Cinematograful clasic de la Hollywood este un termen folosit în critica de film pentru a descrie atât stilul narativ, cât și vizual al filmului care a devenit caracteristic cinematografiei americane între anii 1910 (imediat după Primul Război Mondial ) și anii 1960 [1] . Drept urmare, a devenit cel mai influent și răspândit stil de filmare la nivel mondial [2] . Termeni similari sau înrudiți includ Narațiunea clasică de la Hollywood , Epoca de aur a Hollywoodului , Hollywoodul vechi și Continuitatea clasică [3] .
Timp de secole, teatrul a fost singurul standard vizual pentru arta narativă . Încă de la introducerea primelor filme narative la mijlocul și sfârșitul anilor 1890, realizatorii de film au căutat să capteze energia teatrului live pe ecranul de argint. Majoritatea acestor regizori au început ca regizori de scenă la sfârșitul secolului al XIX-lea, la fel cum majoritatea actorilor de film au început în vodevil (de exemplu Frații Marx [4] ) sau melodrame teatrale. Din punct de vedere vizual, primele filme narative au împrumutat puțin din teatru, iar conținutul lor narativ a împrumutat foarte puțin din vodevil și melodramă. Înainte de apariția stilului vizual care avea să devină cunoscut sub numele de „continuitate clasică”, scenele au fost filmate în întregime cu coregrafii repetate cu atenție pentru a transmite cu acuratețe intriga și relațiile dintre personaje. La acea vreme, opțiunile de editare erau extrem de limitate și constau în principal în adăugarea de prim-planuri ale obiectelor pentru a sublinia meritele.
În ciuda lipsei de realism vizibil inerent teatrului, filmul (spre deosebire de teatru) oferă libertatea de a manipula timpul și spațiul și creează astfel iluzia realismului - liniaritate temporală și continuitate spațială. La începutul anilor 1910, pe măsură ce membrii „ Generației pierdute ” au devenit majori, industria filmului a început să-și realizeze potențialul creativ. În Suedia și Danemarca, această perioadă va fi cunoscută mai târziu drept „Epoca de Aur” a cinematografiei; în America, cineaști precum D. W. Griffith , care s-a disociat în cele din urmă de Edison Trust , au început să-și facă propriile filme, independente de monopolul producției, ca pionierii acestei schimbări creative. Filmele din întreaga lume au început să adopte elementele vizuale și narative întâlnite în cinematografia clasică de la Hollywood. 1913 a fost un an deosebit de fructuos pentru această direcție, deoarece regizori de pionierat din mai multe țări au creat astfel de capodopere precum „Inima unei mame”(D. W. Griffith), „Ingeborg Holm”( Victor Sjöström ) și Pruncul parizian ( Leonce Perret) care stabilesc noi standarde pentru filmul ca formă de povestire. Tot în acest an, Yevgeny Bauer (primul artist de film adevărat, conform lui Georges Sadoul [5] ) [6] și-a început cariera scurtă, dar fructuoasă .
În lume, și în special în America, influența lui Griffith asupra industriei filmului a fost de neegalat. Nu mai puțin influenți au fost actorii săi, care au adaptat arta teatrală la noul mediu. În acest sens, se remarcă în mod deosebit Lillian Gish , vedeta Mother's Heart. Epopeea lui Griffith, Nașterea unei națiuni , din 1915, a fost revoluționară pentru cinema ca mediu de povestire – devenind o capodopera a narațiunii literare cu numeroase dispozitive vizuale inovatoare. Filmul a influențat atât de mult progresul cinematografiei americane încât a devenit învechit în câțiva ani [7] . Deși 1913 a fost o piatră de hotar globală pentru producția de film, 1917 a fost un an revoluționar pentru Statele Unite, care a început epoca „cinematului clasic de la Hollywood”, caracterizat printr-un stil narativ și vizual care până în 1917 a ajuns să domine cinematografia americană .
Povestirea și stilul vizual al cinematografiei clasice de la Hollywood au fost dezvoltate în continuare după trecerea la cinematografia sonoră. Schimbări majore în producția de film american au venit din creșterea sistemului de studio . Această formă de producție, cu sistemul său „star” principal promovat de mai multe studiouri cheie [9] , este anterioară cinematografiei sonore. Până la mijlocul anilor 1920, majoritatea regizorilor și actorilor americani proeminenți care lucraseră independent de la începutul anilor 1910 au trebuit să devină parte a acestui sistem de studio pentru a continua să lucreze.
Experții nu au o părere fără echivoc despre începutul erei cinematografiei sonore. Considerat de unii a fi filmul The Jazz Singer , care a fost lansat în 1927, când generația interbelică a ajuns la majoritate., al căror interes a sporit încasările de box-office ale filmelor pe măsură ce au introdus sunetul [10] . Potrivit altora, această eră a început în 1929, când filmul sonor a înlocuit în cele din urmă filmul mut [11] . Cele mai multe fotografii de la Hollywood de la sfârșitul anilor 1920 până în anii 1960 au fost strâns asociate cu genurile occidentale , comedie slapstick , muzicale , desene animate și biopic (biografice). Filmele au fost adesea lucrate de aceleași echipe creative și produse de aceleași studiouri. De exemplu, Cedric Gibbons și Herbert Stothart au lucrat doar pentru MGM ; Alfred Newman a lucrat la 20th Century Studios timp de douăzeci de ani; aproape toate filmele lui Cecil B. DeMille au fost realizate la Paramount Pictures , [12] iar filmele regizate de Henry King au fost realizate în mare parte pentru Twentieth Century Fox. La fel, majoritatea actorilor de atunci erau angajați contractuali ai unui studio sau altul. Istoricii filmului notează că a durat aproximativ un deceniu pentru ca filmele să se adapteze la sunet și să revină la nivelul de calitate artistică a filmelor mute - acest lucru s-a întâmplat la sfârșitul anilor 1930, când marea generație a ajuns la majoritate .
Multe dintre marile capodopere cinematografice care au apărut în această perioadă au fost produsul unui film foarte reglementat. Unul dintre motivele care au făcut acest lucru posibil a fost numărul mare de filme realizate - abordarea lor a fost diferită. Studioul ar putea paria pe un film cu buget mediu, cu un scenariu bun și actori relativ necunoscuți. Așa a fost cazul Citizen Kane (1941) de Orson Welles , considerat de unii cel mai mare film al tuturor timpurilor. Pe lângă Wells, regizori precum Howard Hawks , Alfred Hitchcock și Frank Capra și-au arătat și voința de a-și realiza viziunile artistice. Apogeul sistemului de studio ar fi putut fi în 1939, odată cu lansarea unor astfel de clasice precum Vrăjitorul din Oz , Gone with the Wind , The Hunchback of Notre Dame , Stagecoach , Mr Smith Goes to Washington , Destry Riding Back ”, „ Young Mr. . Lincoln ", " Wuthering Heights ", " Numai îngerii au aripi ", " Ninochka ", " Bo Geste ", „Frumuseți în brațe”, „ Gunga Din ”, „ Femei ”, „ La revedere, domnule Chips ” și „ Douizeci grozavi ” [13] .
Stilul vizual-narativ al cinematografiei clasice de la Hollywood dezvoltat de David Bordwell [14] a fost puternic influențat de ideile renascentiste . Acest stil diferă pe trei niveluri generale: dispozitive, sisteme și relații de sistem.
Printre tehnicile cele mai inerente cinematografiei clasice de la Hollywood se numără montajul de continuitate ., „Frumuseți în brațe”. Încorporează regula 180 de grade , unul dintre principalele elemente vizual-spațiale ale cinematografiei. Această tehnică este în concordanță cu stilul „joc fotografiat”, creând o axă imaginară de 180 de grade între privitor și cadru, permițând privitorului să navigheze clar în poziția și direcția acțiunii din scenă. Conform regulii de 30 de grade, tăieturile din unghiul din care este privită scena trebuie să fie suficient de semnificative pentru ca privitorul să înțeleagă scopul schimbării perspectivei. Tăieturile care nu respectă regula de 30 de grade, cunoscute sub denumirea de tăieturi de sărituri , rup iluzia continuității temporale între cadre. Regulile de 180 de grade și 30 de grade sunt directive elementare în cinematografie care preced începutul oficial al erei clasice cu mai mult de un deceniu, așa cum se vede în filmul francez revoluționar din 1902 A Trip to the Moon . Tehnicile de decupat în montajul clasic ajută la stabilirea sau menținerea continuității narative, ca și în acțiunea paralelă , care stabilește simultaneitatea acțiunilor în diferite locuri. Tăierile de salt sunt permise ca cadru de axă, care nu schimbă deloc unghiul, dar are scopul clar de a arăta perspectiva mai aproape sau mai departe de subiect și, prin urmare, nu interferează cu continuitatea temporală [15] .
Narațiunea clasică de la Hollywood se dezvoltă întotdeauna datorită motivației psihologice, adică a voinței personajului și a luptei sale cu obstacolele pe drumul către un anumit scop. Acest element narativ constă de obicei dintr-o narațiune principală (cum ar fi un roman) împletită cu o narațiune sau narațiuni secundare. Narațiunea este structurată cu un început, mijloc și sfârșit inconfundabil și, de obicei, are un deznodământ clar. Utilizarea personajelor, evenimentelor, relațiilor cauză-efect, punctelor principale și secundare sunt principalele caracteristici ale acestui tip de povestire. Eroii cinematografiei clasice de la Hollywood au trăsături pronunțate, sunt activi și foarte intenționați. Sunt indivizi motivați mai degrabă de probleme psihologice decât sociale [2] . Narațiunea este un lanț de relații cauzale care au loc cu indivizi - în narațiunea clasică, evenimentele nu se întâmplă întâmplător.
Ora cinematograficăTimpul în cinematografia clasică de la Hollywood este continuu, liniar și uniform, din moment ce neliniaritatepresupune natura iluzorie a mediului. Singura manipulare de timp permisă în acest format este flashback . Este folosit în principal pentru o secvență clară a apariției personajelor din intriga, de exemplu, ca în filmul „ Casablanca ” [16] .
SpațiuPrincipala regulă a continuității clasice în raport cu spațiul este constanța obiectului: privitorul trebuie să creadă că scena există în afara cadrului cinematografic pentru a păstra realismul imaginii. Spațiul din Hollywood-ul clasic tinde să depășească sau să ascundă bidimensionalitatea filmului („stilul invizibil”) și este concentrat puternic pe corpul uman. Cele mai multe cadre din cinematografia clasică se concentrează pe gesturi sau expresii faciale ( caje medii ). André Bazin a comparat odată un film clasic cu o piesă filmată în sensul că evenimentele par să existe în mod obiectiv, iar camerele de filmat ne oferă doar cea mai bună vedere a tot ceea ce se întâmplă [17] .
Această interpretare a spațiului constă din patru aspecte principale: centrare, echilibrare, frontalitate și profunzime. Fețele sau obiectele semnificative se află în principal în centrul cadrului și nu sunt niciodată defocalizate. Echilibrarea se referă la compoziția vizuală, adică personajele sunt distribuite uniform pe tot cadrul. Acțiunea este îndreptată către privitor (frontalitate) și peisaj, iluminare (în principal iluminare în trei puncte, în special iluminatul deschis la culoare ) și costumele sunt concepute pentru a separa primul plan de fundal (adâncime).
Aspecte de spațiu și timp sunt subordonate elementului narativ.
„Epoca de aur” de la Hollywood a fost supusă unor critici variind de la stereotipuri rasiale (în special problema afro-americanilor [18] [19] ) până la lipsa de realism, care a dus la un stil de cinema mai realist după cel de-al Doilea Război Mondial [20] [21] [22] .
Noul Hollywood al anilor 1960 și 70 a fost influențat de romantismul epocii clasice [23] , la fel ca și Noul Val francez [24] .