Tonalitatea ( franceză tonalité , din greacă τόνος - accent, accent; din latină tonus tone) în pictură este una dintre cele trei caracteristici principale ale culorii, împreună cu saturația și luminozitatea . În pictură, artistul se străduiește în mod conștient sau intuitiv pentru integritatea tonală - compoziția tuturor nuanțelor care alcătuiesc un tablou. Fiecare nuanță individuală are trei parametri de culoare: ton (mai deschis, mai închis), culoare (roșu, portocaliu, galben, verde, albastru, violet), puritate spectrală(teoretic, acesta este cel mai dificil parametru de explicat, dar poate fi arătat cu un exemplu specific: un cer albastru limpede are mai multă puritate spectrală decât orice colorant artificial, de exemplu, țesătura albastră, chiar și mătasea, care are cea mai mare saturație a culorii Saturația și luminozitatea culorii în natură, determinate de proprietățile fizice ale luminii, depășesc cu mult capacitățile oricăror vopsele, chiar și cele de ulei (care au cea mai mare saturație: capacitatea de absorbție și reflectare a luminii). luminozitatea picturilor în ulei și, în plus, acuarele, tempera și guașa) sunt inferioare frumuseții culorilor din natură.De aceea, artistul-pictor are o singură ocazie: să concureze cu frumusețea lumii colorate nu în valoarea absolută. a vopselei, ci prin relații tonale bazate pe proprietățile contrastului simultan și secvenţial.Impresioniştii francezi au înţeles foarte bine acest lucru și, bazându-se parțial pe teoria contrastului de culoare M E. Chevreul , în întruchipate în operele lor.
Sensul principal estetic și artistic al termenului de tonalitate este asociat cu etimologia altor greci. τόνος (tonos) - tensiune, stres, impact (inclusiv tunet) , tensiune, ton (înălțime), care, atunci când este aplicat artelor plastice, poate fi interpretat ca o „impresie de culoare”.
În teoria artelor plastice se folosesc definițiile: „tonuri cromatice” și „tonuri acromatice”, astfel conceptului de tonalitate i se dă un sens mai larg, care este consacrat într-o știință specială a culorii (coloristica) și în teoria aplicată a culorii. pentru artiști: știința culorii. În pictură, relațiile tonale, inclusiv saturația culorii, luminozitatea și luminozitatea acesteia, create de pictor prin adăugarea de vopsea albă sau neagră, se deosebesc de relațiile de clarobscur: vitejie [1] . Într-o descriere naturalistă, non-artistică, sunt identificate conceptele de relații tonale și de lumină și umbră. Artiștii folosesc și noțiunea de „rădăcină” (asemănătoare muzicii) care conferă coerență întregii imagini. În plus, tonurile cromatice și acromatice se disting prin căldură-răceală. În scara cromatică, tonurile calde și reci sunt separate în funcție de proprietățile fizice ale spectrului , în scara acromatică, în funcție de proprietățile vopselei albe sau negre (care sunt, de asemenea, împărțite în cald și rece). Tonurile calde și reci evocă diferite senzații fiziologice. Tonurile calde includ galben, portocaliu și roșu; tonurile reci includ albastru, albastru, verde și violet. Fiecare dintre aceste tonuri poate fi mai caldă sau mai rece. Nuanțele calde și reci nu depind de proprietățile fizice ale vopselei, ci sunt asociate cu psihologia percepției lor în contextul unei compoziții picturale. Aceeași nuanță în diferite compoziții poate fi percepută de privitor ca fiind caldă sau rece. Tonurile calde tind să pară proeminente, iar tonurile reci tind să se retragă în profunzime.
În ciuda faptului că termenul de „ tonalitate ” a fost atribuit într-o măsură mult mai mare muzicii și muzicienilor, se pare că, inițial, datorită clarității sale, a apărut în mediul profesional al artiștilor , apoi a fost transferat în muzică, așa cum sa întâmplat mai mult. decât o dată în istoria artei . Și dacă în legătură cu muzică termenul de „tonalitate” ( fr. tonalité ) în sensul său tehnologic modern a fost folosit pentru prima dată de Alexandre Etienne Choron în „Dicționarul istoric al muzicienilor”, publicat la Paris în 1810, [2] atunci raționând despre tonalitatea picturală și chiar sculpturală pe care o întâlnim adesea în Renașterea târzie .
Pe proprietățile tonalității, precum și pe combinațiile armonice ale culorilor, calitățile estetice și artistice ale picturilor se bazează în mare măsură. De exemplu, dacă artistul scrie lumină pe un ton cald, atunci umbra (chiar ținând cont de reflexe) este neapărat rece și invers [3] . Chiar și tonurile acromatice (alb-negru) care sunt apropiate de culorile luminoase calde sau reci, conform legii contrastului simultan, capătă nuanțe de culori complementare sau complementare. Semnificația psihologică a culorilor calde și reci, corespunzătoare anumitor temperamente umane, la începutul secolului al XIX-lea. a încercat să-l fundamenteze pe poetul și omul de știință I. W. Goethe, artistul romantic german F. O. Runge, care a dezvoltat modelul „bilului de culoare” – fundamental pentru știința culorii (1809) [4] .
De la momentul profesionalizării sale, tonalitatea în artele vizuale nu numai că a creat impresia generală a imaginii, ci a servit și o mare varietate de sarcini metodologice: de la formarea unei dispoziții generale (culoare) sau a unui stil individual recunoscut al autor al organizării unui fenomen atât de complex ca perspectiva picturală . În special, perspectiva tonală este unul dintre conceptele fundamentale ale metodei picturale de reprezentare, ale cărei principii cele mai generale au fost fundamentate de Leonardo da Vinci .
Tonalitatea sa de culoare , într-un fel sau altul, este caracteristică oricărui subiect sau obiect al lumii. Mai mult, este inerent - și orice operă de artă plastică. Cu toate acestea, într-o serie de cazuri, se poate vorbi de un efect invers vizibil sau chiar dominant pe care tonalitatea îl are asupra artistului însuși sau asupra publicului din jurul picturilor sale. Pe de altă parte, s-a întâmplat adesea în istoria artei ca tonalitatea (sau abordarea tonală) unei anumite lucrări, sau chiar tendințe întregi în artă , să facă o impresie mai mare și să rămână în memorie mult timp ca simbol sau chiar un nume pentru acest fenomen. Așa se face că, în urma nevoii psihicului uman de a evidenția ceva important sau de bază în propria percepție asupra obiectelor lumii sau evenimentelor, s-au creat uneori teorii, alteori observații bine orientate, iar alteori legende despre tonalitățile inerente o anumită tendinţă în artele vizuale sau o perioadă de creativitate.artist. Nelipsite de o anumită schematicitate sau simplificare, aceste simboluri se dovedesc adesea a fi mai tenace decât fenomenul în sine.
Chiar și pentru cei care nu au auzit niciodată cuvântul „ Suprematism ”, pătratul negru al lui Malevich s -a transformat cu mult timp în urmă într-un bogey care epuizează complet conținutul superficial al acestui fenomen de artă, reducându-l la o simplă declarație a tonalității picturii manifest.
Poate că nu mai puțin faimoase au fost perioadele „Albastru” și „roz” ale operei lui Pablo Picasso , care au fost denumite exact în funcție de tonalitatea lor dominantă, precum și intermediarul dintre ele „ Fata pe minge ”, combinând atât roz, cât și albastru. ton. Puțini oameni își imaginează imagini specifice din aceste două perioade, dar ideea tonalității lor este ferm încorporată în memorie și imaginație , transformându-se într-un fel de stereotip cultural .
Aproape toate stilurile și mișcările artistice principale din istoria artelor plastice, într-o măsură sau alta, au fost marcate de atitudinea lor deosebită față de culoare, culori (puritatea, estomparea sau amestecarea lor) și, ca urmare, față de tonalitate. Mai mult decât atât, deseori apărută ca o reacție de negație la stilul anterior (dominant) al următorului academicism , noua direcție s-a opus puternic „trecutului învechit” cu noua sa atitudine față de formă, linie, culoare și tonalitate, însoțind adesea caracteristici ale stilului cu un manifest textual adecvat sau o justificare teoretică . Așadar, alegând orice exemplu de stiluri alternante, nu este dificil să comparăm principiile tonale și schema de culori ale impresionismului - și fauvismului , care au apărut ca reacție la acesta , una dintre primele încarnări ale expresionismului , opus în mod hotărâtor vagului și a cețului ". impresii” în culori palide și culori atenuate, propriul stil de „sălbăticie” nestăpânită și tonuri pure agresive.
Într-un fel sau altul, dar fiecare mare stil în artă (cu o rezervare pentru țări și perioade individuale, de la zori până la amurg) are propriul său ton acceptat, dominant. Atât clasicismul în pictură, cât și același în arhitectură , străduindu-se să devină recognoscibili și spre deosebire de stilurile anterioare în artă, și-au format, în primul rând, atitudinea față de culoare, contrast, comparații, tonuri și semitonuri, precum și față de linia și raporturile principale şi secundare în art.în general. Toate cele de mai sus, într-un fel sau altul, determină tonul unei opere de artă. Chiar și o persoană ignorantă în termenii cei mai generali reprezintă sau cel puțin are un simț al stilului - prin schema de culori și aroma sa. Chiar și fără o imagine (o sculptură sau o clădire) în fața ochilor, privitorul își urmărește complexul de așteptări. La fel, intențiile artistului, exprimate prin stilul și școala pe care o reprezintă, care sunt înrădăcinate în el, primesc întruchiparea așteptată prin tiparele acceptate (inerțiale) ale meșteșugului. În acest fel, prin tradiția și istoria grupului profesional, s-au afirmat tonurile școlilor, tendințele și stilurile, încercând să satisfacă anumite așteptări ale grupului „client”: fie ea curtea regală, publicul burghez sau beau monde proletar. Laconismul, claritatea și contrastele clasicismului, luxul, convenționalitatea și culorile aurii ale barocului , zgârcenia și măreția stilului imperiu , culorile neclare ale impresionismului - toate acestea au crescut din complexul așteptărilor și, cristalizându-se treptat, și-au primit expresia prin tonalitate. a stilului.
Tonalitatea are un sens separat din punctul de vedere al identificării individualității artistului. În mintea publicului și a experților, mulți (dacă nu toți) pictori, într-un fel sau altul, au propriul lor „ton”, un stil sau culoare așteptat, exprimat în culori și linii. Prin acest stil tonal, pensula artistului este cel mai adesea determinată „de ochi”. Mai mult, această idee nu are doar o semnificație psihologică, ci și destul de tangibilă economică sau, dacă doriți, comercială. Dacă opera artistului însuși este recunoscută (luminoasă), atunci el este mai cunoscut și mai apreciat. În același mod, o imagine separată a autorului poate fi apreciată ca fiind mai frapantă din punct de vedere al recunoașterii (stilul și totalitatea sa tonal-liniară) sau mai puțin caracteristică operei sale, ceea ce poate duce și la o modificare a evaluării (prețului) . De exemplu, la un moment dat, dragostea pentru umbre a faimosului și de succes portretist francez Leon Bonnat aproape a intrat în parabolă . Drept urmare, picturile sale au fost dominate (sau esențiale) de un ton cald de maro, la care se așteptau atât spectatorii, cât și clienții. În acest caz, tonul portretelor sale a avut un efect psihologic pronunțat. După ce a obținut succesul și a înțeles ce aștepta publicul de la el, artistul, care anterior pictase în culori calde în funcție de înclinația sa personală, a început să repete și să reproducă în mod conștient propriul stil pentru a „întări” efectul de „recunoaștere” obținut, susținută de așteptările clienților. Adesea, astfel de tendințe ale artiștilor au devenit aproape mai faimoase decât ei înșiși sau picturile lor, provocând ironie sau devenind ceva de „vorbire despre oraș”...
„În funcție de culoarea dominantă a zonei în care trebuie să te miști pe ascuns, cercetașul își alege un costum de un ton similar, de exemplu: gri sau gălbui pe drumuri, verde pe câmp sau culorile surprizei copilărești - ca în picturile prețiosului nostru pictor peisagist , Monsieur Bonnet ”. [5]
- Alphonse Allais , „Samovari militari năuciți”Dimpotrivă, au existat și astfel de artiști care (uneori sfidător) au subliniat importanța tonalității în pictura lor, subliniind în orice mod posibil importanța desenului, liniei sau compoziției. Și prin aceasta și-au câștigat și ei înșiși o glorie specială, separată de ceilalți. De exemplu, în sistemul de valori picturale al unui artist iconic precum Ingres , culoarea a jucat întotdeauna un rol subordonat necondiționat, cedând unui concept liniar-planar grafic clar de formă. Putem spune că acest maestru chiar și-a sărăcit în mod deliberat componenta de culoare a picturilor sale. Pictura lui Ingres este construită pe o combinație de pete locale mari (uneori, clar definite), nu întotdeauna conectate între ele tonal, dar mai des - în sens sau intriga [6] . Declarațiile sale pe acest subiect nu lasă nicio îndoială că o astfel de poziție a fost intenționată:
„Desenul nu înseamnă doar realizarea de contururi; Un desen nu este format doar din linii. Desenul este și expresivitate, formă interioară, plan, modelare... Desenul conține mai mult de trei sferturi din ceea ce este pictura.” [7]
— Jean Ingres despre artTrebuie să vă reamintesc că mai târziu (zeci de ani mai târziu) a fost și „desenul lui Ingres” (claritatea liniilor și acuratețea clasică a detaliilor) care a intrat și el în parabolă. Artiștii de la începutul secolului al XX-lea au folosit expresia „desenul lui Ingres” ca simbol, punând în contrast felul său cu vagitatea impresionismului care predomina la acea vreme .