Arte vizuale din SUA

Versiunea actuală a paginii nu a fost încă revizuită de colaboratori experimentați și poate diferi semnificativ de versiunea revizuită la 3 iunie 2017; verificările necesită 46 de modificări .

Arta plastică din Statele Unite  este  artă plastică realizată în Statele Unite sau de artiști americani .

Înainte de începerea colonizării, artele vizuale ale indienilor americani au înflorit în Statele Unite. La începutul epocii coloniale, artele vizuale de pe coasta de est erau ghidate de opera artiștilor europeni; un exemplu este lucrarea lui  John White (1540-1593). La sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea, artiștii au pictat în mare parte portrete și peisaje, în imitație  a picturii engleze . La sfârșitul secolului al XVIII-lea, doi artiști americani, Benjamin West și John Singleton Copley , au devenit artiști europeni de succes. Artiștii americani care au continuat să lucreze în SUA au fost și maeștri pictori, dar puțin cunoscuți în Europa. La începutul secolului al XIX-lea, în Statele Unite au început să fie create instituții de învățământ pentru formarea artiștilor. În 1820,  aici a fost înființată școala râului Hudson , stăpânind  pictura peisajului romantic  . Din 1850, arta academică în  stil european a înflorit în țară  ; americanii bogați au achiziționat picturi ale artiștilor europeni, maeștrii europeni au luat parte la expoziții de la New York, precum Expoziția Arsenal  (1913). După al Doilea Război Mondial , centrul artei mondiale s-a mutat la New York de la Paris; în Statele Unite a apărut mișcarea de artă modernă și postmodernă . Astăzi, artele vizuale din Statele Unite cuprind o gamă largă de stiluri artistice.

O contribuție semnificativă la artele vizuale din Statele Unite a fost adusă de artiștii din Rusia. Printre aceștia s-au numărat și fondatorul „suprrealismului abstract” Arshile Gorki, un adept al expresionismului abstract Mark Rothko, David Burliuk, Nikolai Feshin, Serghei Sudeikin, Serghei Gollerbach și alții [1] .

Origini

Unul dintre primii artiști care au vizitat America Britanică a fost John White (1540-1606). Rezultatul muncii sale au fost  acuarele care înfățișează  viața indienilor americani de pe coasta de est (păstrate la  British Museum ). White a călătorit în America ca artist personal și cartograf pentru o expediție organizată. În primii ani ai erei coloniale, majoritatea artiștilor erau ofițeri, pregătirea lor includea pictarea peisajelor. Pictorii portretistici erau adesea autodidacți. Unul dintre primii a fost scoțianul John Smeibert (1688–1751), care a venit în America britanică în 1728 ca un coleg de teolog George Berkeley în proiectul eșuat al acestuia din urmă de a fonda un colegiu în Bermuda, dar s-a stabilit în schimb la Boston . Cu ceva timp mai devreme - în jurul anului 1726 - s-a mutat acolo gravorul-mezzotintist Peter Pelem , care a devenit o cunoştinţă apropiată a lui Smeibert. În teritoriile spaniole, artele vizuale aveau în mare parte conținut religios, stilul principal fiind baroc . 

Portretul anglo-olandez din secolul al XVII-lea

Unul dintre centrele culturii coloniale ale modelului britanic a fost teritoriul așa-numitei New England din regiunea lanțului muntos Catskill și râul Hudson . Aproape singurul gen permis la acea vreme era portretul - cu un fundal închis, culori relativ luminoase și lipsă de perspectivă. Genul de portret provincial și constrâns care exista la acea vreme corespundea gusturilor oamenilor bogați, era un indicator al luxului și bogăției. Genul portretului colonial era de origine anglo-olandeză și nu avea nimic de-a face cu arta barocă a Europei sau aproape de ei Mexic (fosta colonie a Noii Spanie) [2] . Din acel moment, au supraviețuit câteva mostre de portrete ale unui maestru anonim din a doua jumătate a secolului al XVII-lea, portrete de femei și copii din familii bogate.

Emigranții din Țările de Jos s-au stabilit în New Holland și orașul New Amsterdam (azi New York). În casele lor se aflau atât portrete, cât și imagini cu naturi moarte și peisaje din provinciile Olandei [3] .

Secolul al XVIII-lea

După declararea independenței din 1776, care a marcat începutul oficial al identității naționale americane, noua națiune trebuia să-și descrie istoria în artele vizuale. Majoritatea picturilor americane timpurii (de la sfârșitul secolului al XVIII-lea până la începutul secolului al XIX-lea) au fost teme istorice, inclusiv portrete. Ca și în America colonială, mulți dintre artiștii care s-au specializat în portrete au fost autodidacți. Un loc special printre aceștia îl ocupă Joseph Badger, John Brewster  și William Jennis. Artiștii locali au urmat stilurile de artă britanică cu care erau familiarizați prin imprimeurile și picturile imigranților precum John Smybert (1688-1751) și John Wollaston (1742-75). [patru]

Robert Feke (1707-1752), un pictor fără experiență al perioadei coloniale, a obținut rafinament în stil în timp ce studia cu Smybert (John Smybert). Pictorul Charles Willson Peel și-a primit educația artistică studiind copii ale lucrărilor lui Smeibert, exemple de pictură europeană și portrete ale figurilor din Revoluția Americană . Fratele său mai mic James Peel și cei patru fii ai săi - Raphael, Rembrandt , Rubens și Titian - au fost, de asemenea, artiști. Artistul  Gilbert Stuart , care a pictat portrete ale oficialităților, [5]   a devenit celebru după ce opera sa a fost tipărită pe mărcile poștale americane din secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea [6] .

John Singleton Copley a pictat  portrete simbolice  ale comercianților bogați, inclusiv un portret al lui Paul (c. 1768-70). Versiunea originală a celui mai faimos tablou al său, Watson și rechinul (1778), se află în colecția Galeriei Naționale de Artă [7] , iar alte versiuni ale picturii există la Muzeul de Arte Frumoase din Boston și la Institutul Detroit. de art . Benjamin West  a pictat portrete, precum și picturi istorice pe  teme de război francez și indian . Artistul West a lucrat la Londra unde a predat mulți artiști americani, printre care Washington Alston , Ralph Earle, James Earle, [8] Samuel Morse , Charles Wilson Peale, Rembrandt Peale, Gilbert Stuart, John Trumbull, Mather Brown, Edward Savage și Thomas Sully . 9] . John Trumbull (Trumbull ) a desenat episoade din Războiul de Revoluție Americană . Peisajele  au fost pictate ca fundal pitoresc pentru portrete.

Lucrări ale primilor artiști americani

Secolul al XIX-lea

În America, în 1820, a fost înființată prima școală de pictură , Hudson River School . Thomas Cole a stat la origini  , a inclus și Albert Bierstad , Frederic Edwin Church , Thomas Doughty și o serie de alți artiști. 

Pictura artiștilor de la Școala Hudson River a fost caracterizată de o viziune directă și simplă. Ea a inspirat artiști precum John Kensett și Luminists ;  George Inness și artiști ai stilului Tonalism (care au inclus Albert Pinkham Ryder , Blakelock Ralph și alții), Winslow Homer (1836-1910), care a descris America rurală, marea, munții, oamenii care trăiesc lângă ei.

Peisagerul școlar   Robert S. Duncanson a fost unul dintre primii pictori afro-americani serioși. John James Audubon , un  pictor ornotolog de păsări, a fost unul dintre artiștii naturaliști serioși ai Americii. Opera sa principală a fost un set de imprimeuri colorate numite Păsările Americii (1827-1839). Este una dintre cele mai bune lucrări ornitologice. 

Imaginile Marelui Vest care subliniază vastele întinderi ale teritoriului, cultura oamenilor care trăiesc pe el, au devenit un gen artistic independent. Artistul George Catlin a descris Occidentul și oamenii săi cu cea mai mare autenticitate. Artistul George Caleb Bingham, mai târziu Frederick Remington , Charles M. Russell , fotograful Edward S. Curtis și alții au înregistrat moștenirea americană prin artele vizuale.

Pictura de istorie a fost un gen mai puțin popular în arta americană din secolul al XIX-lea, totuși Washington Crosses the Delaware de Emanuel Leutze , născut în Germania, este una dintre cele mai faimoase picturi americane. Imaginile istorice și militare ale lui William Trego (William BT Trego) au fost publicate după moartea sa [10] .

Artiștii Thomas Sully și George Healy sunt cunoscuți pentru numeroasele portrete ale unor persoane importante ale timpului lor . Artistul Thomas Eakins (1844-1916) și-a dedicat opera reprezentării locuitorilor urbani din clasa de mijloc . În picturile și fotografiile sale, un loc mare este ocupat de imaginea unui corp gol și semigod (adesea masculin). A făcut multe imagini cu sportivi, inclusiv cu canotaji și luptători. De mare interes pentru Eakins a fost transmiterea mișcărilor corpului uman. [11] . Unul dintre elevii săi a fost Henry Ossawa Tanner , primul artist afro-american care a obținut recunoașterea internațională.

Tehnica blendei a fost folosită în pictura naturii moarte de către Raphael Peel (unul dintre frații pictori ai familiei Peel), William Michael Harnett (1848-1892) și John F. Peto.

Cel mai de succes sculptor american al timpului său a fost Hiram Powers . A părăsit America la începutul lui treizeci de ani pentru a-și petrece restul vieții în Europa. Acolo s-a angajat în modelarea sculpturilor de femei goale ( sclava Grechersk , Eva sedusa ) [12] . Unii dintre artiștii interesanți care sunt considerați americani și-au petrecut cea mai mare parte a vieții în Europa, în special: Mary Cassatt , James McNeil Whistler și John Singer Sargent . Toate au fost influențate de impresionismul francez . Theodore Robinson a călătorit în Franța în 1887, s-a împrietenit cu Monet și a devenit unul dintre primii artiști americani care stăpânesc noua tehnică de pictură. În ultimele decenii ale secolului al XIX-lea, stilul popular al impresionismului american a fost prezent în opera artiștilor Childe Hassam și Frank W. Benson [13] .

Gen domestic

Genul de zi cu zi în pictura americană a fost dezvoltat încă din prima jumătate a secolului al XIX-lea. Acest lucru a fost facilitat de tipografie cu descrieri ale evenimentelor și de munca unui susținător al genului de zi cu zi, artistul William Sydney Mount [14] . Artistul William Sydney Mount este considerat fondatorul genului în pictura americană.

Ulterior, genul de zi cu zi s-a îmbogățit tematic și s-a îndepărtat de imaginea petrecerii timpului liber idilic al provincialilor cu cărți, muncă fără grabă, dans și logodnă. În Statele Unite, a început o revoluție industrială activă și o urbanizare rapidă.

Artiștii au început să înregistreze viața locuitorilor orașelor mari și distracția lor stângace. Genul cotidian este lipsit de scene idilice ( Walter Guy , „Mercy”, 1889) și prezintă o predică a unui misionar la modă ( George Bellows , „Sermon”, 1915), apoi plictiseala într-un parc public (Everett Shinn, „Green Park”, la Londra”, 1908) , apoi prostiile luptelor de box (George Bellows. „Fight for a bet in Sharkey”, 1917) sau o luptă acerbă a bețivilor - vizitatori la bar (Anton Otto Fischer, 1882-1962, „Bar Luptă”, 1912) [15] [16] .

Absența ideilor semnificative în artă promovează scenele de zi cu zi în arta monumentală (artist Kindred Makler, „Post Operations”, 1937, artistul Marion Greenwood, pictura murală „Descărcarea legumelor și fructelor”, Viktor Mikhailovici Arnautov , „Prelucrarea bumbacului”).

Artiști Hudson River School

O parte integrantă a romantismului timpuriu din Statele Unite a fost „nativismul”, al cărui conținut era o înțelegere artistică, filozofică a țării, a naturii ei, a instituțiilor sale sociale.

Personajele principale ale literaturii americane din secolul al XIX-lea au fost călătorii, vânătorii, cinstiți și nu atât de aventurieri, cuceritorii sălbăticiei, călătorii spre vest, călărirea pe cai, navigarea în bărci (trăgând constant în tot ce este suspect) [17] .

Atitudinea prădătoare față de natură a coincis în mod ciudat cu observarea vigilentă a acesteia, inerentă culturii engleze cu cultul ei pentru intimitate și parcurile amenajate. Viitorul fondator al Școlii Hudson River, Thomas Cole , a venit în SUA ca un băiat de șaptesprezece ani (părinții lui au emigrat din Marea Britanie în 1818 și s-au stabilit în orașul Steubenville, Ohio.) Tânărul a început să studieze tehnica artistică a portretistului itinerant Stein. Atitudinea sa față de fauna sălbatică din regiune s-a remarcat prin pasiune și chiar adorație. El a văzut în ea măreția și înțelepciunea lui Dumnezeu Creatorul. Portretele nu erau foarte interesante pentru Cole și a trecut la înfățișarea peisajelor. În 1825, a ajuns în Valea râului Hudson, West Point și Catskill, unde a realizat primele picturi ale naturii locale. La 22 noiembrie 1825, primele eseuri despre lucrările sale au apărut în New York Evening Post.

Ulterior, a apărut o întreagă tendință în pictura locală, numită „Școala râului Hudson”. Artiștii acestei școli s-au concentrat pe înfățișarea vederilor asupra malurilor Hudson, a statelor New York și Pennsylvania, toate în Noua Anglie și estul Americii de Nord.

Thomas Cole a murit în 1848. A fost înlocuit cu al doilea val de artiști ai Școlii Hudson River, geografia peisajelor s-a extins considerabil. Noua generație de artiști a inclus studenți ai lui Cole, printre ei - Asher Brown Durand , Frederick Edwin Church , Sanford Robinson Gifford, John Frederick Kensett. Lucrările noii generații de artiști sunt adesea descrise ca aparținând luminismului actual (prin atenția asupra efectelor luminii naturale). Pentru o vreme, peisajele au început să fie mainstream în pictura țării.

O ramură a Școlii Hudson River a fost Luminism , care a subliniat afișarea efectelor de iluminare. Luminismul, împreună cu impresionismul, se concentrează pe percepția artistului asupra luminii. Cu toate acestea, cele două stiluri sunt semnificativ diferite. Luminismul se caracterizează prin atenția la detalii și ascunderea pensulei, în timp ce impresionismul se caracterizează printr-o lipsă de detalii și un accent pe pensulă. Luminismul a precedat impresionismul, iar artiștii care au lucrat în stilul luminist nu au fost influențați de impresionism [18] .

Termenul de neoluminism a fost propus pentru o mișcare modernă din pictura americană care aderă la mișcarea artistică a luminismului [19] [20] .

Pictori luminiști americani de frunte au fost: Robert Salmon (1775 - circa 1845); Fitz Henry Lane (1804 - 1865); George Caleb Bingham (1811 - 1879); John Frederick Kensett (1816 - 1872); James Augustus Saidam (1819 - 1865); Martin Johnson Head (1819 - 1904); Sanford Robinson Gifford (1823 - 1880); Jasper Francis Cropsey (1823 - 1900); Biserica Frederick Edwin (1826 - 1900); David Johnson (1827 - 1908); Elbert Bierstadt (1830 - 1902); Edmund Darch Lewis (1835 - 1910); Alfred Thompson Bricher (1837 - 1908) [21] .

Pictura de șevalet din secolul al XIX-lea

În 1803, împăratul Napoleon Bonaparte , care avea mare nevoie de bani pentru a lupta în războaie în Europa, a insistat să vândă Louisiana guvernului Statelor Unite. Achiziția teritorială a dublat teritoriul țării. Independența noii republici a stârnit entuziasmul localnicilor, iar în pictură s-a reflectat în răspândirea stilurilor clasicism și academism. Clasicismul a fost susținut oficial de guvernul țării și a fost larg răspândit în construcția de clădiri pentru construirea instituțiilor oficiale (în arhitectură). În pictura Statelor Unite, clasicismul a fost puțin reflectat, deși mai mulți maeștri care au studiat în Europa au lucrat activ în această direcție (Benjamin West, John Vanderlin). Americanul John Vanderlin a ales în locul orașului tradițional pentru predarea americanilor orașul Londra - Paris , unde s-a antrenat timp de cinci ani în atelierul lui Jacques-Louis David , motiv pentru care stilul clasicismului târziu este prezent în portretele și lucrările sale. pe teme mitologice („Marius pe ruinele Cartaginei învinse”, „Ariadna goală în Naskosi).

Dezvoltarea de noi teritorii în valea fluviului Mississippi și subjugarea triburilor locale au provocat un val de interes pentru istoria țării în rândul oamenilor de știință, călători și artiști. Acest lucru a contribuit la faptul că pictura peisajului și-a luat locul în viața artistică a Statelor Unite ale secolului al XIX-lea și a dat naștere unor școli de artă precum Hudson River School (din 1820) și tonalismului din anii 1880. Creșterea economiei locale a contribuit la abolirea dependenței economice de Regatul Unit. În Statele Unite, tipărirea cărților s-a dezvoltat rapid, apar o serie de ziare care stimulează munca reporterilor, jurnaliștilor și ilustratorilor.

Un exemplu de artă plastică americană a fost pictura artistului D. Gast „American Progress”. Imaginea prezintă o imagine alegorică a dezvoltării pionierilor teritoriilor de vest ale țării. Pictura a fost comandată de George Crofatt, editorul ghidurilor de călătorie americane, în 1872 și a fost reprodusă de nenumărate ori în presă. Vestul este înfățișat în pictură ca un loc întunecat și sălbatic în comparație cu partea de est a picturii. Popoarele indigene care trăiesc în Occident cu modul lor de viață se împrăștie [22] .

Romantismul în pictura din Statele Unite a avut un caracter specific național și își avea originile în lucrările academice și romantice ale Germaniei. Astfel, o întreagă colonie de artiști din Statele Unite a studiat și a lucrat la Düsseldorf ( William Holbrook Byrd , Emmanuel Leutze , George Caleb Bingham). William Beard a lucrat cu subiecte rare chiar și în Europa, a devenit faimos pentru povestirile sale cu animale care jucau diverse situații umane în fața publicului („Maimuțe alcoolice”, „Maimuțe științifice”, „Ursii au ucis vânătorul”).

Schimbările în viața artistică a țării au stat la baza unor instituții de învățământ precum Academia de Arte Frumoase din Pennsylvania din Philadelphia (1805), Academia Națională de Design din New York (1826).

După moartea artistului Thomas Cole, conducerea Academiei Naționale de Design a trecut la Asher Brown Duran. În Letters on Landscape Painting, el a pus bazele teoretice pentru pictura americană de peisaj.

Artiștii din școala de gunoi

La începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, marile orașe din Statele Unite au cunoscut o creștere majoră. Populația din New York a crescut de la un milion și jumătate în 1890 [23] la aproximativ trei și jumătate în 1900 [24] . Ziarele orășenești de atunci s-au străduit să transmită știrile cât mai naturalist posibil. Camerele de la acea vreme nu puteau fi încă folosite pentru filmarea operațională a incidentelor. Prin urmare, ziarele au angajat artiști care au schițat ilustrații pentru note. În cea mai mare parte, au descris partea urâtă a vieții orașului. Din 1896 până în 1904, împreună cu Robert Henry, artiștii s-au mutat la New York [25] . Lor li s-au alăturat acolo artiștii Glenn Colman , Jerome Myers și George Bellows . Principalele obiecte ale schițelor de studio au fost străzile cu reprezentanții lor tipici: copii străzii , prostituate , sportivi de stradă, boxeri și imigranți [26] .

Școala, cu denumirea neașteptată de „ Școala de gunoi ”, nu era o comunitate ideală, nu a emis manifeste demonstrative sau platforme teoretice, nu se vedea singura comunitate artistică și nu era legată de gusturile comune. Artiștii școlii diferă în mod semnificativ în preferințele politice: unii erau apolitici, alții erau interesați de politică și încercau să se amestece în ea.

Mulți dintre artiști au comunicat la Academia de Arte Frumoase din Philadelphia, unde a lucrat cunoscutul artist din Statele Unite, Thomas Anschutz, un reprezentant al realismului. Alții au lucrat ca ilustratori pentru ziare din orașul Philadelphia. Nici originea și nici educația participanților în direcție nu au contribuit la atragerea lor către stilul academic cu formulele sale demodate de compoziții și intrigi antice.

Esența căutărilor și comploturilor școlii a fost practic formată de Robert Henry, care a anunțat crearea „artei ca jurnalism (sau chiar reportaj), am vrut să văd în imagini culorile reale ale murdăriei străzii, culorile gunoiului de cal. sau gheață în bălți pe Broadway”. El a atras tineri studenți și prieteni pe această platformă și a crezut că viața și activitățile săracilor, ale proletariatului și ale clasei de mijloc merită reproduse în pictură și nu vor ofensa integritatea și noblețea gusturilor contemporanilor săi.

Gloria Școlii coșurilor de gunoi a fost de scurtă durată. În 1913, a avut loc Expoziția ei Arsenal (Henry a fost printre organizatori). Ea a revoluționat artele vizuale în Statele Unite, aducând modernismul în prim-plan . Termenul „școală de gunoi” în sine a apărut trei ani mai târziu.

Mozaic

Indienii în pictura americană

Imaginea indienilor locali a devenit o temă specifică picturii americane. Emigranții și locuitorii coloniilor au studiat viața indienilor și au împrumutat foarte mult de la ei în primii ani ai emigrației. Primele imagini ale indienilor au fost prezente în picturile secolului al XVIII-lea (Gustav Gasselius. „Indian Delaware”, 1735, Benjamin West, „Portretul colonelului Guy Johnson cu un indian”, 1776)

Timp de zeci de ani, tema indiană nu s-a dezvoltat în pictură. Lipsa de interes pentru ea se explică prin faptul că localnicii erau foarte diferiți de coloniști, nu cunoșteau roata, vitele de tracțiune și caii, aveau unelte primitive. Păstorii nomazi nu au trecut încă la un mod de viață stabilit. Artistul George Catlin, călător și scriitor, a oferit primele imagini științifice și descrieri etnografice ale indienilor - îndrăzneți, înfășurați în pături, cu părul netuns până la pământ, cu sulițe și arcuri în mâini. Ciocnirea a două civilizații nu a fost în favoarea localnicilor, deși aceștia au împrumutat ceva de la coloniști, s-au mutat ulterior pe cai și au stăpânit armele moderne. Dar indienii au fost tratați puțin mai bine decât sclavii americani. Intrarea indienilor într-o nouă civilizație pentru ei s-a întins timp de secole. Au fost multe pagini tragice în istoria lor. Coloniștii i-au văzut pe indieni ca pe o amenințare și un obstacol în calea dezvoltării ținuturilor vestice.

Printre cei care au dezvoltat tema indiană în pictură s-au numărat artiști: John Wesley Jarvis (John Wesley Jarvis), Alfred Jacob Miller , în secolul XX - artiștii Frederick Remington , Nikolai Feshin („Liderul Taos” 1927-33) [27] .

Tonalism

Direcția tonalismului a avut trăsături deosebite în pictura din SUA . Cronologic, a coincis cu activitățile școlii Barbizon și cu înflorirea simbolismului francez și a acoperit perioada cuprinsă între anii 1880 și 1910. În pictura din Statele Unite, tonalismul s-a reflectat în imaginile peisajelor rurale și urbane. A coexistat cu impresionismul american, dar ulterior a cedat acestuia.

Generalizările formelor și culorile slabe în picturile tonaliștilor, efectele de lumină și imaginile de ceață au dat motive criticilor de artă să numească tonalismul predecesorul abstracționismului secolului al XX-lea. În tonalism, formele obiectelor și ale oamenilor descrise sunt recunoscute. John Henry Twachtman („Peisaj în Olanda”), Thomas Devin („În grădină”), Leon Dabo („Râul Hudson la amurg”), Henry Ward Ranger și alții au lucrat în acest stil [28] [29] .

Artiști emigranți și invitați temporar la muncă

Tabloul colorat al vieții artistice a Statelor Unite în secolul al XX-lea a fost completat de artiști emigranți și artiști invitați temporar să lucreze în țară. Marea revoluție socialistă din octombrie din Rusia din octombrie 1917, anii de foame, războiul civil și dorința de a câștiga bani au dus la plecarea unui număr de artiști și oameni de știință din țară - compozitori, muzicieni, actori, scriitori, oameni de știință, ingineri , artiști. Nicholas Roerich a vizitat SUA , iar vânzarea picturilor sale a contribuit la o opinie larg răspândită despre proprietățile vindecătoare ale picturilor sale. Muzeul N. Roerich a fost deschis la New York. Somov Konstantin Andreevich a vizitat Statele Unite pentru a vinde lucrările artiștilor ruși și, prin urmare, a le sprijini în anii crizei financiare. Feshin Nikolai Ivanovici , un reprezentant al postimpresionismului, Jan Henryk Rosen, și muralistul Viktor Mikhailovici Arnautov au sosit în Statele Unite .

În arta americană a secolului XX, s-au dezvoltat, deși cu întârziere, genuri de artă plastică care nu au fost aici, ci inerente culturii artistice mondiale ( peisaj , natură moartă , portret, gen cotidian, gen animal etc.). Majoritatea artiștilor țării s-au orientat către grafică și aproape toți către tehnologia modernă (litografie, prelucrarea lemnului, tehnica combinată de imprimare). Picturile murale monumentale din perioada inițială au fost realizate nu pentru muzee, ci pentru sarcini publice, explicând reformele și agitându-se în sprijinul acestora. Realitatea burgheză și-a făcut propriile ajustări. O serie de galerii și muzee deschise din țară au adunat toată varietatea operelor de artă - orice tehnică și orice stil burghez.

Artiștii mexicani Diego Rivera , Jose Clemente Orozco au fost invitați să lucreze în Statele Unite , critici față de modul de viață american, sistemul burghez. Ei au adus în pictura Statelor Unite speranțe pentru o viață mai bună, dorința de reformă și democratizare, contribuind la faima mondială a artei Mexicului (Orozco, murală „American Civilization”, Dartmouth College Library, „Prometheus”, murală la Colegiul Pamona, SUA, 1930) . Lucrările monumentale ale lui Diego Rivera au provocat restricții de cenzură, iar cea mai periculoasă frescă a sa a fost închisă publicului printr-o cortină.

Pictura monumentală a lui José Clemente Orozco avea un caracter francat experimental [30] . Nu s-a oprit la tradiția de a picta în frescă clădiri vechi sau la utilizarea îndrăzneață a culorilor. Așadar, frescele Bibliotecii Ortiz (1940) din orașul Hikilpan au fost realizate doar în alb-negru. Maestrul a descris intrigile seriei „Mexic în revoluție”. În același 1940, a continuat să experimenteze cu fresce și a creat o frescă mobilă „Avion-bombarde la vârf”, privând fresca de fixarea ei pe perete. Acest lucru a echivalat pictura murală cu un afiș politic. A fost creat pentru Muzeul de Artă Modernă din New York și a devenit răspunsul artistului la izbucnirea războiului din Germania nazistă. Dimpotrivă, arta abstractă sigură a mexicanului Rufino Tamayo nu a găsit un răspuns aici.

Străini de origine sau de creștere au lucrat în țară decenii: Feshin Nikolai Ivanovici (1881-1955), Viktor Mihailovici Arnautov (1896-1979), Sitnikov Vasily Yakovlevich (1915-1987), Sorin Savely Abramovici (1878-1953), Suloaga (1878-1953). 1870-1945), Anton Refregier (1905-1979), Jan Henryk Rosen (1891-1972), Dobuzhinsky (1875-1857), Diego Rivera, José Clemente Orozco, Mark Rothko (Markus Rotkovich din Letonia), John D. Graham ( Ivan Dombrovsky din Ucraina), Marc Klionsky, Pavel Chelishchev (1898-1957), David Burliuk (1882-1967), Leon Gaspard (1882-1964), Joaquin Sorolla and Bastide (1863-1923), Ramon Casas (1866-1932) , Salvador Dali , Luis Lozovik, Viktor Nizovtsev, Rufina Tamayo.

Impresionismul în pictură în Statele Unite

În secolul al XIX-lea au început schimbări importante în cultura Statelor Unite: pe de o parte, mișcările și descoperirile artistice ale artiștilor britanici și mai ales francezi au fost studiate cu atenție, pe de altă parte, formarea activă a marilor biblioteci și colecții muzeale. au inceput. Bogații americani au cumpărat tablouri din Marea Britanie, precum și toate tablourile la modă ale artiștilor francezi, urmărind lucrări prestigioase în saloanele pariziene. Mareșalii au început să sosească în Statele Unite, vânzând picturi ale artiștilor parizieni care au devenit mai târziu luminarii artei europene - Camille Corot , Claude Monet și alții. Tablouri ale reprezentanților școlii Barbizon Francois Millet, Edouard Manet , principalii reprezentanți ai impresionismului francez de la Claude Monet, Camille Pissarro până la Pierre-Auguste Renoir se stabilesc în saloanele din SUA. Toate acestea alimentează impresionismul american. La sfârșitul secolului al XIX-lea, realismul academic și impresionismul local aveau să aibă succes financiar în țară. Reprezentanți ai impresionismului decorativ american au fost Robert Leavis Reid (1862-1929) și Richard Miller [31] [32] . Lucrările artiștilor impresioniști decorativi americani tind să înfățișeze femei în ipostaze languide în aer liber sau în interior, cu figuri luminate de lumina naturală de la ferestre.

Impresionismul de tip francez s-a reflectat destul de pe deplin în opera americancei Mary Cassatt. Independentă financiar, a trăit și a lucrat ani de zile la Paris, unde l-a cunoscut pe fiul bancherului, Edgar Degas. Acesta din urmă i-a dat sfaturi în pictură și a invitat-o ​​să participe la expoziții ale impresioniștilor. Mary Cassatt a participat la patru dintre ele. Pictorul Theodore Robinson a vizitat Parisul și s-a împrietenit cu Claude Monet. Este considerat primul impresionist american. Această tendință în artă a fost demonstrată în 1880 în orașele Boston și New York.

Un artist cu autoritate la sfârșitul secolului al XIX-lea. a fost Whistler, capabil de generalizări și căutări în diverse scheme de culori. O analiză atentă a operei și tehnicii sale artistice demonstrează că avea un stil original de a scrie care nu coincidea cu principiile impresionismului. Artistul Sargent și-a luat locul în arta Europei de Vest și a Statelor Unite. A lucrat mult și fructuos ca portretist al oamenilor bogați, așa și-a câștigat existența. Mai îndrăzneț, impresionist și creativ, a fost arătat în numeroase schițe și acuarele.

Etapa inițială de interes pentru impresionism s-a încheiat în Statele Unite în 1913, după o expoziție de artă contemporană la New York. Școlile provinciale separate au continuat să funcționeze în stilul impresionismului până în 1920, când a dispărut și a făcut loc abstractionismului susținut oficial.

O nouă fază a impresionismului american a început în anii 1950 cu mai multe expoziții ale impresioniștilor francezi și americani organizate de o serie de muzee majore din Statele Unite. La acea vreme, impresioniștii din Franța au fost traduși în luminarii artei europene, iar lucrările lor au trecut granițele de milioane de dolari la licitațiile de artă. Principalii cumpărători la aceste licitații de vânzare sunt milionarii Japoniei și ai Statelor Unite. Colecțiile muzeelor ​​din Statele Unite sunt completate cu aproape toți reprezentanții mișcărilor artistice, ceea ce a fost facilitat de legile de stat privind privilegiile preferențiale pentru donatorii de opere de artă valoroase (patronii donatorilor din Statele Unite au primit dreptul de a nu plăti impozite pe suma cheltuită asupra unei opere de artă, oricât de semnificativă ar fi fost).

Stilul impresionismului a fost susținut și de femeile artiste din Statele Unite. În secolul al XX-lea, aceștia sunt Lilian Westcott Hale (1880-1963), Gretchen Rogers (Gretchen Woodman Rogers 1881-1967), Elizabeth Paxton (Elizabeth Okie Paxton 1877-1971), Catherine Lane [33] . Au lucrat în Boston, picturile lor sunt de obicei lipsite de intrigă, includ portrete, scene cotidiene, peisaje.

Pictura religioasă în colecțiile din SUA

Protestantismul și diferitele sale tendințe din Statele Unite nu au cultivat dezvoltarea picturii religioase. Excepții au fost puținele comunități catolice și coloniștii francezi. Artiștii americani care au lucrat la Paris s-au orientat către subiecte religioase în pictură , rămânând în mod formal în limitele religiei catolice. Dar erau singuratici.

Picturile bazate pe subiecte biblice în secolul al XX-lea au început să fie cumpărate de o serie de muzee de artă din Statele Unite și vândute la numeroase licitații.

Peisaje

Observarea atentă a naturii înconjurătoare era deja inerentă artiștilor Școlii Hudson River. Cu toate acestea, ei priveau natura prin ochelarii atitudinilor romantice, arătând-o fie idilic în maniera peisajelor clasice din secolele al XVII-lea și al XVIII-lea, fie duși de efectele luminii și ale perspectivei.

Multe peisaje și imagini ale cuceririi naturii sălbatice de către om la începutul secolului al XX-lea au fost create de maeștrii școlii „Coș de gunoi”. Tehnica de pictură temperamentală și neîngrijită a subliniat dramatismul situațiilor și incompletitudinea victoriei oamenilor asupra naturii.

O privire lipsită de atitudini romantice față de natură a avut artistul Winslow Homer (1836-1910). Lipsa educației artistice profesionale l-a determinat să studieze cu artiștii Frederic Rondeli și Thomas Gray Cummings și să se educe singur. Intenția sa de a merge la studii și studii în Europa de Vest nu s-a concretizat din cauza dificultăților financiare. Acest lucru l-a salvat însă pe artist de teoretizări excesive. A devenit un maestru original, care și-a văzut măreția în natura înconjurătoare a Statelor Unite.

Pe vremea Societății Americane din Winslow a supraviețuit revoluției industriale și tranziției la urbanizare. Cercul profesiilor dificile și periculoase pentru o persoană a crescut. Winslow Homer a simțit cu intensitate aceste schimbări și a făcut din ele subiectul propriei sale lucrări, inclusiv pictura peisajului. O serie de picturi și acuarele ale artistului au fost create la limita genurilor. Acestea sunt atât peisaje, cât și scene cotidiene („Alarma de ceață”, „Pescuit pe lac”, „Adirondack. O căprioară înoată pe lac”, „Locuitori antici”). Acuarelele sale înfățișează peisaje calme, aproape idilice, iar apelul său la evenimente tragice în acuarelă a fost neașteptat.

Adevărata tragedie este prezentă în acuarela sa „Tornado Killer”. Marea agitată tocmai s-a calmat. Dar un eveniment teribil s-a întâmplat deja. Valurile au aruncat pe coastă epava unei bărci de pescuit și cadavrul unui pescar negru. Totul este simplu și intimidant. Artistul simte cu tărie nenorocirea altcuiva și avertizează cu această lucrare împotriva pericolelor existente.

George Bellows a dezvoltat diferite teme în peisaje - de la idilicul „Zăpada albastră” până la peisajul industrial aproape urât („Pennsylvania. Groapă”).

Atacul asupra naturii sălbatice a Statelor Unite a fost atât de puternic și distructiv încât a început să atragă atenția chiar și a unei societăți indiferente. Dezvoltarea ținuturilor vestice a fost însoțită de agresiune față de indieni, împușcături, beție și distrugerea păsărilor și animalelor sălbatice. Într-o singură iarnă a anului 1877, 100.000 de zimbri au fost uciși. Companiile de căi ferate din SUA au angajat trăgători profesioniști pentru a extermina bizoni și a furniza carne gratuită. La începutul anilor 1890, zimbrul, ca specie sălbatică în natură, aproape dispăruse. Au mai rămas doar câteva în grădinile zoologice și ferme private. Guvernul abia la începutul secolului al XX-lea a dezvoltat un proiect pentru a proteja aceste animale și a început să cumpere zimbri de la proprietari privați. Zimbrii au fost plasați în parcuri naționale. Martorul acestor evenimente a fost artistul Bellows, care a văzut măreția naturii nordice, parțial distrusă de americani („Northern River”, „Dockers of the Big City”, „Snow Removal from the City”). De asemenea, desenează peisaje. din New York, care s-a transformat rapid într-o metropolă fără natură.

Toate cele mai bune calități ale picturii și acuarelelor de Winslow Homer [34] sunt și ele inerente picturii peisagistice a artistului, laureat al Premiului Internațional Lenin „Pentru întărirea păcii între popoare”, Rockwell Kent . Deși a studiat nu cu Winslow, care a murit în 1910, ci cu Robert Henry, Kenneth Miller (1876-1952) și Abbot Thayer (1849-1921). Rockwell Kent a depășit în tinerețe rigiditatea propriilor linii (obținute la clasa de arhitectură și în salon) și propria sa nesiguranță artistică. Impulsul pentru pictura peisajului pentru Kent a fost sfatul lui Robert Henry de a lucra pe insula Monhegan. Kent a lucrat pe insulă atât ca muncitor, cât și ca artist, când uraganele l-au împiedicat să meargă la mare sau la vânătoare. Mai târziu, artistul și-a extins propriile trasee, acestea incluzând Alaska, Groenlanda, Newfoundland, nordul extrem al continentului american și extremul său rece Sud - Țara de Foc [35] .

Ulterior, artistul a devenit interesat de simbolismul peisajelor și a trecut de la lucrările în aer liber la cele create în atelier. În același timp, a câștigat la intensitatea și utilizarea culorilor strălucitoare („Apus de soare pe Monhegani”, 1908, Moscova, „Apus de soare. Satul pescarului”, Muzeul Național de Artă Bogdan și Varvara Khanenko, 1910, Kiev).

Opusul absolut al majorității artiștilor americani a fost Wyeth (1917-2009). Opera sa a venit într-un moment în care tendințele avangardiste dominau pictura din Statele Unite, ceea ce a dus la singurătatea artistului, care nu era pasionat de formele abstracte și avangardiste. A făcut mai multe încercări prudente de a lucra în forme suprarealiste. Născut în provincii, a trăit acolo toată viața și a devenit artist în provinciile americane. Nimic nu a prefigurat o popularitate strălucitoare la artist din cauza înclinației sale pentru culori plictisitoare și plictisitoare. Tot avantajul artei lui Wyeth constă în domeniul intrigilor și psihologismului, și nu în domeniul colorismului spectaculos.

Majoritatea picturilor lui Andrew Wyeth sunt peisaje sau compoziții legate de peisaje: „Winter Fields”, „Wind from the Sea”, „Distant Distance”, „Vânzarea proprietății fermierului în faliment”. O serie dintre aceste lucrări au ridicat pictura americană de peisaj la nivelul celor mai bune realizări ale artei americane și mondiale ale secolului al XX-lea. Tabloul său „Lumea Christinei” a devenit un fel de semn distinctiv al picturii în Statele Unite.

Pictură murală

Nu a existat o nevoie dezvoltată de pictură monumentală (picturi murale) la un moment dat în Statele Unite, ca țară protestantă. Acest lucru a fost facilitat de interzicerea creării de retablouri în bisericile protestante.

Starea de lucruri s-a schimbat în secolul al XIX-lea odată cu sosirea în Statele Unite a emigranților din țări catolice (Italia, Spania, Portugalia, Mexic), unde stilul eclectic a fost larg răspândit și artiștii nu s-au sfiit de picturile murale. Țara a început să creeze fresce decorative în clădiri publice și case private ale oamenilor bogați (picturi murale din bibliotecile private). Nevoia de pictură monumentală a fost satisfăcută de opera artiștilor: Ernest Peixoto (1929-1935), Anton Refregier, mexicanii Diego Rivera și José Clemente Orozco . Printre ei – un artist pur american – Newell Converse Wyeth (1882-1945) [36] .

În 1895 a fost înființată Societatea Națională a Muraliștilor (NSMP), al cărei scop a fost realizarea de picturi murale în structurile arhitecturale ale Statelor Unite, picturi murale, mozaicuri, sculpturi etc. Societatea Națională a Muraliștilor a organizat expoziții și concursuri.

Clienții lucrărilor de pictură monumentală erau oficiul poștal american, sinagogile, marile spitale și o serie de universități americane. Temele picturilor murale au fost variate (opera misionară a societăților religioase, peisaje, gen cotidian, evenimente istorice). Nu au existat restricții privind stilul de lucru. Au fost create lucrări în stilul primitivismului , expresionismului, abstracționismului etc. În același timp, au existat restricții de cenzură asupra subiectului lucrărilor. Subiectele sensibile din punct de vedere politic și comuniste au fost interzise, ​​restricționate sau distruse.

Lucrările monumentale de direcție satirică și erotică au fost limitate. Soarta picturilor murale ale pictorului realist Paul Cadmus (1904-1999) a fost orientativă. În 1935, Programul Federal de Angajare WPA pentru reducerea șomajului i-a comandat lui Cadmus picturi murale pe tema „Aspecte ale vieții suburbane”, în speranța de a obține lucrări simple și decorative. Cadmus a vizitat stațiunile americane de pe plajă, terenurile de polo și parcul, unde nu a văzut nimic simplu și decorativ. A realizat schițe mari cu „Isle of Horses” (un loc de vacanță pentru new-yorkezi), „Main Street”, „Regatta”, „Golf”, unde a creat o serie de imagini satirice cu tineri, bogați și nu atât de americani în timpul lor. timp liber. Picturile au provocat indignare, iar americanii bogați i-au promis artistului un proces pentru „reprezentarea rușinoasă a petrecerii timpului liber al turiștilor”. Picturi amuzante și satirice ale artistului au fost achiziționate pentru colecții private.

Cadmus a finalizat o pictură murală monumentală, Fiica șefului indian Pocahontas salvează viața englezului John Smith (1939) pe o clădire din Richmond, Virginia. Tema frescei a fost nobilă și istorică. Pocahontas a fost considerat personificarea atașamentului indienilor locali față de emigranții coloniali englezi. Cu toate acestea, liderii programului de angajare WPA au găsit elemente erotice în tablou și au ordonat să fie revopsite.

Atât artiști locali, cât și străini au lucrat în pictura monumentală. Printre aceștia se numără și artiste de sex feminin din Statele Unite (Edna Hirshman, Marion Greenwood, Elizabeth Durin, Georgia O'Keeffe, Edith Hamlin și alții).

Artistul afro-american Aaron Douglas (1899-1979) [37] a ocupat un loc aparte în picturile murale ale acestei perioade . În opera sa, el a respins nu din instalațiile artei grecești antice, din renașterea europeană și din perspectiva italiană, ci din moștenirea artistică a Egiptului Antic și chiar din măștile Coastei de Fildeș. A lucrat în stilul siluetei colorate și al generalizărilor de tipuri, în care africanii sunt recunoscuți ca precursori ai afro-americanilor. Orientările ideologice au fost dorința de autoidentificare a afro-americanilor, dorința de a demonstra societății opinia că a fi negru este normal și chiar frumos. Munca lui Aaron Douglas în domeniul picturilor murale s-a desfășurat pe fundalul rezistenței majorității albe. Picturi murale de A. Douglas - „Hariett Tubman”; mural la Bennett College, 1930; „Istoria caucaziană”; ciclu de frescă la Universitatea Fisk, 1930; „Dance Magic” (Dans magic); picturi murale la hotelul Sherman, Chicago, 1930-31; „Scenele vieții negre”; fresce din Schomburg, Centrul de Cercetare în Cultura Neagră, 1934 și altele.

În timpul crizei economice, majoritatea muraliştilor americani au rămas şomeri. Ca parte a programului de angajare de stat WPA, muraliştii au fost angajaţi la comenzi guvernamentale pentru a crea lucrări monumentale în spaţiile publice.

Picturile murale create în cadrul Programului de angajare WPA nu sunt supuse dreptului de autor conform legislației SUA.

Precisionism

Vezi și: Precisionism

A existat o tendință stilistică de scurtă durată în pictura Statelor Unite între cele două războaie mondiale din 1914-1918 și 1939-1945, ca precizie.

Reprezentanții acestei tendințe stilistice nu aveau o justificare teoretică sau o platformă ideologică proprie. Dar munca lor avea propriile sale trăsături speciale - geometrie accentuată, claritatea grafică a formelor, ignorarea atmosferei, o „sterilitate” vizibilă a imaginilor situate în spațiu fără aer și artificial, absența oamenilor. Precisionismul american avea trăsături care l-au apropiat de cubism și futurism, dar l-au separat de stilul Art Deco [39] .

Termenul de critică de artă „precisionism” a apărut la sfârșitul anilor 1920. Susținătorii direcției au creat peisaje industriale și urbane. Picturile lor prezintă mașini și structuri industriale. Progresul tehnologic în forme amenințătoare a schimbat peisajele Statelor Unite, a înlăturat oamenii și natura din ele. Prin urmare, melancolia, singurătatea și depresia domină în picturile reprezentanților Precisionismului, chiar și atunci când oamenii sunt prezenți în ele ( Edward Hopper , Charles Schiller).

Reprezentanții Precisionismului nu au intrat în contact cu artiști realiști americani care au lucrat în aceeași perioadă, printre care Rockwell Kent, Louis Lozowick, Jan Matulka, Ralston Crawford. Printre reprezentanţii preţionişti se numără Edward Hopper, Charles Schiller, Georgia O'Keeffe, Charles Demuth, Stuart Davis.

Avangardă și artă abstractă

Avangardismul a avut tendințe distructive în SUA datorită dorinței maeștrilor acestei tendințe de a-și afirma autoritatea, măturand deoparte autoritatea predecesorilor lor. În același timp, noile descoperiri și instrucțiuni nu au condus întotdeauna pictura și grafica la succesul creativ.

În 1913, la New York a avut loc Armory Show. Ea a prezentat publicului metropolei douăzeci și cinci de artiști americani care au adus în arta locală tendințele avangardiste ale artei vest-europene ( cubism , expresionism , dadaism , abstractionism ). Armory Show cu 1.600 de tablouri a fost prezentat și în orașele Boston și Chicago, unde a provocat scandal. Scandalurile au însoțit expozițiile ulterioare ale artiștilor de avangardă, care au fost percepute ca un semn de curaj și reclamă de succes [40] . Cu toate acestea, a avut loc un punct de cotitură în mintea galeristătorilor și a colecționarilor. Formarea colecțiilor de artă contemporană la acea vreme a început în țară.

Întărirea poziției artei de avangardă și abstractă în pictura americană a fost facilitată și de noile valuri de artiști burghezi - emigranți din Europa, care au părăsit continentul, cuprinsi de războiul cu Germania nazistă. În țară au venit și artiști de avangardă. Cubismul și operele lui Marcel Duchamp au avut o mare influență asupra gusturilor artistice din țară. Dadaismul a fost introdus publicului american în 1915. „Doamna nudă care coboară scările” de M. Duchamp pictat în acest stil a dus la scandal. În jurul lui Duchamp s-a adunat un grup de artiști, printre care se numărau Man Ray, Francis Picabia, Alfred Stieglitz. Împreună au fondat revista 291.

Stilul cubismului a fost împărtășit de o serie de artiști americani, printre care s-au numărat Stuart Davis (1894-1964), Marsten Hartley (1877-1943), Max Weber (1881-1961) [40] [41] .

Ulterior, publicul s-a săturat de abstractionism, susținut de oameni bogați și teoreticieni ai artei preocupați de prestigiul artei Statelor Unite. Reacția la oboseala abstracționismului (și respingerea lui a formelor recunoscute și a intrigăturii) va fi arta pop, restaurarea tonalismului (neotonalismul), versiunea americană a impresionismului și realismului, în special în picturi murale și peisaje, în viața artistică. al Statelor Unite.

Expresionism abstract

Expresionismul abstract a apărut în New York în anii 1940 și este o mișcare artistică specifică americană. Termenul de expresionism abstract a fost aplicat pentru prima dată artei americane de către criticul de artă Robert Coates. În Statele Unite, acest termen a fost folosit în 1929 de istoricul de artă american Alfred Barr pentru a descrie opera lui Wassily Kandinsky .

Prima fază a mișcării a fost suprarealismul abstract (suprrealismul abstract ), cu accent pe spontan, automat sau subconștient, care a apărut în anii 1940 sub influența ideilor lui André Breton . Artiștii americani Hans Hoffmann , Arshile Gorky , Adolf Gottlieb și alții au fost adepți ai mișcării, care a câștigat amploare în anii 1950. În acel moment, mișcarea era condusă de Jackson Pollock , Mark Rothko și Willem de Kooning . O formă de expresionism abstract a fost tachismul . Expresionismul abstract și tașismul coincid în ideologie și metodă creativă, dar compoziția artiștilor care s-au numit tashiști sau expresioniști abstracti diferă.

În anii 1950, de Kooning a mers pe calea primitivizării în opera sa, dezvoltând „abstracțiuni figurative”.

Motivul apariției expresionismului abstract a fost că mișcarea macarthismului care a apărut în Statele Unite după al Doilea Război Mondial a fost însoțită de o exacerbare a sentimentelor anticomuniste și de represiune politică împotriva oamenilor „anti-americani”, a fost și o perioadă de cenzură artistică, dar dacă subiectul era complet abstract, atunci era considerat apolitic și nu existau pretenții împotriva lui din partea mișcării [42] .

Expresionismul abstract se caracterizează printr-o anumită incompletitudine, aleatoriu și ușurință, care au fost cultivate din 1940. Treptat, accentul în munca artiștilor din această direcție s-a mutat pe actul de a crea o imagine, în care era prezentă gesticulația, moduri de lucru cu materialul - turnarea vopselei, frecarea sau lovirea pânzei.

D. Pollock a venit cu ideea de a întinde o pânză pe podea și de a alerga pe ea, după ce a turnat în prealabil vopsea lichidă achiziționată special pentru aceasta pe pânză. Astfel de „dansuri” ale artistului s-au transformat în spectacole , care au fost filmate pe film. Dialogul cu spectatorii-complici a jucat un rol important în acest spectacol. Lucrarea lui Jackson Pollock asupra picturilor a fost discutată constant de critici. Harold Rosenberg a scris despre transformarea picturii în opera lui Pollock într-o dramă existențială în care „ceea ce ar fi trebuit să fie pe pânză nu era o imagine, ci un eveniment” [43] .

Lucrările artiștilor de acest trend sunt expuse în galeriile de artă din New York: Galeria Charles Egan [44] , Galeria Sidney Janis [45] , Galeria Betty Parsons [46] , Galeria Koots [47] , Galeria Tibor de Galeria Nagy, Galeria Leo Castelli și altele.

Muzee și galerii

La începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, valoarea artistică a picturii în Statele Unite a fost realizată. Pe acest fond, în țară au început să fie create colecții de picturi din muzee și galerii de artă. Muzee precum Metropolitan Museum of Art , Boston Museum of Fine Arts , National Gallery ( Washington ), Philadelphia Museum of Art , Los Angeles County Museum of Art , Cleveland Museum of Art , Chicago Art Institute , St. Louis Museum of Art , Art Muzeele au fost înființate în țară Wadsworth Atheneum (1842), etc.

Unul dintre muzeele de artă americană a apărut întâmplător la New York. Milionara Gertrude Vanderbilt , căsătorită cu Whitney (1875-1942), ea însăși sculptoare, a adunat o mare colecție de lucrări ale unor tineri și încă nerecunoscuți maeștri americani ai picturii. Pentru a afișa și promova maeștrii avangardişti, ea a creat complexul expozițional Whitney Studio Club. Când numărul lucrărilor achiziționate a crescut semnificativ, doamna Vanderbilt Whitney și- a oferit colecția Muzeului Metropolitan de Artă . Pentru a se proteja de prezența mostrelor de mică valoare în el, Mitropolitul a respins cadoul. Apoi Whitney Vanderbilt și-a fondat propriul ei Muzeu de Artă Americană Whitney . Până la sfârșitul secolului al XX-lea, muzeul avea peste 19.000 de picturi, sculpturi, desene, grafică, fotografii, filme, videoclipuri și multe altele de la 2.900 de artiști din Statele Unite [48] . Printre acestea se numără lucrările artiștilor George Bellows „The Ice Floats”, Edward Hopper „The Hills. Insula Monhegan”, Ernest Lawson „Râul în iarnă”, Thomas Hart Benton „Casa în peisaje cubiste”, etc.

În fosta casă a artistului rus Nikolai Feshin din Taos, New Mexico, Muzeul de Artă Taos a fost înființat în 1994 [49] . Muzeul s-a bazat pe lucrările lui Feshin și ale artiștilor din colonia de artă Taos [50] . La New York a fost creat și funcționează un muzeu al artistului rus Nikolai Konstantinovich Roerich [51] . Muzeul expune picturi ale artistului înfățișând ținuturi sălbatice de la Muntele Hira din Arabia până la Everest din Tibet, de la Sinai până la pădurile Siberiei.

Harlem Renaissance

Renașterea Harlem sau New Negro Movement a fost o mișcare culturală condusă de scriitori și artiști afro-americani în perioada de glorie a culturii afro-americane din anii 1920 și 1930 . Simbolul mișcării a fost opera artistului Aaron Douglas și a fotografului James Vanderzee. Artiștii asociați cu Renașterea Harlem includ Romar Bearden, Jacob Lawrence, Charles Alston, Palmer Hayden și alții.

Dezvoltarea acestei mișcări a condus la recunoașterea marii influențe a culturii afro-americane asupra culturii americane. America a renunțat treptat la noțiunile de negrii care fuseseră implantate în cultura americană de zeci de ani. O nouă imagine a unui afro-american a apărut în țară: un membru educat, foarte cultivat și egal al societății. Mișcarea a ales cartierul Harlem din New York ca centru . Acolo, timp de mulți ani, Teatrul Apollo a fost singurul teatru din New York unde negrii își puteau găsi de lucru .

Artiști americani din Imperiul Rus

Artiștii ruși au avut un impact semnificativ asupra artelor vizuale din Statele Unite, în special în secolul al XX-lea. Unii dintre artiști au trăit și au lucrat în SUA [53] . Numele artiștilor care au locuit în SUA sunt cunoscute pe scară largă. Printre acestea se numără: David Davidovich Burliuk , Mark Rothko , John Graham, Archil Gorki, Max Weber, Pavel Chelishchev, Nikolai Feshin și alții.Au ajuns în această țară în tinerețe, după ce au primit o educație acolo sau au ajuns deja fiind maeștri recunoscuți.

Fugând de opresiunea dinaintea evenimentelor revoluționare din Rusia, viitorii artiști celebri, frații Sawyer, Louis Lozovik, Ben Shahn , Mark Rothko, Peter Blum, au plecat în Statele Unite.

Originar al orașului Dvinsk , guvernoratul Vitebsk, Mark Rothko (1903-1970) a fost un gânditor celebru, un artist american influent din a doua jumătate a secolului al XX-lea și o figură importantă a expresionismului abstract postbelic. În scrierile sale, el a descris similitudinea dintre principiile desenului pentru copii și munca artiștilor contemporani. El credea că artistul modernist, ca un copil sau o persoană în curs de dezvoltare, ar trebui să exprime în lucrarea sa un simț interior al formei fără a lega mintea. În același timp, în opinia sa, obiectul și forma își pierd încărcătura semantică. În urma ideilor sale, a folosit câmpuri de culoare în acuarele și peisaje urbane, încercând în mod deliberat să imite desenele copiilor [54] . Rothko este unul dintre cei mai scumpi artiști. Pictura lui Rothko „Portocaliu, roșu, galben” în 2012 , în 2012, a stabilit un record de cost printre cele mai scumpe opere de artă postbelică vândute la licitație (86,9 milioane de dolari) [55] .

Punctul culminant al operei lui Rothko este considerat a fi un ciclu de 14 picturi pentru capela bisericii ecumenice din Houston , Texas [56] .

David Davidovich Burliuk a emigrat din Rusia în Japonia în 1920, a pictat acolo aproximativ 300 de picturi japoneze, a câștigat bani și s-a stabilit în SUA în 1922. A arătat activitate acolo în cercurile pro-sovietice, a participat la expoziții de artă [57] .

Unul dintre fondatorii „suprrealismului abstract” a fost originar din Transcaucazianul rus Vosdanig Manug Adoyan, pseudonim - Arshile Gorki (1904-1948). După ce a emigrat în 1920 la tatăl său în Statele Unite, și-a schimbat numele în Arshile Gorki, în onoarea scriitorului Maxim Gorki. În SUA, a studiat la Rhode Island School of Art din Providence, New School for Design Boston . A fost influențat de impresioniști, iar mai târziu de postimpresionisti.

Printre lucrările celebre ale artistului se numără: „Portretul artistului și al mamei sale” (1926−1936), „Peisaj în maniera lui Cezanne” (1927), „Autoportret” (1937), „Organizație” (1933−1936). ), „Compoziție” (1936 −1939), Teoreticianul principal și creatorul expresionismului abstract, John Graham, este nimeni altul decât ucraineanul Ivan Dombrovsky. În arta americană a anilor 1930 și 1950, John Graham a devenit o figură cu adevărat legendară. A fost un maestru care a schimbat stereotipurile artei americane, un artist abstract expresiv, un mitologic. O mică idee despre maniera lui Graham poate fi obținută luând în considerare lucrarea sa „Untitled (Pink Acrobat)”, 1927. Printre glume practice și grotești, un ciclu dedicat soldaților armatei ruse, creat de Graham în timpul Marelui Patriotic Se evidențiază Războiul („Soldatul odihnit”, 1942). Desenând curajoși soldați țariști, artistul și-a exprimat solidaritatea cu soldații sovietici care au luptat, cu patria lor.O grădină la Soci ”(1943) și altele.

Principalul teoretician și creatorul expresionismului abstract, John Graham, este un artist modernist american de origine rusă Ivan Gratianovici Dombrovsky (1886-1961). În arta americană din anii 1930-1950, el a fost o figură legendară care a schimbat stereotipurile artei americane, un artist abstract expresiv. Deține lucrarea „Pink Acrobat” (1927), „Resting Soldier” (1942), etc. În 1942, la New York McMillan Gallery, John Graham a organizat o expoziție de grup cu participarea lucrărilor artiștilor europeni Picasso , Modigliani , Matisse și Braque și american (sau lucrează în SUA) - Lee Krasner , Willem de Kooning , Jackson Pollock [58] .

Opera lui Graham a influențat arta maeștrilor picturii: Arshile Gorky , Willem de Kooning, Mark Rothko , Jackson Pollock, Lee Krasner, David Smith .

Originar din Lituania, Ben Shan (1898-1969) a devenit cel mai mare artist din Statele Unite, un reprezentant al realismului critic. Tatăl său a participat la mișcarea revoluționară din Rusia, în 1902 a fost exilat în Siberia. În 1906, familia B. Shan a plecat la New York. În 1931-1932, maestrul a creat o serie de 25 de tablouri „Pasiunea pentru Sacco și Vanzetti”. În această serie de picturi, condamnarea și execuția a doi muncitori anarhiști este prezentată ca o repetare monstruoasă a Patimilor lui Hristos în societatea burgheză. Lucrarea l-a făcut celebru pe B. Shang în lumea artei [59] .

Nu toți artiștii emigranți ruși au reușit să se adapteze la viața din Statele Unite. Unii dintre ei, în loc să înceapă să picteze indienii și natura Americii, au continuat să picteze tablouri pe teme rusești. Americanii l-au numit pe artistul Boris Grigoriev (1886-1939), autorul tabloului „The End of the Harvest (Faces of Russia)”, (1923) un pitoresc povestitor al terorii ruse; artistul Serghei Sudeikin (1882-1946) a continuat să picteze tablouri cu sărbătorile și festivitățile rusești (Maslenița, a doua jumătate a anilor 1920).

Înainte de a se muta în SUA, fondatorul suprarealismului mistic Pavel Chelishchev (1898-1957) și Boris Margot [60] și- au câștigat faima . Cu toate acestea, publicul american din anii 1930 și 1940 nu a înțeles limbajul metafizic complex al lui Chelișciov, iar faima acolo i-a venit după moartea sa. Chelișciov este autorul picturii „Fenomene” (1936-1938), lucrări anatomice („Tabloul anatomic”, 1946, „Peisajul interior”, 1947). Boris Margot, un elev al lui Pavel Filonov, a venit în America cu experiență în expresionismul abstract. În acest stil, cea mai mare parte a lucrării sale a fost realizată acolo („Matricea lumii nenăscute”, 1939).

Reprezentantul impresionismului și modernismului, Nikolai Ivanovich Feshin (1881-1955), a emigrat la New York împreună cu familia în 1923. Motivul pentru aceasta s-a datorat în principal succesului în vânzările picturilor sale în SUA. Personajele principale ale lui Feshin în exil au fost portretele indienilor și mexicanilor, care i-au amintit artistului de Mari. Fiica sa, Iya Feshina, a spus chiar că indienii se aseamănă foarte mult cu tătarii (Feshin a trăit în Kazan în 1910-1916). În timpul celui de-al doilea război mondial, Feshin a lucrat pentru armata americană, a pictat portrete ale generalilor Cannon și Eaker. În ultimii ani ai vieții sale, Feshin a pictat în principal portrete ale reprezentanților comunității de afaceri și ale doamnelor din înalta societate [61] .

Artiștii emigrați ruși au lucrat în SUA într-o varietate de stiluri și teme. Sunt interesante scenele cotidiene din picturile fraților Sawyer („Bibliophile” de M. Sawyer, 1934, „Roommates” de R. Sawyer, 1934), picturile industriale și de zi cu zi de Peter Blum (1906-1992) în stilul suprarealism („Picioare de porc în oțet”, 1927). Orașul zgârie-norilor și peisajul industrial au fost înfățișate de un originar din provincia Kiev, constructivist, grafician Louis Lozovik (Pittsburgh, 1922-1923) [62] [63] .

Muzeele din Statele Unite stochează lucrări ale artiștilor ruși: Aivazovsky , Vasily Vereshchagin , Pavel Svinin (1787-1839). Pavel Svinin a venit la Philadelphia în 1811 pentru a lucra ca secretar al consulului general al Statelor Unite ale Americii de Nord. În timp ce călătorește prin țară, a creat mai multe albume cu acuarelă. Fanii lui Vereshchagin, care au venit în Statele Unite după războiul ruso-japonez, au fost președintele Theodore Roosevelt . La cererea președintelui Vereshchagin, descrieți bătălia de pe dealul San Juan. Președintele a cumpărat tabloul pictat de la artist. La mijlocul secolului al XX-lea, două dintre picturile sale ale artistului rus Aivazovsky de la Muzeul Corcoran, Jacqueline Kennedy a folosit „diplomația calmă” pentru acțiune. În timpul crizei din Caraibe, ea a aranjat o expoziție cu două picturi marin la Casa Albă pentru a sublinia sentimentele prietenoase ale poporului american față de ruși.

Fotografie și cinema

Fotografia în Statele Unite datează din secolul al XVIII-lea, odată cu crearea în 1839 a dagherotipului , un proces fotografic bazat pe sensibilitatea la lumină a iodurii de argint. În 1866, au apărut primele fotografii color. Odată cu crearea fotografiei, a apărut o nouă formă de artă.

În secolul al XIX-lea, fotografi au dezvoltat noi tehnici și tehnici de fotografie. Fotografi americani celebri au fost: Eduard Muibridge (1830-1904), Matthew Brady (1822-1896), Jacob Rees (1849-1914), Gertrude Casebier (1852-1934), Alfred Stieglitz (1864-1946), Edward S. Curtis ( 1868-1952).

Fotografiile ne oferă o imagine exactă a modului în care trăiau oamenii în anii 1800. Primul președinte american fotografiat a fost John Adams . Ar fi fost fotografiat în 1843, la 14 ani după ce și-a părăsit președinția.

La sfârșitul secolului al XX-lea au apărut camerele digitale color, aceleași succese au venit și la video și cinema. Dezvoltarea industriei cinematografice americane a început în 1892, după ce Thomas Edison a proiectat kinetoscopul. Prima sesiune publică a avut loc la New York la Bayel and Koster Music Hall. Sesiunea a inclus câteva numere mici umoristice și de dans.

Din anii 1920, industria cinematografică din SUA a fost una dintre cele mai mari din lume în ceea ce privește numărul de filme produse. În țară a fost înființată Academia Americană de Film, care acordă premii Oscar din 1929 .

În anii 1920, în cinematografia de la Hollywood a apărut instituția „vedetelor de cinema”. În cele din urmă a prins contur în anii 1930 și a atins apogeul în anii 1940 și 1950. Presa a urmărit fiecare pas al actorilor vedete, vorbind despre viață și excentricele lor excentrice.

Artele vizuale în secolul al XX-lea

La începutul secolului XXI, arta contemporană din Statele Unite se dezvoltă în conformitate cu ideile pluralismului cultural.

În țară există domenii de pictură: pictură de contur tare , abstractie geometrică , însuşire , hiperrealism , fotorealism , expresionism , minimalism , abstractizare lirică , artă pop, artă OP, expresionism abstract, pictură în câmp de culoare, pictură monocromă, neoexpresionism , colaj . , asamblare , pictură digitală , postmodernă , pictură neo-dadă , pictură pe pânză figurată , pictură murală, pictură peisaj , pictură portret etc.

Artiștii abstracti folosesc materiale diferite pentru lucrările lor. Așa că Robert Rauschenberg (1925-2008) și Jasper Johns (1930-) au folosit fotografii, hârtie de ziar și obiecte aruncate în compozițiile lor. Artiștii Andy Warhol (1928-1987), Larry Rivers (1923-2002) și Roy Lichtenstein (1923-1997) au folosit articole de uz casnic și sticle de la Coca-Cola și altele.

La începutul anilor 1920, graffiti -urile moderne au apărut în țară . Această formă de artă stradală din Statele Unite a fost folosită inițial pentru a eticheta vagoanele cu box în timp ce călătoriau prin țară. Treptat, graffiti-urile au început să apară în metrou, pe pereții caselor. Opțiunile de decorare graffiti au devenit la modă: buline, modele în carouri, hașurare etc. Consumul de vopsea spray folosită a crescut, pe măsură ce scriitorii (din cuvântul scriitor) și-au mărit volumul lucrării. Mulți artiști graffiti preferă să rămână anonimi, deoarece adesea își înregistrează munca în zone interzise [64] .

În 2017, un tablou fără titlu al artistului neoexpresionist american Jean-Michel Basquiat (1960-1988) a fost achiziționat de la Sotheby's din New York pentru 110,5 milioane de dolari . Pictura a fost realizată cu vopsele în ulei, acrilice și spray. S-a dovedit a fi cel mai scump tablou al artiștilor americani vândut vreodată. Cumpărătorul său, designerul de modă japonez Yusaku Maezawa, consideră că lucrarea cu contururile unui cap uman asimetric, gura deschisă și litere tăiate este o capodopera [65] .

De multă vreme, în Statele Unite funcționează o organizație - Federația Americană de Arte (AFA), care organizează expoziții de artă în țară, prezintă arta americană în întreaga lume, publică cataloage de expoziții și dezvoltă programe educaționale. Organizația a fost fondată în 1909 cu aprobarea lui Theodore Roosevelt, patroni și artiști americani celebri. Până în prezent, AFA a organizat aproximativ 3000 de expoziții, care au fost vizitate de peste 10 milioane de oameni în Statele Unite, Canada, America Latină, Europa, Asia și Africa [66] .

Federația Americană a Artelor a stabilit anual Cultural Leadership Award, care recunoaște oamenii care au adus o contribuție semnificativă la arte și muzee din țară și din lume. În diferite momente, câștigătorii premiului au fost artista Sara Ze (2012), maestrul de performanță iugoslav Marina Abramović (2011), directorul Muzeului de Artă din Philadelphia Anna D'Harnoncourt (2002) și alții [67] [68 ] ] .

Vezi și

Note

  1. ↑ DESPRE ARTIȚII RUȘI DIN AMERICA . Data accesului: 1 iunie 2017. Arhivat din original pe 4 martie 2016.
  2. ↑ Robert Hugues, American Visions. Istoria epică a artei în America, New York, Alfred A. Knopf, 1997 ( ISBN 0679426272 ), p.32
  3. ↑ Collectif, L'Art des États-Unis , traduit de l'anglais par Christiane Thiollier, édition Citadelles et Mazenod, Paris, 1992, ISBN 2850880604 , p.135
  4. ↑ National Gallery of Art Arhivat pe 12 mai 2009 la Wayback Machine
  5. ^ Gilbert Stuart Birthplace and Museum Arhivat la 7 octombrie 2008 la Wayback Machine .
  6. ↑ Muzeul Național Poștal Smithsonian (link nu este disponibil) . Preluat la 30 mai 2017. Arhivat din original la 27 aprilie 2011. 
  7. ↑ National Gallery of Art Arhivat la 1 iulie 2012 la Wayback Machine
  8. ↑ Robert G. Stewart, James Earl: Painter of Loyalists and his cariera în Anglia . Preluat la 2 octombrie 2017. Arhivat din original la 17 martie 2020.
  9. ↑ Colecția Joseph Downs . Biblioteca Winterthur. Preluat la 24 martie 2008. Arhivat din original la 6 iunie 2018.
  10. ^ James A. Michener Art Museum: Bucks County Artists . Michenermuseum.org . Consultat la 9 aprilie 2012. Arhivat din original pe 17 februarie 2012.
  11. ↑ TFAOI.com Arhivat 2 mai 2017 la Wayback Machine .
  12. ↑ Muzeul Național de Artă Americană (SUA) și Kloss, W. Treasures de la Muzeul Național de Artă Americană .
  13. ↑ Frank Weston Benson Arhivat pe 14 noiembrie 2016 la Wayback Machine 
  14. ↑ Thomas W. Gaethgens: Bilder aus der Neuen Welt. Amerikanische Malerei des 18. und 19. Jahrhunderts Prestel-Verlag 1988; S. 312. ISBN 3-7913-0879-3
  15. ↑ Walter Gay: Memoriile lui Walter Gay. New York 1930.
  16. ↑ Mary Sayre Haverstock. George Bellows: un artist în acțiune. - Merrell, 2007. - 160 p.
  17. ↑ Petrova T. A. „Rockwell Kent”, Leningrad, „Art”, 1990, p. cincisprezece
  18. ^ Alan Wallach , „Rethinking 'Luminism': Taste, Class, and Aestheticizing Tendencies in Mid-Nineenth-Century American Landscape Painting,” în Nancy Siegel ed., The Cultured Canvas: New Perspectives on American Landscape Painting (Dartmouth: University of New). England Press, 2011), pp. 115-147
  19. ↑ Steven Daluz (link în jos) . artodyssey1.blogspot.com.es . Data accesului: 18 octombrie 2016. Arhivat din original pe 2 februarie 2017. 
  20. ↑ Gardner, Gavin T Artist Interviu cu Steven DaLuz . gavingardner.blogspot.com . Data accesului: 18 octombrie 2016. Arhivat din original pe 2 februarie 2017.
  21. ↑ Andrew Wilton și Tim Barringer, American Sublime: Landscape Painting in the United States 1820-1880, Princeton University Press (2003), ISBN 0691115567 .
  22. ↑ Sandweiss, Martha A. John Gast, American Progress, 1872 . Data accesului: 1 mai 2017. Arhivat din original pe 7 mai 2017.
  23. ↑ Populația celor mai mari 100 de locuri urbane:  1890 . recensământ.gov. Data accesului: 19 ianuarie 2014. Arhivat din original la 12 septembrie 2013.
  24. ↑ Populația celor mai mari 100 de locuri urbane:  1900 . recensământ.gov. Data accesului: 19 ianuarie 2014. Arhivat din original pe 16 februarie 2017.
  25. ↑ Ian Chilvers. Școala Ashcan // Un dicționar de artă din secolul al XX-lea  (engleză) . — Profiluri Oxford. - Oxford University Press, 1998. - P.  37 . — 670p. — ISBN 0192116452 .
  26. ↑ The Grove Encyclopedia of American Art. 2011. Oxford University Press p. 152-160 ISBN 9780199739264
  27. ↑ Nikolai Feshin „Liderul Taos” 1927-33 . Consultat la 1 iunie 2017. Arhivat din original pe 3 iunie 2017.
  28. ↑ American Tonalism: Selections from The Metropolitan Museum of Art și The Montclair Art Museum . Data accesului: 31 mai 2017. Arhivat din original la 3 aprilie 2005.
  29. ↑ John Henry Twachtman Arhivat 24 decembrie 2016 la Wayback Machine 
  30. ↑ Zhadova L. Pictura monumentală a Mexicului. - M., 1965.
  31. ↑ Cum se pronunță Robert Reid // Forvo .
  32. ↑ Seares, Mabel Urmy, „Richard Miller in Pasadena” Los Angeles Graphic, 9 septembrie 1916, p. patru
  33. ↑ Lilian Westcott Hale (link indisponibil) . Preluat la 31 mai 2017. Arhivat din original la 21 martie 2019. 
  34. ↑ Randall C. Griffin. Winslow Homer: O viziune americană. - New York: Phaidon Press, 2006. - ISBN 0-7148-3992-2 .
  35. ↑ Petrova T. A. „Rockwell Kent”, Leningrad, art, 1990, p. 23
  36. ↑ P. Bogdanov, G. Bogdanova: „Mari artiști ai secolului XX”. Moscova: Editura Martin, 2001. ISBN 5-8475-0045-9
  37. ↑ DeLombard, Jeannine. „‘Douglas, Aaron’”. Biografie națională americană online. Presa Universitatii Oxford. Preluat la 7 februarie 2015.
  38. ↑ Dearinger, David Bernard, ed. (2004). Picturi și sculptură în colecția Academiei Naționale de Design: 1826-1925. New York: Hudson Hills. p. 561. ISBN 1-55595-029-9
  39. ↑ Art Deco sau Art Deco (stil) . Consultat la 1 iunie 2017. Arhivat din original pe 8 iunie 2017.
  40. ↑ 1 2 François Wehrlin, Philippe Guillemet, secțiunea „Les arts plastiques” de l'article „États-Unis”, în Encyclopædia Universalis , corpus 8, Paris, 2002, p.848
  41. ↑ Sam Hunter „Amerikanische Avantgarde”, Herrsching 1988.
  42. ↑ Hess, Barbara; „Expresionismul abstract”, 2005
  43. ↑ Harold Rosenberg, The Tradition of the New , capitolul 2, „The American Action Painter”, pp.23–39
  44. ↑ George  McNeil .
  45. ↑ Rezumat al galeriei Janis . Revista New York . Preluat la 20 martie 2016. Arhivat din original la 17 iunie 2016.
  46. ↑ Enciclopedia Queer a Artelor Vizuale  .
  47. ↑ New York Modern  (nespecificat) .
  48. ↑ Robert Campbell. Clădirea Muzeului Whitney de Renzo Piano își are designul  corect . The Boston Globe (2 mai 2015). Preluat la 19 august 2015. Arhivat din original la 6 octombrie 2021.
  49. ↑ Artistul Nikolai Feshin: din Rusia în vestul american . Preluat la 1 iunie 2017. Arhivat din original la 26 decembrie 2012.
  50. ↑ Taos Art Museum at the Fechin House Arhivat 29 martie 2016 la Wayback Machine 
  51. ↑ Muzeul Roerich din New York . Preluat la 1 iunie 2017. Arhivat din original la 8 iulie 2017.
  52. ↑ Fox, Ted. Showtime la Apollo  (neopr.) . — Ed. a doua — New York, NY: Holt, Rinehart și Winston, 1983. - S.  60 , 61. - ISBN 0-03-060534-2-0 .
  53. ↑ Artiști americani din Imperiul Rus . Preluat la 1 iunie 2017. Arhivat din original la 23 octombrie 2017.
  54. ↑ Mark Rothko, 1903-1970: o retrospectivă/ Diane Waldman, ed. — New York: HN Abrams, 1978.
  55. ↑ Stabiliți o valoare record la licitația de artă postbelică . Preluat la 1 iunie 2017. Arhivat din original la 25 aprilie 2017.
  56. ↑ NEWSru.com: Christie's scoate la licitație pânza lui Mark Rothko și se așteaptă la un preț record. Copie de arhivă din 1 mai 2017 la Wayback Machine
  57. ↑ Futurismul rus și David Burliuk, „Părintele futurismului rus” / Muzeul de Stat al Rusiei; Autorii articolelor: Evgenia Petrova și alții; Autor-compilator al catalogului: Elena Basner și alții; Autorul și compilatorul cronicii Olga Shikhireva; Fotografi: Vladimir Dorokhov și alții.- Sankt Petersburg: B.I., 2000. - 239 p.
  58. ^ John D. Graham Papers, 1799-1988, bulk 1890-1961 . Preluat la 1 iunie 2017. Arhivat din original la 22 aprilie 2017.
  59. ↑ Martynenko N.V. Pictura din SUA a secolului XX. Modalitati de dezvoltare. Kiev, 1989. S.39-42.
  60. ↑ MARGO (proprie. Margolis) Boris . Preluat la 1 iunie 2017. Arhivat din original la 10 septembrie 2018.
  61. ↑ Marina Podolskaya. Nikolay Feshin. Kazan - Taos - Kazan // Casa noastră este Tatarstan. - 2011. - Nr. 4 (017).
  62. ↑ Trapp, F. (1987). Peter Blume. New York: Rizzoli. ISBN 0-8478-0854-8
  63. ↑ Louis Lozovik . Preluat la 1 iunie 2017. Arhivat din original la 13 iulie 2014.
  64. ↑ Macdonald, Nancy (4 septembrie 2001). Subcultura graffiti: tineret, masculinitate și identitate în Londra și New York. Palgrave Macmillan. pp. 90–91. ISBN 978-0-333-78190-6 .
  65. ↑ Pictura neoexpresionistă Basquiat s-a vândut cu 110,5 milioane de dolari (link inaccesibil) . Preluat la 31 mai 2017. Arhivat din original la 21 mai 2017. 
  66. ↑ Millet, Frank D., Secretar. Actele Convenției la care a fost înființată Federația Americană a Artelor – ținută la Washington DC pe 11, 12 și 13 mai 1909  . - Washington, DC: Presa lui Byron S. Adams, 1909. - P. 91.
  67. ↑ Biroul de Educație al Statelor Unite (1909). „Federația Americană de Arte”. Rapoarte ale Departamentului de Interne. Washington, DC: Imprimeria guvernamentală. 1 (5748): 54–56
  68. ↑ Gala anuală AFA și Premiile pentru Leadership Cultural

Literatură

arte vizuale din SUA

Link- uri externe