Imagine

Un desen (prin rysowac polonez din Orientul Mijlociu german rizen  - to cut, draw) este o imagine pe un plan creată prin mijloace grafice .

Desenul este baza structurală a formei percepute vizual, baza imaginii vizuale a obiectului perceput. În acest sens, termenul „desen” este apropiat de conceptele – contur, contur, contur. Artistul Renașterii italiene timpurii, Piero della Francesca , în tratatul său „Despre perspectiva în pictură” (între 1460 și 1480) scria: „Prin desen înțelegem profile și contururi, care sunt cuprinse în lucruri” [1] . Cu toate acestea, un desen nu este doar o „formă”, ci și o reprezentare a designului unui obiect în calitățile sale tridimensionale. Un desen, ca imagine structurală a unui obiect observat, se formează în mintea pictorului, chiar înainte de începerea procesului vizual și, prin urmare, poartă un început rațional, intelectual.

Desenul în artele vizuale este baza structurală a formelor grafice, picturale, sculpturale și arhitecturale. Cunoașterea desenului (designul obiectului) mediază percepția vizuală a suprafeței exterioare a formei, prin urmare percepem obiectul nu numai așa cum este văzut, ci existent efectiv în spațiu. De exemplu, dacă vedem un cerc, atunci datorită percepției logico-tactile, ne putem imagina ca pe o minge. Observând combinații de pătrate, le putem imagina ca pe un cub spațial. Într-o astfel de percepție intelectuală, liniile de rupere ale obiectului creează o reprezentare a direcționalității formei. O astfel de reprezentare poate fi realizată în diverse moduri: într-o schiță direct din natură, o schiță, un studiu , o schiță pregătitoare a unei compoziții pentru pictură, sculptură, schiță de căutare în procesul de proiectare arhitecturală și de design [2] .

Desenul este, de asemenea, un tip separat de artă plastică, un fel de grafică . Istoria sa merge din cele mai vechi timpuri. Istoria academică a artei plastice începe de obicei cu invenția desenului. Alegoric, ținând cont de puterea de structurare a desenului, vorbim despre desenul unei compoziții muzicale și chiar despre desenarea unui text poetic.

Desenul este întotdeauna un stâlp și o busolă care ne ghidează pentru a nu ne lăsa să ne înecăm în oceanul de vopsea, unde mulți se îneacă, dorind să găsească mântuirea.

Charles Lebrun
pictor francez din secolul al XVII-lea

Istoria interpretării termenului

Dualitatea conținutului conceptului de „desen” (ca bază a formei percepute și ca bază a imaginii formei) este cuprinsă în una dintre primele definiții formulate de celebrul istoriograf al Renașterii italiene, Giorgio . Vasari :

„De la desen, părintele celor trei arte ale noastre, arhitectura, sculptura și pictura, având originea în înțelegere, trage un concept general din multe lucruri, asemănător cu forma sau ideea tuturor creaturilor naturii, atribuindu-i fiecare măsura sa, rezultă că el recunoaște proporțiile întregului cu părțile și ale părților între ele și cu întregul, nu numai în corpurile umane și animalele, ci și în plante, precum și în clădiri, sculpturi. și tablouri. Și întrucât din această cunoaștere se naște un anumit concept și judecată, astfel încât în ​​minte se formează ceva, care, fiind apoi exprimat prin mâini, se numește desen, atunci putem concluziona că acest desen nu este altceva decât o expresie vizibilă și explicarea conceptului care există.în suflet, pe care omul și-a imaginat-o în minte și care a fost creat în idee” [3] .

Cea mai faimoasă definiție a artei de a desen îi aparține marelui Michelangelo Buonarroti :

„Desenul, care se numește altfel arta schiței, este punctul cel mai înalt al picturii, sculpturii și arhitecturii; desenul este sursa și sufletul tuturor felurilor de pictură și rădăcina tuturor științei. Cuiva care a realizat atât de mult încât a stăpânit desenul, îi voi spune că deține o comoară valoroasă, pentru că poate crea imagini mai înalte decât orice turn, atât cu pensula, cât și cu mintea, și nu va întâlni un zid care ar să nu fie prea îngust și mic pentru nemărginirea imaginației lui” [4] .

În epoca Renașterii italiene, cuvântul „desen” ( il disegno ) însemna, în primul rând, ideea, intenția, planul care a precedat lucrarea în material. Mai târziu, a apărut un concept apropiat de conchetto (gând, idee), iar apoi - invenție (compunere, invenție). Înainte de răspândirea acestor termeni, artistul și teoreticianul italian Cennino Cennini , în Cartea artei (circa 1390), a folosit definițiile: disegno interno (desen intern) și disegno esterno (desen extern). Aceste concepte corespund termenilor francezi: dessin (desen) și dessein (design, concept), care merg direct la latinescul de-signare (definește, desemnează; de aici și designul englezesc , cuvânt care este folosit în multe sensuri: design). , idee, denumire a funcției, design, desen). Teoreticianul manierismului italian F. Zuccaro a fundamentat și conceptul de „desen interior”, explicând în același timp: „Un desen nu este nici materie, nici corp, nici proprietate a vreunei substanțe, ci ... este o formă. , idee, ordine, regulă sau subiect al intelectului, în care sunt exprimate lucruri înțelese. Rezultatul interacțiunii „înțelegerii” și „expresiei” este o „reprezentare universală” ( disegno universale ) – „o imagine ideală formată în minte și apoi exprimată și clarificată printr-o linie sau alt mod vizual”. Prin urmare, desenul ( disegno ) înseamnă ( segna ) și arată forma obiectului. De aici și etimologia inventată de Zuccaro: „Disegno - segno di Dio in noi” (it. „Desenul este un semn al lui Dumnezeu în noi”). Mulți artiști au subliniat că desenul nu este atât o formă de reprezentare, cât o modalitate sau un instrument de gândire creativă. Iubitor de aforisme , Edgar Degas , coleg și, în același timp, oponent al impresioniștilor francezi, îi plăcea să repete: „Desenul nu este o formă, ci un mod de a vedea”. Academicianul J.-O. D. Ingres a formulat conceptul de desen în mod pragmatic: „Desenul este o linie, asta-i tot” [5] .

Multă vreme în istoria artei, desenul a rămas doar un instrument, un instrument auxiliar în etapele pregătitoare ale lucrării unui pictor, sculptor, arhitect și nu a fost privit ca o formă independentă de artă plastică. După încheierea lucrării, artiștii au aruncat chiar și schițele pregătitoare și schițele de care nu aveau nevoie. Și abia la începutul secolului al XX-lea, concomitent cu dobândirea specificului limbajului pictural prin gravură și litografie, desenul a căpătat o valoare artistică autonomă. În același timp, s-a dezvoltat terminologia profesională și, în special, utilizarea expresiilor: desenează cu un creion sau un stilou și scriu cu vopsele.

Tipuri de desen

Istorie

Istoria artei plastice acoperă cel puțin 30 de mii de ani de existență a Homo sapiens pe Pământ. Cu toate acestea, primele desene realizate cu cărbune și ocru pe pereții peșterilor, precum și petroglifele și geoglifele, nu sunt opere de artă în sensul modern al cuvântului, deoarece funcțiile lor sunt sincretice. Înainte de formarea unui simț estetic și de autodeterminare a conținutului artistic, creativitatea omului primitiv avea un caracter sincretic, toate funcțiile sale existau inseparabil. În mitologia antică, originea desenului și a artei plastice în general este asociată cu așa-numita „ Legenda lui Butad ”.

Vânătorii primitivi au înfățișat în principal turme de animale sălbatice - tauri și cai, uneori cu figurine de oameni, și chiar „modelul natural al fiarei” (precursorul artei sculpturii) a fost folosit în scopuri magice, rituale, educative. De asemenea, Cro-Magnonii (oameni de tip modern, o specie apărută în urmă cu 40 de mii de ani) au pus amprente de mâini pe pereți cu ocru roșu. Astfel de desene se găsesc în toată Europa de Vest - în Franța, Spania și alte țări și, deși sunt numite artă rupestre, de fapt sunt o manifestare a activității motor-magice a omului primitiv. Ornamentația pe unelte, arme și obiecte de uz casnic a avut și o semnificație magică sau a fost o reflectare a unui sentiment motric în timpul dezvoltării metodelor tehnologice, de exemplu, în ceramica neolitică [9] .

Desenele au fost precursorii scrierii ca mesaje vizuale pentru a transmite informații vitale [10] . Desenele erau folosite ca formă specializată de comunicare înainte de inventarea limbajului scris [10] [11] . Exemple sunt picturile pe rocă din peșteri din epoca paleolitică . Astfel de desene se numesc pictograme și prezintă o reprezentare schematică a unui obiect sau fenomen. Desenele create de om în epoca neolitică sunt simplificate la un semn ( proto -scriere ) și, în cele din urmă, la simboluri (semne non-iconice) ale scrierii timpurii .

Desenul ca subiect

Percepția grafică a realității și arta de a desena bazată pe ea este rațională, consecventă și mai metodică în comparație cu percepția picturală sau viziunea plastică asupra lumii. Prin urmare, desenul stă la baza unei cunoașteri specifice a realității, a „gândirii în formă” și a predării elementelor de bază ale artei plastice de toate tipurile, tipurile și genurile. În domeniul predării desenului a fost dezvoltată din punct de vedere istoric o metodologie bazată științific. În antichitate, în Evul Mediu vest-european și în timpul Renașterii italiene, elevii lucrau în atelierul maestrului și studiau, efectuând lucrări pregătitoare sau ajutând profesorul în îndeplinirea comenzilor. Primele Academii de Arte au apărut în timpul Renașterii în Italia în legătură cu interesul emergent pentru antichitate ca bază reală a creativității artistice. Au luat naștere din comunități de meșteșuguri (artele, bresle) și ateliere de artiști - bottegas, în care studenții și ucenicii au urmat o pregătire inițială. Erau academii doar de nume, dar în a doua jumătate a secolului al XVI-lea, în perioada manierismului, care a rezumat marea epocă, a apărut nevoia unei anumite metodologii. Artele vizuale au atins un astfel de nivel de complexitate încât pentru executarea competentă a comenzilor a fost necesară studierea anatomiei plastice a figurii umane și a perspectivei, bazele compoziției unui tablou, subiectele mitologice și religioase. Arhitecții aveau nevoie să cunoască matematică, geometrie, să aibă abilități de proiectare, desen și machetare (din secolul al XVI-lea, clienții au început să ofere proiecte grafice și modele de clădiri). Aceste sarcini au început să fie rezolvate de instituții de învățământ speciale - academii. În 1585, la Bologna, frații Lodovico, Annibale și Agostino Carracci au creat „Academia celor care au pornit pe calea cea bună”. Au fost create și academii în alte orașe și țări. Școlile de pregătire a artiștilor au fost înființate de persoane private, educatori și patroni, precum și oameni de stat și monarhi. Prin urmare, în epoca clasicismului din secolele XVII-XVIII, majoritatea academiilor din țările din Europa de Vest și Rusia erau numite regale sau imperiale. În alte cazuri, universitățile sau școlile private de desen au stat la baza viitoarelor academii. Predarea s-a bazat pe desenul din gips turnat de sculptură antică, copierea originalelor grafice (desene și gravuri ale artiștilor de seamă), draperii pe manechine și șezătoare vii.

Programul academic de predare a desenului s-a bazat pe principiile „de la simplu la complex” și „de la particular la general”: mai întâi, au desenat detalii, de exemplu, gipsuri ale ochiului, urechii sau nasului, apoi capului, apoi trunchiul și numai după aceea - figura umană. Apoi au trecut la imaginea unui grup de figuri și, în cele din urmă, au învățat să „compună” o compoziție pe o anumită temă. Acest sistem vicios a fost depășit abia la începutul secolului al XX-lea și nu în academiile capitalei, ci la început în școlile și atelierele de artă private. Cele mai bune și mai faimoase dintre ele au fost școlile lui A. Ashbe și S. Holloshi din München. Acolo au fost instruiți aproape toți cei mai cunoscuți artiști, inclusiv ruși, de la începutul secolului al XX-lea. Artiști-profesori cu minte progresistă au bazat noua metodologie pe principalele prevederi ale teoriei formei de artă, dezvoltate de sculptorul și teoreticianul german Adolf von Hildebrand [12] .

În Rusia, desenul ca disciplină academică independentă s-a format mult mai târziu decât în ​​Europa de Vest. În secolul al XI-lea, în Rusia, principalele varietăți de grafică erau miniaturi de cărți și imprimeuri populare populare. Pe lângă miniaturi, meșterii au scris și decorat cu desene complicate litere mari - inițiale . Odată cu studiul alfabetizării și scrisului, elevii de la școlile monahale au studiat alfabetul acestui meșteșug [13]

Odată cu dezvoltarea miniaturii de carte în Rus', s-a dezvoltat arta picturii populare, frescele și icoanele. Pictori de icoane și fresciști au lucrat la așa-numitele originale și desene faciale. Cu ajutorul „codurilor sursă” studenții au însușit canoanele imaginilor pictării icoanelor, s-au familiarizat cu tehnica scrisului [14] . Începând cu a doua jumătate a secolului al XVII-lea în Rusia, din cauza pătrunderii influențelor vest-europene și a „ scrierii Frya ”, a fost necesară o pregătire mai complexă. În acest moment, meșterii s-au mutat de la lucrul artel la munca permanentă la curtea domnească, la biserică sau la templu. Scoli de pictură icoană au existat în moșia Stroganov din Solvychegodsk și în casa lor din Moscova, în Kremlinul din Moscova la Tsaritsyna și Armurerie, în aceasta din urmă Simon Fiodorvici Ușakov a lucrat și a predat ucenici [15] .

Formarea educației speciale în arte plastice după modelul vest-european a avut loc în secolul al XVIII-lea în legătură cu europenizarea intensivă a culturii ruse a capitalei și formarea tipurilor și genurilor de artă seculară. La începutul secolului al XVIII-lea, în timpul domniei lui Petru I , mecanicul-inventatorul A.K. Proiectul Academiei a fost dezvoltat de istoricul rus V.N. Tatishchev, arhitectul P.M. Eropkin. Cu toate acestea, odată cu moartea împăratului Petru cel Mare în 1725, aceste inițiative au fost întrerupte. „Academia celor mai nobile trei arte” rusă - pictură, sculptură și arhitectură - a fost înființată abia în 1757 la Moscova, în timpul împărătesei Elisabeta Petrovna, la inițiativa colecționarului și patronului artelor, contele Ivan Ivanovici Shuvalov. Planul pentru noua „Academie Catherine” din Sankt Petersburg a fost elaborat de I. I. Betskoy. Conform „regulamentelor” din 1764, la Academie au fost stabilite patru clase principale: pictură, sculptură, arhitectură și gravură. Clasa de pictură, la rândul ei, a fost împărțită în subclase - istoric, luptă, portret, „diferite tipuri și arhitectură”, „exerciții acasă” (pictură de zi cu zi și de gen), „toate felurile de animale”, „fructe și flori”, muzicale. artă (meșteșugul mozaic), „miniatură” și „vopsele uscate” (picturi murale „a secco” și „stucco”). Mai târziu s-au creat școli art-industriale, în care, ca și în Academii, desenul din natură a stat la baza educației [16] .

Erau foarte puțini specialiști autohtoni, așa că la început au fost invitați maeștri vest-europeni. Cu toate acestea, antrenamentul s-a desfășurat într-un mod de modă veche: copierea originalelor (eșantioane) și „punerea în scenă” îndelungată a desenului din natură. În vechea Academie Imperială de Arte (pre-reforma) din Sankt Petersburg, desenul unei producții a durat până la 100 de ore, cu o perioadă totală de pregătire (inclusiv Școala Educațională) de 15 ani. Ei predau pe principiul „fa cum fac eu”. Doi profesori erau de gardă la ore pe rând: unul lucra singur, dând un exemplu studenților, al doilea, trecând de la elev la student, „regulile muncii”; la început a „verificat conturul”, apoi a dat comanda de a trece la umbrire. Ei nu au analizat forma, ci au copiat clarobscurul pe suprafața ei, realizând asemănarea maximă cu natura, dar în același timp era necesară și idealizarea. Figurile îndesate ale șezătoarelor (de la foști țărani) au fost idealizate ca figura lui Apollo, chipurile au fost guvernate după modele antice și „divinul Rafael”. Lipsa unei metode analitice a fost compensată prin antrenament în timp. Abia mai târziu, după reforma Academiei din 1893-1894, au fost organizate ateliere personale de creație, dar metodologia academică nu a suferit modificări semnificative. Această situație este ilustrată de primul manual academic: „The Fundamental Rules, or a Brief Guide to Drawing Art” al artistului german I. D. Preisler (ediția rusă din 1735). Este de remarcat faptul că profesorii ruși au dezvoltat metodele care au fost progresive pentru vremea lor. Artiști -profesori remarcabili și desenatori remarcabili au fost Anton Pavlovich Losenko , care a publicat O explicație a scurtei proporții ale omului (1772) și Vasily Kozmich Shebuev . În 1834, artistul amator rus A.P. Sapozhnikov a publicat un „Curs de desen”, în care a propus folosirea unor modele educaționale din sârmă și carton, explicând elevilor designul obiectelor reprezentate [17] . Dintre manualele importante ale timpului lor, trebuie remarcate lucrările lui P. Basin , V. Langer . Exemple frumoase de desen, depășind metoda academică, au fost create de artiști antagoniști precum Karl Bryullov și Fyodor Bruni .

Un profesor remarcabil al Academiei de Arte a fost Pavel Petrovici Chistyakov . El a creat condițiile pentru educarea unei noi generații de studenți, printre care s-au numărat V. I. Surikov , V. M. Vasnetsov , V. A. Serov , V. D. Polenov , M. A. Vrubel . Chistyakov nu a dezvoltat un sistem metodologic complet, dar a început să predea principalul lucru: gândirea analitică. Chistyakov a susținut că este necesar să descriem un obiect „în primul rând, așa cum există și, în al doilea rând, așa cum pare ochilor noștri” (adică, combinând într-o singură imagine calitățile obiective ale naturii și condițiile specifice pentru percepția sa). Chistyakov a învățat să „deseneze dintr-un punct”, fixând direcțiile liniilor care acoperă forma în spațiu în raport cu verticala și orizontală, folosind și metoda „decupării” formei cu avioane în scurtări. V. E. Savinsky [18] [19] [20] [21] a fost succesorul direct al metodei lui Chistyakov .

O metodă progresivă, bazată științific, de predare a desenului s-a dezvoltat, însă, nu la Academia Imperială de Arte, ci la instituțiile de învățământ artistic și industrial, mai strâns legate de viață și de nevoile reale ale societății: la Școala de Desen Tehnic Stroganov din Moscova ( fondată în 1825 de contele S. G. Stroganov), la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor (în anii de conducere ai lui N. K. Roerich, 1906-1918). Mai târziu - în VKhUTEMAS-VKhUTEIN prin lucrările lui V. F. Franketti , V. A. Favorsky și P. Ya. Pavlinov [22] . La Academia de Arte din Sankt Petersburg, o metodă de predare a desenului bazată pe știință a luat contur la începutul secolului al XX-lea sub influența teoriei a două atitudini de viziune a lui A. von Hildebrand și a experienței școlii lui A. Ashbe în atelierul lui D. N. Kardovsky - N. E. Radlov. Radlov a conturat noul concept în 1913 pe paginile revistei Apollo. În 1935, a fost publicată cartea sa „Desen din viață”. Programul original de predare a desenului a fost creat în anii 1960 la V. I. Mukhina LVHPU (din 2006 - Academia de Artă și Industrie Stieglitz din Sankt Petersburg) de șeful departamentului de desen, profesorul S. A. Petrov. În MVHPU (fosta Școala de Desen Tehnic Stroganov, din 2009 - Academia de Stat de Artă și Industrie din Moscova numită după S. G. Stroganov) - artist, șef al departamentului de desen F. F. Voloshko, elev al lui A. A. Deineka. „Școala de desen al lui Stroganov”, sau „sistemul lui Voloshko”, este păstrată cu grijă de O. F. Voloshko, fiul unui metodolog și profesor remarcabil. Metoda se bazează pe conceptul de spațiu subiect și umplerea sa mentală cu volume tridimensionale, a căror imagine este realizată secvențial: de la metoda „decupării” și identificarea „fracturilor” formei (crescând la metoda a lui P. P. Chistyakov) și umplerea ulterioară a formei cu ton, ocolind copierea superficială a clarobscurului și colorarea suprafeței [23] .

Predarea desenului copiilor

După o perioadă de tulburări revoluționare și război civil în Rusia sovietică în anii 1930, sistemul de învățământ a fost restaurat și, în special, educația estetică și predarea copiilor noțiunile de bază ale artelor plastice, inclusiv cu implicarea profesorilor din vechea școală. Au fost publicate manuale despre „alfabetizarea fină”. În școlile primare și gimnaziale s-a acordat mai multă atenție dezvoltării abilităților creative ale copiilor, metodele de predare au fost completate și îmbogățite prin cercetări științifice privind psihologia creativității copiilor. În același timp, conceptul de „educație gratuită” a fost dezvoltat pe baza teoriei biogenetice a lui A. V. Bakushinsky . Cel mai important rol l-au jucat psihologia pedagogică (pedologia) și conceptul cognitiv al dezvoltării psihicului copilului dezvoltat de școala L. S. Vygotsky . Desenul în școlile secundare a devenit una dintre materiile importante care reflectă și stimulează dezvoltarea și formarea abilităților psihice, cognitive și de comunicare ale copilului.

Susținătorii direcției formaliste, care promovau teoria „educației libere”, au publicat manuale de calitate scăzută pentru școlile de învățământ general, în care materialul ilustrativ se limita la desene pentru copii. Astfel de manuale au ignorat aspectele cognitive și comunicative ale procesului de stăpânire a abilităților de desen din natură. Autorii unor astfel de manuale au avut puțin interes în abordarea științifică și tradițiile clasice ale școlii de arte plastice. Treptat, susținătorii direcției academice au început să desfășoare o muncă consecventă privind dezvoltarea întrebărilor privind metodologia de predare a desenului pentru o școală secundară. Au fost create noi programe școlare. În 1931, a fost lansat un nou program școlar, care se baza pe desenul din natură. Acest program a inclus sarcini la desen pe secțiuni tematice, desen decorativ, desen prin prezentare pentru clasele elementare și lecții de istoria artelor plastice. Printre specialiștii remarcabili în dezvoltarea metodelor de predare în școlile secundare din epoca sovietică, ar trebui să evidențiem un elev al lui P. P. Chistyakov Dmitry Kardovsky , precum și studenții lui K. A. Savitsky  - Abram Arkhipov , Nikolai Kasatkin și Konstantin Yuon .

Multipolaritatea opiniilor asupra predării artelor plastice, asupra rolului și locului acesteia în sistemul disciplinelor școlare, a devenit subiect de discuții între oameni de știință, artiști și profesori. Principiile și metodele de predare a artelor plastice au fost aprobate treptat în instituțiile de învățământ, au fost soluționate disputele cu privire la problemele desenului educațional. Facultățile de arte plastice ale universităților pedagogice au început să joace rolul principal în acest proces științific și metodologic. Timp de mulți ani, Facultatea de Arte Plastice (fostă Facultatea de Arte Grafice) a Institutului Pedagogic din Moscova a fost condusă de N. N. Rostovtsev, autorul publicațiilor despre istoria și metodologia desenului educațional. Lucrarea de organizare a elaborării de programe și manuale de desen pentru școlile secundare a fost condusă de profesorul doctor în științe pedagogice, academicianul V. S. Kuzin. El considera disciplina școlară „arte plastice” ca „o disciplină academică obligatorie, cu ajutorul căreia se rezolvă sarcinile tradiționale – educaționale, educaționale și de dezvoltare” [24] .

În anii 1960 și 1970 s-au format școli științifice, laboratoare și ateliere pentru studiul creativității artistice a copiilor la institute pedagogice și universități. Au existat școli de copii și cercuri de desen, s-a format o rețea de școli secundare de artă pentru copii supradotați. În a doua jumătate a secolului al XX-lea, S. D. Levin , S. M. Daniel , O. L. Nekrasova-Karateeva au dezvoltat noi abordări psihologice și metodologice ale creativității copiilor și ale predării copiilor în artele plastice .

Tehnica desenului

Arta desenului servește ca bază tehnică pentru toate tipurile și genurile de arte vizuale . Desenele sunt create de artiști în procesul de studiu al naturii (schițe, studiouri), când caută soluții compoziționale pentru lucrări grafice, picturale și sculpturale (schițe, cartonașe), când creează schițe pentru picturi . Metoda și tehnica desenului este studiată special de pictori, gravori, sculptori și arhitecți din cadrul disciplinei academice „desen academic”. Într-o serie de instituții de învățământ există un curs general (academic) și unul special de desen pentru arhitecți și designeri. Cu ajutorul unui desen, este posibil să transmiteți nu numai forma și spațiul tridimensional, ci și nuanțele de alb și negru pentru a desemna condiționat colorarea, textura și textura suprafeței obiectelor.

Ca și în alte tipuri de arte plastice, tehnica desenului este împărțită în mijloace vizuale, tehnici și materiale. Mijloacele vizuale includ relații tonale (contrast și nuanță), linie, contur, spot, înflorire, punct. Tehnicile de pictură includ umbrirea, întinderea (modelare în tonuri netede), umbrirea, periajul uscat și alte tehnici în funcție de materialele utilizate. Materialele sunt împărțite în bază (hârtie, carton) și desen (instrumente): creion (plumb, grafit, cărbune), „materiale moi”: cărbune , sos , sangvin , cerneală , bistre , cerneală , diverse creioane colorate ( pastel ), alb si creta rosie . Unii artiști, cum ar fi V.V. Lebedev , au folosit „funingine de lampă” (produșii de ardere ai lămpilor cu kerosen diluați în apă ). Instrumentele de desen includ, de asemenea, un pix (pix capilar), un pix tradițional din metal și chiar un pix , deși acesta din urmă nu face posibilă modelarea unei linii și a unei linii.

Vezi și

Note

  1. ↑ Masters of Art about Art: În 7 vol. - Vol. 2. - M. : Art, 1965-1970. — C. 74.
  2. ↑ Vlasov V. G. Desen, desen // Vlasov V. G. Nou dicționar enciclopedic de arte plastice: în 10 volume - VIII. - Sankt Petersburg. : Azbuka-Klassika, 2008. - C. 190-195.
  3. ↑ Vasari J. Viețile celor mai cunoscuți pictori, sculptori și arhitecți (1568). O introducere în cele trei arte ale desenului. „Despre pictură” (1) / Traducere din italiană de A. I. Venediktov, A. G. Gabrichevsky. — 1956.
  4. ↑ Această celebră declarație din partea lui Michelangelo este dată în cartea lui Francisco de Olanda „Four Dialogues on Painting” (1548), este considerată, cel puțin, o repovestire liberă a ideilor marelui maestru / Traducere și comentariu de A. G. Gabrichevsky. Citat din cartea: Masters of Art on Art. - T. 2. - M . : Art, 1966. - S. 197
  5. ↑ Vlasov V. G. Desen, desen // Vlasov V. G. Nou dicționar enciclopedic de arte plastice: în 10 volume - VIII. - Sankt Petersburg. : Azbuka-Klassika, 2008. - C. 192.
  6. ↑ Vlasov V. G. Teoria „două atitudini ale viziunii” și metodologia predării artei // Spațiul culturii. - M. : Casa lui Burganov, 2009. - Nr 3. - S. 65-76.
  7. ↑ Colecția de afișe a Muzeului de Design din Zurich, arhivată la 22 iulie 2010. // „Cum”: jurnal. - 2001. - Nr. 2 (16).
  8. ↑ Copie de arhivă Silhouette din 12 aprilie 2019 la Wayback Machine // Great Russian Encyclopedia.
  9. ↑ Stolyar A. D.  Originea artelor plastice. — M. : Art, 1985
  10. ↑ 1 2 Tversky, B. Vizualizarea gândirii  //  Topics in Cognitive Science : jurnal. - 2011. - Vol. 3 , nr. 3 . - P. 499-535 . - doi : 10.1111/j.1756-8765.2010.01113.x . — PMID 25164401 .
  11. ↑ Stephen Farthing. The Bigger Picture of Drawing: A New Curriculum, A New Pedagogy // Thinking through Drawing: Practice into Knowledge 2011  (engleză) / Kantrowitz, Andrea, Brew, Angela C. & Fava, Michelle L., eds.. - N. Y. : Teachers College, Columbia University , 2012. - (Program de educație artistică și artistică). Copie arhivată (link indisponibil) . Preluat la 4 iunie 2019. Arhivat din original la 17 martie 2014. 
  12. ↑ Hildebrand A. Problema formei în artele vizuale / Traducere de N. B. Rosenfeld și V. A. Favorsky; cuvânt înainte A. V. Vasnetsova. - M. : MPI, 1991. - 137 p.
  13. ↑ Rostovtsev N. N. Istoria metodelor de predare a desenului. - M . : Educaţie, 1981. - 51 p.
  14. ↑ Paramonov A. G. Istoria picturii icoanelor și problemele metodelor moderne de predare a picturii icoanelor - Lipetsk: Lecturi educaționale Zadonsk St. Tikhon, 2014. - S. 186-188.
  15. ↑ Ananyeva T. A. Simon Ushakov. - L. : Avrora, 1971.
  16. ↑ Vlasov V. G. Școala rusă de arte și meserii ca una dintre sursele educației moderne în design // Architecton: Proceedings of Higher Education / Architecton: Proceedings of Higher Education: revista științifică electronică. - UralGAKhA , 2009. - Nr. 2 (26).
  17. ↑ Sapozhnikov A.P.  Curs complet de desen. - M. : Aleev-V, 2003. - S. 51-53.
  18. ↑ Moleva N. M., Belyutin E. M. P. P. Chistyakov: Teoretician și profesor. - M . : Editura Academiei de Arte din URSS, 1953. - 229 p.
  19. ↑ Moleva N. M., Beliutin E. M. Pavel Petrovici Chistyakov: 1832-1919. - M . : Art, 1954. - 60 p. - (Biblioteca de masă)
  20. ↑ Expoziție de lucrări de Pavel Petrovici Chistyakov și lucrări educaționale ale elevilor săi V. M. Baruzdina, V. E. Borisov-Musatov, A. M. Vasnetsov, V. M. Vasnețov, M. A. Vrubel, V. D. Derviz și S. Ostroukhova, V. D. E. P. Rypin Renova, I. D. E. Pole. , V. A. Serov, V. I. Surikov, N. N. Kharlamova, Ya. F. Zionglinsky, A. P. Chistyakova: catalog. - M . : Editura Academiei de Arte din URSS, 1955. - 110 p.
  21. ↑ Moleva N. M., Belyutin E. M. P. P. Chistyakov: Teoretician și profesor. — Ed. a II-a, corectată. si suplimentare - M . : Noua realitate, 2017, 1953. - 215 p.
  22. ↑ Pavlinov P. Ya.  Pentru cei care desenează: Sfatul artistului. - M .: Artist sovietic, 1965.
  23. ↑ Vlasov V. G. Spațiul reversibil în artele vizuale și gândirea proiectivă Copie de arhivă din 15 iulie 2019 la Wayback Machine // Architecton: Proceedings of Higher Education / Architecton: Proceedings of Higher Education: revista științifică electronică. - UralGAHA , 2019. - Nr. 1 (65).
  24. ↑ Kuzin V.S.  Metode de predare a artelor plastice în clasele 1-3: Un ghid pentru profesori. - Ed. a II-a. - M . : Educaţie, 1983. - 191 p.

Literatură

  Accesați articolul Wikidata  Dicționare și enciclopedii
 Arte Frumoase
Arte grafice Gravare Gravură în lemn Gravurare Acvatinta Acul uscat Litografie
Pictura După material Acuarelă Ulei Mozaic Pastel tempera Digital Aerografie Prin programare Frescă monumental şevalet Teatral decorativ Miniatură
Sculptură
Decorative si aplicate
Tehnic
Optică non-standard