Jucătorul de lăută este una dintre cele mai vechi picturi ale lui Caravaggio . Artistul însuși a considerat că The Lute Player este cea mai de succes lucrare a sa [1] .
Pictura există în trei versiuni, acum depozitate în Ermitaj (Inv. Nr. ГЭ 45), Muzeul Metropolitan de Artă (din colecția lui D. Wildenstein, în muzeul în depozit temporar) și în moșia engleză Badminton House . Dintre acestea, până de curând, era recunoscută în general paternitatea doar a pânzei Schitului; Acum, versiunea primului autor a intrigii este considerată a fi o pânză din New York, o pictură de la Badminton House, conform cercetătorilor, este o copie de la Hermitage.
Există o părere că „The Lute Player” este o imagine de pereche pentru „Concerto” (“The Musical Boys ”) de Caravaggio (Metropolitan Museum of Art, New York). Aceasta este probabil prima lucrare în care artistul a folosit faimoasa sa modelare contrastantă de lumini și umbre.
Pictura a fost realizată în jurul anului 1595 la ordinul unui patron de rang înalt al Caravaggio , cardinalul Francesco Maria Borbone del Monte (1549-1627), în a cărui casă, Palazzo Madama , din Roma , artistul a locuit câțiva ani. Această versiune a „Jucătorului de lăută” este cunoscută din rapoartele biografilor artistului Baglione (1642) și Bellori (1672, menționate împreună cu picturile lui Caravaggio „ Sfânta Ecaterina din Alexandria ” și „ Schuler ”, deținute tot de cardinal) [2] . În 1628 a fost vândut de moștenitorii del Monte cardinalului Antonio Barberini. Cercetătorii Maon (1990) și Christiansen (1990) cred că pictura, care a aparținut cândva lui del Monte, a ajuns mai târziu în colecția lui D. Wildenstein , iar această versiune a fost scrisă în întregime de Caravaggio însuși. În același timp, Maurizio Marini numește versiunea din colecția Wildenstein o replică a „Jucătorului de lăută” dintr-o colecție privată romană, scrisă doar parțial de Caravaggio [3] .
Anterior se credea că prima versiune a lui The Lute Player a fost cumpărată de la del Monte de prietenul său, bancherul și colecționarul Vincenzo Giustiniani . În anii 1980, au fost găsite dovezi documentare ale achiziției acestei picturi în 1628 de către cardinalul Antonio Barberini . După descoperirea acestor documente, a devenit clar că artistul a pictat două tablouri cu aceeași parcelă - pentru del Monte (acum în Muzeul Metropolitan de Artă) și Giustiniani (acum în Ermitaj) [3] .
În imagine, executată pentru del Monte, Caravaggio a făcut câteva modificări. El a scos vasul cu flori, a adăugat un flaut și o spinetă la vioara de pe masă , a apărut o cușcă cu un carduan în fundal. Piesele de instrumente muzicale descrise în acest tablou erau de mare valoare și proveneau probabil din colecția personală a lui del Monte.
Catalogul expoziției din 1990 notează diferențele semnificative în efectele de lumină ale acestei versiuni, afirmând că această împrejurare „marchează un pas semnificativ către compozițiile mai aspru luminate care ulterior au devenit caracteristice stilului lui Caravaggio”. Artistul folosește o creștere a contrastului dintre umbre și lumină, de exemplu, în „ Martiriul Sfântului Matei ”. Cu toate acestea, criticul Jason Kaufman consideră că versiunea lui Wildenstein este mai slabă decât pânza Hermitage, iar David Van Edwards, observând că instrumentul din mâinile muzicianului nu este o lăută italiană tipică din acea vreme, a concluzionat că tabloul nu a fost pictat de Caravaggio [4] ] .
Nici Baglione, nici Bellori nu au informații despre tabloul care a aparținut lui Giustiniani, însă este menționat în inventarul lui Giustiniani întocmit în 1638 [3] :
„Poza de deasupra ușii este o jumătate de figură a unui tânăr care cântă la lăută; cu diverse fructe și flori și cărți de muzică - scrise pe pânză 4 spații înălțime, 5 spații late ... într-un cadru negru profilat cu ornamente aurii; de Michelangelo da Caravaggio” [5]
Primul biograf al lui Caravaggio Bellori a susținut că pictura înfățișa o fată. Poate că Bellori a fost indus în eroare de aspectul prea feminin al tânărului. În 1673, un tablou din colecția Giustiniani a fost descris în versuri în latină de Giovanni Michele Silos, numind personajul de pe ea „efiguri citarestae”. Silos în opera sa poetică a notat ideea de armonie care stă la baza picturii [6] . În 1797, teoreticianul amator F. B. V. von Ramdor (1757-1822) a susținut că artistul a portretizat muzica - cântând Sfânta Cecilia , până la începutul secolului al XX-lea, s-a notat în diferite publicații că Caravaggio a pictat o fată. Pictura a primit numele de „Grădinare”, „Fata cu lăută” [3] .
În 1808, colecția lui Giustiniani a fost scoasă la vânzare la Paris. Chiar înainte de începerea licitației , Alexandru I a achiziționat acest tablou pentru Ermitaj prin consilierul personal de artă Vasily Rudanovsky și prin mijlocirea directorului Luvru , Dominique Vivant-Denon . Pictura a fost studiată pentru prima dată de V. Callab în 1906-1907, paternitatea lui Caravaggio a fost confirmată de L. Venturi în 1910 [7] .
Există diferite versiuni ale datarii picturii [7] :
| Autor | Dating pictura | Anul atribuirii | Notă |
|---|---|---|---|
| D. Mahon | 1594-1595 | 1951 | Confirmarea datarii lui The Lute Player dupa descoperirea The Musicians - 1952 |
| F. Baumgart | 1591 | 1952 | |
| R. Hinks | 1595-1596 | 1953 | |
| H. Wagner | 1590-1592 | 1958 | |
| E. Arslan | înainte de 1590 | 1959 | |
| R. Julian | O.K. 1595 | 1961 | |
| L. Salerno | 1966 | Publicarea unei intrări din inventarul lui Giustiniani | |
| C. L. Frommel | 1597 | 1971 | Tabloul a fost pictat mai devreme de „ Băiatul mușcat de șopârlă ” |
Pictură păstrată în Casa Badminton, din colecția contelui de Beaufort (ulei pe pânză, 96 x 121 cm). Ea a apărut pentru prima dată la Sotheby 's (New York, 25 ianuarie 2001, lotul 179). Acoperită inițial cu un strat gros de lac galben, pictura corespunde în fiecare detaliu descrierii de către Baglione a portretului din palatul Cardinalului del Monte. Potrivit lui Balione, florile sunt acoperite cu picături de rouă, iar fereastra și alte detalii ale interiorului se reflectă în decantorul de apă. Toate acestea, precum și numeroasele așa-numitele pentimenti (urme de pe pânză de la mânerul pensulei, care erau în obiceiurile lui Caravaggio), deosebesc clar pictura din Casa Badminton de pânza depozitată în Ermitaj. De asemenea, este puțin mai mare decât versiunea Hermitage, în care marginea taie ușor florile din stânga, iar bucla de pe tăblița instrumentului este scrisă cu linii mai groase. Totodată, ulciorul de pe această versiune a „Jucătorului de lăută” repetă ulciorul din tabloul „Băiatul muşcat de şopârlă”. Buchetul include și flori, atât din aceea, cât și dintr-o altă poză a lui Caravaggio. S. Vsevolozhskaya face referire la crearea acestei versiuni la perioada de după 1610 [8] . Se crede că aceasta este o copie comandată de Prospero Orsi, furnizor de picturi pentru casa lui Altemps [9] , care avea drepturile asupra operei artistului.
„The Lute Player” este unul dintre primele picturi ale lui Caravaggio , pentru care (printre ele „ Jucători ” și una dintre opțiunile pentru „ Găcitorii ”) prietenul său, artistul Mario Minniti (Miniti), a pozat adesea. Frommel (1971) a sugerat că Minniti a servit și ca model pentru The Lute Player, Chinnoti este de acord, deoarece, în opinia sa, există o asemănare a personajului cu o gravură de la începutul secolului al XIX-lea care îl înfățișează pe Minniti, datând probabil de la un model anterior . 3] . Peter Robb, biograful artistului, crede, de asemenea, că Caravaggio l-a portretizat pe tovarășul său Minniti.
Aspectul androgin al modelului a dat cercetătorilor un motiv pentru a afirma că artistul a pictat un castrato (Trinkieri Camitz 1988) [3] . Se presupune că acesta este un portret al castratoului spaniol Pedro Montoya de la corul curții del Monte [10] , care a fost adesea invitat să cânte în Capela Sixtină .
Există și o versiune, bazată pe o interpretare greșită a numelui înscris pe cel de-al doilea caiet („Gallus” în loc de „Bassus”, (Borla, 1963)), că „Tânărul cu lăută” este o imagine portret a lui Gallus, un muzician milanez [3] .
Potrivit lui A. Zobor (1955), acesta este un autoportret, al cincilea la rând, cercetătorul îl plasează în seria cronologică a autoportretelor lui Caravaggio între primii „Muzicieni” și mai târziu „Băiat mușcat de șopârlă”. ” [11] .
Pe varianta Hermitage și poza din Badminton House, pe pagina deschisă a partiturii, se pot citi cu ușurință notele părții de bas [12] din madrigalul de Jacob Arcadelt Voi sapete ch'io vi amo („Știi că Te iubesc"). Pe un alt caiet este înscris Gallus , numele unuia dintre prietenii lui Caravaggio, un muzician milanez [13] . În pictura din colecția lui Wildenstein (păstrată la Muzeul Metropolitan de Artă), caietul este deschis pe notele madrigalelor compozitorului italian Francesco de Layol la cuvintele lui Petrarh : Laisse le voile și Pourquoi ne vous donnez- tu pas? Yaheta de Berchema . Alegerea în principal a muzicii compozitorilor francezi și flamand este considerată simbolică - Francesco del Monte a reprezentat la curtea papală Ducatul Toscanei , un aliat al Franței și un inamic al Spaniei.
| Caravaggio | |
| jucator de lauta . O.K. 1596 | |
| Pânză, ulei. 96×121 cm | |
| Casa de badminton , Gloucestershire | |
| Fișiere media la Wikimedia Commons |
Tonurile imaginii sunt atenuate, tranzițiile clarobscurului sunt delicate. O singură rază oblică (mai târziu aceeași va apărea în „ Chemarea apostolului Matei ”) luminează tânărul. Caravaggio a transmis cu exactitate efectul influenței reciproce a obiectelor iluminate: o reflexie a cămășii sale albe cade pe obrazul lăutistului, iar un reflex din paginile unui caiet muzical cade pe spatele lăutei. Potrivit contemporanului și biografului lui Caravaggio Giulio Mancini și artistului german Joachim von Sandrart , care a trăit ceva mai târziu, maestrul a ales un subsol întunecat sau o cameră cu pereți complet negri, în care cădea un singur fascicul de lumină, pentru a obține o imagine perfectă. de relief natural cu ajutorul amurgului „rezistent” . Reflecțiile luminii pe un vas cu flori (variante ale Hermitage și Badminton House) sunt afișate în strictă conformitate cu legile opticii . Poate că acesta este rezultatul comunicării artistului cu oameni de știință din cercul del Monte [14] , printre care se numărau Galileo Galilei și Giovanni della Porta . Acesta din urmă este autorul lucrărilor „Despre refracție”, unde s-au luat în considerare problemele opticei, și „Magia naturală, sau Despre miracolele lucrurilor naturale”, în care a fost dată o descriere a camerei obscure [K 1] .
Sam Segal a atras atentia ca buchetul in varianta lui Giustiniani este alcatuit din urmatoarele flori: iris , trandafir de Damasc , iasomie , margareta . Toate înfloresc aproximativ în același timp - primăvara și începutul verii, li se adaugă frunze de portocal [15] . Se știe că maeștrii flamanzi ai naturilor moarte ale florilor: Jan Brueghel , Ambrosius Bosschaert , van der Helst au creat cele mai luxoase compoziții din plante care înfloresc în momente diferite. Brueghel, de exemplu, a așteptat câteva luni pentru a adăuga o altă floare la buchetul său [16] . Fructele ( smochine , prune , pere ) [15] nu corespund sezonului de primăvară. Inițial, Caravaggio le-a înfățișat într-un coș sau castron, dar ulterior le-a așezat pur și simplu pe o masă de marmură artificială care leagă spațiul privitorului și spațiul tabloului [17] .
Potrivit cercetătorilor Salerno (1971) și Spezzaferro (1966), laută este o imagine simbolică a iubirii și armoniei. În viziunea lui Spezzaferro, ea este construită pe acordul contradicțiilor ( lat. concordia discors ) - bărbat-femeie, artă-natura. Fructele apar din flori, un muzician folosește un instrument pentru a extrage sunetele muzicii, muzica trezește dragostea [6] . În lucrările acestei perioade, sentimentul de iubire este transmis simbolic prin imaginea fructelor (parcă ar invita privitorul să se bucure de gustul lor) și a instrumentelor muzicale (muzica acționează aici ca un simbol al plăcerii senzuale trecătoare) [18] . Obiectele care alcătuiesc natura moartă au și un sens erotic și pot face parte din „ Vanitas ”, marchează cele cinci simțuri, se referă la ideea de mântuire [6] .
Unii cercetători tind să asocieze florile și fructele înfățișate în același timp cu cuvintele lui Isus din Evanghelia după Ioan : „Eu sunt vița adevărată, iar Tatăl meu este viticultorul. Orice mlădiță pe care o am, care nu face rod, El o taie și pe oricine rodește, El curăță, ca să aducă mai mult rod ”și cu reprezentarea lui Hristos în același timp și floare și rod ( Sfântul Ambrozie , Tertulian ). Trandafir, iasomie, iris se pot referi la imaginea Fecioarei Maria și, în același timp: irisul simbolizează apariția lui Hristos, care instaurează pacea pe pământ (irini); trandafir - Patimile lui Hristos și sângele lui Hristos; margaretă - copilăria lui; iasomie - iertare, iubire pământească; crin - puritate [19] .
Probabil, apariția frunzelor de portocal în buchet este o referire la pasiunea lui Vincenzo Giustiniani, care a amenajat un parc în Bassano, a reproiectat parcuri lângă palatele sale romane și a acordat atenție artei grădinăritului în lucrarea sa „Discurs despre arhitectură” [20]. ] .
Pânza Ermitaj este parțial acoperită cu lac, care a devenit galben în timp. Sunt determinate cele mai mici particule de nisip, ceea ce este comun pentru picturile aparținând acelei epoci. De-a lungul marginii stratului de vopsea se observă urme de îndoituri, posibil rezultate din duplicarea pânzei, care a fost realizată în secolul al XIX-lea. Serifurile de pe sol sunt clar vizibile, probabil că acestea sunt urme ale unui mâner de perie realizat de Caravaggio [2] .