și a disprețuit mânia vântului”.

Actul patru

În lumea interlopă, Proserpina, soția lui Pluto, profund mișcată de cântarea lui Orfeu, îi cere soțului ei să o elibereze pe Eurydice. Pluto este de acord, dar îi pune o condiție pentru Orfeu: tot timpul, în timp ce o va conduce pe Eurydice în lumea celor vii, nu trebuie să se uite înapoi, altfel își va pierde soția. Orfeu părăsește tărâmul morților, târându-l cu el pe Euridice. Își așteaptă cu nerăbdare fericirea, dar pe măsură ce timpul trece, îndoielile încep să-l depășească: „Cine mă va convinge că mă urmărește?” Poate că Pluto, din invidie, l-a înșelat? Orfeu se uită în jur, Eurydice cântă disperată ( Ahi, vista troppo dolce e troppo amara! ) și dispare. Orpheus încearcă să o urmeze, dar este reținut de o forță invizibilă. Corul spiritelor cântă că Orfeu, după ce a depășit Lumea interlopă, a fost, la rândul său, învins de pasiunile sale.

Actul cinci

Întorcându-se în Tracia natală, Orfeu deplânge pierderea sa într-un monolog lung, cântă despre frumusețea Euridicei și decide că săgeata lui Cupidon nu-i va mai lovi niciodată inima. Ecoul din culise își repetă versurile finale. Deodată, Apollo coboară din nori din cer și îl mustră pe Orfeu: „De ce îți irosești darul cu mânie și tristețe?” El îl invită pe Orfeu să părăsească lumea și să i se alăture în ceruri, unde va vedea imaginea Euridicei în stele. Orfeu îi răspunde că ar fi nevrednic să nu urmezi sfatul unui părinte atât de înțelept și împreună urcă. Corul păstorilor concluzionează că „cine seamănă în suferință trebuie să culeagă roadele harului”. Opera se termină cu un dans viguros al moresquei .