Cinematograful Hong Kong ( chineză: 香港電影) este una dintre cele trei ramuri istorice principale ale cinematografiei în limba chineză, împreună cu cinematografia din China și Taiwan (fără a număra „ramurile” mai puțin semnificative ale cinematografului din diaspora vorbitoare de chineză din Singapore, Malaezia , Statele Unite și alte țări). Ca colonie britanică, Hong Kong a fost mai liber din punct de vedere politic și economic și integrat cu lumea exterioară decât China continentală și Taiwan , permițându-i să devină centrul cinematografului în limba chineză pentru țările din Asia de Sud-Est și pentru întreaga lume. De zeci de ani, Hong Kong a fost a treia cea mai mare industrie de film din lume (după cinematograful indian și Hollywood ).) și al doilea în ceea ce privește exporturile de filme. În ciuda crizei industriei care a izbucnit la mijlocul anilor 1990 și a revenirii Hong Kong-ului la suveranitatea chineză în iulie 1997, Hong Kong-ul continuă să ocupe un loc semnificativ în cinematografia mondială.
Spre deosebire de multe alte industrii cinematografice, în special de vecinii săi China și Taiwan, cinematograful din Hong Kong s-a dezvoltat pentru cea mai mare parte a existenței sale, cu puțin, dacă nu există, sprijin financiar din partea guvernului. Acest lucru a condus la faptul că cinematograful din Hong Kong este în mare parte comercial, produs de companii private de film, concentrându-se pe genuri care atrag publicul (comedie, muzicală, acțiune) și folosind în mod activ intrigi și formule încercate și testate (în special clasice) și creând. sechele și remake-uri ale unor filme de succes. Cinematograful din Hong Kong a împrumutat mult de la Hollywood, dar l-a folosit într-o fuziune cu elemente ale teatrului chinez și alte forme de artă chineză, punând mai mult accent pe stilizare și (înaintea anilor 1980) mai puțin pe tradiția „realistă” occidentală.
În 2010, distribuția totală de filme în Hong Kong s-a ridicat la aproximativ 1,34 miliarde de dolari Hong Kong, în 2011 - aproximativ 1,38 miliarde, colectate în mare parte prin închirierea „în premieră” a 276 de filme - 220 străine și 56 filmate anul acesta chiar în Hong Kong [ 1] .
Producția de film din Hong Kong tinde să se bazeze pe un buget mult mai mic în comparație cu cinematograful american [2] . În anii 1960 și 1970, la studioul principal al fraților Shao din Hong Kong, un film costumat istoric mandarin, care avea ca scop și lansarea la export, a costat în medie 300.000 USD [3] , în timp ce filmele mai puțin „lucioase” în limba cantoneză „costul” este de câteva ori mai mic. . Până la sfârșitul anilor 1990, cu o creștere generală a prețurilor și o concentrare sporită pe Hollywood, un lungmetraj major cu o distribuție binecunoscută care vizează statutul de succes al sezonului a costat în medie echivalentul a 5 milioane USD. [4] în timp ce un film „cu buget redus” a costat mult mai mult, mai puțin de 1 milion. În acest context, există proiecte unice „ blockbuster ” ale celor mai mari „vedete” din Hong Kong, adesea și producătorii acestora (de exemplu, Jackie Chan și Stephen Chow ) și proiecte internaționale de producție, care vizează inițial piața internațională, prețul de producție. dintre care pot ajunge până la 20 milioane USD sau chiar depăși această cifră, dar sunt o excepție rară de la regulă [2] . În același timp, totuși, ar trebui să se țină cont de nivelul tradițional mai scăzut de plată pentru actori și costurile de asigurare și de puterea de cumpărare locală a dolarului din Hong Kong, care face posibilă filmarea unor filme care nu sunt inferioare celor occidentale în ceea ce privește de excelenţă tehnică şi calitate vizuală.
La fel ca cinematograful de la Hollywood, cinematograful din Hong Kong, până de curând, a folosit pe scară largă un sistem de „vedete” găsit sau „hrănit” de studiouri (de exemplu, prin deschiderea unor cursuri de actorie precum Cursul de pregătire pentru actori din sud, deschis în 1963 de către Shaw Brothers la începutul anilor 1960, a început cariera unor actrițe precum Li Jing , Fang Ying și altele) și a lucrat pentru ei în baza unor contracte exclusive pe un program destul de strâns, astfel încât filmografia unui actor sau actriță într-un an putea atinge cifre duble (ca o actriță copil Fung Popou, care a jucat la începutul anilor 1960 când avea 6-7 ani, în 30 sau mai multe filme pe an [5] [6] ).
Timp de zeci de ani, cinematograful din Hong Kong a fost foarte utilizat în schema de filmare Motor Only Shot , unde filmul este filmat inițial „în tăcere”, iar dialogul și alte efecte sonore sunt adăugate ulterior într-un proces separat post-scoring .
În contextul tensiunii filmului comercial și al unui buget mic (cu toate acestea, munca unor giganți precum Shaw Brothers [3] s-a bazat și pe această tehnică ), această abordare a făcut posibilă filmarea filmelor mai rapid și mai eficient decât „ sincronă”, uneori chiar fără un scenariu terminat, cu crearea dialogului final deja în curs de punctare.
Abordarea a fost deosebit de relevantă atunci când se foloseau actori cu diferite dialecte native care coexistau în Hong Kong, dar a fost aplicată și atunci când toți actorii aveau dialectul potrivit, în special în filmele muzicale, unde cel puțin părțile vocale erau foarte des exprimate în spatele ecranului „stelele”. „de către alți actori. Unul dintre exemplele tipice: în genul huangmei , care a fost foarte popular la sfârșitul anilor 1950 și 1960, bazat pe opera chineză „ mandarin ”, de la o serie de actrițe cunoscute în ea - Lin Dai , Li Lihua (de asemenea, o cântăreață celebră ), Lin Po, Li Jing, Zheng Peipei , Ren Jie, Betty Le Di - doar Ivy Ling Po (Ling Bo) a cântat pentru ea însăși , în timp ce majoritatea celorlalți au „vocalizat” în mod regulat fie pentru ea (în filme în care nu a jucat ). în ea însăși) sau Jing Ting; Jiang Hong a interpretat multe dintre rolurile masculine din culise.
În post-scoring, dublarea filmului în „limba maternă” (din anii 1950 până la mijlocul anilor 1980, mai ales mandarină , înainte și după - în principal cantoneză ) a mers în paralel cu dublarea și subtitrarea filmelor pentru piețele externe, deoarece precum și occidentale (în engleză, franceză etc.), precum și piețele suplimentare din Asia de Sud-Est care sunt caracteristice filmelor lui Shao, inclusiv, pe lângă regiunea „chineză” în sine, Singapore, Malaezia și Indonezia cu limbile lor respective. [3] .
Abia din a doua jumătate a anilor 1990, această tradiție a început să fie înlocuită cu dublarea predominant sincronă , care a devenit acum norma.
În prima jumătate a secolului al XX-lea, cinematograful din Hong Kong a jucat un rol secundar în comparație cu China continentală, în special cinematograful din Shanghai, capitala cinematografiei chinezești din acea perioadă. Din cele peste 500 de filme produse în Hong Kong înainte de al Doilea Război Mondial, doar patru copii au supraviețuit [7] . Având în vedere acest lucru, datele documentare despre cinematograful din acea perioadă sunt extrem de sărace și pline de lacune.
Actorii chinezi de operă ca pionieri ai cinematografiei din Hong KongCa și în alte părți ale regiunii chineze, primele filme sunt strâns asociate cu opera chineză , principala formă de artă a spectacolului din China timp de câteva secole. Două filme considerate în general a fi primele care au fost filmate în Hong Kong, comediile scurte Roast Duck Kidnapping și Right a Wrong with Earthenware Dish , au fost adaptări ale operelor de comedie ale actorului și regizorului de scenă Liang Shaopo , cu asistența rusului. producătorul american născut Benjamin Brodsky (uneori scris ca Polaski din cauza problemelor de transcriere inversă) și cinematografia de Brad Chomsky. Rolurile au fost interpretate de însuși Liang Shaopo, Huang Zhongwen și Li Beihai, iar filmările au implicat muzicieni și asistenți din Hong Kong, cu toate acestea, recunoașterea lor ca „primele filme din Hong Kong” este adesea contestată din cauza companiei de producție care nu este Hong Kong. [8] .
Laurii pentru primul lungmetraj din Hong Kong sunt de obicei dați lui Zhuangzi Tests His Wife, , adaptat tot după o operă și asistat de Brodsky. Filmul a fost regizat și jucat de colegul lui Liang Shaopo, Li Minwei , cunoscut în viitor drept „Tatăl cinematografului din Hong Kong”, fratele său a jucat rolul soțului (Zhuangzi), iar soția sa a jucat rolul secundar de servitoare, făcând a fost prima actriță din cinematografia chinezească care a întrerupt o tradiție de lungă durată a neamestecării sexelor pe scenă [9] . Zhuangzi a fost primul și singurul film din China American Film , fondat de Lee și Brodsky , primul studio de film din Hong Kong, și nu a fost niciodată proiectat în afara teritoriului său [10] .
În 1914, dezvoltarea industriei cinematografice în Hong Kong a fost grav îngreunată de izbucnirea Primului Război Mondial , deoarece Germania era la acea vreme principalul furnizor de filme pentru colonie [4] . Abia în 1923, frații Li, împreună cu Liang Shaopo, au fondat Minxin Film Company (alias China Sun Company ) - prima companie de producție din Hong Kong cu o administrație, conducere și personal în întregime chineză, dar deja în 1924 erau forțați să-și transfere activitățile în China continentală din cauza interzicerii guvernului Hong Kong-ului britanic privind organizarea de producții cinematografice în colonie [11] .
Intrarea în era filmului sonorStăpânind noile tehnologii ale cinematografiei sonore împreună cu întreaga lume la începutul anilor 1930 , cinematograful se confruntă cu problema comună pentru regiunea chineză a abundenței dialectelor vorbirii orale cu un limbaj scris comun sau foarte asemănător pentru toți. Fiind una dintre principalele zone ale dialectului cantonez, Hong Kong, în stadiul inițial de dezvoltare a industriei sale cinematografice, devine și principalul centru al cinematografiei în limba cantoneză, care este influențat și de evenimentele care au loc în China continentală: măsurile guvernului Kuomintang de a introduce forțat chineza de nord ca limbă unică și unică comună și expulzarea efectivă a artelor spectacolului vorbitoare de cantoneză. Aproximativ în aceeași perioadă, Kuomintang a interzis și genul popular de wuxia ca promovând divertismentul ușor, fantezia, violența și anarhia. Deoarece au rămas populare în ciuda interdicției, Hong Kong-ul britanic devine o nișă convenabilă pentru dezvoltarea ulterioară gratuită a ambelor.
Filmele bazate pe opera cantoneză s-au dovedit a avea și mai mult succes decât wuxia în aceste condiții și au format principalul gen al cinematografiei din Hong Kong în anii 1930. În acest context, se dezvoltă o serie de studiouri importante, inclusiv Grandview , Universal , Nanyue și Tianyi ; Ultima dintre acestea este „prima filmare” pe pământul Hong Kong a afacerii de film a clanului de familie al fraților Shao , începută în 1924 în Singapore , care a devenit ulterior cea mai influentă companie din industria cinematografică din Hong Kong [11] .
Influența celui de-al doilea război chino-japonezUn alt factor important care a avut un impact atât pozitiv, cât și negativ asupra cinematografiei din Hong Kong în anii 1930 și 1940 a fost războiul chino-japonez din 1937-1945, care a provocat un val de filme patriotice / de eliberare națională; Exemple notabile de filme din această perioadă includ, în special, Life Line (生命鏡, 1935) dir. Kuan Manchkin, Hand-to-Hand (1937) de Chiu Susan și Guerrilla March (1938) de Sitou Waiman . Genul și industria cinematografică în ansamblu au fost, de asemenea, alimentate de imigrarea unui număr de actori și studiouri de film în Hong Kong, când Shanghai (primul centru cunoscut al industriei cinematografice chineze) a fost capturat de trupele japoneze în 1937.
Dezvoltarea a fost întreruptă când Hong Kong-ul a fost capturat de japonezi în decembrie 1941. Cu toate acestea, spre deosebire de China continentală, în Hong Kong ocupanții japonezi nu au reușit să organizeze producție de film colaboraționist și au reușit să lanseze o singură bandă de propagandă, The Attack on Hong Kong (alias The Day of England's Collapse , 1942) înainte de restabilirea stăpânirii britanice. în 1945 [11] . O lovitură mai gravă adusă industriei cinematografice din Hong Kong și mai ales istoriografiei acesteia a fost prelucrarea stocului de film din multe filme de dinainte de război pentru a obține nitrat de argint în scopuri medicale militare [7] .
Dezvoltarea postbelică a cinematografiei din Hong Kong, precum și alte aspecte ale industriei sale, a fost catalizată de fluxul continuu de capital, capacități organizatorice și personal (manageri, regizori și actori) din China continentală, care s-a intensificat mai ales pe fondul a doua etapă a războiului civil din China și preluarea puterii de către forțele PCC și a schimbat semnificativ „centrul de masă” al cinematografiei în limba chineză. Importanța cinematografiei din Hong Kong a fost sporită și de dezvoltarea distribuției de filme produse în afara coloniei în sine - către țările din Asia de Sud-Est și diasporele chineze din țările occidentale [12] .
Dezvoltarea cinematografiei în diferite dialecteSpre deosebire de stadiul incipient (la început „tăcut”, cu subtitrări în chineză scrisă, care sunt în general de înțeles pentru toate dialectele , și mai târziu în principal în cantoneză , care este originară din Hong Kong ), dezvoltarea postbelică a cinematografiei din Hong Kong a continuat în paralel în două dialecte principale, de fapt, reprezentând două industrii cinematografice independente - în cantoneză și Putonghua , limba maternă a majorității coloniștilor din China continentală (fără a lua în considerare și existența cinematografiei în alte dialecte, precum Southern Min/Hokkien). ) [13] . Filmele în nordul Chinei („mandarin”), de regulă, s-au remarcat printr-un buget mai mare și o producție „bogată”, ceea ce s-a explicat atât prin experiența și capitalul adus de regizorii „Shanghai”, cât și prin concentrarea lor, inclusiv pe piata externa. Timp de zeci de ani, filmele cantoneze, deși mai numeroase în unii ani, au rămas „un al doilea nivel” [9] .
În 1963, guvernul britanic al coloniei a introdus cerința de a furniza filme cu subtitrare în engleză (probabil din motive de cenzură și control). Forțați să respecte ordinul, realizatorii de film au adăugat subtitrări în chineză în paralel, ceea ce le-a sporit disponibilitatea pentru alte dialecte și a crescut piața internă pentru ambele direcții ale cinematografiei din Hong Kong [4] . O consecință neașteptată a subtitrarii „interne” în engleză a fost popularizarea filmelor din Hong Kong în Occident.
Filme cantoneze din anii 1940-1960În anii 1940-1960, cinematograful în limba cantoneză a continuat să fie dominat de opera cantoneză . Cele mai cunoscute vedete ale acestui gen sunt duo-ul format din actrițele Yam Gimfai și Pak Siutsin (deseori numite pe scurt „Yum-Pak”), dintre care prima s-a specializat în interpretarea unor roluri masculine (“ man-mo-san ”). ” în terminologia operei cantoneze). Yam și Pak au apărut împreună în peste cincizeci de filme, dintre care The Purple Hairpin (1959) este cel mai popular și mai durabil .
Genul emergent de filme de arte marțiale cu buget redus este, de asemenea, popular , printre care seria record de filme despre eroul popular Huang Feihong , cu Kuan Takhin (de asemenea, inițial un star de operă cantoneză) în rolul principal, inclusiv aproximativ 80 de filme, începând cu The True Story of Huang Feihong (1949) și înainte de Dreadnought (1981) [14] . Puțin mai puțin populare sunt serialele de filme fantezie wuxia, adesea cu efecte speciale desenate manual direct în cadrele filmului, cum ar fi Lordul lăută cu șase degete (1965), cu tânăra actriță Connie Chan în rolul principal din tinerețe. [15] (și mai târziu filme cu alți reprezentanți ai „Șapte prințese cantoneze”, până la cel mai tânăr Fung Popou , tot în roluri juvenile), precum și melodrame de familie contemporane.
Filmele mandarine și rivalitatea Shaw Brothers - CathayCei mai mari producători de film în mandarină în anii 1950 și 1960 au fost două companii de film concurente, Shaw Brothers Studio și Motion Picture and General Investments Limited ( MP&GI , mai târziu cunoscută ca afacerea principală din Singapore ca Organizația Cathay ). Soții Shaw au câștigat competiția în 1964, când fondatorul și șeful MP&GI , Lok Wan Thou într-un accident de avion împreună cu majoritatea administrației. Cathay a rămas pe linia de plutire ceva timp sub conducerea ginerelui său Chew Kwoklen , dar în cele din urmă și-a încheiat propria producție de film în Hong Kong la începutul anilor 1970 [4] .
La fel ca filmele cantoneze, cinematograful „mandarin” din anii 1950 și o mare parte din anii 1960 se caracterizează prin dominația așa-numitului „cinema pentru femei”; Melodramele romantice sunt populare, în special, Red Bloom in the Snow (1956), „ Endless Love ” (1961), „ Azure și întuneric ” (1964, lansat în cinematografe în 1966). De asemenea, populare sunt muzicale de tip Hollywood, caracteristice MP&GI/Cathay , cum ar fi Mambo Girl (1957) și The Wild, Wild Rose (1960). Un fenomen în cinematograful din Hong Kong din anii 1960 este genul muzical-dramă Huángméidiào (黃梅調) sau „opera huangmei”, bazată tot pe o varietate de operă chineză, „echilibrând” opera cantoneză; Shaw Brothers The Love Eterne (1963), care a doborât recorduri în toată Asia de Sud-Est , este încă un clasic al genului și este inclus în clasicii cinematografiei mondiale. Genul huangmei se suprapune adesea cu cinematograful istoric costum, cum ar fi în Regatul și frumusețea (1959; filmele din ambele exemple din urmă sunt regizate de unul dintre cei mai faimoși regizori ai studioului, Li Hanxiang ).
De la mijlocul anilor 1960, Frații Shaw , în calitate de creatori de tendințe, au schimbat treptat tendința generală a cinematografiei din Hong Kong a vremii de la un „feminin” mai muzical/liric la unul „masculin” mai dur, reinventând genul wuxia cu mai realist și mai realist. acțiune cruntă, dar și cu personaje mai acrobatice și performanță generală plină de culoare. Acest lucru se întâmplă pe fundalul unei pierderi parțiale de audiențe în fața televiziunii, influențată de valul de popularitate al filmelor jidaigeki importate din Japonia [ 15] . Cele mai emblematice filme ale acestei perioade sunt Trilogia Templul Roșu de Lotus a lui Xu Zenghong (1965-1967; primul film al trilogiei a fost și primul film color wuxia); „ Drink with Me ” (1966) și Tavern at the Dragon's Gate (1967) filmate în Taiwan de regele Hu ; „Tânărul tigru” (1966), „ Swordsman cu un singur braț ” (1967) și „ Rândunica de aur ” (1968) de Zhang Che . Din aceeași direcție aparține și drama de luptă „ 14 Amazons ” din 1972, bazată pe ciclul legendelor dinastiei Song .
La începutul anilor 1970, piața filmelor din Hong Kong a fost practic monopolizată de companiile de film mandarin, Shaw Brothers conducând drumul, singurul mega-studio rămas după dispariția lui Cathay . Cinematograful în cantoneză, care este originar de majoritatea hongkonghezilor, practic dispare, atât pe fundalul cinematografiei mandarine și al televiziunii în limba cantoneză, care au devenit disponibile pe scară largă în 1967, cât și în termeni absoluti: de exemplu, în 1972, nici măcar un S-a realizat film cantonez [12] .
Cinematograful în limba cantoneză a revenit din 1973, urmând un curs către teme și portrete mai familiare ale Hong Kong-ului contemporan și ale oamenilor săi. Oricât de paradoxal ar părea, primul pas în acest sens a fost făcut de „concurenți”, sub forma filmului „House of 72 Tenants” , bazat pe piesa populară și produs de Frații Shaw pentru a „promova” actorii TV ai companiei de televiziune pe care au co-fondat-o la sfârșitul anilor ’60 TVB . Filmul a fost singurul film în limba cantoneză realizat în 1973, dar a devenit un succes neîndoielnic [4] , iar ulterior a intrat pe lista celor mai bune 100 de filme chinezești întocmite în 2005 de comitetul de organizare al premiilor de film din Hong Kong [16] .
O revigorare activă a cinematografiei din Hong Kong în cantoneză începe cu comediile foștilor vedete TVB , frații Huey - actor, regizor și scenarist Michael , actorul și cântărețul Sam și actorul Ricky Hyoy . Motivul mutării a fost declarat de ei în trailerul filmului lor Gamblers' Games (1974): „Filme făcute de tineri entuziaști cu tine în gânduri”. Atractia filmului pentru publicul local a dat roade - taxele „rapide” ale „Jocurilor...” din Hong Kong s-au ridicat la peste 6,25 milioane de dolari Hong Kong [17] , doborând toate recordurile anterioare de box office locale. Filmele fraților Huey au făcut și ele un fel de revoluție, permițându-și pentru prima dată o satiră asupra realității contemporane a clasei de mijloc în creștere, ale cărei vise de succes material au transformat treptat vechea colonie britanică într-o zonă industrială modernă [11] . De atunci, producția cinematografică cantoneză și, în special, a comediei cantoneză a crescut brusc, lăsând treptat producția de film mandarin ca un outsider, care a durat într-un ritm comparabil până la începutul anilor 1980, dar în prezent este destul de rară în Hong Kong. producții propriu-zise.
Apariția și succesul Golden Harvest și al altor studiouri independenteÎn 1970, doi angajați ai conducerii companiei de film Shaw Brothers - Raymond Chow și Leonard Ho - o părăsesc și își organizează propriul studio independent Golden Harvest . Având o abordare mai flexibilă decât gigantul Shaws , Chow și Ho au semnat tineri regizori și actori în ascensiune cu idei noi și le-au oferit mai multă libertate creativă. Printre aceștia s-au numărat frații Huey deja menționați mai sus, precum și Bruce Lee , care s-a născut în SUA și s-a mutat în Hong Kong, care și-a câștigat deja faima până atunci ca inovator al artelor marțiale și o oarecare popularitate în cinema, dar nu avusese rolurile principale până atunci.
Filmat la Golden Harvest „ Big Boss ” în 1971, unde lui Bruce i s-a încredințat pentru prima dată rolul principal, precum și a organizat parțial lupta, strânge aproape 3,2 milioane USD în primele 19 zile de închiriere numai în Hong Kong [18] , primind şi taxe record în Roma , Beirut şi Buenos Aires . Succesul filmului a făcut din Bruce Lee un star de film de clasă mondială, a glorificat studioul și, de asemenea, a popularizat atât genul filmului, cât și stilul lui Bruce și al kung fu -ului în general în lume [19] .
Până la sfârșitul anilor 1970, Golden Harvest a devenit unul dintre cele mai influente studiouri din Hong Kong. Primul mare succes al unui film cu Bruce Lee în rolul principal în anii următori a fost urmat de alții - „ Fist of Fury ” , „ Way of the Dragon ” (1972), „ Enter the Dragon ” (1973; în colaborare cu Warner Brothers folosind și Actori americani) - fiecare dintre acestea stabilește noi recorduri de colecție în Hong Kong și în multe părți ale lumii, în special în Asia, unde pentru mulți a simbolizat spiritul rebel asiatic [19] . De fapt, colaborarea dintre Golden Harvest și Bruce Lee joacă un rol cheie în deschiderea piețelor externe pentru producția de film din Hong Kong. Moartea lui Bruce în circumstanțe misterioase la mijlocul anului 1973 îl transformă în cele din urmă într-o figură de cult. Un fel de moștenire secundară a lui este crearea unui număr de „filme kung fu” atât cu imitatorii săi, cât și cu actori care, cu poziționarea lor inițială în aceeași calitate, își aleg propriul drum de film - unul dintre ultimii la sfârșit. al deceniului este tânărul Jackie Chan , care, cu stilul său „comedie-combat”, devine unul dintre campionii de box office din Asia de Est pentru următorii douăzeci de ani [12] [20] .
În urma ascensiunii cinematografiei cantoneze și a filmelor de kung fu și a succesului Golden Harvest , alți producători independenți și studiouri de film tinere sunt, de asemenea, promovate. Era vechilor giganți ai filmului se estompează; cu toate acestea, Frații Shaw au continuat să facă filme până în 1985, înainte de a face în sfârșit trecerea la televiziune [11] .
Alte tendințe emergenteExpansiunea rapidă a limitelor a ceea ce este permis în cinematografia mondială a influențat și Hong Kong-ul, unde un gen de filme erotice cu o aromă specifică, cunoscut și sub numele de fengyue (probabil din 風月, fēngyuè - aprox. „lună vântului” ), este în curs de dezvoltare, devenind rapid unul dintre produsele populare ale industriei cinematografice locale. Spre deosebire de multe țări occidentale, în Hong Kong, erotica nu s-a dezvoltat separat de altele ca un „gen rușinos”, a fost destul de o parte din curentul principal și adesea s-a intersectat cu genurile de arte marțiale cu diferite grade de violență, costume- dramă istorică sau comedie [4 ] [11] . Există multe filme erotice din Hong Kong realizate de regizori precum Ho Fan (unul dintre fondatorii genului; de asemenea, un actor și regizor mainstream, în prezent un cunoscut artist foto), Cho Yuen , care a devenit faimos pentru film adaptări ale povestirilor clasice chinezești Li Hanxiang .
În aceiași ani, au fost filmate o serie de filme de cinema social acut, dedicate unor teme precum prostituția ( The Call Girls , Lina ), bomba atomică (Hiroshima 28), fragilitatea civilizației moderne ( Ieri, Azi și Mâine ). [11] . Tendința este îmbunătățită și mai mult în opera lui Tang Shuxuan , prima regizoare notabilă din Hong Kong, care a devenit un pionier local al cinematografiei de artă critice din punct de vedere social (în special, în The Arch (1970) și interzisă de colonialismul autorităților de 30 de ani, China Behind (1974) despre imigranții din China în timpul „ revoluției culturale ” la Hong Kong) și este considerat unul dintre predecesorii „ Hong Kong New Wave ” [12] .
Anii 1980 și începutul anilor 1990 sunt perioada de glorie a cinematografiei din Hong Kong în forma sa modernă - în principal cantoneză, folosind tehnologii moderne și efecte speciale , cu o varietate de genuri desfășurate în deceniul precedent, inclusiv arte marțiale, genuri muzicale chinezești, comedie, erotică. , misticism și drama criminală - toate acestea atât separat, cât și într-o intersecție eclectică , până la utilizarea tuturor acestor genuri într-un singur film.
Industria cinematografică din Hong Kong devine una dintre puținele capabile să concureze pentru popularitatea globală cu influența în creștere a Hollywood -ului . De fapt, ea domină deja regiunea sa din lume, Asia de Est și de Sud-Est ; filmele regizorilor din Hong Kong, prevăzute cu titluri în limbile respective, ocupă locul principal la box office din Thailanda , Singapore , Malaezia , Indonezia și Coreea de Sud . Taiwanul devine o piață pentru cinematograful din Hong Kong, care nu este inferioară ca importanță față de cea internă; cele mai multe dintre premiile pentru „cel mai bun film” de la Festivalul Internațional de Film Taipei Golden Horse merg la Hong Kong, iar industria cinematografică autohtonă, cândva înfloritoare din Taiwan, este aproape de dispariție la începutul anilor 1990 pe fundalul vecinului său dominant din sud-vest [12] . Filmele din Hong Kong devin destul de populare chiar și în Japonia , care are propria sa cinematografie foarte dezvoltată și bine dotată și gravitează mai mult către producția de film american de la cele străine; în special, Jackie Chan este la mare căutare, în urma acestei popularități chiar filmează o serie de filme cu decor japonez și înregistrează (deja ca cântăreț) o serie de albume cu cântece în limba japoneză.
Există, de asemenea, o mișcare continuă spre vest, începută cel puțin cu muzicalele Fraților Shao, stimulată de moda internațională a kung-fu-ului și a altor arte marțiale din est, la începutul anilor 1970, și care se extinde acum în alte zone ale culturii chineze.
Filme de categoria a III -a Vezi și Lista filmelor din „Categoria III” din Hong Kong.În 1988, guvernul din Hong Kong a introdus un sistem de evaluare a filmelor , care a avut un efect neașteptat. Evaluarea „Categoria III” (Numai pentru adulți) devine o acoperire pentru producția în plină expansiune de filme cu conținut sexual explicit conform standardelor chineze, care, totuși, conform ratingurilor mai obișnuite din SUA, nu corespundeau cu XXX, ci cu NC-17 sau R, și se dovedesc brusc a fi sunt foarte populare atât în Hong Kong, cât și în străinătate. Până la perioada de glorie a industriei cinematografice din Hong Kong, la începutul anilor 1990, aproximativ jumătate din filmele produse în țară erau erotice softcore de Categoria III, care a apărut din fengyue din anii 1970. Cel mai faimos exemplu de erotică de categoria a III-a din această perioadă este comedia „costume-erotică” a lui Michael Mack „ Sex and Zen ” (1991), bazată pe clasicul literaturii erotice chineze din secolul al XVII-lea, romanul „ Carpet for Corporal Prayer " de dramaturgul Li Yu [21 ] (filmul este un remake al unei adaptări cinematografice mai serioase din 1986 a lui Ho Fan și, la rândul său, a provocat mai multe continuări și remake-uri). The Naked Assassin (1992) a primit, de asemenea, aprecieri internaționale și a devenit un clasic de cult al genului.
„Categoria III” devine, de asemenea, un front pentru exploatarea „la margine” și filmele de groază , adesea bazate pe incidente adevărate (de exemplu, „ The Man Behind the Sun ” (1988), Dr. Lamb (1992), The Untold Story (1993 ). ) și Ebola Syndrome (1996)), precum și filme despre activitățile și ritualurile triadelor , care includ, în special, Crime Story (1993) cu Jackie Chan [22] .
De la mijlocul anilor 1990, producția de filme de categoria a III-a, în special cele de natură erotică, a scăzut odată cu criza generală a pieței filmelor din Hong Kong și cu extinderea disponibilității pornografiei video de acasă reale , suferind cel mai mare declin. comparativ cu alte genuri [12] . Scăderea a fost mai puțin legată de dramele criminale din aceeași categorie; în anii 2000, cel puțin trei thriller-uri criminale de categoria a III-a — The Election , The Election 2 și Mad Investigator — au câștigat în Hong Kong box office semnificative, premii și succese critice.
Cinema alternativPe fundalul genurilor de masă, cinematograful alternativ de artă continuă să se dezvolte, în mare măsură influențat de Noul Val din Hong Kong și cu participarea unor reprezentanți ai acestei mișcări, precum Anne Hui și Im Ho , ca reprezentanți de seamă.
A doua jumătate a anilor 1980 a văzut, de asemenea, apariția a ceea ce este uneori denumit „Al doilea val” și a inclus personalități de film precum Stanley Kwan , Clara Lau și partenerul ei Eddie Fon, Mabel Cheung , Lawrence Ah. Mon și Wong Karvay . Ca și în cazul primului „Wave”, aceștia s-au caracterizat prin experiența școlii de film occidentale și munca la televiziune și dorința de a depăși temele și stilurile obișnuite „comerciale” [11] . Lucrările acestor regizori, în special filmele lui Wong Kar-wai cu Leslie Cheung , Tony Leung Chuwai și Maggie Cheung, în anii 1990 au câștigat o creștere semnificativă a interesului pentru cinematograful din Hong Kong la festivalurile internaționale de film non-asiatice și la festivalurile internaționale. cercurile criticilor profesionişti de film.
În anii 1990, industria cinematografică din Hong Kong a suferit un declin brusc din care nu și-a revenit încă pe deplin. Vânzările interne de bilete încep să scadă încă de la sfârșitul anilor 1980, dar publicul regional continuă să crească într-o oarecare măsură în primii ani ai următorului deceniu [11] . Cu toate acestea, până la mijlocul anilor 1990, industria este în cădere liberă; veniturile sunt cel puțin dublate. Până la sfârșitul deceniului, numărul de filme produse pe an a scăzut de la peste două sute (un deceniu maxim) la aproximativ 100 (de remarcat, totuși, că cea mai mare parte a acestei reduceri s-a datorat „categorii III” - erotic și filme porno soft [12] ) . Filmele de succes importate din SUA se află în mod regulat pe primul loc în box office-ul regional pentru prima dată în decenii. În mod ironic, aceasta a fost aceeași perioadă în care cinematograful din Hong Kong a început să intre în mainstreamul publicului american și să „exporte” realizatorii de film populari la Hollywood.
Au fost citați o serie de factori care au contribuit la criză, printre care:
Deschiderea mai completă a pieței Chinei continentale pentru cinematograful din Hong Kong după revenirea sa în RPC de la dominația britanică a adus câștiguri mai mici decât se aștepta, împreună cu probleme suplimentare (în special legate de cenzură).
Unul dintre cei mai răi ani din istoria recentă a filmului din Hong Kong a fost 2003. Pe lângă un declin general în curs de desfășurare, focarul de „ SRAS ” în regiunea chineză a lăsat un număr de distribuitori practic fără audiență timp de luni de zile și a oprit practic producția de filme la multe garsoniere timp de 4 luni; doar 54 de filme au fost lansate într-un an [23] . Moartea timpurie a doi vocaliști și actori de film celebri - Leslie Cheung (la 46 de ani) și Anita Mui (la 40 de ani) - a adăugat doar vești proaste unui fundal deja negativ.
Pentru a încuraja sponsorizarea industriei cinematografice de către băncile locale și alte instituții financiare, guvernul din Hong Kong a înființat așa-numitul Fond de garantare a filmului în 2003 , dar finanțatorii care consideră că investiția în producția modernă de film din Hong Kong este riscantă și subfinanțată de garanții în general, întreprinderea a fost primită cu puțin entuziasm. Scepticismul a fost întărit și mai mult de faptul că reglementările sale s-au bazat pe experiența Canadei , care are puțină aplicabilitate în industria locală.
Poziția actualăRezultatele eforturilor regizorilor locali de a reorganiza industria cinematografică din Hong Kong în ansamblu au fost mixte. Tendințele relativ de succes includ utilizarea pe scară largă a efectelor vizuale avansate din punct de vedere tehnic, inclusiv cele bazate pe grafica computerizată, utilizarea metodelor de marketing în masă în stil Hollywood și implicarea interpreților prietenoși din Cantopop ca actori pentru filme pentru adolescenți . Succese relativ mari la sfârșitul anilor 1990 și începutul anilor 2000 au fost filmele de acțiune în stil american de înaltă tehnologie Downtown Torpedoes (1997), Gen-X Cops și Purple Storm (1999); subgenul Triad kids , lansat în Young and Dangerous (1996); comedii romantice orientate spre yuppie The Truth About Jane and Sam (1999), Needing You… (2000), Love on a Diet (2001); filme de groază , adesea modelate după renașterea internațională a genului film japonez în special? Horror Hotline: Big-Head Monster (2001) și The Eye (2002).
În anii 2000, au existat exemple atât de tendințe, cât și de cineaști a căror activitate trezește un interes stabil al publicului. Printre acestea se numără Milkyway Image , fondată de realizatorii Johnny To și Wai Kafai la mijlocul anilor 1990, ale căror filme, în special drame criminale precum The Mission (1999) și The Run of Destiny (2003), au câștigat recenzii pozitive. și un succes comercial semnificativ. Un exemplu și mai bun al genului a fost Infernal Affairs (2002–2003), o trilogie de thrillere polițienești regizate de Andrew Lau și Alan Mack, care a stat la baza remake-ului american câștigător al Oscarului The Departed . Încă o dată, ei bat recorduri de taxe locale și, în unele locuri, străine și primesc o serie de premii din Hong Kong și internaționale, filmele lui Stephen Chow „ Shaolin Football ” (2001) și „ Kung Fu Showdown ” (2004 ) saturate cu umor specific regizorului și efecte speciale ). Filmele de categoria a III-a „Triad” de Johnny To „The Election” și „The Election 2” primesc și ele un box office de invidiat, recenzii pozitive și un rating foarte mare la peste 95% „Fresh” la Rotten Tomatoes [24] , etc.
Cu toate acestea, o serie de cercetători consideră că, ținând cont de declinul industriei și de dezvoltarea activă a legăturilor economice și politice dintre Hong Kong, care l-a perceput ca China și Taiwan, secolul cinematografului din Hong Kong ca o ramură specifică a industria filmului mondial (originată în anii 1930 și evidențiată în mod strălucitor după cel de -al Doilea Război Mondial ), se apropie treptat de sfârșit. Granițele dintre industria cinematografică din Hong Kong și China continentală devin din ce în ce mai neclare, în parte din cauza căderii ideologizării și a concentrării tot mai mari pe lansarea de filme de divertisment de masă în China însăși. Ramurile cinematografiei din regiunea de limbă chineză converg unele cu altele, rezultatul probabil fiind fuziunea lor în cinematografia „chineză generală” [25] .
Numele date sunt selectate în funcție de premiile pentru cel mai bun regizor al Hong Kong Film Awards (din 1982), pentru anii anteriori - tot în funcție de premiile „Hong Kong” din aceeași categorie a Festivalului de Film Taipei Golden Horse , cu adăugarea unor alți regizori din Hong Kong cunoscuți în box office-ul sovietic / rus, precum și primii regizori din Hong Kong, care au contribuit sistematic la dezvoltarea cinematografiei, acționând înainte de introducerea sistemului de premiere a filmului. Aranjament - în ordinea alfabetică a numelor de familie.
(o listă mai completă de referințe în limbi europene este conținută în versiunea în limba engleză a articolului)