Arhitectura renascentista franceza - Arhitectura franceza creata din secolul al XV-lea pana la inceputul secolului al XVII-lea in diferite regiuni ale Regatului Frantei . Din punct de vedere stilistic, arhitectura renascentista a urmat arhitectura gotica , care a aparut in Franta in secolul al XII-lea. Arhitectura Renașterii în Franța a fost înlocuită de stilul clasicismului.
Renașterea în Franța a fost precedată de o perioadă de activitate deosebită a culturii franceze – gotică (secolele XI-XIV). În acest moment, Franța a avut o influență decisivă asupra artei țărilor din nordul Europei , iar versiunea stilului gotic creat de francezi în alte state a fost numită „maniera franceză”. În cadrul culturii gotice a avut loc o transformare treptată a societății feudale , ca urmare a apariției și înfloririi orașelor medievale , în care au apărut școli urbane (din secolul al XII-lea) și universități cu începuturile culturii laice. Arhitectura a devenit tipul principal de artă gotică, cel mai pe deplin întruchipat în formele catedralei orașului, care era considerată un simbol al demnității orașului și a locuitorilor săi. Baza construcției gotice a fost construcția cu rame , inventată în nordul Franței și răspândită în toată Europa. Spre deosebire de orașele-stat italiene , unde artiștii s-au inspirat din antichitate , în Franța, până în secolul al XIV-lea, s-au dezvoltat tendințele realiste ale artei gotice târzii [1] .
Cumpărarea secolelor XIV-XV a fost caracterizată de o situație politică tensionată în țară. Războiul de o sută de ani (1337-1453) se desfășoară de mai bine de jumătate de secol . O serie de victorii ale lui Carol al V-lea au oprit inamicul, iar ultimele două decenii ale secolului al XIV-lea au fost marcate de un calm relativ, dar la sfârșitul secolului britanicii au reluat ostilitățile. Războiul intestine dintre Armagnacs și Bourguignons a dus la război civil și ocuparea britanică a Parisului în 1420. Anii 20-30 ai secolului al XV-lea au fost caracterizați de o scădere bruscă a activității artistice, toate forțele țării au fost aruncate în lupta împotriva unui inamic extern. Momentul de cotitură a venit după interpretarea Ioanei d'Arc . În 1453, capitularea garnizoanei engleze din Bordeaux a pus capăt ostilităților, după care a reluat procesul de strângere a pământului. Carol al VII-lea și Ludovic al XI-lea , atât prin forța militară, cât și prin diplomație, au realizat unificarea politică a țării, iar până în 1483, din toate regiunile Franței, doar Bretania și-a păstrat independența [2] .
În această perioadă, agricultura, centrele meșteșugărești, comerțul încep să se redreseze treptat, vechile centre de cultură renasc și noi centre de cultură se întăresc. Lucrările de construcție suspendate în anii grei de război sunt reluate și începe construcția de noi clădiri. În același timp, imaginea vieții arhitecturale, comparativ cu secolele precedente, s-a schimbat semnificativ: construcția de biserici a scăzut semnificativ, în timp ce construcția laică a început să înflorească [3] . Arhitectura de cult franceză la acea vreme a cunoscut o scurtă izbucnire a goticului flamboyant care se estompează în trecut și a rămas în cadrul arhitecturii medievale tradiționale [4] .
Arhitectură secularăPerioada mijlocului și a doua jumătate a secolului al XV-lea în Franța a fost o etapă de tranziție de la arhitectura medievală la arhitectura renascentist [5] . Realizările Renașterii italiene au pătruns în arta Franței mai târziu decât în alte țări. Într-o perioadă în care, la curțile regelui maghiar Matia I Corvin și a țarului rus Ivan al III-lea, meșteri italieni începuseră deja construcția de temple și palate, Franța se confrunta doar cu consecințele Războiului de o sută de ani. Cu toate acestea, ascensiunea spirituală și economică a perioadei postbelice a devenit un impuls puternic pentru dezvoltarea artei de construcție. Din acest motiv, istoria Renașterii franceze în arhitectură se desfășoară în mod tradițional încă din primele decenii postbelice [6] .
Burghezia urbană a devenit conducătoarea noilor tendințe în arhitectură, străduindu-și să-și consolideze succesele și să afirme importanța orașelor în viața țării. Una dintre cele mai caracteristice dovezi ale bogăției orașului este primăria. Până la mijlocul secolului al XV-lea, în catedrale se țineau ședințe ale consiliilor de atelier și orășenești, iar vistieria și arhivele erau păstrate fie în turnuri de veghe, fie în case particulare cumpărate de la unul dintre locuitori. Excepție au fost regiunile de nord-est și nord, unde marile orașe comerciale construiseră de mult primării. De la mijlocul secolului, în toate orașele Franței au început să se ridice primării, în timp ce burghezia urbană nu s-a zgârcit în alocarea de fonduri mari pentru lucrări de construcții. Primăriile din Arras , Saint-Quentin , Compiegne și alte orașe aveau propriul lor aspect unic, acționând ca dominante ale orașelor [7] .
Conform unei vechi tradiții, casele de caritate și spitalele erau adesea construite în orașe cu bani publici sau donații. Cel mai faimos spital din secolul al XV-lea, construit pe cheltuiala cancelarului burgundian Nicolas Rollin, Hotel-Dieu , a fost păstrat în orașul Beaune. Fațadele curții complexului erau decorate cu o colonadă purtând o galerie acoperită [8] .
În secolul al XV-lea, rolul principal în arhitectură a început să fie jucat de construcția de case private ale cetățenilor bogați - clădiri care semănau cu castele de piatră cu un plan complex și decorațiuni exterioare și interioare rafinate. Astfel de clădiri aparțineau celor mai bogați negustori și finanțatori, apropiați de curte, care participau la administrarea statului și nu doreau să fie în niciun fel inferiori nobilimii feudale. De asemenea, un loc important era încă ocupat de o casă cu cherestea - locuința diferitelor pături sociale, a cărei arhitectură era încă supusă tradițiilor medievale în metodele de planificare, construcție și decorare [9] [10] .
Un monument caracteristic al perioadei de tranziție de la gotic la Renaștere a fost casa orașului a lui Jacques Coeur , directorul finanțelor publice sub Carol al VII-lea, construită la mijlocul secolului al XV-lea la Bourges . Decorul arhitectural al conacului a fost sculptat în mare parte din piatră, principalul material de construcție al clădirii, folosit cu pricepere în proiectarea fațadelor exterioare și parțial în interior. Autorul proiectului de construcție nu s-a străduit pentru ordinea exterioară și uniformitatea ritmului fațadelor, caracteristice arhitecturii renascentiste contemporane a Italiei, cu toate acestea, în planul confortului practic, un calcul sobru și o detaliere atentă au fost urmărite în mod clar în casa. Camerele - săli mari de stat și săli mici pentru întâlniri private de afaceri - erau amplasate una de cealaltă și erau conectate prin diferite pasaje și scări. Capele separate au fost echipate în capela de acasă. O galerie deschisă mărginește curtea. Toate acestea au fost o inovație neobișnuită pentru o casă privată de atunci, în aceeași măsură cu luxul inegalabil al decorațiunii: vitralii, fresce, sculptură împodobeau localul, decor în piatră sculptată, caracteristic goticului în flăcări, acopereau pereții. , ferestre si turnuri scari in curte. Casa lui Jacques Coeur a devenit un exemplu viu de schimbare a arhitecturii rezidențiale private a clasei burgheze, în conformitate cu îmbunătățirea confortului și demonstrarea statutului social înalt al proprietarului [11] [10] [12] .
Este greu de judecat arhitectura curții de la mijlocul secolului, deoarece palatele regale reconstruite ale Luvru și Saint-Paul al lui Carol al V -lea nu au supraviețuit [13] . Principalul constructor în arhitectura franceză în perioada de după sfârșitul Războiului de o sută de ani a fost regele Ludovic al XI-lea. În general indiferent față de arte, a fost forțat să se angajeze în construcții noi. Ludovic al XI-lea a fost încoronat în 1461 și a organizat reconstrucția Amboise ceva timp mai târziu , dar curând a dat castelul moștenitorului. În Plessis-le-Tours a fost construit un mic castel regal din cărămidă cu ornamente din piatră albă și, în același timp, sub conducerea trezorierului Jean Bourret , a fost ridicat un nou castel Langeais lângă Tours , al cărui stil sever de fortăreață chiar și atunci părea un anacronism [12] . Plessis-les-Tours (1463-1472), acum în cea mai mare parte în ruine, a fost un nou tip de castel - un palat de țară cu forme arhitecturale relativ simple: acoperișuri înalte, lucarne, cruci de ferestre de piatră, galerii arcade caracteristice palatelor urbane și suburbane din acel timp. Trei „maeștri regali” au fost numiți ca presupuși constructori ai Plessis-le-Tour: Jean Duchemin, Jean Thibaut și Jean Regnard [14] .
Principala creație a lui Jean Bourret a fost castelul angevin din Plessis-Bourret , construit în valea dintre afluenții Loarei în scurt timp (1468-1473). Clădirea a întruchipat o schemă de compoziție fundamental nouă a unui castel de tranziție fortificat și o nouă organizare a spațiului: sarcinile de apărare au dispărut în fundal, fortificațiile și-au pierdut semnificația funcțională și au devenit un element de decor exterior. Schema Plessis-Bourret a câștigat popularitate și a fost folosită de cel puțin două ori: pentru mareșalul de Gier la castelul Vergers și pentru Florimond Robertet la castelul Bury. Epoca pașnică care a urmat a predeterminat dezvoltarea arhitecturii castelului pentru un secol înainte. Castelul a devenit un manifest simbolic al unei noi culturi seculare, întruchiparea Renașterii franceze, așa cum catedrala a fost odată întruchiparea goticului medieval. Schimbările în arhitectura Plessis-Bourre au consemnat etapa inițială a transformării castelului-cetate în castel-palat [15] .
În anii 1460, mulți aristocrați au vrut să dea un aspect modern castelelor și conacelor lor. Jean de Dunois a reconstruit aripa vestică a Châteaudun . Francisc al II-lea , ultimul duce al Bretagnei, este un castel de familie din Nantes. Pentru Charles de Orleans a fost ridicată o nouă clădire a castelului din Blois, din care a supraviețuit doar o galerie cu două etaje [12] . Hotelul de Cluny bine conservat din Paris, construit la sfârșitul secolului al XV-lea pentru mănăstirea Cluny , a combinat formele gotice târzii în arhitectură și un raport calm și clar de decor și compoziție generală [16] .
La începutul secolelor al XV-lea și al XVI-lea, regii francezi au făcut mai multe campanii militare în Italia, care s-au încheiat fără succes, dar au introdus aristocrația franceză în cultura italiană avansată din acea vreme, a cărei interpretare a devenit ulterior unul dintre factorii importanți în dezvoltarea Renașterii franceze. În aceeași perioadă, a avut loc un proces de restaurare a orașelor franceze după Războiul de o sută de ani, care epuizase extrem de mult țara. Noua dezvoltare a fost însă, de regulă, dezordonată, cu excepția câtorva orașe fortificate nou ridicate (Vallery 1501; Hyeres Bruage, a doua jumătate a secolului al XV-lea). Parisul a crescut rapid de la mijlocul secolului al XV-lea, dar și-a schimbat încet caracterul medieval, păstrând un aspect dezordonat cu străzi înguste. Cu toate acestea, sfârșitul secolelor XV-XVI a devenit o piatră de hotar importantă atât în istoria societății și a statului francez, cât și în arhitectura franceză [17] .
1483-1498. Domnia lui Carol al VIII-leaSchimbări evidente în arhitectura Franței au fost conturate odată cu aderarea lui Carol al VIII-lea , care a preferat luxul și plăcerea, spre deosebire de predecesorii săi. Regele a adus pentru prima dată maeștri italieni de arhitectură, sculptură și meșteșuguri din campania italiană din 1494-1495, inclusiv arhitectul Fra Giocondo , sculptorul Guido Mazzoni, grădinarul Pacello da Mercogliano și ebanistul Bernardino da Bresha. Toți au fost implicați în restructurarea Amboise, deși nu au afectat în mod semnificativ progresul lucrărilor. Mult mai importantă a fost prezența printre trofeele militare ale regelui a obiectelor de lux – mobilier, sculptură și bijuterii – care au influențat gusturile societății franceze și estetica meșterilor locali [18] .
Cunoașterea culturii Italiei a deschis francezilor noi exemple de locuință-palat aristocratic. Curtea regală a jucat un rol principal în procesul de creare a unui nou tip de arhitectură a palatului. În a doua jumătate a secolului al XVI-lea au fost construite o serie de reședințe regale: Gaillon , Blois , Chambon , Villers-Cotret , Castelul Madrid , Fontainebleau , Saint-Germain , Luvru , Tuileries și altele. Un grup mare de structuri erau palate urbane și suburbane ale aristocrației și ale marii burghezii, așa-numitele hoteluri și castele (castele) [K 1] . Odată cu pierderea funcției militare, castelele feudale au căpătat trăsături seculare din a doua jumătate a secolului al XV-lea. În ciuda faptului că donjonul , turnurile rotunde , machicolurile , șanțurile și galeriile santinelă au continuat să existe în prima jumătate a secolului al XVI-lea, perforarea ferestrelor, decorul pereților și alte elemente au schimbat complet vechiul aspect sever al acestor structuri [4] .
Arhitectura castelului Amboise (1492-1498) a marcat sfârșitul dominației neîmpărțite a goticului, deși au existat încă puține semne ale Renașterii în el. Reconstrucția pentru Carol al VIII-lea a castelului-palat a avut un aspect pronunțat festiv și a fost concepută inițial de rege pentru a capta imaginația monarhilor europeni. Influența Renașterii italiene s-a manifestat în principal în tratarea decorativă a interioarelor, precum și în exteriorul clădirii laterale de mai târziu. O trăsătură distinctivă a noului aspect al castelului a fost splendoarea deliberată a decorului exterior, combinată cu o lipsă completă de preocupare pentru apărare. Acesta a fost primul astfel de caz evident de atenție preferențială pentru decorarea exteriorului. Înainte de Carol al VIII-lea, doar clădirile bisericești se distingeau prin decorațiuni luxoase, dar cu mâna ușoară a regelui, nobilimea franceză a început să-și decoreze magnific reședința. „Dantela de piatră” a fost așezată pe spațiile pereților, elemente ale acoperișurilor și turnurilor de scări ale fațadelor din curte ale castelelor Meilyan, Chaumont și Joscelin [20] [21] .
1498-1530. Prima Renaștere franceză sau stilul lui Francisc IPerioada primului sfert al secolului al XVI-lea se numește Prima Renaștere franceză sau stilul lui Francisc I ( fr. stilul François Ier ). A fost o perioadă de dezvoltare extraordinară în Valea Loarei , unde încă se afla curtea regală [22] [23] . În timpul domniei lui Ludovic al XII-lea (1498–1515), regalitatea nu atinsese încă absolutismul , iar curtea regală nu era centrul culturii franceze. Din acest motiv, nu domnii feudali care l-au însoțit pe rege în campania napolitană au devenit conducătorii noilor tendințe în artă , ci marea burghezie urbană, care a menținut legăturile cu orașele italiene, și ierarhii bisericești iluminați care depindeau de curte . a Papei la Vatican . Dintre acestea din urmă, s-a remarcat în special familia d'Amboise , patroni majori ai artelor din a doua jumătate a secolului al XV-lea - începutul secolului al XVI-lea . Sub patronajul lor, la sfârșitul secolului al XV-lea, catedrala din Albi a fost decorată magnific , al cărei perete vestic era decorat cu frescă maiestuoasă „Judecata de Apoi” [24] .
Palatul lui Ludovic al XII-lea din Blois, a cărui construcție a început în 1498, a fost interesant pentru combinația dintre compoziția gotică caracteristică acelei vremuri și detaliile inspirate din arhitectura Renașterii italiene: prelucrarea decorativă a coloanelor galeriei, cu ornamente în mod clar nu. de origine gotică. Imagini cu delfini, cornucopii și copii cu flori au fost țesute în modelul sculptural, iar pe fațada exterioară, deasupra porții, se află o statuie ecvestră aurita a lui Ludovic al XII-lea - un tip de monument necunoscut anterior în Franța. Goticul a fost exprimat în structura generală a clădirii, asimetria planului și înălțimea enormă a acoperișurilor. Probabil, autorii palatului au fost maeștri zidari Simon Guichard și Jean Sourdo [25] [26] .
Unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai dinastiei d'Amboise a fost cardinalul Georges d'Amboise , legat papal în Franța, vicerege al Lombardiei, pretendent la tronul papal în 1503. Chateau de Gaillon din Normandia , pe care îl deținea, a devenit un simbol al inovației în arhitectura franceză . Construită timp de aproximativ zece ani (1501-1510), clădirea a fost ridicată pentru prima dată de arhitecții francezi (Guillaume Senot, Jean Fouquet, Colin Biard, Pierre Delorme) în forme gotice tradiționale. Din 1508, construcția a fost condusă de maeștri italieni, în frunte cu sculptorii-decoratori Jerome Pachero (Pacyarotti) și Bertrand de Meynal, care au lucrat în formele Renașterii italiene familiare lor. Amenajarea grădinii a fost încredințată maestrului italian în prima perioadă de construcție. Motivele și formele Renașterii italiene și-au găsit loc în galeria etajului din partea de nord-vest a curții principale, în arhitectura aripii construite ulterior pe latura de sud-est, precum și în poarta principală. Rolul principal în decor l-au jucat formularele de comandă interpretate liber, precum și medalioanele. În ornamente, flora locală a lăsat loc frunzelor de acant și altor motive de plante stilizate clasice. În arhitectura castelului, primul pas decisiv a fost făcut de la Gotic la Renaștere. Gaillon nu a supraviețuit până în prezent, decorul sculptural al castelului, dezasamblat în părți, a fost transferat la diferite muzee din Franța, în special, portalul monumental instalat pe fațada capelei Școlii de Arte Frumoase din Paris [27] ] [28] .
Un exemplu de încercare de a combina formele gotice și renascentiste a fost fațada clădirii Biroului de Finanțe din Rouen (1510), construită de Roland Leroux. În decorul clădirii s-au folosit atât motive pur gotice (statui cu baldachin), cât și o asemănare cu un ordin renascentist cu un panou orizontal între podea și medalioane rotunde [29] .
În 1515, a urcat pe tron Francisc I , de ale cărui activități a fost legată următoarea pagină a arhitecturii franceză. Politica regelui în domeniul artelor era o continuare logică a politicii generale de stat: pentru a pune în aplicare planuri de transformare a țării, avea nevoie de viață de curte . La curtea regală a fost creat un centru umanist secular , iar domnitorul însuși s-a proclamat patronul științelor și artelor, pentru a-și afirma prestigiul propriei puteri. Francisc I a invitat în Franța oameni de știință umaniști, artiști și arhitecți italieni. Monarhul a făcut primul gest simbolic al noii politici în 1516 invitându-l pe celebrul Leonardo da Vinci la curtea franceză [30] .
Arhitecții aripii de nord a castelului lui Francisc I din Blois (1515-1524) au adus un omagiu Renașterii italiene. Dintre constructori, este documentat doar numele lui Jacques Surdo, dar se presupune că Domenico da Corton a participat la lucrările de decor . Un susținător ferm al stilului italian, Francisc I nu s-a mai limitat la citate și la unele împrumuturi, ci a aprobat copierea directă a modelelor italiene în timpul construcției. Simetria planului original, cornișa puternică, sistemul de ansamblu al fațadei și lucrarea decorativă au mărturisit o ruptură cu tradiția gotică. Pentru prima dată în Franța, tratarea sculpturală a detaliilor a atins un nivel artistic înalt, în timp ce fragmentele , care anterior erau caracterizate de fragilitate și supraîncărcate de sculpturi, s-au schimbat către o plasticitate mai mare și simplitate clasică. O inovație importantă a fost sistemul de împărțire a fațadei cu pilaștri stivuiți unul peste altul și curele duble de tije interfloor , care au servit ulterior ca trecere la metoda clasică de împărțire a fațadelor cu un mandat plasat unul peste altul. Prototipul pentru fațada exterioară, aparent la direcția lui Francisc I însuși, a fost palatele Vaticanului San Damaso și Belvedere . De acolo s-a împrumutat și reinterpretat o schemă în mod franco-gotic cu arcade deschise alternate și nișe într-o grilă creată pe fațadă cu ajutorul unei comenzi. Motivul „arcadei de ordine” folosit la Blois a fost folosit mai târziu în mai multe castele din acea vreme: în Bury, acum distrus, în Chambord și în La Rochefoucauld [31] [32] .
În fruntea mișcării din nou, ca la mijlocul secolului al XV-lea, se aflau cei mai bogați reprezentanți ai burgheziei din cercul interior al regelui. Castelele lui Thomas Boyer la Chenonceau și Gilles Berthelot la Azay-le-Rideau au devenit exemple clasice ale primei renașteri a regiunii Loarei. Arhitectura lor a fost unită de trăsături precum un aspect regulat, o dorință de simetrie și o pasiune pentru decorul italian, înscris într-o grilă plană de articulații verticale și orizontale, fără a afecta planurile pereților [33] .
Principalul finanțator Thomas Boye în jurul anului 1514 a început construcția unei noi locuințe în Chenonceau. Vechiul castel a fost distrus până la pământ, doar donjonul a fost păstrat ca simbol al prestigiului. Clădirea era o singură clădire pătrată, care a devenit un cuvânt nou în arhitectura vremii. În alcătuirea fațadelor, urmând Blois, s-a introdus un ritm clar de diviziuni verticale de-a lungul travey -urilor , întrerupt de tije orizontale subțiri între planșe și o friză continuă. Pereții atât ai castelului, cât și ai vechiului donjon au fost decorați cu ornamente la modă în stil italian. Și mai îndrăznețe au fost soluțiile spațiale din interior: pentru prima dată, contrar tradiției, nu s-a construit o scară în spirală, ci o scară dreaptă cu două trave; studiul a fost decorat cu un tavan casetat [33] .
Între 1518 și 1527, Gilles Berthelot, vistiernicul regal, a construit castelul Azay-le-Rideau. Soluția arhitecturală a complexului a urmat un drum deja bătut, combinând tradiții și inovații: din cele patru clădiri tradiționale planificate, două au fost ridicate (principalul sud și vest), ca atribute ale măreției, turnul vechiului castel, machicoles, poteca santinelă și turnurile de pază au fost păstrate ca atribute ale măreției. Ornamentul clasic a fost aplicat într-o formă liberă în designul lucarnei și a intrării în curtea centrală. Scara din castel a fost construită într-o formă dreaptă italiană, cu bolți plate și casetate. Clădirea s-a remarcat printr-un decor sculptural neobișnuit de magnific, folosind inițialele și semnele heraldice ale lui Francisc I și ale reginei Claude, scoici, medalioane în colțurile arcadelor și pe pilaștri, groteschi antice și candelabre. Noutatea soluției arhitecturale a castelului a fost simetria strictă a curții și fațadelor laterale. Constructorii din Azay-le-Rideau au reușit să creeze unul dintre cele mai complete și armonioase monumente ale Renașterii franceze timpurii, cu o combinație echilibrată între tradiția medievală și arhitectura clasică italiană [34] .
Veriga finală a scurtei Renașteri franceze timpurii a fost Castelul Chambord (1526-1559) - cel mai grandios ansamblu arhitectural din Valea Loarei, simbolul întruchipat al puterii monarhului. Lucrările principale de construcție se pare că au fost efectuate între 1526 și 1533; corpul estic al lui Francisc I și partea de legătură - în 1539-1544; construcția de părți simetrice pe latura de vest – în 1547-1559. În ciuda faptului că motivele gotice au fost folosite la încoronarea turnurilor de colț și la finalizarea donjonului, Chambord nu a fost un castel gotic, ci un palat renascentist clasic . Aceasta s-a manifestat prin respingerea tradiționalei încoronări cu creneluri și machicolații a turnurilor galeriei santinelă, deschiderea fațadelor spre exterior cu un număr mare de ferestre și împărțirea acestora în panglici orizontale clare de planșee, precum și utilizarea o compoziție de ordine pe mai multe niveluri. Inovații importante au fost simplificarea decorului, mărirea motivelor ornamentale și alocarea părților arhitecturale: lucarne , țevi și așa mai departe, precum și introducerea unui număr de noi elemente arhitecturale și decorative: belvedere , panouri policrome cu geometrice . ornamente și altele. Influența soluției arhitecturale de la Chambord a afectat două monumente majore ale perioadei ulterioare: Fontainebleau și Ecouane [35] [36] .
1530-1547. Perioada Ile-de-France. Răspândirea manierismuluiÎn jurul anului 1530, a început o nouă perioadă în arhitectura Franței. Francis I a invitat mai mulți artiști și arhitecți celebri din Italia: Rosso Fiorentino , Francesco Primaticcio , Sebastiano Serlio , Giacomo da Vignola și Benvenuto Cellini . Adepți ai lui Michelangelo și Rafael, ei au schimbat vectorul de dezvoltare a arhitecturii franceze spre manierismul italian . Stilul stabilit care a dominat arhitectura între 1530 și 1590 este uneori denumit stilul Henric al II-lea , deși dezvoltarea sa a avut loc în timpul domniei a cinci monarhi francezi. Caracteristicile stilului au fost cel mai pe deplin reprezentate în arhitectura Palatului Fontainebleau [37] . După ce s-a întors din captivitatea Madridului din 1524-1526, Francisc I a decis să-și mute reședința de pe malurile Loarei la Paris și împrejurimile acestuia, unde a început o nouă etapă de construcție intensivă a palatului. Curtea regală, în urma monarhului, a părăsit malurile Loarei și toată viața de curte s-a mutat în Ile-de-France . Transferul capitalei a fost marcat și de o schimbare în componența constructorilor de curte: maeștrii francezi care au construit castelele din Loare au fost înlocuiți de parizieni, iar odată cu aceștia au venit și noi tendințe ale Renașterii italiene. Francisc I a lansat simultan construcția castelului Madrid și reconstrucția castelului din Fontainebleau, mai târziu - castelele din Saint-Germain-en-Laye și Villers-Cotres. O nouă primărie a fost ridicată la Paris (1532), iar spre sfârșitul anilor 1530 a început reconstrucția apartamentelor regale din Luvru [38] [39] .
Unul dintre cele mai ciudate exemple ale acestui timp a fost palatul pierdut al lui Francisc I din Bois de Boulogne , cunoscut sub numele de Castelul din Madrid. Creatorul magnificului său decor în majolică , ca, probabil, al proiectului, a fost Girolamo della Robbia, fiul lui Andrea della Robbia , care a decorat Casa Educațională Brunellesco din Florența cu majolice. Francezul Pierre Gadieu a supravegheat construcția. Nou pentru Franta a fost in primul rand planul castelului sub forma unui singur bloc, fara curte inchisa. Împărțirea clară a etajelor cu cornișe orizontale, scări larg deschise și galerii de arcade nou proiectate vorbeau despre influența italiană. Arcadele Castelului Madrid erau ceva între formele Blois care datează din Roma Antică și arcadele din Brunellesco. Arhitectura castelului a arătat un flux de artă florentină care a pătruns în arhitectura Franței, mai restrâns decât arhitectura napolitană sau lombardă familiară la acea vreme. La fel ca Chambord, noua reședință era un castel mare din față, cu un aspect regulat, în care două pavilioane pătrate masive (pentru prima dată în arhitectura franceză au înlocuit turnurile de colț) erau conectate printr-o clădire mică. După o lungă perioadă de experimentare, a apărut un monument care îmbina armonios și original tradițiile naționale și inovațiile italiene [38] [40] .
Un proiect important al lui Francisc I a fost construirea unui nou templu regal la Paris - biserica Saint-Eustache - al cărui aspect arhitectural trebuia să corespundă spiritului vremurilor. Biserica a fost fondată în 1532. Arhitecții au decis să facă un pas neașteptat - au ales planul, structura și proporțiile goticului clasic pentru templu: biserica cu cinci nave aproape a copiat Catedrala Notre Dame . Pe volumul gotic al clădirii s-a așezat un decor clasic: pe contraforturi s-au suprapus pilaștri clasici, la nivelul superior s-au transformat în semi-coloane cu capiteluri corintice. Soluția artistică a bisericii era contrară oricărei logici, în legătură cu care Viollet-le-Luc în secolul al XIX-lea numea templul „un schelet gotic în zdrențe romane”. Interiorul bisericii pariziene Saint-Étienne-du-Mont s- a dovedit a fi și mai puțin reușit , în care s-au combinat două sisteme artistice fundamental diferite: arcurile gotice s-au bazat pe coloane puternice, larg distanțate, ale naosului central. Printre alte încercări timide de a aduce noi tendințe arhitecturii bisericești a fost capela rotundă atașată bazilicii gotice Sf. Petru din Bath (1537). O altă versiune ulterioară a combinației dintre gotic și renaștere a bisericii au fost turnurile Catedralei Sf. Michel din Dijon (etajul inferior a fost construit în stilul lui Francisc I în 1537) [41] [42] .
În arhitectura clădirilor publice, așa-numitul stil Francisc I a fost folosit la construcția marii primării pariziene (circa 1533), distrusă în 1871, și a micuței, dar expresive primărie din Beaugency (1526) - un oraș mic. pe Loira lângă Blois [43] .
Unele dintre noile motive și tehnici ale Renașterii au fost imediat împrumutate și reelaborate de către constructorii palatului de la țară din Fontainebleau. Antreprenorul Gilles Lebreton, care a ridicat noi clădiri de palat în jurul Curții Ovale și a altor clădiri, a împrumutat de la Chambord un aranjament uniform de pilaștri; de la Castelul Madrid - frontoane triunghiulare deasupra ferestrelor si arcade mari de semicirculare cu medalioane rotunde in fatada galeriei lui Henric al II - lea . Ansamblul palatului a fost completat și extins până în secolul al XIX-lea, dar exteriorul său nu s-a remarcat niciodată prin merit artistic deosebit. În schimb, interioarele și decorațiunile interioare au avut o mare importanță în istoria interioarelor palatelor franceze din secolul al XVI-lea. Printre acestea s-au remarcat în special Galeria lui Francisc I și Galeria lui Henric al II-lea. Prima a fost creată de italienii Rosso și Primaticcio; al doilea, Primaticcio și Delorme. Folosind tehnicile artei decorative italiene din Galeria Francisc I, Rosso Fiorentino și Primaticcio au creat totuși o versiune deosebită a stilului pe pământul francez: rolul principal l-au jucat reliefurile din stuc , picturile murale, lambriurile din lemn și casetele bogate din tavan . Grotescele au fost utilizate pe scară largă , devenind o formă decorativă populară în Italia sub influența lui Rafael . Rolul logiilor Vaticanului din Fontainebleau a fost jucat de Galeria Ulise de 150 de metri, pictată cu scene din Odiseea cu introducerea grotescurilor. Celebra galerie a fost distrusă în 1738. Arta lui Rafael și a elevului său Giulio Romano a devenit principala sursă de inspirație pentru „ Școala din Fontainebleau ” condusă de Rosso și Primaticcio. Accentul pus pe decorarea interioară în Fontainebleau s-a datorat faptului că Franța nu avea o tradiție de decorare interioară (articolele de decorațiuni interioare au călătorit în cufere de călătorie împreună cu regele și alaiul său), dar Francisc I a dorit să creeze o reședință adevărată și să decoreze adecvat. interiorul acesteia [44] [45] .
După finalizarea construcției Curții Ovale de la Fontainebleau în 1532, a început construcția unui mic palat regal în Villa Cotret, în care arhitectura franceză a făcut încă un pas spre apropierea de formele clasice. În aceeași perioadă, o serie de monumente provinciale au făcut progrese în dezvoltarea arhitecturii de ordine. Impulsul pentru aceasta a fost publicarea în Franța în 1542 a primei traduceri a lui Vitruvius și sosirea în țară în 1541 a lui Sebastiano Serlio [44] .
Serlio a aparținut generației lui Michelangelo și Rafael și a lucrat la Bologna, Roma și Veneția. Domeniul principal al activității sale nu a fost proiectarea, ci predarea și popularizarea fundamentelor clasice ale arhitecturii. În 1528 a publicat un manual despre folosirea ordinelor grecești, în 1537 principalul său tratat - cartea a patra din Regulile generale ale celor cinci ordine, în 1540 - a treia carte a tratatului, dedicată monumentelor antichității romane. În Franța, arhitectul a primit imediat titlul de „arhitect regal” și a început să supravegheze construcția de la Fontainebleau, unde a proiectat și pavilionul de baie, loggia și portalul. În 1545, tratatul lui Serlio a fost tradus în franceză de Jean Martin. Lucrările arhitectului au jucat un rol important în introducerea arhitecților francezi în arhitectura antică, au adus studiul principiilor Renașterii italiene la un nou nivel. Philibert Delorme și Jean Goujon îl considerau profesorul lor. Acest lucru s-a datorat în mare parte faptului că Serlio, care a trăit mulți ani în Franța, a tratat tradițiile locale cu respect și atenție, a crezut că o locuință franceză nu poate fi o copie a uneia italiene. Deși cariera practică a lui Serlio în Franța nu a fost foarte reușită, el a construit câteva monumente importante ale Renașterii franceze, inclusiv castelul Annecy-le-Franc [46] .
Sebastian Serlio, în ciuda patronajului regelui, a construit în principal pentru clienții privați. În Fontainebleau, clientul arhitectului a fost cardinalul Ippolito d'Este de Ferrara, pentru care arhitectul a construit în scurt timp un conac, numit Marii Ferrareți (1544-1546) și care a devenit prototipul pentru toate conacele aristocratice pariziene ulterioare ale francezilor. Renaştere. În 1544, un mare filantrop, contele de Clermont-Tonnerre, a comandat un nou palat pentru Serlio. Așa a apărut Annecy-le-Franc - perla Renașterii franceze, primul palat francez, construit de la început până la sfârșit în conceptul autorului. Restul proiectelor arhitectului, inclusiv cele pentru Luvru, au rămas pe hârtie, dar au alcătuit clasicii moștenirii arhitecturale a Renașterii franceze [47] .
În urma lui Francisc I, care nu a scutit de cheltuieli pentru a reconstrui palate, reprezentanții aristocrației au început să-și reconstruiască castele. Arhitectura caracteristică în spiritul Renașterii franceze timpurii a posedat castelul Saint-Germain , construit de Pierre Chambige și succesorii săi (1539-1549). Numeroase castele construite și reconstruite în zonele adiacente Loarei și într-o serie de alte zone ale Franței erau asemănătoare stilistic cu palatele regale. Motivul pentru aceasta a fost că arhitecții regali au fost implicați în principal în construcție. Clădirile caracteristice de acest tip includ grandiosul Valençay (circa 1540), magnificul Chantilly (terminat în 1530) și Fontaine-Henri cu acoperișuri fantastic de înalte [48] .
Noile tendințe au îmbrățișat treptat toate clasele societății franceze. Formele Renașterii italiene s-au răspândit în orașele bogate de provincie. Un exemplu caracteristic de clădire rezidențială urbană a epocii a fost Hotel d'Ecoville din Caen (1535-1538), decorat cu ornamente excepțional de fine în întregime de origine renascentist. Probabil, cu participarea italienilor, fațada galeriei Hotelului Burgteruld din Rouen a fost decorată , cu motivul candelabrelor, popular în nordul Italiei, refăcut în mod francez. Într-o formă mai monumentală și mai rafinată, acest motiv a fost folosit în decorarea Hotelului Bernui din Toulouse (circa 1530) [49] .
Mijlocul secolului al XVI-lea în Franța a fost marcat de realizări în viața socială, economică și demografie. Dezvoltarea rapidă a orașelor a dus la înflorirea tuturor sferelor vieții culturale. Renașterea franceză în acest moment și-a atins maturitatea și a coincis cu perioada căutării autoidentificării naționale a francezilor. În 1549, Joachin Du Bellay a publicat un manifest în „ Apărarea și celebrarea limbii franceze ”. Poeții Pleiadelor , conduși de Pierre de Ronsard , au apărat independența limbii lor materne, dreptul de a scrie și vorbi franceza, și nu latină. În istoria arhitecturii la mijlocul secolului a avut loc o schimbare de generații. A apărut o galaxie de noi arhitecți talentați: Philibert Delorme , Jean Bulland , Pierre Lescaut și Jacques Androuet Ducerceau . Asemenea tinerilor poeți, arhitecții curții au apărat dreptul de a construi „în franceză”, crezând că Franța nu mai are nevoie de profesori și mentori. Caracteristică a fost afirmația lui Philibert Delorme: „Dacă vechii arhitecți ai altor popoare au creat coloane noi – ce ne împiedică pe noi, francezii, să inventăm una sau alta și să-i spunem francez?”. În urma declarației sale, Delorme a creat o coloană a ordinului „francez”, care a împodobit numeroase clădiri din perioada Renașterii mature [50] [51] .
1547-1559. Domnia lui Henric al II-leaLa sfârșitul anilor 1540, situația politică din țară s-a schimbat, sentimentele anti-italiene s-au intensificat brusc în societate, cauzate de dominația italienilor în toate sferele vieții culturale și sociale - politică, finanțe, medicină și arte. Henric al II-lea, care a urcat pe tron, a profitat de situație pentru a-și schimba mediul. L-a numit pe Philibert Delorme administrator al reședințelor regale. Pentru prima dată în istoria Franței, această funcție a fost ocupată nu de un administrator din aristocrație, ci de un arhitect profesionist. Pierre Lescaut a fost pus la conducerea sferei administrative și artistice a Luvru [52] .
Philibert Delorme, fiul unui constructor, a început să lucreze bine pregătit și a avut o educație largă pentru acea vreme, acționând ulterior ca teoretician arhitectural cu tratatele „Arhitectură” și „Noi invenții pentru a construi bine și ieftin”. Delorme a petrecut 1533-1536 în Italia, unde a cunoscut bine antichitatea și Renașterea italiană și a lucrat pentru Papa Paul al III-lea la Roma. Prima comandă importantă a arhitectului, la întoarcerea sa în Franța, a fost Palatul Saint-Maur-de-Fosse din vecinătatea Parisului, construit pentru cardinalul Du Bellay (palatul a fost complet reconstruit în anii 1560 și distrus la sfârșitul anului). secolul al XVIII-lea). O parte a Château Saint-Maur, construită de arhitect în jurul anului 1544, a fost cea mai italianizată clădire din Franța în ajunul unui punct de cotitură în dezvoltarea stilistică a arhitecturii, trecând de la stilul lui Francisc I la stilul Henric al II-lea. Odată cu venirea la putere a lui Henric al II-lea, arhitectul a fost încărcat cu ordine regale: în 1547 a început să reconstruiască simultan palatul din Saint-Leger-en-Yvelines (pierdut), iar lângă el castelul Anet (1549-1552). ) - palatul favoritului Dianei de Poitiers, iar în 1548 a fost numit arhitect regal. Delorme a adăugat o capelă la palatul Anya - un nou tip de clădire în arhitectura franceză - a cărei cupolă a devenit perla arhitecturii renascentiste a Franței. În anii 1550, arhitectul a proiectat Galeria Henric al II-lea de la Fontainebleau și mormântul lui Francisc I la Saint-Denis . În 1563 a început reconstrucția Palatului Tuileries . Din patrimoniul arhitectural de la Delorme, doar o parte din castelul de la Anet a supraviețuit până în zilele noastre [53] [54] .
Oarecum la umbră, în comparație cu Delorme, era figura lui Jean Bulland. Lucrarea sa asupra celor cinci ordine de coloane conform lui Vitruvius a fost mult mai modestă, la fel ca și clădirile sale: Chatelet din Chantilly , galeria viaductului acum dărăpănată din Fer-en-Tardenois și portalurile din castelul Ekuan . Aspirând să abordeze monumentalitatea Romei antice în opera sa, Bulland s-a depărtat de contemporanii săi-arhitecți și, în general, de toți arhitecții Franței din secolul al XVI-lea și prima jumătate a secolului al XVII-lea. Arhitectul a împrumutat o comandă din antichitate, a încercat să reînvie porticul roman, să reproducă formele puternice ale apeductelor romane și ale coloanelor memoriale, să ofere o nouă viață schemei arcului de triumf , schimbându-l aproape dincolo de recunoaștere și folosind-o pentru o logie. Indicativ în acest sens au fost unul dintre portalurile și o loggia din castelul Montmorency din Ecouane. Opera lui Bulland a fost caracterizată printr-o juxtapunere spectaculoasă, dar riscantă, de formă și scară, reflectând imaturitatea arhitecturii franceze a vremii, exprimată în încercări naive de a combina clasicii și tradițiile naționale. Această abordare a fost exprimată într-o combinație disonantă a ordinii romane și a arcului clasic cu ferestre franceze, acoperișuri, lucarne, arcade ghemuite și așa mai departe [55] .
Figura lui Pierre Lesko, creatorul clădirii originale a Luvru, este considerată ambiguă. Fiind un curtean strălucit, a primit o educație generală și specială temeinică, dar unii cercetători credeau că prietenul său, sculptorul Jean Goujon , a fost adevăratul autor al lucrărilor care i-au fost atribuite . La mijlocul secolului al XVI-lea a început construcția Palatului regal Luvru , inițial o clădire mică, legată ulterior de Palatul Tuileries situat la vest de acesta și devenind un ansamblu imens. Pierre Lescaut a proiectat palatul cu Goujon. Luvru timpuriu a devenit una dintre cele mai remarcabile lucrări ale Renașterii franceze mature. Atenția principală a arhitectului a fost atrasă de exteriorul clădirii: decorul de ordine al fațadei a fost aliniat cu structura sa volumetrică, numărul de etaje și distribuția deschiderilor exterioare. Primul și al doilea etaj din față au fost decorate cu ordine rafinate și elegante: corintic și compozit; mansarda este o variație a ordinului corintic cu pilaștri scurtați, capiteluri simplificate și un antablament. Deși multe caracteristici ale Palatului Luvru au fost împrumutate din arhitectura italiană, în general a devenit o lucrare a Renașterii franceze, cu o identitate națională pronunțată - un aspect elegant, nu strict al fațadei și o compoziție ascendentă. Pe lângă munca de la Luvru, Lescaut și Goujon au creat Fântâna Inocenților și Hotelul Carnavalet , reconstruite ulterior de François Mansart [56] .
Jacques Androuet Ducerceau Sr. a devenit celebru nu atât pentru activitățile sale de arhitectură, cât pentru publicațiile sale pe tema arhitecturii - o serie de gravuri de tot felul de detalii arhitecturale, ornamente, structuri întregi. A reprodus mostre italiene și franceze, a împrumutat mostre din copitele altora, prelucrându-le parțial, dar cele mai multe erau lucrări proprii. Opera principală a lui Ducerceau este Cele mai frumoase clădiri din Franța (1576-1579). Activitățile lui Ducerceau au avut un impact uriaș asupra arhitecturii franceze. După Ducerceau au rămas multe proiecte originale, dar nerealizate, în care s-a simțit dinamica prebaroc a formelor arhitecturale [57] [58] .
De la mijlocul secolului al XVI-lea, arhitectura renascentista a devenit din ce in ce mai raspandita in cladirile rezidentiale. Două variante modeste de case de oraș renascentiste supraviețuiesc în Orléans : așa-numita Casa Cochiliei și Casa lui Jean d'Alibert. În prelucrarea decorativă a clădirilor, ordinea pilastrului a fost motivul principal, iar ornamentul sculptural avea un caracter baroc. Construcția orașului cu semi-cherestea a fost atrasă treptat în sfera de influență a Renașterii. Cadrul din lemn cu grilă dreptunghiulară a devenit un element structural natural pentru amplasarea sculpturilor care imita pilaștrii și curelele decorative ale clădirilor renascentiste din piatră în stilul Francisc I. Un exemplu tipic a fost fațada din curte a Hotel de la Mousse din Rennes . . Asemănări ale comenzilor s-au răspândit pe fațadele caselor sărace cu cherestea din orașul breton Saint-Brieuc . Reprelucrarea rafinată a casei gotice de lemn în stil renascentist s-a manifestat în fațadele așa-numitei case a lui Diane de Poitiers (Hotel Cabut) din Orléans [59] .
Trăsăturile arhitecturii renascentiste s-au manifestat cel mai pe deplin în centrul Franței și, deși unificarea politică a țării a contribuit la nașterea unei singure culturi naționale, școlile locale au continuat să existe: arhitectura Normandiei a fost mai severă decât cea a Burgundiei; în Lorena s-a manifestat mai multă influență italiană; în sudul Franței, a apărut o versiune ciudată de decorare bogată, inspirată de monumentele antice din Provence și Languedoc [58] . O serie de monumente notabile de arhitectură rezidențială au fost create la Toulouse de către arhitectul provincial Nicolas Bachelier . Tatăl său era originar din Italia, elev al lui Brunellesco; el însuşi a lucrat şi în Italia sub Michelangelo . În Toulouse, Bachelier este creditat cu aproape toate clădirile semnificative ale Renașterii. Una dintre lucrările sale cele mai izbitoare a fost hotelul negustorilor din Toulouse Asses. Fațadele clădirii au fost prelucrate cu trei niveluri de arcade de ordine falsă, în timp ce așa-numitul „motiv Palladio” a fost folosit la etajul trei. În ciuda italianismului fațadelor, ele aveau o notă de stil francez particular al acelei perioade (o contradicție între forma ferestrelor și arcadelor, eterogenitatea părților, o combinație de forme renascentiste, gotice și baroc timpurii, o combinație de piatră și cărămidă) [42] .
1560-1589. Domnia lui Carol al IX-lea și a lui Henric al III-lea. Războaie religioase.În ultimii patruzeci de ani ai secolului al XVI-lea, toate realizările lui Francisc I și Henric al II-lea au fost practic pierdute. Sistemul autocratic centralizat de guvernare construit de monarhi a fost zdruncinat în timpul războaielor civile și religioase care au sfâșiat Franța în timpul domniei celor trei fii ai lui Henric al II-lea - Francisc al II -lea (1559-1560), Carol al IX-lea (1560-1574) și Henric . III (1574-1589) . Ceea ce a început ca o dispută religioasă între reformatorii hughenoți și catolici s-a transformat rapid într-o confruntare politică între familiile nobile aristocratice care au văzut o oportunitate de a recâștiga influența politică pierdută în prima jumătate a secolului al XVI-lea. Ambele părți ale conflictului au considerat perioada domniei lui Clovis I „epoca de aur” a Franței, visând la restaurarea monarhiei patrimoniale , în care domnitorul era supus deciziilor nobilimii tribale și ale celui mai înalt cler. Atmosfera tensionată a vieții spirituale din Europa la acea vreme - răspândirea violenței ( Noaptea Sfântului Bartolomeu ), reacția catolică, înmulțirea curților tiranice în Italia - totul mergea împotriva ideilor umaniștilor despre libertatea gândirii și măreția. omului. Arta Franței din această perioadă reflecta tensiunea și conflictul epocii. Simplitatea și claritatea raționalismului și clasicismului, care dominaseră deceniile precedente, au fost renunțate în favoarea complexității și complexității direcției artistice progresive - manierism [60] [61] .
Moartea neașteptată a lui Henric al II-lea la un turneu festiv din 1559 a devenit un punct de cotitură în Renașterea franceză, servind drept catalizator pentru schimbări în toate sferele vieții - nu numai socio-politice, ci și culturale. Arhitectura nu a făcut excepție. Carol al IX-lea, care a urcat pe tron în 1560, a încercat să continue cursul care vizează întărirea puterii regale, dar situația politică internă nu era propice unor asemenea aspirații. Dinastia Valois nu a mai putut juca rolul de arbitru în lupta dintre catolici și protestanți. Apoi, ambițiile monarhului au fost transferate în sfera construcției: familia regală a inițiat și promovat o tendință specială în arhitectura Renașterii târzii, care s-a remarcat printr-o scară fără precedent a lucrărilor de construcție și s-a dovedit a fi cea mai apropiată de normele și principiile estetice ale manierismului. Ansamblurile Tuileries și Chenonson ale lui Catherine de Medici , Charleval Charles al IX-lea sunt printre cele mai ambițioase întreprinderi ale regilor francezi din secolul al XVI-lea, dar construcția lor a rămas în principal în stadiul de proiect. Cronometrate pentru a coincide cu evenimente politice importante care vizează întărirea puterii regale, noile ansambluri de reședințe sunt cunoscute astăzi doar din gravurile celui de-al doilea volum din Cele mai frumoase clădiri din Franța (1579), care provoacă multe dezbateri cu privire la gradul de autenticitate a acestora. [62] .
Arhitectura franceză în timpul războaielor de religie a fost dominată de doi arhitecți, Jean Bulland și Jacques Androuet Ducerceau Sr., a căror activitate la acea vreme era foarte diferită [63] .
Aproape nimic nu se știe despre opera lui Jean Bulland din anii 1560. Aparent, arhitectul a căzut în disgrație după moartea lui Henric al II-lea, acesta fiind hughenot. Cu toate acestea, după moartea lui Delorme în 1570, Bullan a fost invitat ca arhitect al curții al Ecaterinei de Medici și toată munca sa ulterioară a fost asociată cu ordinul Reginei Mame. În 1572, arhitectul a proiectat un palat pentru regină, cunoscut sub numele de Mansion de Soissons (distrus în 1748). Singurul lucru care a supraviețuit din complex a fost Coloana înaltă Medici, care a fost folosită ca punte de observație de către Catherine de Medici și se află acum în spatele clădirii Bursei de Valori (1889). În ultimii ani ai vieții sale, Bullan a dezvoltat două proiecte majore de construcție pentru Regina Mamă, care au fost parțial realizate. Între 1575 și 1579, Medici a comandat unui arhitect să extindă castelul Sainte-Maur, a cărui primă versiune a fost proiectată de Delorme. Proiectul, cunoscut din gravuri, a presupus construirea unui uriaș fronton grotesc din lateralul fațadei frontale, amplasat pe nouă travee ale loggiei și reflecta dorința arhitectului de monumentalitate, care crescuse de-a lungul anilor [64] .
Dorința Ecaterinei de Medici de a construi nu a fost satisfăcută de construcția conacului Soissons. În 1576, regina a decis să reconstruiască palatul Chenonceau, pe care Diane de Poitiers , favorita defunctului Henric al II-lea, a fost nevoită să-l cedeze. Se presupune că Bullan a fost implicat și în restructurarea palatului. Caterina de Medici, care iubea balurile, muzica, spectacolele de teatru, i-a atribuit noului Chenonceau rolul unei vile rurale de plăcere, în timp ce dimensiunea construcției depășea nivelul unei locuințe obișnuite, reflectând ambițiile Reginei Mame și ideile ei despre cum Arhitectura „regale” ar trebui să arate ca. Planul lui Chenonceau conform proiectului din 1576 era unic pentru arhitectura franceză a secolului al XVI-lea: alcătuirea ansamblului era o singură axă centrală care mergea la castel la începutul secolului, trecând prin curtea-esplanada trapezoidală din față și curtea ovală situată în spatele ei, formată din colonade arcuite. Pe partea opusă a castelului, axul a continuat cu celebrul pod-galerie peste râul Cher. Dintre toate planurile au fost construite doar partea de vest a curții-esplanade și galeria de pe pod. Acesta din urmă, prin design, semăna cu un pod din Fer-en-Tardenois, iar prelucrarea decorativă a nivelului superior a demonstrat deja noi tendințe în manierism. Frontoanele ferestrelor din al doilea nivel și panourile din spațiile dintre ferestre formau un singur sistem vertical, care amintește de împărțirea verticală a fațadelor din castelul Chantilly. În interiorul palatului s-au păstrat două șeminee care, ca și fațadele galeriei, au combinat o structură complexă și bogate detalii clasiciste de decor, îndrăgite de Bullan. În general, proiectul Chenonceau a reprodus multe dintre formele și schemele arhitecturale familiare vilelor și palatelor romane și florentine: esplanada trapezoidală urca în curtea din față a Palazzo Farnese din Caprarola; portice arcuate cu coloane care înconjoară piața ovală - până la prototipurile romane (curtea inferioară a Palatului Belvedere, Villa Madama și Villa d'Este din Tivoli) [65] [66] .
Jacques Androuet Ducerceau a fost angajat de Carol al IX-lea în anii 1570 și s-a bucurat de favoarea Ecaterinei de Medici. Se presupune că în timpul pregătirii publicației „Cele mai frumoase clădiri din Franța”, arhitectul a realizat două palate mari - Verneuil și Charleval [K 2] . Pierdut astăzi, Verneuil a fost fondat în 1565 pentru Philippe de Boulainvilliers. În 1568, palatul a devenit proprietatea ducelui de Nemours, dar construcția a fost finalizată abia în timpul domniei lui Henric al IV-lea , care a oferit castelul lui Catherine Verneuil în 1600. O lucrare mai remarcabilă a fost proiectul Charleval, deși în practică constructorii au ridicat doar doi metri de ziduri și lucrările au fost oprite. Planul ansamblului palatului avea o compoziție regulată clară, cu o axă centrală care trecea prin curtea din față, castelul și parcul. Principiul „zăbrelei” care a predominat în construcție a fost unul dintre motivele pentru care Charleval este adesea comparat cu contemporanul său mai vechi, Escorial (1563-1584). Natura prelucrării fațadelor propuse, cercetătorii au studiat-o conform schițelor supraviețuitoare ale lui Ducerceau, dintre care doar fațada interioară a curții inferioare a fost prezentată integral. Pe baza schițelor, a devenit clar că fațada reședinței, precum și în Tuileries, trebuia să aibă un aspect luxos și pompos [68] [69] .
Un monument de arhitectură major din anii 80 ai secolului al XVI-lea a fost conacul Angouleme din Paris, cunoscut mai târziu sub numele de conacul Lamoignon (1585-1589), construit pentru Diane de Chatellerault . Arhitectul clădirii nu a fost identificat. Se presupune că, Baptiste Androuet Ducerso, fiul cel mare al lui Jacques Androuet Ducerceau, a devenit autorul proiectului. Din punct de vedere stilistic, clădirea semăna mai mult cu lucrarea lui Bulland decât a lui Ducerceau Sr., în special datorită utilizării unui ordin mare de pilaștri și lucarne tăiate în antablament. Conacul rămâne una dintre cele mai bine conservate clădiri urbane din Franța de la sfârșitul secolului al XVI-lea [70] .
porti
Rustic
Casa Maillard
portal de intrare
Arhitectura provincială a Franței în timpul războaielor religioase, ca și înainte, a fost influențată de arhitectura capitalei, dar cu trăsături locale. În nord-estul țării a existat o puternică influență flamandă: exemple caracteristice sunt aripa adăugată de Tesson primăriei din Arras în 1572 și Sala Bătrânilor din Lille, construită. de Faye în 1593. În general, arhitecții de provincie de la acea vreme erau pasionați de decorarea fastuoasă a fațadelor, în special cu ajutorul rusticității și al reliefurilor. Un exemplu tipic a fost castelul Pailli din Haute Mare , a cărui autoritate este de obicei atribuită lui Nicolas Ribonnier din Langres . Decorativismul a atins o expresivitate deosebită în Burgundia în lucrările lui Hugues Samben și școala sa. Cel mai faimos exemplu a fost casa lui Maillard din Dijon (1561), a cărei arhitectură a demonstrat măiestria folosirii libere a sculpturii bizare pe o mică fațadă. Stăpânirea rusticismului a culminat cu așa-numitul Castel Mic de la Tan , parter era împodobit cu pietre cu modele dantelate neobișnuite [71]
La începutul secolelor XVI-XVII, istoria arhitecturii renascentiste franceze s-a încheiat în ansamblu, deși în anii 1600 încă se creau monumente arhitecturale originale: fațada clădirii Primăriei din La Rochelle (1607), aspectul noua Place Royale (azi - Place des Vosges). Cu toate acestea, arhitectura franceză a stăpânit deja perfect tehnicile Renașterii italiene și ale barocului timpuriu și a pornit pe o cale independentă de dezvoltare [42] .
În secolul al XVII-lea, arhitectura țării s-a dezvoltat pe o traiectorie proprie, reelaborând formele arhitecturale ale Renașterii, mergând spre realizarea unei sinteze locale de clasici și tradiții naționale. Această sinteză a fost dezvoltată în arhitectura clasicismului francez, care a ocupat un loc semnificativ în arhitectura europeană a secolelor XVII-XVIII [42] .
Dispunerea conacului lui Jacques Coeur
Dispunerea castelului din Amboise
În perioada de tranziție a celei de-a doua jumătate a secolului al XV-lea în arhitectura Franței, nici planul, nici aspectul general al clădirilor nu mărturiseau încă împrumuturi din Renașterea italiană. Nimic din amenajare nu semăna încă cu enfilade italiene: s-a acordat o atenție deosebită facilităților casnice mici, spre deosebire de disprețul italian pentru tot ceea ce nu era legat de reprezentativitate. Corpurile de serviciu din Franța erau clar delimitate și găzduite în clădiri separate conectate prin alei și scări, care erau amplasate fără nicio regularitate sau simetrie [72] . Caracteristică în acest plan a fost casa lui Jacques Coeur, al cărei aspect a fost construit pe principiile îndeplinirii cerințelor vieții proprietarului. Formele și dimensiunile spațiilor - sufragerie, camere din față, biserici, galerii, bucătării - au fost diferențiate în funcție de destinația lor. În general, planul conacului a fost departe de a fi o regularitate și simetrie strictă din cauza formei neregulate a sitului și a clădirilor conservate anterior. Castelul Amboise s-a remarcat printr-o grupare liberă dispersată de elemente, a cărei dispoziție se supune formei unui mic platou abrupt [73] .
În prima jumătate a secolului al XVI-lea s-au dezvoltat două tipuri de planificare a castelurilor și hotelurilor, care erau legate prin rădăcinile lor de gotic. Primul tip - cu prezența unei curți dreptunghiulare, construită pe trei laturi cu clădiri rezidențiale, iar pe a patra latură - cu un gard de piatră cu portaluri de mari dimensiuni. Corpul sediului principal era situat adânc în curte și era adesea mai înalt decât aripile laterale. Al doilea tip - cu o curte dreptunghiulară închisă, înconjurată de patru clădiri, cu pavilioane dreptunghiulare mai înalte în colțuri [4] .
Tradiția franceză a amenajării spațiilor a avut o influență decisivă asupra amenajării castelelor-palate renascentiste. Un plan tipic era sub forma unui patrulater, în care erau grupate săli mari de recepție, iar pavilioanele erau amplasate la colțuri, în timp ce fiecare pavilion era un apartament separat cu scări și ieșiri proprii. Un astfel de aspect a fost asociat cu tradiția unei atitudini delicate față de oaspeți (a fost observată până în secolul al XVII-lea). Apartamentele proprietarului nu erau diferite de camerele de oaspeți: toate cele patru pavilioane de colț erau exact la fel (de exemplu, în castelele din La Muette, Chaluo, Madrid) [74] .
Dorința de planificare regulată s-a manifestat în timpul primei Renașteri franceze. Exemple tipice au fost castelele din Madrid, Chenonceau și Azay-le-Rideau. În castelul de la Madrid, o trăsătură nouă, importantă pentru Franța a fost planul sub forma unui singur bloc, fără curte închisă, deși cu un șanț exterior tradițional. Chenonceau avea un plan compact dictat de trăsăturile reliefului, iar în loc de mai multe volume grupate în jurul curții, era o singură clădire pătrată, devenită un cuvânt nou în arhitectură [33] [38] .
Evoluția tehnicii de proiectare a Renașterii franceze a dus la apariția unui aspect în care, în loc de o matrice centrală cu patru pavilioane de colț, au apărut patru pavilioane, conectate prin patru clădiri care înconjoară curtea centrală. Unul dintre primele castele construite conform acestui plan a fost Ekuan. Mai târziu, după același plan, au fost construite Castelul Luvru, Saint-Maure, Tuileries, mai târziu Luxemburg și mult mai devreme Chambord. Pentru ansamblul grandios al acestuia din urmă s-a ales un plan strict simetric al unui castel de câmpie, asemănător cu planul castelului Vincennes construit sub Carol al V-lea. Patru clădiri erau amplasate în jurul unei curți dreptunghiulare și erau completate de turnuri rotunde în colțuri. Armonia și simetria aproape matematică a aspectului castelului i-au condus pe cercetători la ideea existenței unui proiect de construcție arhitecturală, care nu a fost observată anterior în arhitectura franceză [74] [75] .
Amenajarea bogatei locuințe de oraș a continuat tradițiile din Evul Mediu: curtea era încadrată de o clădire de locuit, situată în adâncul curții și al serviciilor; o aripă joasă, cu un acoperiș plat, trecea de obicei de-a lungul fațadei, ceea ce nu bloca vederea asupra clădirii principale. Un astfel de plan avea complexul original al Palatului Carnavale [76] .
Planurile Renașterii franceze au început să se complice de la mijlocul secolului al XVI-lea, în practica unei galaxii de tineri arhitecți. Noua abordare a fost caracteristică lui Philibert Delorme. Castelul Ane construit de el a fost un nou tip de ansamblu conac, complex în planificare, dar integral în proiectarea arhitecturală și artistică: pe lângă clădirile situate în jurul curții din față, planul ansamblului includea încă două curți laterale și un mare. gradina de flori in spate. Întreaga compoziție era înconjurată de un șanț. Planul Palatului Tuileries s-a remarcat prin diversitatea părților și în același timp unitatea întregului. O trăsătură caracteristică a acelei vremuri era absența coridoarelor de legătură: majoritatea sălilor erau treceri și aveau intrări independente din galerii. Amenajarea Tuileriesului în ansamblu a fost supusă simetriei formale, și nu necesității practice: rolul principal a fost jucat de latura ostentativă a vieții palatului [77] .
Până la începutul Renașterii, practica de construcție în Franța a atins deja un nivel ridicat de dezvoltare și țara nu era un student al Italiei în acest sens. Constructorii francezi au împrumutat forme stilistice, forțați să abandoneze elementele structurale ale goticului, dar în același timp au aderat ferm la unele tradiții naționale și au rezolvat o serie de probleme constructive în felul lor: au preferat coloanele pliate și buiandrugurile plate coloanelor monolitice și arhitrave ; ramele ferestrelor și deschiderilor au fost proiectate pentru a se potrivi cu peretele; multă vreme s-au păstrat cruci de piatră ale ferestrelor, scări în spirală, acoperișuri înalte cu lucarne și coșuri înalte. Astfel, din punct de vedere al formei, monumentele Renașterii franceze s-au apropiat de prototipurile italiene, dar metodele de construcție din Franța și Italia au diferit puternic una de alta [78] [79] .
În secolul al XVI-lea, tipul de arhitect francez s-a schimbat dramatic. În secolul al XV-lea și în primele decenii ale secolului al XVI-lea, clădirile au fost ridicate de către maeștri antreprenori care stăpâneau meșteșugul, dar construite în vechile tradiții. La cererea clienților, aceștia au început să schimbe detaliile decorative și formele arhitecturale gotice în cele renascentiste și antice. Când stăpâneau forme noi, ei manifestau într-o măsură mai mare sau mai mică „provincialismul și absența unei perspective artistice largi”. Abia din anii 1540 au apărut în Franța arhitecți educați în sensul modern al cuvântului, care cunoșteau bine moștenirea antică și arhitectura italiană contemporană. Ei și-au asumat un rol de lider în proiectare și construcție. Maeștri antreprenori s-au mutat în categoria organizatorilor și executanților tehnici [80] .
Cea mai tipică caracteristică italiană în construcția clădirilor renascentiste franceze a fost combinația dintre cărămidă și piatră. Cărămida, căzută în desuetudine în Evul Mediu, a început să fie folosită din nou în secolul al XV-lea, la primul contact cu arhitectura Italiei. În Franța, s-a dezvoltat o combinație caracteristică de cărămidă și piatră cioplită, în timp ce cele mai importante detalii structurale și decorative erau de obicei realizate din piatră: colțuri, deschideri de încadrare și așa mai departe. Cărămida a fost folosită în principal pentru umplerea pereților. Părți ale castelului de Blois din epoca Ludovic al XII-lea au fost construite din cărămidă cu ornamente din piatră, la fel ca majoritatea palazelor italiene. În Saint-Germain și La Muette, dimpotrivă, pereții construiți din piatră fină de grohotiș erau decorați cu brâuri decorative de cărămidă [79] [81] .
Piatra, reprezentată în Franța de calcare fine, un material preferat în perioada arhitecturii gotice, a fost folosită pe scară largă în anii următori. Angajamentul arhitecților francezi față de lucrările virtuoase ale pietrei, utilizarea proprietăților plastice excepționale ale calcarului francez - rezistența, granulația fină și ductilitatea acestuia la prelucrarea sculpturală - este o trăsătură caracteristică a Renașterii franceze [81] .
Marmura a jucat un rol minor în arhitectură, deoarece rezervele sale din Franța erau sărace. Uneori era adus din Italia [82] .
Lemnul în perioada secolelor XV - începutul XVII-lea a servit ca material de construcție pentru căsuțele orășenești din zonele în care erau distribuite case cu cherestea [78] .
Dacă în Franța s-au folosit aceleași materiale de construcție ca în Italia, atunci nu a existat nicio asemănare în ceea ce privește tehnicile de construcție. Tehnica caracteristică Italiei, în care masa principală a clădirii a fost ridicată în zidărie brută, iar apoi a fost deja completată, arhitravele deschiderilor, rafturile sau cornișele au fost întărite, a lipsit în arhitectura franceză. Pentru școala franceză de construcții, crescută de maeștri medievali, utilizarea decorațiunilor independente de design era inacceptabilă. Dacă arhitecții francezi nu au realizat cadrul din același material ca umplutura, ei au considerat necesară legarea materialelor într-un întreg cu restul elementelor structurale (folosind shtrab ). În Franța, așezarea în praștie a fost întotdeauna folosită [83] .
În Evul Mediu se folosea doar așezarea pietrelor, cioplite complet atât din față, cât și din lateral ale paturilor sau cusăturilor verticale. Sculptura gotică nu a fost niciodată sculptată pe o piatră deja pusă. Practica tăierii pietrelor după așezare a fost o tradiție pur romană și a supraviețuit doar în Italia, unde a fost necesar să se împodobească flutele coloanelor care continuau de la un pat la altul, frize cu model continuu sau basoreliefuri mari în întregul domeniu. de pe perete. În consecință, această practică a pătruns în arhitectura Franței, alături de detaliile care au dus la folosirea ei, și s-a răspândit extrem de lent în arhitectura franceză [84] .
Pe toată perioada domniei lui Ludovic al XII-lea, tradiția gotică și-a păstrat primatul: aproape întotdeauna ornamentul a fost inclus extrem de precis în cadrul unei singure pietre, care a mărturisit execuția sa înainte de așezarea zidurilor. Primul dintre monumentele de arhitectură din vremea lui Francisc I a fost construit și cu un proiect preliminar din pietre. Această caracteristică a conferit clădirilor Renașterii timpurii o asemănare cu arhitectura gotică [84] .
În timp ce în arhitectura italiană bolta cu nervuri a fost abandonată, în Franța acest tip de construcție cu arc a continuat să existe până la mijlocul secolului al XVI-lea. Toate bolțile din Blois și Saint-Germain au fost construite după modelul gotic, „în mod francez”, după cum scria Philibert Delorme. Singura inovație a fost folosirea cărămizilor pentru a umple decaparea [84] .
Abordarea construcției arcului s-a schimbat abia în epoca lui Philibert Delorme: arhitecții au început să aleagă în mod arbitrar o formă mai mult sau mai puțin complexă a bolții și, în consecință, diverse tipuri de zidărie [84] .
Bolți cu nervuri în conacul lui Jacques Coeur
Boltile cu nervuri ale capelei castelului Chenonceau
Boltă cu nervuri în castelul Saint-Germain. Renașterea franceză timpurie
Bolți în castelul Valence
Bolțile casetate ale scărilor de la Chateau Azay-le-Rideau
Bolți cilindrice și semicupolă ale capelei castelului Ane
Bolta capelei la Annecy-le-Franc
Zidurile cu semi-cherestea, folosite în clădirile private franceze și practic necunoscute în Italia, au continuat să fie construite după tradiția Evului Mediu, doar ornamentul s-a schimbat [85] .
Structurile acoperișurilor din lemn nu numai că au repetat abruptul pantelor acoperișurilor gotice, dar au început să fie construite mult mai consistent decât în secolul al XV-lea, după un sistem de căpriori fără pufături. Singura formă nouă a fost acoperișul convex, al cărui schelet era alcătuit din cercuri gemene, unite din scânduri groase, așezate pe margine și legate prin șuruburi. Acest tip de acoperiș a fost inventat în Franța de Philibert Delorme [85] .
Jgheaburile, comune în Evul Mediu, practic nu au fost folosite în perioada Renașterii: au putut fi găsite în vechiul Luvru, în castelul Pailli și în unele monumente de mai târziu. De obicei, țiglele exterioare ale acoperișului ieșeau dincolo de streașină, dând o scurgere directă apei de ploaie [85] .
Motivele ornamentale și elementele decorative de origine italiană, necaracteristice Franței, au ajuns în arhitectura și sculptura țării abia la începutul secolului al XVI-lea, după campaniile italiene ale lui Carol al VIII-lea și Ludovic al XII-lea. Utilizarea și dezvoltarea formelor renascentiste au decurs destul de lent, ceea ce este considerat o trăsătură caracteristică a Renașterii franceze: caracterul medieval al artei țării „a supraviețuit”, eliberându-se treptat de dominația goticului și reținând doar elementele artei gotice. care corespundea noii ere [86] [87] .
Unele forme decorative de origine italiană au apărut în arta Franței în ultimii ani ai domniei lui Ludovic al XI-lea și în perioada domniei lui Carol al VIII-lea, în timp ce erau mai mult sculpturale decât arhitecturale: mormântul lui Carol de Anjou din Catedrala din Le Mans (1475), Sfântul Mormânt din Abația Solem și în caracteristicile Capelei Saint-Lazer din Catedrala din Marsilia (1480), creat de italianul Francesco Laurana , invitat printre alți artiști italieni la curtea lui René cel Bun în Provence . Cu toate acestea, activitățile acestor artiști nu au avut o influență puternică asupra culturii franceze, întrucât Provence la acea vreme era departe de principalele centre artistice ale țării [88] [89] .
O contribuție mai mare la răspândirea formelor decorative italiene au avut-o gravurile și cărțile ilustrate aduse în Franța la sfârșitul secolului al XV-lea. Potrivit acestora, gravorii și editorii francezi s-au familiarizat cu tehnicile decorative italiene și au început să le reproducă în lucrările lor. Cartea „Terence of Lyon” (1493) conținea încercări încă inepte de a înfățișa putti , cornucopia , nișă-cochilii din epoca Quattrocento , totuși, în „Orele romane” publicate în 1502 la Paris, ilustrațiile decorului italian au fost realizate la un nivel superior, deși erau combinate cu elemente gotice. Ediția Istoriei Parisului (1512) a arătat că până atunci decorul italian fusese deja bine studiat și reprodus cu pricepere în ilustrații și gravuri, cel puțin în gravuri în lemn [90] .
În perioada Primei Renașteri franceze, în timpul domniei lui Ludovic al XII-lea, în arhitectură apar pentru prima dată motive împrumutate din ordinea clasică, elementul principal al decorului renascentist [91] .
Utilizarea mandatului în Franța a început la începutul secolelor XV-XVI. Constructorii francezi la început timid, iar apoi din ce în ce mai încrezători au combinat sistemul de ordine reînviat de maeștrii italieni și structurile tradiționale gotice. Pentru ei, arta renascentista a actionat doar ca un alt sistem decorativ, pe care l-au „probat” de buna voie pe ziduri de cetati, turnuri, portaluri si bolti gotice [92] . Dezvoltarea sistemului de ordine în arhitectura franceză este împărțită în mai multe etape [93] :
Cronologic, lanțul de idei asociat cu utilizarea tot mai consecventă a comenzilor în Franța a fost reflectat în lucrarea „Istoria arhitecturii” a lui Auguste Choisy . Ilustrația ( Fig. 1 ) prezintă schițe ale fragmentelor de fațade cu pilaștri a două clădiri din Orleans în timpul Renașterii [85] :
Pe faţada A a atras atenţia aspectul neobişnuit al antablamentului cu o înălţime excesivă a frizei ( f ) şi o înălţime mică a cornişei care îl încoronează ( c ) . O astfel de compoziție s-a explicat prin aderarea arhitecților francezi la tradiția medievală: fiecare element trebuia să aibă propriul său sens și scop. Pentru arhitectul care a creat antablamentul ( ac ), nivelul inferior al arhitravei era egal cu podeaua; friză - peretele pervazului ferestrei; streașină - o centură de pervaz. Sistemul de decor în acest caz a fost legat de structura clădirii, care a servit ca o denaturare a proporțiilor clasice. În Italia, astfel de distorsiuni au fost permise numai la începutul Renașterii și numai într-un caz - în arcada de pe coloane. În Franța, această abordare a devenit regula [94] .
Treptat, sub influența arhitecturii italiene, s-a dezvoltat simțul proporțiilor modulare, arhitecții au început să refuze să lege liniile antablamentului și elementele structurale, dar s-a păstrat tradiția interpretării cornișei ca pe un pervaz [95] .
Pe fațada B, arhitectul a reușit să evite o friză mărită nefiresc, dar decalajul dintre cornișă ( m ) și buiandrugul de deasupra ferestrei ( R ) era egal cu întreaga grosime a pardoselii și înălțimea pervazului. Drept urmare, deasupra ferestrei a rămas o suprafață netedă, nejustificată din exterior, dar umplută cu cartușe elegante, care au netezit erorile de proiectare [95] .
A doua imagine a indicat exemplele anterioare, dar fără detalii decorative ( Fig. 2 ). În desenul A a fost prezentată o friză - un pervaz ( f ); pe desenul B - o suprafață netedă ( V ) între fereastră ( R ) și antablament. Desenul L arată că mai târziu în arhitectura franceză s-a încercat armonizarea proporțiilor de ordine și elementelor structurale prin plasarea unui stilobat ( S ) între etaje, corespunzător în înălțime peretelui pervazului ferestrei. Adăugarea unui nou element la comandă a făcut necesară creșterea excesivă a înălțimii podelei, așa că această tehnică a fost folosită numai în clădiri monumentale, de exemplu, la Luvru. Antablamentul ca pervaz a existat până în Renașterea târzie. Desenul T arăta un astfel de antablament pe terasa Tuileriesului, unde acţiona ca un balcon [96] .
Coloana, pilastruOrnamentele și profilele sculpturale ale ordinelor din timpul Primei Renașteri franceze s-au caracterizat prin percepția generală a ordinii în arhitectura franceză în acea perioadă. Acesta din urmă s-a caracterizat prin: neatenție la proporțiile antice, păstrând în același timp un aspect general italian; lejeritatea și subtilitatea prelucrării decorative au exprimat caracterul său francez. Pilastrul folosit în această perioadă era decorat cu borduri și profiluri în formă de romb (de exemplu, în castelul Chambord). Capitala în perioada timpurie a fost decorată cu ordinul corintian , dar au fost permise numeroase variații. Aceasta a resimțit din nou influența artei gotice, care nu a permis crearea de capitale repetate. Uniformitatea a fost introdusă doar atunci când capitala a căpătat un aspect complet clasic. Pe parcursul întregii Renașteri timpurii, fiecare etaj a fost prelucrat de o mică comandă (printre rarele excepții se numără corvașele lui Ekuan și poarta din castelul La Tour d'Aigues). Primele clădiri decorate cu pilaștri de ordine mare au apărut abia în a doua jumătate a secolului al XVI-lea [97] .
Ordinul doric a apărut în Franța în timpul domniei lui Henric al II-lea în arhitectura Annecy-le-Franc, Fontainebleau și Écoin; Ionic - în lucrările lui Philibert Delorme în Tuileries. Delorme a devenit autorul unei alte inovații - așa-numita comandă „franceză” („comandă cu tobă”). Privați de capacitatea de a sculpta o coloană sau un pilastru dintr-un bloc monolitic (o astfel de oportunitate a existat doar în Italia, bogată în rezerve de marmură), arhitecții francezi au folosit mai multe blocuri stivuite. Pentru a masca cusăturile, Delorme a venit cu ideea de a acoperi spațiul de îmbinare cu inele cu ornamente. Pentru prima dată, arhitectul a aplicat o nouă ordine în capela parcului Villers-Cotret; în anii 1560 – în Tuileries. Pierre Chambige a folosit același tip de zidărie columnară în aripa Luvru, care servește drept bază pentru galeria Apollo . Delorme a inventat și ordinul ionic „francez” pentru Catherine de Medici, folosindu-l pe fațadele aripii de vest a Tuileries. Ordinea se distingea prin libertatea și fantezia caracteristice manierismului (la vremea aceea, ordinul tradițional ionic vitruvian părea a fi insuficient de elegant) [98] [99] [100] .
În perioada Renașterii târzii, o tehnică comună a fost înlocuirea coloanelor și pilaștrilor de ordine cu una dintre formele de suport vertical - cariatide sau herme . Patru hermi uriași, înfățișând zei romani, au fost plasați de Jean Bulland în fațada din față a proiectului de reconstrucție a castelului Chenonceau. Herma, cu figura încoronată a lui Hercule, a fost prezentă într-una dintre schițele lui Charleval [101] .
DAR
B
LA
G
D
E
Eu
ȘI
Z
Și
Y
La
L
M
H
Ilustrația ( Fig. 4 ) prezintă în secțiune câteva exemple de antablament și centuri ale Renașterii franceze [98] :
Profilele au început să fie împrumutate din ordinele clasice începând cu domnia lui Francisc I. Toate aveau tipul corintian ca prototip, dar se deosebeau printr-o trăsătură care nu se regăsea în exemple nici în eșantioane antice, nici în italiene - în toate clădirile de dinainte. 1540, suprafața inferioară a cornișei ( n în desenul C ) a rămas plată [102] .
Odată cu începutul utilizării cornișei clasice de către arhitecții francezi, picuratorul a dispărut din ea, ceea ce a fost o trăsătură caracteristică a Renașterii franceze timpurii. Funcția tehnică a picurarii a fost de a deturna apa de ploaie de la suprafața pereților; s-ar putea să fi fost redundantă pentru o cornișă de încoronare acoperită de marginea unui acoperiș proeminent, dar a rămas utilă în curelele interfloor. Totuși, la Fontainebleau, în părțile antice ale lui Écoin, ca și în alte clădiri din perioada lui Francisc I, nu a existat picurare (s-au folosit doar profile de tip C ). O cornișă cu picurare a reapărut nu mai devreme de construcția Palatului Luvru de către Pierre Lescaut, iar sub Henric al II-lea prezența acesteia a devenit o regulă generală (desenul D ) [102] .
O trăsătură caracteristică a Renașterii franceze a fost înlocuirea pilaștrilor cu spatule rusticate , care erau întotdeauna legate cu pereți de zidărie cu shtrabs. Această tehnică decorativă a fost folosită în castelul de la Blois, în toate clădirile din perioada lui Ludovic al XII-lea [102] .
Pentru prima dată, rândurile proeminente de pietre ca rusticare au fost aparent folosite de Pierre Lescaut în Palatul Luvru. Colțurile fațadelor exterioare ale structurii au fost accentuate cu pietre mari, care ieșeau în șiruri regulate pe fundalul pereților netezi. În Palatul Lineri (Carnavale) Lesko a decorat întreaga fațadă cu rusticare neuniformă [102] . În anii 1550, arhitectul a folosit rustica romană puternică pentru a decora fațadele Palatului Valleri. Din partea curții, piatra era formată din blocuri netede și plate, din față - din convexe, prelucrate pentru a arăta ca piatra naturală. Rusticizarea palatului a conferit clădirii un aspect sever și inexpugnabil, fiind un fel de reamintire a castelelor medievale [103] .
Philibert Delorme a folosit și rustic. În anii 1540, el a decorat palatul Saint-Maure cu pilaștri rustici puternici. La Paris, arhitectul și-a construit propria casă într-un stil rustic, apropiat de stilul Palatului Valleri al lui Pierre Lescaut [104] .
Sub Carol al IX-lea, rusticarea a devenit principalul motiv pentru decorarea fațadelor din Charleval. Cam în aceeași perioadă, motivul rustic a fost găsit în castelul de la Paii, unde lățimea rândurilor de zidărie a scăzut de la bază până la vârful clădirii, creând iluzia de amploare, care amintește de palatele florentine [105] .
Conacul Scipio din Paris
Portalul rustic al Hotelului Carnavale
Palatul Valleri
Clădirile supraviețuitoare ale castelului Monceau
Castelul Clos Luce
Rusty din Castelul Tanlay
Dacă în Italia tocurile de ferestre și uși erau în esență rame de piatră introduse în deschiderea peretelui, atunci în Franța ramele erau conectate într-un singur întreg cu întreaga structură. Raționalismul italian nu a cerut să descrie o legătură inexistentă din punct de vedere tehnic între carcasă și corpul peretelui. În Franța, la rândul său, din aceleași motive, a fost necesar să se identifice această legătură. De aici a rezultat o diferență semnificativă în aspectul deschiderilor între cele două școli de arhitectură: cadrele din piatră italiene nu erau asociate cu pereții de zidărie; francezi - au fost contactați de shtrabs [106] .
Decorarea benzilorUșa în Renașterea franceză era lucrată de obicei sub forma unui arc cu pilaștri, decorată cu detalii sculpturale sau acoperită cu un fronton [106] .
Renașterea italiană timpurie a permis decorarea ferestrelor arcade pereche înscrise într-un cadru semicircular. Renașterea franceză, care s-a dezvoltat într-o perioadă în care această formă decorativă cădea deja în desuetudine în Italia, a păstrat în clădirile bisericești atât deschideri pereche, cât și bare ramificate ale ramelor de ferestre [106] .
În arhitectura seculară, ferestrele aveau predominant arhitrave dreptunghiulare. Împărțirea deschiderii s-a realizat cu ajutorul legăturilor cruciforme, care au facilitat geamurile și au dat scara necesară [106] .
Comunicarea arhitravelor diferitelor etajeCarcasele ferestrelor din Renașterea franceză au primit aspectul unor rame izolate, în timp ce ramele ferestrelor de la diferite etaje au fost coordonate între ele. Sistemul de decorare a ferestrelor verticale care se construia a fost completat cu un lucarne. Împreună, toate părțile formau un motiv ornamental continuu, începând de la sol, traversând cornișa și ajungând la acoperiș [107] .
Originea acestui motiv vertical se găsește probabil în arhitectura gotică timpurie, în care deschiderile au fost făcute după ridicarea pereților. În loc să facă găuri pe fiecare etaj, era mai ușor să spargi întregul perete, făcând o deschidere verticală de la streașină până la nivelul solului și apoi să instalezi cadre de piatră în el [108] .
Cercevele uși și cercevele ferestreFrunzele ușilor, conform tradiției medievale, constau din panouri mici, încadrate cu bare profilate, care, dacă era posibil, nu erau legate într-o mustață. Până la sfârșitul domniei lui Francisc I au existat pânze de uși prelucrate ca niște draperii [108] .
Tocurile ferestrelor aveau legături cruciforme și erau furnizate cu un reflux inferior de la începutul secolului al XVI-lea. Vitrarea, ca și în perioada gotică, consta din bucăți de sticlă introduse într-un cadru subțire de plumb. Sticlă din tablă a fost folosită pentru prima dată la construcția castelului lui Ane, dar încă a fost fixată în plumb [108] .
Sticla în timpul Renașterii a fost colorată, dar ușor pentru a nu interfera cu iluminarea. În jurul fiecărei piese de sticlă a fost trasată o chenar; în centru era plasat un tablou - de obicei un scut heraldic , pictat în culori deschise [108] .
Lucarnă (lucarnes)Lucarna este o invenție a arhitecturii gotice care s-a răspândit în Evul Mediu în Franța și în țările din nordul Europei, întrucât clima ploioasă a acestor state impunea prezența acoperișurilor cu pante abrupte (acoperișurile plate italiene nu aveau lucarne) [108] ] .
Puteți urmări evoluția formelor și a decorului sculptural al lucarnei în Renașterea franceză folosind exemplul castelului Ekuan. Primele două imagini ( A și B ) arată lucarne datând din epoca lui Francisc I și caracterizat printr-o arhitectură bizară și schimbătoare a vremii sale, necesitând o varietate de opțiuni (lucarne din fiecare travă avea propriul decor sculptural) [109] ] .
Cele doua imagini ( C și D ) arată lucarne din anexe construite sub Henric al II-lea. Au fost caracterizate printr-un singur tip, o formă arhitecturală consacrată, în care arta de a combina tranzițiile și contrastele a atins o mare pricepere. În această versiune, trapele erau aceleași în toate travele [110] .
A
B
C
D
Șemineele Renașterii franceze erau structuri arhitecturale întregi, în care compoziția ansamblului de șemineuri a moștenit tradițiile din Evul Mediu, iar detaliile decorative au fost preluate dintr-un set de forme arhitecturale italiene (șemineele castelului Saint-Germain și Ekuan). ). Tipul general al ansamblului șemineului francez arăta astfel: pe stâlpi erau așezate capace drepte impresionante, care adesea aveau formă de cariatide, iar un perete acoperit cu sculpturi în piatră ocupa toată înălțimea podelei [110] .
O trăsătură distinctivă a șemineului francez a fost coșul de fum înalt (în arhitectura italiană, cu acoperișurile sale plate, nu era nevoie să ridicați coșurile sus deasupra acoperișului). Astfel, elementul decorativ sub forma unui coș de fum înalt în arhitectura franceză a fost o consecință a prevalenței unui acoperiș puternic înclinat [110] .
Prelucrarea decorativă a coșului a atins o mare eleganță: pe suprafața acestuia erau așezate cartușe, încununate cu un capac astfel conceput încât să împiedice vântul să împingă fumul înapoi în coș [111] .
Amenajarea tehnică și decorarea scărilor renascentiste franceze a fost cel mai puternic influențată de tradițiile medievale. Arhitecții au preferat într-o măsură mai mare tipul de scară în spirală, în timp ce scările cu etape drepte au fost mai degrabă o excepție (unul dintre cele mai vechi exemple este scara de la Chenonceau). Tipul de scară în spirală s-a dezvoltat în perioada arhitecturii gotice, când apărarea castelelor impunea constructorilor să economisească spațiu. Drept urmare, scările castelului erau destul de înguste. Abia în Renaștere au căpătat un aspect maiestuos: scări în spirală grandioase au fost ridicate în Chateaudun , Blois, Saint-Germain [111] .
Dezvoltarea arhitecturii scărilor în timpul Renașterii franceze timpurii a fost influențată de activitățile de proiectare ale lui Leonardo da Vinci. Cunoașterea francezilor cu opera sa a început cu mult înainte de sosirea sa în Franța, iar cel mai important dintre ei a fost proiectul palatului lui Charles d'Amboise din Milano , în care scara principală a avut o importanță deosebită, pe care Leonardo l-a plătit. atentie speciala. În proiect, ea a ocupat rolul vestibulului principal, ceea ce era contrar practicii arhitecților italieni, care credeau că scările încalcă planul clădirii. Interesul lui Leonardo pentru acest element constructiv și experimentele sale cu acesta au fost de mare importanță pentru dezvoltarea arhitecturii franceze în viitor [112] .
Soluția tehnică inovatoare a scărilor palatului Charles d'Amboise cu două rampe paralele care duc direct la etajul principal a dat naștere la o serie de imitații în arhitectura franceză din prima jumătate a secolului al XVI-lea. Schițată în secolul al XVII-lea de André Félibien , scara modelului din lemn al castelului Chambord, a cărui autoritate este atribuită lui Domenico da Corton, a repetat exact versiunea lui Leonardo în proiectul din 1506, așa cum a arătat Jean Guillaume. Scara modelului Chambord, la rândul său, a devenit prototipul pentru o serie de scări din Castelul anilor 1530: Chalouot, La Muet și Curtea Ovală din Fontainebleau [112] .
Scara din curte a aripii de nord-vest a Bloisului a devenit principala decorație a fațadei clădirii. A fost amplasat într-un volum separat, dincolo de linia zidului, care se încadra în cadrul tradiției franceze, dar soluția sa constructivă a fost o inovație: constructorii au păstrat doar structurile de susținere ale turnului octaedral - suporturi și contraforturi, lăsând spații deschise între ele. Din exterior, semăna cu un balcon cu etaje, decorat cu balustre, pilaștri medalioane, inițiale sculptate ale lui Francisc I și salamandre . Prelucrarea decorativă a scărilor se distingea printr-o clară „teamă de gol”: întreg spațiul tijei dintre tije era ocupat de sculpturi fine și scoici [113] .
Principalul element structural al interiorului castelului Chambord - scara principală în spirală - a fost dispusă sub forma a două spirale independente, care în paralel se răsuceau în jurul unei tije și duceau la terasă. O parte a scărilor servea pentru urcare, cealaltă pentru coborâre. Scara era deschisă pe ambele părți, ducând dinspre exterior către locuințe, iar din interior către o tijă goală, iluminată de un felinar de lumină. Tratamentul decorativ al scării a fost mai strict decât în mostrele anterioare ale Renașterii franceze: suprafața strictă accentuată a pietrei netede a făcut posibil să se vadă clar construcția [111] [114] .
Scara Châteaudun
Scara castelului Blois, aripa Francisc I. Exterior
Scara castelului Blois, aripa Francisc I. Interior
Scara centrală a castelului Chambord
Scara în Chenonceau
Scara lui Henric al II-lea. palatul luvru
Scara conacului Lyon-Noir din Troyes. Între 1560-1570
Panourile de perete erau realizate în tradiția gotică, ca ușile din lemn: planul panoului era împărțit în numeroase panouri mici [111] .
Tavanele din timpul domniei lui Ludovic al XII-lea și Francisc I erau în principal un sistem de grinzi și căpriori expuse. Învelișul era rar folosit și, de obicei, ea repeta amplasarea căpriorilor [111] .
La sfârșitul domniei lui Francisc I, primele ornamente din stuc și modele de tâmplărie pentru panouri mari de tavan au venit de la arhitectura italiană la cea franceză. Ornamentele de tavan din stuc au fost reprezentate pe scară largă în arhitectura camerelor din Fontainebleau. În Palatul Luvru, în camerele lui Henric al II-lea, a fost prezentată interpretarea de către maeștrii francezi a ideii italiene de a decora tavanul cu chesoane largi și adânci [111] .
Caracterul general al profilării Renașterii franceze s-a remarcat prin următoarele caracteristici [111] :
Dintre elementele comune, gâsca și călcâiul s-au remarcat cu o utilizare deosebit de frecventă , care au fost folosite și în Evul Mediu, dar în arhitectura Renașterii au luat forme radical diferite. Următorul cel mai comun a fost un mare metereze mărginit de role, care a fost absent din arhitectura medievală franceză și a apărut abia în ultimii ani ai domniei lui Francisc I [115] .
Ornamentul sculptural al perioadei de tranziție din a doua jumătate a secolului al XV-lea avea un caracter pur gotic, dar era deja legat de scene din viața reală. Un exemplu tipic a fost decorul conacului lui Jacques Coeur: un maestru necunoscut a așezat două ferestre false pe fațada clădirii principale, din care priveau sculpturile unui bărbat și o femeie, de parcă priveau viața de pe stradă. O tehnică similară a fost folosită în prelucrarea decorativă a unuia dintre șemineele din galeria de nord: o serie de ferestre false de pe planul șemineului au fost decorate cu personaje în costume moderne ale acelei vremuri, iar deasupra acestor ferestre a fost plasată o centură de medalioane , cu scene parodice ale unui turneu ţărănesc . Unele, extrem de rare pentru acea epocă, au fost legate de funcția localului: pe scara paraclisului au fost amplasate scene de pregătire a Liturghiei ; deasupra intrării în bucătărie există o imagine a unui ceaun mare cu un ceainic, un bucătar la scuipat și un bucătar care zdrobește mirodenii. Un tip mai obișnuit de motiv de decor a fost asociat cu activitățile proprietarului casei: reliefuri cu un palmier și un portocal (un indiciu al relațiilor comerciale cu Levantul ): scoicile sunt emblemele Sfântului Iacov , cel ceresc. patron al Coeur; inimi duble (un simbol al legăturii matrimoniale) [116] .
Conacul lui Jacques Coeur
Conacul lui Jacques Coeur
Conacul lui Jacques Coeur
Conacul lui Jacques Coeur
Conacul lui Jacques Coeur
Conacul lui Jacques Coeur
De la mijlocul secolului al XV-lea, natura sculpturii în arhitectura religioasă, supusă unor tendințe realiste, a început să se schimbe. Alături de imaginile tradiționale au apărut altele noi - sfinți cărora le păsa de sănătate, siguranță și noroc în afaceri și comerț. Au fost așezate liber în diferite grupuri pe fațadele catedralelor. Pentru capele, nișele caselor și altarele abațiilor, imaginea Sfântului Roh cu un câine și a Sfântului Antonie cu leu (ocrotitori de moarte subită), Sfântul Cristofor (patronul călătorilor), Cosma și Damian (patronii ) medici), Sfântul Iosif (ocrotitorul tâmplarilor) devine tipic. Astfel de sculpturi se distingeau prin trăsături grosiere, gesturi obișnuite și ținute moderne. Statuile Sf. Gheorghe sau Sf. Mihail arătau mai sofisticate , îmbrăcate în armură de turneu. O nouă tendință a fost reprezentarea mai veselă a îngerilor , ale căror figuri vesele pot fi văzute ca echivalentul francez al putti-ului italian [117] .
Stilul de decorare sculpturală din prima Renaștere franceză din vremurile lui Francisc I corespundea ornamentării fine a Renașterii italiene timpurii. Gusturile acelei epoci au fost ilustrate cel mai pe deplin de ornamentele de pe porțile castelului Gaillon și de pe mormântul lui Ludovic al XII-lea [118] . S-au folosit pe scară largă pilaștri ornamentați, medalioane cu imagini ale pieptului, diverse mici motive, cariatide, hermi, balustre, arabescuri , delfini, bukranii și himere. Elementele grotești ale ornamentului - figuri care s-au transformat în bucle vegetative - au fost plasate printre modelul vegetativ fără simetrie strictă. Toate aceste elemente au fost realizate în foarte jos relief , în contrast cu decorul flamboiant din piatră gotic [119] .
Michel Colombe este considerat cel mai mare sculptor de la începutul secolului al XVI-lea , ale cărui lucrări principale includ mormântul părinților reginei Ana a Bretagnei din Nantes (1508) și relieful Sf. George Fighting the Dragon (1509). Acesta din urmă, comandat de Colombe pentru Georges d'Amboise pentru castelul Gaillon, a copiat clar stilul italian, care s-a exprimat în cadrul reliefului cu pilaștri și cornișe grotești în spiritul ornamentului renascentist italian. În arhitectura lui Gaillon, ornamentul gotic în ansamblu a făcut loc formelor sculpturale renascentiste. Într-un stil similar, multe castele au fost decorate în prima jumătate a secolului al XVI-lea - Ussé , Chenonceau, de Lude, Valençay, Beauregard, Chantilly și altele. Spațiile lor interne și externe erau acoperite cu pilaștri de piatră, medalioane, reliefuri cu figurine de copii și ghirlande de flori [120] . Decorul sculptural a căpătat o expresivitate deosebită în aripa lui Francisc I a castelului din Blois. Sculpturile în piatră au acoperit întregul spațiu al fațadelor: grotescuri delicate au decorat pilaștrii; Pe pereți apăreau salamandre încoronate (emblema regelui); figuri feminine împodobeau stâlpii scărilor ; detaliile antice au acoperit cornișa; în nișele frontoanelor erau așezate figurine de copii [121] .
Mormântul lui Ludovic al XII-lea
"Sf. George Fighting the Dragon (1509)
Medalion. Castelul de Lud.
Înalt relief din seria „Ofertele lui Hercule”. Fațada loggiei castelului din Blois
Salamandra incoronata. Castelul Blois
Reliefuri de salamandre și monograme ale lui Francisc I. Chateau de Chambord
Decorul sculptural al Renașterii franceze s-a dezvoltat treptat, aspectul său s-a schimbat dramatic: sculptorii au început să folosească în principal motive antice și renascentiste - ovuri , fire de perle, lăstari de plante, cornucopii, capete de leu, delfini. O contribuție deosebită la dezvoltarea deprinderii sculpturale a avut-o restructurarea castelului Fontainebleau și a școlii de artă formată acolo. Pentru a decora sediul vastei reședințe a regelui, au fost invitați italienii Rosso și Primaticcio, cărora li s-a alăturat un număr mare de maeștri francezi de diverse profesii. Școala franceză de sculptură realistă tridimensională a fost fondată aici în noile forme ale Renașterii italiene. Una dintre inovațiile școlii Fontainebleau a fost sculptura din ipsos a lui Rosso, folosită în designul galeriei lui Francisc I, care a făcut o mare impresie asupra contemporanilor săi: cartușe , ghirlande de fructe, semicoloane cu figuri alungite care amintesc de cele ale lui Michelangelo. imaginile se împleteau în gipsul lui. În decorarea castelului, Rosso a fost primul care a folosit o combinație de fresce și rame sculpturale din stuc. Abordarea lui Primaticcio față de decorarea sculpturală a fost diferită de cea a lui Rosso. În lucrările sale - galeria lui Ulise, camerele ducesei d'Etang, decorul holului pavilionului Golden Gate, capacul șemineului din salonul lui Francisc I - a existat „mai multă rafinament și grație rece. " În general, imaginile cu sfincși înaripați , figuri umane înconjurate de ghirlande și alte elemente decorative ale interioarelor din Fontainebleau au dat impresia unui lux oarecum masiv [122] [123] .
Sculptura galeriei Francisc I
Sculptura galeriei Francisc I
Sculptura galeriei Francisc I
Sculptură în fostele camere ale ducesei d'Etang
Sculptura Pavilionului Golden Gate
Ornamente sculpturale ale sălii de bal din Fontainebleau
Școala franceză de decorare sculpturală a înflorit în timpul construcției Palatului Luvru, în lucrările lui Jean Goujon și Paul Poncet [118] . În 1549, Goujon a creat faimoasa Fântână a Inocenților, care a fost decorată cu basoreliefuri grațioase; maniera originală a acestei opere de artă a depășit cu mult imitația artiștilor italieni și a Romei antice [124] . Fațada de vest a Luvru a fost construită în formă brută până în 1555 și, în același timp, a primit un design sculptural, care s-a remarcat printr-o combinație de „armonie uimitoare” de arhitectură și sculptură. Decorul ornamental și sculptural a fost concentrat inițial în ramele ferestrelor de la etajul trei și pe planurile risaliților (statui rotunde au apărut mult mai târziu); ferestrele rotunde deasupra intrărilor sunt decorate cu sculpturi simbolice, iar frontoanele sunt acoperite cu relief magnific [125] . La primul etaj se aflau figuri de femei - alegorii Gloriei; ornamente florale acoperite cartușe, frize și chei de boltă ale nișelor arcuite; planurile pereților erau decorate cu monogramele regelui Henric al II-lea și ale Dianei de Poitiers. La etajul doi au fost amplasate sculpturi antropomorfe și zoomorfe. Friza etajului doi de-a lungul întregii fațade a fost decorată cu o ghirlandă cu inițialele și emblemele monarhului, care era susținută de putti. Mansarda, plină cu reliefuri de figuri de războinici și captivi, zeități din mitologia greacă antică și imagini cu trofee militare, era deosebit de pompoasă. Cornișele erau acoperite cu sculpturi fine, în care au fost prezentate o mare varietate de ornamente clasice: „console sculptate, chesoane cu rozete, palmete, mascaroane, drenuri, frize cu ov, frunze și vârfuri de lance”. Ansamblul a fost încununat cu o friză ornamentală cu monograme. În general, fațada Luvru a fost un manifest al noii arhitecturi naționale franceze, reflectând punctele de vedere ale arhitecților asupra modului în care ar trebui să arate sinteza tradițiilor locale și a moștenirii antice. Designul fațadei Luvru a jucat un rol decisiv în dezvoltarea decorului sculptural în Franța în secolele următoare [126] .
Relief ce îl înfățișează pe Ceres
Relief care îl înfățișează pe Arhimede
Relief care o înfățișează pe Belonna
„Alegoria războiului”
Monograma lui Henric al II-lea
Relief înfățișând Marte
Relief înfățișând -o pe Minerva
Relief care îl înfățișează pe Euclid
Școala sculpturală a lui Delorme și Chambige a atins un nivel înalt de performanță, care era considerată o „probă de rafinament”, abordând cu o grijă deosebită prelucrarea ornamentelor ascunse în umbră. Sculptura Tuileries, mica galerie a Luvru, gardul bisericii Saint-Etienne din Monet, construită sub Henric al IV-lea [118] era de același nivel înalt . Publicarea în continuare a albumelor de gravură populare a contribuit la introducerea pe scară largă a motivelor antice în a doua jumătate a secolului al XVI-lea. Cu toate acestea, artiștii francezi nu s-au limitat la interpretarea exclusiv a motivelor romane antice. Un rol important în dezvoltarea decorului sculptural l-au jucat colecții precum Cartea groteștilor de Jacques Androuet Ducerceau, publicată în 1566. De la mijlocul secolului al XVI-lea, școala Fontainebleau a avut o influență foarte mare asupra arhitecturii provinciei. Artiștii flamand care nu fuseseră pregătiți în Italia s-au alăturat cu entuziasm școlii Fontainebleau și au început să lucreze în stilul francez. Un exemplu izbitor al influenței lui Fontainebleau au fost ramele ferestrelor conacului Milsan din Dijon (1561), care imitau reliefurile din stuc ale palatului. O serie de elemente decorative răspândite în această perioadă, printre care s-au numărat mascaroane, cariatide, figuri de genii, transformându-se în frunziș, compoziții ornamentale cu un medalion oval în centru [124] .
Cu toate acestea, sculptura franceză de-a lungul timpului a început să experimenteze o influență puternică a manierismului, exprimată în „exagerări, grămezi, ciudatenii”. Un exemplu tipic au fost ornamentele de cartuș, care imiteau suluri de piele, care au apărut la sfârșitul domniei lui Henric al II-lea [118] .
Pentru a obține contraste de culoare, Renașterea franceză timpurie a permis, împreună cu combinația de cărămidă și piatră, utilizarea mozaicurilor din ardezie. Un exemplu izbitor îl reprezintă panourile de ardezie neagră înscrise în rame de piatră albă din castelul din Chambord [118] .
Fațadele Castelului Madrid au fost acoperite cu plăci smălțuite realizate de maestrul italian Andrea della Robbia. Sub Maria Medici, incrustațiile de marmură roșie și neagră au început să fie folosite în construcția clădirilor Palatului Luvru [118] .
În decorul interior s-au răspândit vitraliile decorate cu steme, plăci ceramice smălțuite, covoare pufoase realizate în Flandra sau Reims, piei italiene ondulate, decorațiuni cu stuc, frescă sau pictură în ulei, realizate în mare parte de maeștri italieni. Detaliile decorative ale decorațiunii interioare au fost de origine franceză în cea mai mică măsură [118] .