| stilul Ludovic al XIV-lea | |
|---|---|
| Versailles (1661-1710). | |
| Țară | Franţa |
| Data fondarii | anii 1640 |
| Data decăderii | anii 1710 |
| Clădiri importante | Palatul Versailles , Marele Trianon , Catedrala Les Invalides |
| Fișiere media la Wikimedia Commons | |
Stilul lui Ludovic al XIV-lea , sau Grand style ( fr. Grand Manière , Le style Louis Quatorze ) este stilul artistic al uneia dintre cele mai izbitoare perioade din istoria Franței . S-a format în „epoca de aur” a artei franceze în a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Asociat cu ideologia și estetica absolutismului francez în timpul domniei regelui Ludovic al XIV-lea (1643-1715). Caracteristica sa principală a fost o combinație neobișnuită de elemente de clasicism și baroc . Ideile și formele artistice ale clasicismului au făcut posibilă exaltarea regelui, comparând faptele sale cu marile creații ale împăraților Romei și baroc - pentru a conferi acestor forme un fast, o expresie și o grandoare deosebită. De aici și epitetul „Le Grand” în sensul de „maiestuos, semnificativ” [1] .
A doua trăsătură a „stilului mare” a fost combinarea ideilor de clasicism și academicism . În acest moment, Academia Regală de Pictură (1648) a fost creată la Paris prin eforturile cardinalului Mazarin , a fost condusă de primul portretist al regelui Charles Lebrun și de Academia Regală de Sculptură " l'Académie de peinture et de sculpture ”, la care J.-B. Colbert în În 1671 a anexat Academia Regală de Arhitectură „ l'Académie d'architecture ”. Acesta a fost condus de remarcabilul arhitect, teoretician și profesor francez Francois Blondel cel Bătrân . Separat, exista Academia Regală a Inscripțiilor, creată pentru a glorifica faptele regelui Ludovic.
În 1666, prin decretul lui Ludovic al XIV-lea, Academia Franceză din Roma a fost înființată pentru a continua educația și perfecționarea în artă a artiștilor francezi care au câștigat prestigiosul Premiu Roma ( fr. Prix de Rome ). Arhitecții majori ai perioadei Grand Style au fost Louis Lévaux , François Mansart , Jules Hardouin-Mansart , Pierre Le Muet , Claude Perrault și Robert de Côtes .
În 1655, tânărul rege, care a asistat la o ședință a parlamentului, s-a îndreptat către deputați, care nu i-au dat atenție, a rostit fraza sacramentală: "L'Etat, c'est moi!" ( fr. „Statul, eu sunt!” ), în sensul: eu, regele tău, am venit în parlament. Mai târziu, istoriografii au schimbat sensul frazei, punând o liniuță în loc de virgulă. Chiar și mai târziu, a fost inventat epitetul „Le Roi Soleil” – „Regele Soare” (care strălucește mereu peste Franța). În epoca formării statului, numai unitatea în jurul tronului regal al tuturor forțelor sociale, tuturor claselor, Bisericii Catolice, precum și mințile progresiste ale vremii - politicieni, filozofi, scriitori, artiști - puteau asigura bine- ființa și prosperitatea țării [2] .
În stilul lui Ludovic al XIV-lea, au fost puse bazele curții internaționale și ale culturii curte private și, în același timp, acest stil a întruchipat apogeul clasicismului academic, care a avut un impact semnificativ asupra formării și dezvoltării stilurilor clasiciste în alte Tari europene. „Mania stilului grandios”, depășirea barierelor diplomatice și materiale, s-a răspândit în toată Europa. Până atunci, cuvântul italian „maniera”, introdus de G. Vasari , a fost folosit ca categorie estetică, din secolul al XVII-lea au început să folosească francezul „Le style”, al cărui statut final i-a fost dat o jumătate de secol mai târziu. de I. I. Winkelman [3] [4] .
„Stilul grozav costă o grămadă de bani” (Katremer-de-Kensi). Exaltarea regelui, care a fost comparat cu Alexandru cel Mare și Iulius Cezar , și portretizat în consecință, a implicat ridicarea unor ansambluri arhitecturale grandioase. Prin urmare, arhitectura , arta monumentală și decorativă și pictura în genul portretelor formale au devenit principalele tipuri de artă . În epoca Regelui Soare, o teorie academică a „genurilor înalte” în artă lua forma. Au fost introduse posturile de „Primul Arhitect al Regelui” și „Primul Pictor al Regelui”. Toate lucrările de construcții și artistice au fost în secția Curții.
A doua jumătate a secolului al XVII-lea în țările din Europa de Vest este momentul formării teoriei estetice a clasicismului. Deci, teoreticianul și arhitectul remarcabil François Blondel în Cursul de arhitectură (1675) a susținut că bazele stilului clasic nu stau în imitarea Romei, ci în gândirea rațională și calculul precis al proporțiilor . Creatorul „Colonadei Luvru” K. Perrault s-a certat cu el. În 1691, un alt „Curs de Arhitectură” a fost O.-Sh. de Avile . Discuțiile despre natura clasicismului au dus la celebra „ Disputa despre vechi și nou ” , care a durat un secol întreg. Susținătorii antichității ca model durabil și de neatins („vechi”) li s-au opus criticii antichității și susținătorii teoriei progresului în literatură și artă („nou”).
Stilul lui Ludovic al XIV-lea este împărțit condiționat în trei perioade. În prima perioadă, care coincide cu copilăria regelui (1643-1660) și regența Annei de Austria , arhitectura, designul interior și artele decorative au fost dominate de stilul artistic al epocii anterioare a lui Ludovic al XIII-lea , împrumutând din artă. a barocului italian și a „a doua școală” din Fontainebleau . În a doua perioadă (1660-1690), când regele a intrat în stăpânire personală, stilul în arhitectură și alte arte a dobândit treptat noi trăsături. În a treia perioadă (1690-1715), „stilul mare” a suferit schimbări semnificative, datorită lucrării arhitectului J. Hardouin-Mansart și a decoratorului regal Jean Beren . Stilul a devenit mai ușor, mai fantezis și complicat prin utilizarea arabescurilor și a ornamentelor grotești , care au dus mai târziu la crearea stilului Regency francez și stilul Ludovic al XV-lea (rococo) [5] .
„Marele stil” a avut o influență notabilă asupra formării altor tendințe de stil istoric și regional de la „ rococo frideric ” la curtea regelui prusac Frederic al II-lea până la „ baroc petrin ” în timpul domniei împăratului rus Petru I.
Principiile clasicismului în arhitectura franceză au început să prindă contur și să prindă treptat rădăcini în prima jumătate și mijlocul secolului al XVII-lea. Fundația lor a fost pusă de arhitecții Renașterii franceze . În același timp, tradițiile datând din Evul Mediu s-au păstrat încă în aceeași perioadă, deși erau atât de puternice încât până și ordinele clasiciste din clădirile primei jumătate a secolului au avut o interpretare deosebită: compozițiile de ordine se supuneau principiile construcției zidurilor gotice și a dobândit o aspirație verticală neobișnuită pentru sistemele de comandă. Printre alte tradiții moștenite din trecut, s-a remarcat împărțirea clădirilor în volume în formă de turn, încununate cu acoperișuri piramidale îndreptate în sus. O influență notabilă asupra clasicismului timpuriu a fost exercitată de tehnicile și motivele barocului italian , care au fost folosite în principal în designul interior [6] .
Un exemplu de clasicism timpuriu a fost Palatul Luxemburg din Paris (1615-1621), construit de Salomon Debros . Aspectul palatului, care a păstrat în detaliu asemănarea cu castelele din secolul precedent, datorită unei construcții clare compoziționale și a utilizării unei structuri ritmice clare a ordinelor pe două niveluri care împărțeau fațadele, s-a remarcat prin monumentalitate și reprezentativitate. . Exemplele timpurii de construcție de ansamblu în arhitectura franceză au aparținut, de asemenea, primei jumătate a secolului al XVII-lea. Arhitectul Jacques Lemercier a devenit creatorul primului ansamblu clasicist francez - complexul palatului, parcului și orașului Richelieu (început în 1627) [7] .
Alături de Lemercier, cel mai mare arhitect din prima jumătate a secolului a fost François Mansart . Printre lucrările sale majore se numără și palatul de țară Maisons-Laffite (1642-1650), construit lângă Paris. În respingerea schemei tradiționale de planificare și a ordinii stricte a interiorului clădirii, trăsăturile clasicismului s-au manifestat deja în mod clar. Sistemul de împărțire a etajelor după ordinele dorice și ionice aplicat de Mansart a fost o încercare a arhitectului de a aduce formele arhitecturale tradiționale noi clasice și vechi într-o soluție de stil unic [8] .
Astfel, în prima jumătate a secolului al XVII-lea a început procesul de maturizare a unui nou stil și s-au pregătit condițiile pentru înflorirea arhitecturii franceze în a doua jumătate a secolului [6] .
Prima clădire în care s-a resimțit în mod clar predominanța principiilor artistice ale clasicismului asupra vechilor tradiții a fost palatul Vaux-le-Vicomte (1656-1661), construit pentru supraveghetorul finanțelor Nicolas Fouquet , proiectat de arhitectul Louis Leveaux . , arhitectul peisagist André Le Nôtre și designul interior „primul pictor al regelui” de Charles Lebrun [9] .
Mânat de invidie, tânărul rege Ludovic al XIV-lea, care nu avea încă o reședință mare, l-a acuzat pe Fouquet de delapidare și l-a închis. Regele a confiscat Vaux-le-Vicomte; echipa lui Le Vaux, Le Nôtre și Lebrun a trecut la construirea palatului regal de la Versailles . Soluția arhitecturală de la Vaux-le-Vicomte a fost influențată de stilul clasicist creat în epoca anterioară de către arhitectul François Mansart cel Bătrân : acoperișuri înalte, o fațadă decorată cu pilaștri clasici de ordine mare . Domul, împrumutat din arhitectura barocă italiană, era adiacent soluției compoziționale inițiale - o sală mare ovală în plan, clădiri laterale simetrice, ferestre franțuzești care deschid o vedere a unui vast parc regulat , un sistem de scări exterioare și canale care înconjoară palatul [ 10] .
Impresionat de moșia lui Vaux-le-Viscount, Ludovic al XIV-lea l-a însărcinat pe Louis Le Vaux să proiecteze un nou palat imens la Versailles, care să înlocuiască micul palat reconstruit din cabana de vânătoare a lui Ludovic al XIII-lea. Odată cu trecerea timpului, această clădire a devenit principalul exemplu al stilului grandios al lui Ludovic al XIV-lea. După moartea lui Levo în 1670, clădirea a fost continuată de Jules Hardouin-Mansart . În 1678-1687, a adăugat două clădiri lungi simetrice (aripi nordice și sudice) fațadei palatului din lateralul parcului, după care lungimea totală a fațadei era de 670 de metri [11] . Fațadele demonstrează în mod clar principiile „stilului grandios”, combinând elemente de clasicism și baroc. Ele sunt împărțite orizontal de cornișe în trei etaje - orizontalele rimează cu spațiile deschise ale parcului parter. Etajul inferior este subliniat de o rustică ușoară „franceză” (fără cusături verticale); al doilea - cu ferestre uriașe „franceze” , pilaștri și coloane duble de risaliți proeminente , care aduce tensiune barocă compoziției. Balustrada de pe acoperiș cu armături alternante (trofee de război) și ghivece cu flăcări de piatră îndreptate spre cer creează o senzație baroc de instabilitate și dinamism. Structura triadică (cladirea centrală și două clădiri laterale, trei etaje și trei risalite pe fiecare), dimpotrivă, subliniază fundamentul clasicist [12] .
Interiorul etajului al doilea de-a lungul întregii fațade a clădirii centrale din partea laterală a parcului este ocupat de Galeria Mare sau Oglindă (Galerie des Glaces), care se întinde pe 73 m - o creație remarcabilă a lui Hardouin-Mansart. Pictura arcadelor, decorarea cu stuc și ideea de a decora cu oglinzi peretele opus ferestrelor aparțin primului pictor al regelui, Charles Le Brun. Împreună cu sălile de flancare ale Războiului și Păcii (acestea din urmă aveau să fie finalizate doar sub Ludovic al XV-lea ), galeria lega Grand Appartements al Regelui cu camerele Reginei, devenind apoteoza „stilului mare” al lui Ludovic al XIV-lea [13] . Când a proiectat spațiul Galeriei Oglinzilor, Hardouin-Mansart s-a bazat pe galeria pe care a creat-o anterior pentru castelul Clagny și Galeria lui Apollo, creată de Louis Leveau și Charles Lebrun la Luvru .
Mai devreme în galerie era mobilier din argint turnat, ulterior s-a pierdut. Dar la noi, interiorul galeriei impresionează prin luxul decorului [14] . Pe lângă aceasta, merită menționate și „Galeria Bătăliilor” și Capela Regală .
Hardouin-Mansart și-a dezvoltat ideile în clădirile Parcului Versailles , inclusiv proiectarea și construcția Marelui Trianon (1680-1687; fostul „Trianon de marmură”) pe locul vechiului „trianon de porțelan” construit de L. Levo. (Trianonul a fost anterior situat pe acest loc sat). Noul pavilion a fost construit sub forma unui peristil cu coloane duble din marmura roz de ordin ionic. Pardoseala de marmură este așezată într-un cadru oblic, pereții și pilaștrii sunt, de asemenea, căptușiți cu marmură roz.
În a doua jumătate a anilor 1660, regele Ludovic al XIV-lea a decis să reconstruiască partea de est a Palatului Luvru . Din ianuarie 1664, „surintendentul clădirilor regale” (surintendant Bâtiments du Roi) era atotputernicul ministru de Finanțe J.-B. Colbert. Prin decizia sa, comisia pentru proiectarea fațadei de est a Luvru a inclus arhitecții Louis Leveaux , Charles Lebrun și François d'Orbey și Claude Perrault . Perrault a preluat problemele inginerești și tehnice din acest proiect, dar acestea erau principalele la acea vreme și, prin urmare, fațada de est, care închidea „ Curtea Piață ” a Luvru, și-a primit numele: „Colonada lui Claude Perrault” . 15] .
În aprilie 1665, geniul arhitecturii baroc italiene, G. L. Bernini , a sosit la Paris . Și-a adus proiectul, dar a fost respins (regele i-a invitat și pe C. Rainaldi și Pietro da Cortona să participe la concurs ). Potrivit unei versiuni, clasicismul s-a dovedit a fi mai aproape de francez decât de luxuriantul și pomposul baroc italian. Potrivit unei alte versiuni, J.-B. Colbert, care a condus competiția, a insistat asupra unui proiect clasicist mai ieftin decât versiunea barocă a lui Bernini (și a decis să își însuşească diferenţa de fonduri) [16] .
Fațada de est a Luvru este o capodopera a arhitecturii franceze din secolul al XVII-lea. Perrault a inventat o tehnică specială de așezare a pietrelor cioplite fără mortar, care dă impresia unui plan excepțional de neted al peretelui. Barocul în această compoziție este prezent doar într-o mică măsură. Acest lucru se datorează parțial opoziției deliberate a noului „model” francez față de cel depășit italian. În proiectul lui Leveaux, D'Orbe și Perrault, barocul este prezent într-o mică măsură. O colonadă puternică din „ordinul mare” (înălțime de două etaje) de coloane cu două caneluri ale ordinului corintian este instalată la primul etaj de subsol din zidărie netedă de calcar de Ardenne aproape alb, cu „ ferestre franțuzești ” alungite . Colonada de la etajele al doilea și al treilea formează o loggie tipic italiană . Intreaga fatada de o lungime considerabila (173 m), datorita proportiilor precise gasite si ritmului coloanelor duble, cu pricepere „rupte” de trei risalite : cea centrala (cu fronton triunghiular) si doua laterale, decorate cu semicoloane. și pilaștri, creează impresia de adevărată grandoare. Arcul central de trecere al fațadei deschide perspectiva a două curți interioare ale palatului, parcă înșirate pe o singură axă.
În perioada timpurie a domniei lui Ludovic al XIV-lea, la spitalul Val-de-Grâce a fost fondată o biserică - biserica Val-de-Grâce (1645-1710). Proiectul templului a început să fie dezvoltat de Hardouin-Mansart, Jacques Lemercier și Pierre Le Muet și finalizat de Gabriel Leduc. Aceasta este cea mai baroc clădire de biserică din Franța, deși foarte departe de stilul baroc italian . Compoziția are la bază un plan sub formă de cruce latină. Fațada urmează, conform hotărârilor Conciliului de la Trent , conceptul de biserici baroc romane ale ordinului iezuit, sau stilul Trentino, dar un tambur imens deasupra răscrucelor de drumuri cu o cupolă disproporționat de mare, care amintește oarecum de cupola din Colegiul celor Patru Națiuni de L. Levo (1668), conferă arhitecturii templului originalitate. Fațada cu două niveluri a bisericii este, de asemenea, neobișnuită, cu un portic puternic proeminent cu coloane gemene din ordinul corintian . Antablamentul slăbit , două volute mari pe laterale și un fronton rupt al nivelului superior întăresc fațada generală în stil baroc a bisericii.
Compoziția fațadei „romane” a bisericii Val-de-Grâce este asemănătoare cu cele realizate de J. Lemercier în biserica Sorbona (1635-1642), L. Levo în clădirea Colegiului celor Patru Națiuni (1661). -1665) și J. Hardouin-Mansart în Catedrala Casei invalizilor (1693-1706) [17] .
În alcătuirea bisericii Les Invalides din Paris (1693-1706), arhitectul J. Hardouin-Mansart a demonstrat pentru prima dată așa-numita „schemă franceză” : un plan în cruce, simetrie perfectă, porticuri cu coloane , un tambur. înconjurat de coloane pereche cu un „dom roman” aurit, decorat cu trofee de război, un felinar-lanternă și o turlă pe aceeași axă verticală. O astfel de schemă conectează multe elemente și nu are prototipuri directe în istoria arhitecturii. Porticurile și cupola amintesc de Grecia și Italia, dar turla și felinarul corelează compoziția cu tradițiile de arhitectură ale țărilor din nordul Europei. Înălțimea catedralei este de 107 metri. Trofeele aurite ale domului și turla bisericii Les Invalides sclipind în soare sunt unul dintre reperele de mare altitudine ale panoramei Parisului. André Mauroy a scris că, în opinia sa, Les Invalides reprezintă „însăși esența artei franceze”: „Fațada sa lungă este la fel de magnifică ca și colonada Luvru. Domul care se retrage misterios, combinația de bronz verzui și aur în ea, farmecul trofeelor care o decorează - toate acestea se combină pentru a oferi clădirii atât originalitate, cât și perfecțiune clasică .
De-a lungul timpului, „schema franceză” a lui Hardouin-Mansart a devenit exemplară pentru arhitectura neoclasică „la nord de Alpi”. A fost repetat în termeni generali de J.-J. Souflot în biserica Sf. Genevieve (Pantheon) (1758-1789) și dezvoltat parțial de Christopher Wren în Catedrala Sf. Paul din Londra (1675-1708).
Biserica Val de Grace . 1645–1710 Proiect de J. Hardouin-Mansart și J. Lemercier
Biserica Sfantul Roh . Absidă. 1653-1660. Proiect de J. Lemercier
Biserica Les Invalides din Paris. 1693–1706 Arhitectul J. Hardouin-Mansart
Capela regală de la Versailles. 1689–1708 Interior. Arhitecții J. Hardouin-Mansart și Robert de Côtes
Un monument arhitectural remarcabil de „stil mare” este Poarta Saint-Denis , construită în 1672 după proiectul lui Francois Blondel la ordinele lui Ludovic al XIV-lea , în cinstea victoriilor armatei sale pe Rin. Compoziția se bazează pe un arc de triumf cu o singură travă al vechilor romani.
Din 1676, F. Blondel a elaborat Planul General al Parisului, care prevedea crearea de mari ansambluri arhitecturale și perspective. Primul proiect finalizat a fost „Piața Regală” (mai târziu Place des Vosges ), a cărei construcție a început sub Henric al IV-lea , completată sub Ludovic al XIV-lea cu o statuie ecvestră a regelui Ludovic al XIII-lea. Place Dauphine de pe Île de la Cité a fost ulterior reconstruită , complet cu o statuie ecvestră a lui Henric al IV-lea [19] .
Următorul proiect major a fost „ Piața Victoriei ” ( fr. Place des Victoires ; 1684-1697) - un complex de șapte clădiri de mari dimensiuni, împărțit în trei grupuri de străzi care converg către o piață ovală (proiectul Harduin-Mansart). În centrul pieței a fost amplasată o statuie ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea de M. Desjardins (distrusă în 1792, în timpul Revoluției Franceze). Place Vendôme , proiectată și de Hardouin-Mansart între 1699 și 1702, a fost ultimul proiect urbanistic al domniei lui Ludovic al XIV-lea . În general, toate proiectele de urbanism din această perioadă se remarcau prin fațadele clădirilor în stilul lui Ludovic al XIV-lea, care dădeau piețelor un aspect solemn [19] .
Colegiul celor Patru Națiuni . 1661-1665. Arhitectul L. Levo
Piața Victoriei . 1684-1697. Proiect de J. Hardouin-Mansart
Place Vendôme (Locul Ludovic cel Mare). 1699-1702. Proiect de J. Hardouin-Mansart
Curtea Gloriei Invalizilor. 1671-1677. Proiectul L. Bruan
Poarta Saint-Denis . Fațada de sud. 1672. Arhitect F. Blondel
În pragul barocului și clasicismului, s-a dezvoltat opera sculptorilor francezi de „grand stil” ( fr. Grand Manière ) și adepții lor, mulți dintre ei au început să lucreze pentru parcul din Versailles: F. Girardon , A. Coisevo , P. Puget , J.-B . Tubi , J.-B. Pigalya . Sculptura lui P. Puget pe tema istoriei antice „Milon din Croton” (1672-1683, Luvru, Paris), grupul sculptural al lui F. Girardon „Pluto rapind Proserpina” (1678-1699) pentru Colonada lui J. Hardouin-Mansart din Sud se disting printr-o expresie baroc extraordinară: parterul parcului Versailles, fântâna Enkelad de G. Marcy (1675-1677). Cu toate acestea, sculpturile din Grota lui Apollo (F. Girardon, 1664-1672) se caracterizează prin claritate și echilibru clasic [20] .
Grupuri sculpturale pereche de „ Cai Marly ”, sau „Îmblânzitori de cai”, au fost create de Guillaume Coustos cel Bătrân în epoca ulterioară, în 1743-1745, dar expresia lor reflectă estetica „stilului mare” al Regelui Soare. Lucrările sculptorilor de la Versailles și „caii” lui Coustou au avut mare succes și, în epoca romantismului , au anticipat obsesia lui Théodore Géricault , „Cursa de cai liberi la Roma” (1817). Lucrările lui Puget și Coust au fost admirate de Eugene Delacroix și Victor Hugo [21] .
Geniul barocului italian, J. L. Bernini , în timpul vizitei sale la Paris din aprilie 1665, a creat un bust de marmură al lui Ludovic al XIV-lea. La întoarcerea sa la Roma, Bernini a sculptat o statuie ecvestră monumentală a regelui Ludovic sub forma lui Alexandru cel Mare. Când a fost adus la Paris în 1685 (după moartea autorului), regele francez a găsit-o dezgustătoare și a vrut să o distrugă. Apoi F. Girardon a refăcut-o în imaginea eroului roman antic Mark Curtius [22] . Au fost instalate replici ale acestei lucrări în bronz: una în curtea din față (court d'honneur) din Versailles, cealaltă în Curtea lui Napoleon de la intrarea în Muzeul Luvru. O altă statuie ecvestră a regelui a fost realizată și de Girardon în 1692. În 1699, a fost instalată în centrul Place Louis the Great (mai târziu: Place Vendôme ) din Paris (statuia a fost distrusă în timpul Revoluției Franceze din 1789). Anterior, în 1784, prin decret regal, o replică redusă a monumentului a fost amplasată în Antiquarium din Luvru. A fost reprodus în mod repetat în gravuri și a devenit unul dintre prototipurile multor alte monumente similare din epoci ulterioare [23] .
P. Puget . Milo din Croton. 1672-1683. Luvru, Paris
F. Girardon . Pluto o răpește pe Proserpina. 1678-1699. Parcul Versailles (copie)
F. Girardon . Grota lui Apollo (Apollo și cinci nimfe). 1664-1672. Parcul Versailles (copie)
J. L. Bernini - F. Girardon. Statuia ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea ca Marcus Curtius. 1687. Palatul Versailles
F. Girardon . Statuia ecvestră a regelui Ludovic al XIV-lea. 1692 (replica). Luvru, Paris
Gravura ornamentală a avut o importanță deosebită în toate „stilurile regale” franceze , a servit drept „purtător” de idei noi în domeniul compoziției decorative . Cercetătorii cred că tocmai în epoca lui Ludovic al XIV-lea a fost creat genul în sine (mai precis: un fel de artă grafică) al gravurii ornamentale [24] [25] .
Lucrând în acel gen, artiștii nu au fost reglementați de intriga și de cerințele clientului, ei și-au dat frâu liber imaginației, punând la punct elementele formale ale stilului la perfecțiune. Principalele trăsături ale „stilului mare” sunt într-adevăr cel mai pe deplin exprimate nu numai în arhitectură, ci și în compozițiile lui Jean Lepotre , J.-A. Ducerceau , Jean Beren cel Bătrân , Daniel Marot cel Bătrân [26] .
Jean Lepotre a reușit să-și creeze propriul stil și o manieră originală în cadrul unui stil istoric amplu. Compozițiile decorative create de Lepôtre captivează prin extraordinara îndrăzneală a compoziției, fantezia, bogăția formelor ornamentale, uneori chiar părând prea luxuriante și grele, supraîncărcate de detalii. Lepôtre și-a grupat fanteziile pe subiecte și le-a publicat ca colecții de gravuri . Legate „in-quattro” (într-un sfert de foaie), au fost distribuite printre artiști și iubitori de artă. Artistul le-a grupat sub denumiri condiționate: „Fântâni și șeminee”, „Veze”, „Detalii de mobilier”, „Plafonduri”, „Chenaruri”, „Panuri sculptate și oglinzi încadrate”, „Bijuterii”. Gravurile lui Lepôtre au fost folosite de vânători, maeștri de sculptură în lemn și pictură, medaliați, brodari și ceramisti [27] .
Lepôtre a fost unul dintre primii care a folosit în mod activ în compozițiile sale un ornament de tip bandelwerk - un motiv decorativ sub formă de panglici și funde care se împletesc. El l-a combinat cu acant tradițional, scoici și ghirlande renascentiste, completând-o cu structuri arhitecturale și decorative incredibile, creaturi mitologice și alte invenții. În compozițiile fantastice ale lui Lepôtre s-au manifestat clar principalele trăsături ale „stilului mare”: construcțiile compoziționale clasice și bogăția barocului de forme. În total, în timpul vieții sale, Jean Lepotre a realizat peste două mii de gravuri. Jean Lepotre a realizat desene pentru Fabrica Regală de Gobleni , a realizat schițe de decor ornamental pentru atelierul de mobilă al lui André Charles Boulle . Din 1677 a fost membru al Academiei Regale de Arhitectură. Fratele mai mic al lui Jean, Antoine Lepotre , este un arhitect al „stilului mare”. [28] .
În secolul al XIX-lea, albumele lui Lepôtre au fost achiziționate la licitații internaționale de către muzeele de artă și industriale, școli și biblioteci ca instrumente didactice pentru maeștri și „desenatori științifici” pentru industrie. În special, opt albume ale lui Lepotra au fost achiziționate de A. A. Polovtsov pentru Școala de Desen Tehnic a Baronului Stieglitz din Sankt Petersburg [29] .
Compozițiile decorative ale desenatorului, decoratorului de teatru și gravorului Jean Beren cel Bătrân și-au primit propriul nume în istoria artei: berenade. Acest artist a reușit să creeze un stil de tranziție original de la „stilul mare” greu și pompos la stilul Regenței franceze de la începutul secolului al XVIII-lea, vestitorul rococo al anilor 1730-1740. Beren nu a fost în Italia, dar există motive italiene în compozițiile sale: groteschi renascentiste , mascaroane , personaje din teatrul de stradă italian Commedia dell'arte . Compozițiile bizare ale lui Beren au fost gravate și publicate în serie și în foi separate. Ele arată influența arhitecturii baroc, ornamentația baroc flamand, dar mai ales - structurile parcului Versailles: fântâni, sculpturi alegorice, carele lui Helios și măști ale zeului solar Apollo - emblema Regelui Soare. Și de asemenea: himere, maimuțe, coșuri cu flori și fructe, instrumente muzicale și altare antice, ghirlande de flori. Toate elementele sunt legate prin șiruri de ghirlande și margini subțiri care formează cadrul acestei arhitecturi aeriene imaginare [30] .
Artistul a realizat desene pentru tapiserii , decorarea mobilierului și faianței de la sfârșitul secolului al XVII-lea - începutul secolului al XVIII-lea, decorarea interioarelor palatului și chiar decorarea navelor. Ornamentul de beren a fost folosit pentru a decora produsele de faianță din Rouen și Moustier. Festivități de curte și spectacole de teatru pe scena Parcului Versailles, inclusiv producții de opere de J.-B. Lully (opera „Amadis” 1684, baletul „Arc de Triumf” 1681) și comediile lui Molière . Artistul avea titlul onorific de „desenator al regelui” [31] .
În general, în ciuda citatelor, stilul de berenade este neobișnuit și unic. Se caracterizează prin lejeritate, rafinament, muzicalitate. Nu există nicio îndoială că unele dintre aceste compoziții au fost implementate în producții teatrale, în special, decoruri și costume pentru producții și multe altele. De aici atribuirea operei lui Beren așa-numitului „stil Versailles”. Decorurile și costumele de teatru, care s-au pierdut ulterior, și-au pus amprenta pe gravurile ornamentale [32] .
Jean Beren cel Bătrân a fost numit „oracolul gustului epocii sale”. Compozițiile sale au fost repetate și variate de alți artiști, inclusiv de cei din afara Franței. Colecțiile de desene gravate pe care le-a publicat au jucat un rol important în formarea artei decorative a secolului al XVIII-lea. Grotescele sale au fost interpretate în picturile lor decorative de către pictorii Claude Gillot și Antoine Watteau . În 1711, a fost publicată la Paris o colecție completă de compoziții de Jean Berin în 3 cărți (L'Œuvre de J. Berain, Ornements inventés par J. Berain și Œuvres de J. Berain contenant des ornements d'architecture).
Stilul individual al remarcabilului producător de mobilă André Charles Boulle a intrat în istoria artei sub numele său: „stil boule”. De asemenea, reflectă perfect principalele trăsături ale „stilului mare”, combinând elemente de clasicism și baroc . Produsele atelierului lui A.-Sh. Boulle se caracterizeaza prin rigoare si monumentalitate, combinate cu fast si eleganta, forma tectonica cu rafinamentul decorului de diverse culori si texturi. Buhl a combinat lemnul de trandafir exotic și roșu și abanos cu piese turnate masive din bronz aurit. Interioarele bogat decorate ale „stilului mare”, în special Versailles , necesitau tocmai un astfel de mobilier: un altul s-ar fi pierdut pe fundalul pereților bogat decorați de marmură multicoloră, mozaicuri, oglinzi și lampadare și candelabre monumentale aurite. Dacă mai devreme producătorii de mobilier de curte erau numiți „mici tâmplari” (menuisier), atunci Boulle a fost primul care, în 1762, a primit titlul onorific de abanos regal (ébéniste du Roi) - „muncitor în lemn negru” (din greacă ebenos - abanos), adică un maestru de înaltă clasă, lucrând cu cele mai scumpe materiale.
Boule a înlocuit sculptura în relief cu decor, a cărui tehnică a inventat-o el însuși, bazându-se pe tradițiile maeștrilor italieni din secolele XIV-XV. Nu a fost o simplă încrustație , ci o intarsie profundă - tăierea unui material în grosimea altuia. Meșterul a pus într-un singur „pachet” materiale care contrastează efectiv ca culoare și textură: cupru roșu, alamă galbenă, tablă argintie sau mată, coajă de broască țestoasă cu dungi de cireș închis, fildeș și sidef strălucitor. Apoi a tăiat un desen după șabloane pregătite în prealabil, folosind inversarea: a schimbat „prima figură” (première partie) și fundalul (contrapartie) aceluiași desen, alternând tonuri deschise și întunecate. Primele produse ale lui Boole sunt încă imperfecte, cusăturile intarsiate sunt umplute cu mastic, dar în cele ulterioare, folosind „pachete”, Boole a realizat fuziunea absolută a fundalului și modelului [33] .
La început, Boulle a folosit compozițiile ornamentale ale lui Jean Berin , Daniel și Jean Marot . Apoi a început să lucreze la propriile desene. Buhl a împrumutat ideea de a folosi abanos din Flandra, iar motivele buchetelor de flori de la maestrul olandez Jan van Meekeren. Buhl a completat intarsia cu gravura niello (niello). Pentru detaliile sculpturale din atelierul lui Boole s-au folosit motive de cariatide , volute , palmete . El a desenat și sculptat el însuși toate modelele. În centru se află un mascaron obligatoriu cu chipul zeului solar Apollo și ramuri-raze divergente de el - emblema Regelui Soare.
J. Lepotre. Gravura din seria „Vase”. Pe la 1670
J. Lepotre. Poarta de ceremonie pentru intrarea lui Ludovic al XIV-lea și a Mariei Tereza la Paris în 1660
Masa de lucru A-Sh. Taur. O.K. 1670-1680
Dulap atelier A.-Sh. Taur. 1680-1700
Ceas pe un piedestal. Atelierul A.-Sh. Taur. O.K. 1690
J. Beren. Compoziție ornamentală. anii 1680
J. Beren. Decorul navei „Royal Sun”
J. Beren. Design de costume pentru zeul mării dansant pentru opera lui Jean-Baptiste Lully Phaeton. 1683
Fotoliu. Tapiterie de la manufactura Beauvais dupa un design de J. Berin. anii 1690
În 1662, prin ordin al ministrului de Finanțe, Jean-Baptiste Colbert , în numele lui Ludovic al XIV-lea însuși, s-a organizat „Fabricarea Regală de Mobilier”, denumire mai cunoscută: Fabrica de Tapiserii , în care au început să producă nu numai covoare, dar și mobilier, mozaicuri, produse din bronz: lămpi și detalii de mobilier, sub direcția generală a primului rege pictor, Charles Lebrun . Din 1664 funcționează manufactura Beauvais , din 1665 - fabrica Aubusson , precum și fabrica Savonneri fondată în epoca precedentă . Activitățile fabricilor regale au contribuit la dezvoltarea artei designului interior [34] .
În aceiași ani s-a dus la îndeplinire planul grandios al regelui: să facă gravuri din toate operele de artă semnificative create în Franța în anii domniei sale și aflate în colecțiile regale. O astfel de enciclopedie de artă a fost creată din 1663 și publicată succesiv în albume de gravuri pe cupru în folio („pe o foaie”, format mare) din 1677 până în 1683. Gravurile reproduc picturi, sculpturi, tapiserii din colecțiile regale, vederi ale palatelor și castelelor regale, precum și colecții de medalii, monede, camee antice din colecțiile private ale ducelui Filip de Orleans (La collection de la maison d'Orléans). ), alți colecționari și patroni. Aceste albume au fost retipărite, mai târziu, în perioada Regenței, în anii 1727-1734 sub denumirea de „Royal Cabinet” (Cabinet Regal). O serie similară a fost creată în 1729-1742 sub conducerea lui Pierre Crozat [35] . Inițiativele regelui au contribuit la formarea colecției de artă, care mai târziu a stat la baza Muzeului Luvru . Regele a achiziționat lucrări ale artiștilor francezi și italieni. Până la sfârșitul vieții lui Ludovic al XIV-lea, „Cabinetul Regal” consta din peste două mii de picturi. Regele a achiziționat o parte din colecția cardinalului Mazarin, precum și colecția de artă a regelui englez Carol I (inclusiv colecția ducilor de Mantua Gonzaga), care a fost vândută prin decizie a parlamentului după executarea regelui de către Cromwell . [36] .
Regele Soare a cheltuit foarte mult pe război, proiecte de arhitectură și colecție de artă. Până la sfârșitul domniei sale, statul a început să se confrunte cu dificultăți financiare semnificative. În 1689, regele a emis infamul „Decret împotriva luxului” pentru a topi toate obiectele din aur și argint în monede. Soldații au mers la casele nobilimii pariziene și au luat fără milă tot ce nu puteau ascunde. S-au pierdut un număr imens de opere de artă neprețuite ale celor mai buni artiști francezi: seturi de masă din aur și argint, bijuterii. Dar regele încă nu avea destui bani, iar decretul a fost repetat în 1700. „Decretele împotriva luxului” au avut o varietate de consecințe. Au contribuit la creșterea producției de faianță în Franța : argintăria pierdută a fost înlocuită cu faianță, produsă de fabricile din Rouen și Moustiers . Multe obiecte care au pierit în Franța au fost păstrate ca daruri diplomatice în muzee din alte țări, în special, în colecția Wallace din Londra, în Armeria din Moscova [37] [38] și în Ermitaul din Sankt Petersburg .
În 1685, sub influența marchizei catolice de Maintenon , regele a decis să anuleze Edictul de la Nantes privind libertatea de religie. Odată cu desființarea ei, o parte semnificativă a pictorilor-decoratori, maeștri bijutieri, vânători, emailatori, ceramisti, țesători care erau protestanți au fost forțați să emigreze. S-au mutat în Olanda , Anglia , Danemarca , Rusia , Elveția , Prusia , asigurând dezvoltarea intensivă a artei acestor țări. Meșteșugurile artistice și comerțul în Franța au căzut în decădere. Până la sfârșitul secolului al XVII-lea, „stilul măreț” și-a epuizat posibilitățile și în 1715, după moartea regelui, a fost înlocuit cu stilul de cameră Regency .