Sculptura ruseasca

Sculptura rusă  este unul dintre tipurile de arte plastice reprezentate în Rusia.

Fiind, spre deosebire de pictură , o artă costisitoare și costisitoare din punct de vedere al materialelor și al timpului, arta sculpturii este strâns legată, în suișuri și coborâșuri, de dezvoltarea și bunăstarea statului, de ideologia sa și de nivelul de trai al populatia. Acest lucru se observă în mod clar în istoria dezvoltării sculpturii rusești. Deși își urmărește istoria încă din vremurile păgânismului (și sculpturii în lemn), dar după creștinarea Rusiei , se dovedește a fi subdezvoltată din cauza interzicerii idolatriei, care a influențat dezvoltarea sculpturii în arta ortodoxă (spre deosebire de țările catolice). ). Cu toate acestea, școlile provinciale de sculptură arată o dezvoltare extrem de curioasă a sculpturii religioase populare înainte de însăși revoluția.

După reformele lui Petru I , sculptura rusă a început să ajungă din urmă cu sculptura europeană, împrumutând din ea genuri și iconografie. În Epoca de Aur a Ecaterinei a II- a , odată cu începutul clasicismului , sculptura atinge un nivel extrem de înalt, care continuă în stilul Imperiului exemple care marchează victoria asupra lui Napoleon . Până la etajul 2. Secolul al XIX-lea a văzut înflorirea maximă a cantității de sculptură prerevoluționară, asociată cu crearea unui număr mare atât de monumente oficiale, cât și de compoziții de cameră, adesea în stilul istoricismului sau eclectismului - adică și-au pierdut concizia și simplitatea. de stil, pompos, complicat și redundant. La începutul secolului al XX-lea, atât tendințele Art Nouveau occidentale, cât și căutarea creativă în stilul neo-rus au pătruns în sculptura rusă , ceea ce a condus la crearea de lucrări de un înalt nivel artistic.

După revoluție, împreună cu scurtele experimente ale avangardei ruse , a fost introdus planul lui Lenin de propagandă monumentală . Sculpturile acestei perioade se caracterizează nu numai prin angajament politic, ci și prin inovația tehnicii artistice, combinată cu ieftinitatea și fragilitatea materialelor. Puține monumente din această perioadă au supraviețuit până în zilele noastre. În anii stalinist și Brejnev, căutările creative în sculptură au fost înlocuite de canonul realismului socialist, ceea ce a dus la crearea, împreună cu o serie de capodopere recunoscute, a unui număr mare de lucrări tipice, neinteresante din punct de vedere estetic. După căderea puterii sovietice în sculptură, diversitatea abordărilor și stilurilor nu este condamnată, dar genul, ca și în alte părți ale lumii, este în declin.


Rusia antică

Simbol Legendă
această sculptură nu este protejată de drepturi de autor, dar Wikipedia nu are o fotografie cu drepturi de autor cu ea. Puteți ajuta proiectul făcând o fotografie a acestui monument și încărcând-o pe Wikimedia Commons
această sculptură este protejată de drepturi de autor (autorul ei a murit cu mai puțin de 70 de ani în urmă). Nu puteți încărca fotografia ei pe Wikipedia.

Înainte de botezul Rusiei , probabil, arta sculpturii (sculptură, relief) în rândul slavilor a fost destul de dezvoltată, dar practic nu a supraviețuit niciun exemplu în acest sens. Slavii păgâni se închinau idolilor. Din anale se știe, de exemplu, că idolul lui Perun , înființat la Kiev de principele Vladimir, era de lemn, cu capul de argint și mustața de aur [1] . Unul dintre cele mai faimoase astfel de artefacte supraviețuitoare este idolul din piatră Zbruch (săpat în 1848). Stâlpul este împărțit în trei niveluri, pe fiecare dintre care sunt sculptate diferite imagini. Nivelul inferior înfățișează o zeitate subterană, cel din mijloc înfățișează lumea oamenilor, cel de sus înfățișează zeii. Idolul este încoronat cu o șapcă rotundă. Data creării idolului este de aproximativ secolul al X-lea. Mai misterios este idolul Shklovsky .

Exemple de plastice ale Rusiei antice creștine vorbesc despre dezvoltarea acestui stil de artă. Cu toate acestea, Ancient Rus' nu a lăsat o sculptură rotundă. Majoritatea lucrărilor care au supraviețuit sunt reliefuri cu compoziții alegorice, ornamente florale sau geometrice. Au decorat fațadele și interioarele clădirilor, adesea ca inserții. „Această sculptură mărturisește continuitatea care a existat între reliefurile din piatră și lemn, despre preistoria păgână a acestei arte, despre legăturile cu ornamentarea idolilor antici.” Exemple de lucrări timpurii sunt reliefurile din secolul al XI-lea de la Mănăstirea Mihailovski-Cupola de Aur (Kiev) care înfățișează călăreți; lespezi de ardezie ale Catedralei Sf. Sofia cu modele geometrice și florale [2] .

Scenele și ornamentele tematice ale acelei vremuri exprimă o percepție deosebită a lumii de către artistul antic. În motivele ornamentale se manifestă o bogăție de fantezie, un interes pentru „modare”, un simț al posibilităților decorative ale plasticității [2] .

Relieful a devenit larg răspândit și în operele de artă aplicată din Rusia Kieveană. Bogăția și conținutul ornamentelor mărturisesc tradiții de lungă durată. Acest lucru este vizibil mai ales în arta bijuteriilor .

Este important pentru dezvoltarea sculpturii rusești că Biserica Ortodoxă, din motive ideologice, a rezistat pătrunderii sculpturii în arta bisericească. Totuși, genul a invadat acolo - sub formă de reliefuri, modele ornamentale, rame de catapeteasmă , icoane salariale [2] .

Reliefurile monumentale și decorative ale ținutului Vladimir-Suzdal, care, în ceea ce privește bogăția temelor și varietatea motivelor compoziționale, au fost de neegalat, mărturisesc „bogăția fanteziei populare și o înțelegere subtilă a frumuseții artei plastice în sinteza sa cu arhitectura”. Acest lucru se manifestă în decorarea următoarelor biserici - Catedrala Adormirea Maicii Domnului (Vladimir, Rusia) , Catedrala Dmitrievsky (Vladimir) , Biserica Mijlocirii de pe Nerl . Temele religioase în decorarea lor sunt intercalate cu cele seculare, motive moderne cu cele păgâne și sculptură decorativă profesională cu sculpturi populare. Reliefurile următoarelor biserici sunt, de asemenea, faimoase - Catedrala Suzdal , Catedrala Sf. Gheorghe (Iuriev-Polsky) . Pereții templului din Yuryev-Polsky sunt complet acoperiți cu cel mai subțire „covor” de sculptură, creând un sentiment de festivitate și splendoare [2] .

Vechea sculptură rusă este aproape întotdeauna anonimă. Dintre numele rare care au supraviețuit - Avram din Novgorod .

Principatul Moscovei și regatul rus

Lemnul era materialul preferat al artelor plastice rusești antice. De-a lungul anilor capătă o nuanță argintie, merge bine cu aerul, dar este de scurtă durată, netezește în timp, înmoaie contururile și șterge vopseaua. Mostrele supraviețuitoare ne permit să ne imaginăm fosta splendoare a genului. Majoritatea artefactelor supraviețuitoare erau de natură cultă și erau asociate cu decorarea bisericii, cu toate acestea, ele nu sunt complet supuse dogmaticii. Adesea, artistul își transmite ideea despre realitate. Printre astfel de mostre se numără crucea Ludogoschensky [2] .

Una dintre cele mai vechi sculpturi rusești rotunde care au supraviețuit este o statuie din piatră pictată a Sfântului Gheorghe Învingătorul, care a împodobit porțile Kremlinului din Moscova. A fost creat de brigada lui Vasily Yermolin în 1464, iar instalarea sa a devenit unul dintre semnele unei schimbări în politica statului rus sub Ivan al III-lea. După modelul ei, au fost create imagini similare din lemn, pe care Ivan al III-lea le-a trimis bisericilor din orașele anexate principatului Moscova; în prezent, trei astfel de sculpturi ale lui George au fost păstrate (Galeria de Stat Tretiakov, Muzeul de Stat al Rusiei și Kremlinul de la Rostov).

Sculptura rotundă supraviețuitoare și relieful catapeteasmelor uimesc prin eleganță și culoare, împletire de modele. Decorul aurit sau pictat a servit drept cadru solemn pentru pictură. În secolele al XVI-lea și al XVII-lea, au fost create exemple excelente de sculptură sculptată. Mențiune specială se face pentru lucrările maeștrilor nordici, pe ale căror ținuturi acest gen era primordial și foarte răspândit. Acestea sunt imaginile comune ale lui Paraskeva Pyatnitsa , Nikola Mozhaisky și așa mai departe. [2]

Imperiul Rus

etajul 1 secolul al XVIII-lea

Pe vremea lui Peter, interesul pentru sculptură devine incredibil de acut. Construirea unei noi capitale , un nou mod de viață, formarea peisajelor, interioarelor rezidențiale, trezesc nevoia de plastic (cu privire la modelele occidentale). „Funcția profundă și semnificativă a sculpturii devine pe deplin realizată, posibilitățile sale diverse au fost evaluate. Era considerat un mijloc puternic de propagare a ideilor de mare semnificație socială, ca mijloc de exprimare a perfecțiunii spirituale și fizice a unei persoane. Multe evenimente importante din timpul nostru sunt reflectate în imaginile sculpturii [2] .”

La începutul secolului a existat o creștere a interesului pentru sculptura clasică. Se formează o înțelegere a cerințelor profesionale pentru gen. Mostre excelente sunt importate în Rusia - de exemplu, marmură antică Venus Tauride , care a fost expusă în Grădina de vară într-un pavilion special. În timpul creării lui Peterhof , plasticul a fost folosit pe scară largă în mod programatic, ridicând în centrul celebrului „ Samson sfâșiind gura leului ” - leul Svean , ceea ce a însemnat triumful rușilor asupra suedezilor în Războiul de Nord. Sculptura a devenit și principala decorație a Grădinii de vară [2] .

Sculptura a fost folosită cu pricepere în decorarea clădirilor orașului. „Arhitectura de la începutul secolului al XVIII-lea, cu simplitatea sa rațională, a fost îmbogățită subtil cu elemente plastice, în principal sub formă de reliefuri modeste și stucaturi, care erau bine asociate cu un model clar de fațade, cu volute curbe de cornișe și capiteluri de pilastru. ” [2] .

Sculptorii erau autohtoni și străini. Dintre ruși, îl remarcăm pe Ivan Zarudny , care a finalizat catapeteasma Catedralei Petru și Pavel . Maeștri străini au venit la diferite niveluri, printre ei remarcabili se numără Nicolas Pinault , Andreas Schluter , Konrad Osner (începutul secolului). Cu toate acestea, toate, cu excepția lui Rastrelli , au lăsat o amprentă nesemnificativă asupra artei plastice rusești [2] .

Rastrelli a găsit în Rusia o a doua casă și o oportunitate de a-și arăta toate talentele. Sculptorul a lucrat într-o varietate de genuri și foarte activ. A reușit mai ales în portretul sculptural. Bustul lui Petru I este o imagine dinamică, ceremonială și în același timp veridică, care s-a dovedit a fi un cuvânt nou în sculptura portretului. Celelalte lucrări ale sale supraviețuitoare sunt, de asemenea, semnificative - un portret al lui Menshikov , o statuie a Annei Ioannovna, un autoportret, plastic decorativ [2] .

La începutul secolului au fost concepute două mari monumente. Primul, Pillar of Triumph , a fost creat de Rastrelli cu un grup de meșteri, printre care Andrey Nartov și Nicolas Pino. Proiectul unui monument sub forma unei coloane înalte, acoperit complet cu reliefuri despre evenimentele Războiului de Nord , întemeierea Sankt Petersburgului etc. Coloana urma să fie încoronată cu o statuie a lui Petru. Monumentul a rămas nerealizat, a ajuns până la noi doar sub formă de machetă. A doua mare lucrare este un monument ecvestru al lui Petru I , la care Rastrelli a lucrat mulți ani și un mare model pe care l-a finalizat cu puțin timp înainte de moartea sa. Monumentul a fost transferat în bronz - figura împăratului, înlănțuit în armură, așezat solemn pe un cal. Dar nu a fost instalat și uitat, iar în anii 1760, când a fost nevoie de un monument al lui Petru, deja părea prea arhaic, iar un nou monument a fost comandat de către Falcone. Opera lui Rastrelli, care a fost amintită întâmplător, a fost plasată în anul 1800 în fața Castelului Mihailovski la direcția lui Paul I [2] .

Etajul 2 secolul al XVIII-lea

La mijlocul secolului al XVIII-lea, sculptura decorativă era în creștere. A găsit o largă aplicație în arhitectura barocă. În acel moment, în Rusia erau construite un număr mare de palate luxoase și clădiri publice. Sculptura a fost folosită din abundență pe fațade (sculptură rotundă, înalt reliefuri , panglici în relief). Aceasta este perioada cea mai activă a utilizării materialelor plastice în arhitectura rusă. Numeroase clădiri ale următorului din dinastie, arhitectul Bartholomew Rastrelli , sunt orientative : în Palatul Ecaterina din Tsarskoe Selo, sculptura înlocuiește uneori un detaliu arhitectural, creând accente în cele mai semnificative părți ale clădirii - dar în același timp fără a distruge arhitectura clădirii, fără a înlătura ritmul elementelor și constructivitatea. De asemenea, plasticul a fost folosit din belșug în interioare - reliefurile au servit drept rame pentru panouri și inserții. Sculptura rămâne un mijloc de dezvăluire a expresivității figurative a clădirii, fără a-și pierde independența [2] .

În această perioadă, stilul definitoriu a fost baroc , care se caracterizează prin dinamism, o cascadă de volume și lumini și umbre pitorești, admirație, neliniște. „Numai constructivitatea volumului arhitectural reține curgerea formei sculpturale, dându-i rigoarea logică necesară. În imaginile decorurilor sculpturale ale barocului s-a dezvoltat în continuare începutul decorativ, care era la fel de caracteristic timpului precedent” [2] . (În timpul domniei Elisabetei Petrovna, rococo va veni și în Rusia (vezi Rococo în Rusia ), dar se va manifesta cu mult mai puțină intensitate decât baroc).

Un rol important în formarea sculpturii rusești, perfecționarea maeștrilor a fost jucat de Academia Imperială de Arte , fondată în același timp . A devenit rapid cea mai mare școală profesională, aducând o galaxie de artiști remarcabili ( Fedot Shubin , Fyodor Gordeev , Mihail Kozlovsky , Ivan Martos , Theodosius Shchedrin etc.). „În timp ce în prima jumătate a secolului predarea sculpturii a fost răspândită și pregătirea maeștrilor se desfășura în principal în procesul activității practice, atunci la Academie învățământul sculptural a căpătat imediat un caracter complet profesional. Pregătirea s-a bazat pe un program strict și bine gândit, care a asigurat tânărului sculptor o pregătire cuprinzătoare” [2] . Academia s-a dovedit a fi extrem de utilă în perfecţionarea artelor plastice, modelând înaltul profesionalism al mai multor generaţii de sculptori. Datorită ei s-au dezvoltat diverse genuri de sculptură, cu o atenție deosebită reliefului.

Contribuția profesorilor străini a fost importantă. Așadar, Nicolas-Francois Gillet , bucurându-se de o oarecare faimă în Franța și fiind membru al Academiei de Arte Frumoase din Paris, a ajuns la Sankt Petersburg în 1758 la invitația fondatorului Academiei Ruse I. I. Shuvalov și a intrat în serviciul proaspătului a înființat Academia Imperială de Arte ca profesor de sculptură, pentru o perioadă de trei ani, (dar a servit în această poziție timp de douăzeci de ani). Șubin, Gordeev , Theodosius Shchedrin , Ivanov și aproape toți ceilalți sculptori ruși care au studiat la academie între 1758 și 1778 au studiat sub îndrumarea sa.

Relief

Relieful a devenit atât de popular datorită cererii sale în decorarea structurilor arhitecturale, sculptura monumentală și mormântă. „Pielele funerare care au ajuns până la noi mărturisesc cultura profesională înaltă a artiștilor lor. Cunoașterea excelentă a anatomiei umane, capacitatea de a grupa figuri în compoziții, de a le oferi gradul necesar de expresivitate psihologică le disting. Înalta cultură a reliefului se explică și prin faptul că acest gen avea o tradiție bogată ce datează din arta antică rusă” [2] .

Portret

Portret sculptural de la etajul 2. Secolul al XVIII-lea a fost cea mai mare cucerire a artei ruse din această perioadă. Mulți maeștri talentați au lucrat în acest gen. Calitatea portretului sculptural rus a devenit un simptom al maturității artei ruse. „Dorința de a cunoaște caracterul uman, bogăția psihologiei sale, atât de caracteristică artei secolului în ansamblu, a afectat din plin domeniul portretului sculptural, unde s-au creat valori autentice care și-au păstrat semnificație istorică până în zilele noastre” [2] . Aproape toți marii maeștri ai epocii au lucrat în acest gen: Fyodor Gordeev , Mihail Kozlovsky , Ivan Prokofiev , Ivan Martos , Theodosius Shchedrin . Cu toate acestea, cea mai mare ascensiune a genului a fost reflectată în lucrările lui Fedot Shubin .

Shubin s-a distins prin profunzimea caracterizării, structura psihologică accentuată a imaginii, originalitatea compozițională și perfecțiunea tehnică ridicată. „În ciuda faptului că estetica oficială a recunoscut portretul ca gen secundar , Shubin, ca nimeni altcineva, a reușit să dobândească o înaltă abilitate și să-și stabilească semnificația estetică” [2] .

  • F. Shubin. „Portretul lui A. M. Golitsyn ” , 1773, Galeria de Stat Tretiakov [3]

  • F. Shubin. „Portretul lui G. G. Orlov ”, 1773, Muzeul Rus [3]

  • F. Shubin. „Portretul lui I. S. Baryshnikov ”, 1778, Galeria de Stat Tretiakov [3]

  • F. Shubin. „Portretul lui P.A. Rumyantsev ”, 1778, Muzeul Rus [3]

  • F. Shubin. „Portretul lui I.G. Orlov ”, Galeria de Stat Tretiakov, 1778 [4]

  • F. Shubin. „Portretul lui P. G. Chernyshev ”, 1779, Galeria de Stat Tretiakov [3]

  • F. Shubin. „Portretul lui E.M. Chulkov ", 1792, Muzeul de Stat al Rusiei [3]

  • F. Shubin. „Portretul lui M.V. Lomonosov, până în 1793, Muzeul de Stat al Rusiei [3]

  • F. Shubin. „ Ecaterina a II-a – Legiuitor ”, 1790, Muzeul Rus [3]

  • F. Shubin. „Portretul lui Paul I”, 1798, Galeria de Stat Tretiakov [3]

Monumente

Crearea de către Etienne Falcone a monumentului lui Petru I - „ Călărețul de bronz ” a fost cel mai mare eveniment din istoria sculpturii secolului al XVIII-lea. Monumentul este pătruns de dinamică puternică, ritmul liniilor sale impetuoase este îmbinat într-un singur impuls. „Simplitatea și concizia structurii compoziționale generale sunt combinate cu simplitatea și semnificația detaliilor. Imaginea monumentală generalizată se îmbină aici cu un portret pronunțat” [2] .

Falcone nu a avut studenți în Rusia, dar opera sa a devenit o „școală de excelență” pentru sculptorii ruși și a avut un efect foarte benefic asupra lor. „Experiența lui Falcone, care și-a dedicat mulți ani din viață realizării acestei lucrări, întregul complex de sarcini sculpturale și arhitecturale cu care s-a confruntat artistul, masa de probleme tehnice clar convinsă de complexitatea și semnificația plasticelor monumentale. În următoarele decenii, artiștii ruși vor dovedi o înțelegere excelentă a specificului acestui gen și vor crea lucrări care vor ocupa pe bună dreptate un loc proeminent în istoria sculpturii mondiale” [2]  - de exemplu, lucrările lui Kozlovsky și Martos.

Clasicismul

În ultima treime a secolului al XVIII-lea, în arta rusă s-a format un nou stil - clasicismul . Ea ia naștere și se dezvoltă sub influența tendințelor educaționale progresive ale gândirii sociale. Ideile de patriotism și cetățenie, crearea unei „noui patrii”, valoarea extraclasă a persoanei umane, devin dominante. În antichitate, trăsăturile epocii clasice a Greciei Antice găsesc un exemplu de sistem ideal de stat și relații armonioase între om și natură. Antichitatea (cunoscută din monumentele literaturii, sculpturii și arhitecturii) este percepută ca o epocă fertilă de liberă dezvoltare a perfecțiunii individuale, spirituale și fizice a omului, timpul ideal al istoriei umane fără contradicții sociale și conflicte sociale [2] .

Arhitectura și, după ea, plasticul s-au îndreptat către antichitate înaintea altor genuri. Sculptura antică era cunoscută din originale și gravuri și, prin urmare, a devenit un model excelent pentru noii maeștri. Mulți artiști ruși și-au propus principala sarcină să înțeleagă idealul antic, măsura perfecțiunii clasice. Dar, în același timp, s-a păstrat și dorința de a exprima probleme de actualitate ale timpului nostru. Lucrări de sculptură rusă din epoca clasicismului - un nivel artistic extrem de înalt și o mare expresivitate figurativă. Maeștrii acestui stil sunt, în primul rând, Fyodor Gordeev , Ivan Martos , Feodosy Shchedrin , Mihail Kozlovsky , Ivan Prokofiev . Acești sculptori în unele lucrări nu sunt încă complet eliberați de influența barocului, dar în lucrările mature au exprimat destul de perfect idealul estetic al clasicismului [2] .

Fiodor Gordeev a fost cel mai bătrân din această generație de sculptori. A devenit celebru pentru compoziția „Prometeu” și pentru o serie de pietre funerare. Lui îi datora sculptura rusă o serie de copii din originale antice, interpretate destul de liber [2] .

Mihail Kozlovsky a fost cea mai importantă figură din domeniul artelor plastice clasice la sfârșitul secolului al XVIII-lea. A reușit mai bine decât alții în lucrări pline de un mare sunet civic, saturate de idealurile patriotismului („Hercule călare”, „Iakov Dolgoruky”, „Vighelia lui Alexandru cel Mare”), care a devenit un exemplu al bogăției rusești. artele plastice. Cele mai recente lucrări ale sale sunt deosebit de semnificative - fântâna Samson și monumentul lui Suvorov din Sankt Petersburg , în care clasicismul rus din secolul al XVIII-lea și-a găsit cea mai perfectă expresie.

  • M. Kozlovsky. „Vegherea lui Alexandru cel Mare”, anii 1780, Muzeul Rusiei [3]

  • M. Kozlovsky. „ Hercule călare ”, 1799, Muzeul Rus [3]

  • M. Kozlovsky. „Polycrates”, 1790, Muzeul Rus [3]

  • M. Kozlovsky. „Iakov Dolgoruky sfâșiind decretul regal”, 1797, Galeria de stat Tretiakov (copie) [3]

  • I. Prokofiev. „Volhov și Neva”, 1801, Muzeul Rus [3]

  • I. Martos. „Running Acteon”, 1800, Peterhof, Fântâna Mare [3]

  • I. Martos, „Running Actaeon”, 1800, Galeria de Stat Tretiakov (copie) [3]

  • „Catherine a II-a în imaginea lui Themis” (moșia Arkhangelskoye). Statuia a fost realizată după modelul sculptorului M.I. Kozlovsky în 1819. Gips. Ebb S.P. Camioni [4]

Fântâna Samson  este centrul plastic și semantic al Marii Cascade a Parcului Peterhof . Acest parc este unul dintre cele mai semnificative din punct de vedere al valorii sale artistice. O serie de arhitecți străini și ruși au lucrat la Marea cascadă - Mihail Zemțov , Jean-Baptiste Leblon , Bartolomeo Francesco Rastrelli , Giacomo Quarenghi , Andrei Voronichin , Ivan Starov , de-a lungul secolului al XVIII-lea. Aici s-a rezolvat problema sintezei artelor. Reconstituirea fântânilor Marii Cascade, care au căzut în paragină la începutul secolului al XIX-lea, și înlocuirea statuilor cu altele noi, a fost cel mai mare eveniment din arta plastică rusă din această perioadă. Tot ceea ce a fost creat mai devreme a necesitat lucrări de restaurare, iar cele mai bune forțe artistice au fost implicate pentru aceasta. Pe lângă turnările din statui antice, au fost create noi serii: „Perseu”, „Sirene” și „Neva” de Shchedrin, „Volhov” de Prokofiev, „Pandora” de Shubin, „Akteon” de Martos [2] .

Monumentul lui Suvorov din Piața Suvorovskaya  este apogeul creativității lui Kozlovsky-monumentalist. Comandantul este arătat cu o sabie și un scut în mâini, într-o mișcare sacadată, ca un erou antic. Aici este sintetizată ideea de cetățenie și triumf. Monumentul a devenit unul dintre cele mai populare și poate fi perceput ca rezultat al dezvoltării artelor plastice rusești în ultimul secol [2] .

  • M. Kozlovsky. „Monumentul lui Suvorov”, 1801, Sankt Petersburg [3]

  • M. Kozlovsky. „Monumentul lui Suvorov” (model), Galeria de Stat Tretiakov

Artă provincială și populară

În provinciile rusești, în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, au fost create imagini sculpturale și în relief ale sfinților. Uneori, astfel de figuri chiar au primit o mare venerare printre credincioși ca fiind miraculoase . Printre aceste imagini:

În anumite regiuni ale Imperiului Rus, a existat o tradiție de reprezentare sculpturală a „ Hristos în închisoare ” (sau „Hristos Suferintul”). Adesea, o astfel de statuie din biserică era plasată într-o cameră special făcută sau într-o nișă adâncă întunecată în perete. O lampă era aprinsă în fața ei . Hainele de pe statuie au fost schimbate. De obicei era îmbrăcată în haine de brocart galben-auriu, dar în zilele Săptămânii Mare era îmbrăcată cu catifea neagră de doliu, iar de Paști era îmbrăcată în haine din brocart argintiu strălucitor [7] .

Un fenomen important separat este sculptura din lemn Perm .

secolul al XIX-lea

Imperiu

Sculptura de la începutul secolului al XIX-lea reflectă creșterea conștiinței de sine naționale și sociale a societății ruse. Lupta împotriva lui Napoleon a influențat foarte mult aceste mentalități . Războiul Patriotic din 1812 a dat naștere unui înalt patriotism, reflectat în artă în interesul de a glorifica măreția poporului învingător [2] .

Pentru dezvoltarea sculpturii din această perioadă, s-a dovedit a fi important faptul că arhitectura rusă a crescut apoi la un nivel ridicat. În Sankt Petersburg, Moscova și alte orașe au fost ridicate clădiri maiestuoase și ansambluri întregi, care au schimbat semnificativ aspectul orașelor. Arhitecții Andrey Zakharov , Andrey Voronikhin , Jean-Francois Thomas de Thomon , Carl Rossi  - au dat arhitecturii ruse grandoarea solemnă caracteristică Imperiului Alexandru. Arhitecții au colaborat activ cu sculptori, maeștri ai artelor plastice decorative, deoarece sculptura a îmbogățit structurile arhitecturale, introducând în ele puterea unei imagini concret-senzuale, aprofundând conținutul clădirilor și făcându-le mai apropiate și mai ușor de înțeles. „Arta plastică s-a dezvoltat în strânsă unitate cu căutarea în domeniul arhitecturii. Aceasta, printre altele, explică realizările în domeniul sintezei artelor, care și-au păstrat până astăzi semnificația unui standard înalt. Sculptura decorativă a fost introdusă în arhitectură nu ca o simplă podoabă, ci ca o parte necesară a structurii, legată de aceasta prin o mie de fire, îmbogățindu-i conținutul și introducând frumusețea plastică în intenția arhitectului .

Așa este, de exemplu, clădirea Amiralității (1823), care nu poate fi imaginată fără decorațiuni decorative. Potrivit autorului său, arhitectul Zaharov, fără sculptură, își pierde proporțiile și frumusețea. Arta plastică a Amiralității a devenit un exemplu clasic de sinteză a artelor. La ea au lucrat cei mai buni maeștri - Feodosy Shchedrin , Vasily Demut-Malinovsky , Stepan Pimenov , Ivan Terebenev . La crearea clădirii, arhitectul a elaborat sistemul de decorare în detaliu, definind pentru fiecare sculptor zona de lucru, silueta generală și scara elementelor decorative. Această schemă generală a servit drept ghid pentru sculptorii cu cele mai diverse talente și abilități, care au reușit să exprime ideea generală a lui Zaharov, păstrând în același timp originalitatea în particular. Nimfele Mării lui Shchedrin joacă un rol important în concepția compozițională generală - aceasta este cea mai izbitoare și matură lucrare a sculptorului. La cele patru colțuri ale mansardei se află figurile lui Ahile, Pyrrhus, Ajax și Alexandru cel Mare, sculpturi în vârful turnului și, de asemenea, la colțurile celor patru frontoane - alegorii de 12 luni (sculptorii Shchedrin, Demut-Malinovsky și Pimenov). Deasupra „Nimfelor” se află faimosul înalt relief al lui Terebenev „Renașterea flotei în Rusia”. De asemenea, a realizat reliefuri pentru frontoanele porticurilor înfățișând slavi zburători. „Succesul acestei opere colective grandioase se datorează în mare măsură faptului că întreaga sculptură a fost creată după un singur plan al arhitectului și este pătrunsă cu un singur conținut. În compoziții alegorice, artiștii au transmis ideea puterii Rusiei ca mare putere maritimă, stăpâna mărilor. S-a găsit o formă monumentală originală, care a conferit structurii o frumusețe decorativă unică” [2] .

  • Clădirea Amiralității [3]

  • F. Şcedrin. „Nimfele Mării” pe fațada de sud a Amiralității, 1812 [3]

  • Fațada de sud a Amiralității [3]

  • I. Terebenev. Panoul „Renașterea marinei în Rusia”, sub acesta „Flying Glory” pe fațada de sud a Amiralității, 1812 [3]

  • Fațada de nord a Amiralității [3]

  • I. Terebenev. „Geniu al gloriei, trâmbițând victoria” pe fațada de nord a Amiralității [3]

„Cele mai bune exemple de plastic decorativ din acea vreme includ și decorațiunile clădirii Bursei din Sankt Petersburg, construite de Tomon , și mai ales figurile așezate la Coloanele Rostrale ” [2] . Anterior, în secolul al XVIII-lea, decorațiunile sculpturale în multe cazuri erau alegorii abstracte, dar acum au căutat să-și conecteze în mod activ sensul cu realitatea, scopul clădirii. Exemple tipice sunt decorarea arcului clădirii Statului Major , creat de Vasily Demut-Malinovsky și Stepan Pimenov , Porțile Triumfale Moscovei de Ivan Vitali și Ivan Timofeev , Porțile Triumfale Narvei de Demut-Malinovsky și Pimenov împreună cu Peter Klodt . „Aceste mostre au sunat idei patriotice, au afirmat eroismul poporului rus, care a câștigat o victorie strălucitoare în războiul cu francezii” [2] . Caracteristici tipice: figura Gloriei pe un car, figuri ale războinicilor, ritmul solemn al cailor care atrag un car victorios, glorie zburătoare, echipamente militare , o imagine alegorică a eliberării Moscovei etc. „Este greu de imaginat arhitectura clasicismului fără această plasticitate. A devenit o parte integrantă a porticurilor zvelte și stricte, a unor trave arcuite. S-a contopit organic cu ansamblul orașului, i-a conferit o frumusețe aparte, austeră, a adâncit conținutul arhitecturii, l-a îmbogățit cu volume pitorești, jocul clarobscurului. Sculptorii de atunci au reușit să transmită un conținut semnificativ sub forma unei maiestate stricte [2] .

  • Coloana rostrală din Sankt Petersburg. Figura feminină alegorică („Alegoria râului Neva”). 1810. Pe baza modelelor sculptorilor francezi I. Cumberlain și J. Thibault [3]

  • Coloana rostrală din Sankt Petersburg. Figura masculină alegorică. 1810 [3]

  • porțile Moscovei . 1838 [3]

  • V. I. Demut-Malinovsky și S. S. Pimenov. Arcul Clădirii Statului Major General . 1828 [3]

  • Arcul clădirii Statului Major. 1828 [3]

  • Arcul clădirii Statului Major. 1828 [3]

  • S. S. Pimenov. „Hercule și Anteeu”. 1811. Institutul minier , fațada principală [3]

  • V. I. Demut-Malinovsky. „Răpirea Proserpinei”. 1811. Institutul minier [3]

  • P. P. Sokolov. „Fata cu ulcior” , 1816 [4]

La începutul secolului al XIX-lea, poziția de lider în sculptura rusă a fost ocupată de Ivan Martos , care a lucrat foarte fructuos și într-o varietate de genuri - portrete, statui și reliefuri decorative, pietre funerare. Printre lucrările sale decorative se remarcă în special lucrările pentru Peterhof și Catedrala din Kazan . Datorită lui Martos, genul piatră funerară (vezi piatra funerară artistică rusă ) a obținut un mare succes în Rusia. Printre capodoperele sale se numără pietrele funerare ale lui Sobakina, Kurakina, Gagarina și multe altele [2] .

Cu toate acestea, el a câștigat adevărata faimă datorită monumentului său către Minin și Pozharsky (1818). „În acest monument s-a manifestat patosul inspirației, care era atât de caracteristic luptei de eliberare împotriva invaziei napoleoniene” [2] . Eroismul evenimentelor din secolul al XVI-lea a fost în mod viu corelat cu evenimentele Războiului Patriotic. Ideea creării unui monument a apărut la începutul secolului, intenționând să colecteze fonduri prin abonament. „Istoria sculpturii monumentale rusești nu a cunoscut încă conceptul unei astfel de forțe progresive. (...) În sine, problema conexiunii și punerii în scenă a două figuri din monument prezintă o dificultate considerabilă pentru sculptor. Căutarea unității semantice, expresivitatea siluetei, conexiunea dinamică, combinația de volume în spațiu și multe altele creează o gamă specială de probleme pe care orice sculptor trebuie să se gândească serios să le rezolve, indiferent cât de experiență creativă are. Prin urmare, priceperea cu care Martos și-a conectat în mod strălucit cei doi eroi este demnă de admirație . Acest monument s-a dovedit a fi primul monument sculptural din Moscova și, în plus, primul ridicat în capitala devastată de francezi, în Moscova reînnoită. „Motivele triumfătorului în noua arhitectură clasicistă erau în perfectă armonie cu caracterul operei lui Martos” [2] .

Continuarea acestei teme patriotice, dar deja în întregime legată de istoria Războiului Patriotic în sine, au fost monumentele lui Boris Orlovsky în onoarea lui Kutuzov și Barclay de Tolly din fața Catedralei din Kazan. „Orlovsky a reușit să transmită în mod convingător rolul fiecărui comandant în războiul trecut, să descrie lapidar caracterul lor și să conecteze excelent monumentele cu ansamblul catedralei” [2] . S-a dezvoltat arta lui Demuth-Malinovsky, care a experimentat și influența ideilor de eliberare. A creat o statuie a „ Scevola rusă ”. Fiodor Tolstoi a creat o serie excelentă de medalioane dedicate Războiului din 1812. „Tolstoi a fost un mare cunoscător al artei antice – reliefurile sale, sculptura rotundă și grafica au devenit o manifestare caracteristică clasicismului rus” [2] .

  • B. I. Orlovski. „Monument lui M.I. Kutuzov”. 1836 [3]

  • B. I. Orlovski. „Monumentul lui Barclay de Tolly”. 1836 [3]

  • B.I. Orlovski. "Satir". Început de autor în 1829, finalizat de S.I. Galberg și D.S. Savelyev în 1838. Muzeul Rus de Stat [3]

  • B. I. Orlovski. „Satirul și Bacânta”. 1837. Cronometrare [3]

  • Coloana Alexandru. 1832 [3]

  • B. I. Orlovski. Înger pe coloana lui Alexandru [3]

  • V. I. Demut-Malinovsky. „Scaevola rusă”. 1813. Original - bronz, cronometrare [3]

  • „Scaevola rusă”. O copie în Muzeul Borodino Panorama [3]

  • F. Tolstoi. „ Sărbătoarea pețitorilor din Casa lui Ulise ”. 1822. Cronometrare [3]

  • F. Tolstoi. Medalia „Milicia Populară”, o serie de medalioane . 1816 [3]

  • M.G. Krylov . „Fist Fighter”. 1837. Cronometrare [3]

  • I. T. Timofeev. „ Expulzarea francezilor ”. 1830. MUAR (?). Basorelief din Arcul de Triumf din Moscova (originalele, după unele indicii, sunt construite în zidul mănăstirii Borodino ) [3]

În prima jumătate a secolului al XIX-lea, genul sculpturii portretului a obținut și el succes. Lucrarea lui Ivan Vitali și Samuil Galberg [2] este deosebit de revelatoare .

Etajul 2 secolul al XIX-lea

Această perioadă este caracterizată de dezvoltarea artei rusești în genuri precum pictura (cu o influență puternică a Hoinătorilor ), literatura și muzica. „Din păcate, nu același lucru se poate spune despre sculptură. S-a dezvoltat după aceleași legi, depășind influența vechilor tradiții pseudoclasice și străduindu-se pentru o reflectare fidelă a realității rusești, dar toate acestea s-au întâmplat într-o formă mai restrânsă, mai puțin activ și mai puțin semnificativ decât în ​​pictură. În sculptură, nu vom întâlni acea forță a realismului, acea pătrundere cea mai profundă în esența fenomenelor sociale ale vieții și acea abilitate, precum cea a lui Repin , Surikov și mulți alții. Sculptorii nu au reușit să pătrundă atât de adânc în psihologia omului și să stabilească atât de pe deplin imaginea unui luptător pentru libertate socială și progres, la fel ca pictorii din a doua jumătate a secolului. Motivul pentru aceasta constă în specificul genului în sine. Esența imaginii monumentale în sculptură constă în faptul că se străduiește să exprime un ideal pozitiv în viață, la imaginea unui mare public, rezonanță socială. Monumentul, de regulă, ar trebui să fie dedicat unui erou progresist sau unui eveniment istoric semnificativ din viața oamenilor. Cei de care depindea ridicarea monumentelor au preferat altceva: arta oficială a loialității. Același artist, oricât de talentat, nu poate să creeze o imagine monumentală a unui erou, să o traducă în material și să o instaleze pe o stradă sau pe o piață: istoria artei plastice nu cunoaște astfel de cazuri. Crearea unui monument este în multe privințe o chestiune care necesită multă muncă și costisitoare, care necesită eforturi colective” [2] . Astfel, cel mai important gen de sculptură, monumental, s-a dezvoltat în conformitate cu stilul oficial, gustul dominant al familiei imperiale, și nu a permis experimente, de exemplu, pe teme sociale.

Sculptura decorativă era, de asemenea, în întregime legată de conținutul comenzii și era în mare parte eclectică în natură. Sculptura de șevalet s-a dezvoltat relativ liber în acea perioadă, permițând sculptorilor să-și demonstreze priceperea, atitudinea față de realitate și înțelegerea imaginii omului și a progresului. Din punctul de vedere al istoriei artei sovietice, acest subgen pentru această perioadă „alcătuiește o pagină destul de strălucitoare în arta rusă și este plin de mari realizări creative” [2] .

Sculptură de gen

Similar cu pictura din acest timp, există un interes puternic pentru genul sculpturii . Urmele invaziei sale în arta plastică au fost vizibile încă din anii 1830: de exemplu, în 1836 au apărut două lucrări importante care au devenit foarte populare în rândul privitorului - „ Guy Playing Money ” de Nikolai Pimenov și „ Guy Playing Pile ” de Alexander Loganovsky . la Palatul Alexandru din Tsarskoye Selo. Li s-au acordat hexametrele lăudabile ale lui Pușkin. Cu toate acestea, Pimenov și Loganov nu au devenit reprezentanții de frunte ai genului în sculptura acestei perioade - opera lor este încă foarte mult influențată de vechile tradiții clasice.

Lor li se alătură lucrări de gen de Anton Ivanov , Peter Stavasser , Konstantin Klimchenko . „Aceasta era o generație de tineri maeștri care căutau o expresie a ideilor lor estetice nu în teme mitologice sau biblice abstracte, ci în viața însăși” [2] .

Mult mai târziu, în 1862, un grup de tineri artiști a creat lucrări similare în spirit cu The Guys from the Alexander Palace. Aceștia au fost Semănătorii lui Vasily Kreitan și Matvey Kharlamov și Semănătorii lui Mihail Popov și Ivan Podozyorov . Aceste lucrări au fost primite cu căldură la expoziția academică. „Însuși faptul apariției unor astfel de subiecte la Academie a mărturisit dorința „templului artelor” de a se apropia de viața reală. Aici s-au făcut simțite sentimentele democratice ale reprezentanților de frunte ai culturii ruse din anii șaizeci” [2] . Podozerov iese în evidență din acest grup - „Mower” lui este plin de mișcare, o încercare de a transmite cu adevărat personajul este vizibilă. Ulterior, sculptorul a realizat o serie mare de portrete ascuțite [2] .

  • Pridvorul Palatului Alexandru cu statui ale unor tipi care se joacă

  • N. S. Pimenov. „Tipă care joacă bani”, 1836, Muzeul Rus [3]

  • A. V. Loganovsky. „Tipul care joacă grămadă”, 1836. Muzeul Rus [3]

  • P. A. Stavasser. „Boy Fishing”, 1839, Muzeul Rus [3]

  • V. P. KREITAN. „Semănătorul”, 1862, Muzeul Rus [3]

  • M. Kharlamov. „Semănătorul”, 1862, Muzeul Rus [3]

  • Ivan Podozerov, „Mower” (1862), Fiodor Kreitan, „Fist Fighter” (1849) [4]

  • M. P. POPOV „Coacă de odihnă”. 1862, RM [3]

Cel mai „rătăcitor” în starea de spirit din sculptura de la etajul 2. secolul a fost grupul „Țăran în necazuri” (1873) de Matvey Chizhov . A câștigat o mare popularitate și a fost repetat de multe ori. „În această lucrare nu mai există nici o urmă a influenței clasicismului, care încă s-a făcut simțită atât de puternic în deceniile precedente. Viața reală, un model specific conduc aici și ei sunt cei care determină puterea imaginii” [2] .

Prima lucrare semnificativă a lui Chizhov au fost reliefurile monumentului Mileniului Rusiei (vezi mai jos). Pentru el, a realizat figuri în înalt relief „Eroi”, „Iluminatorii”, parțial „Oameni de stat”, precum și modele ale figurilor lui Mihail Fedorovich, Ivan al IV-lea și Petru I din centura superioară a monumentului. Cu toate acestea, temele istorice nu erau principalele în opera sa - îi plăcea temele țărănești. Printre lucrările sale se numără „Prima dragoste”, „Mamă țărănică învață-i pe fiica ei cuvântul natal”, „Copii care joacă la cacealma orbului” [2] .

Fyodor Kamensky ocupă , de asemenea, un loc proeminent în artele plastice din anii 1860. În lucrările sale, „noile motive de gen au sunat puternic” [2] . În temele sale, s-a bazat pe viața de zi cu zi, viața de zi cu zi, așa că viața de zi cu zi a poveștilor sale a fost atât de aproape de privitor și a stârnit simpatie. Băiatul lui Sculptor este o statuie mică care înfățișează un băiat țăran sculptând. În caracterul său, se învecinează cu statuia anterioară „Băiatul în baie” de Serghei Ivanov .

  • M. A. Cijov. „Țăran în necaz”, 1873, Galeria de Stat Tretiakov [3]

  • S. I. Ivanov. „Băiat în baie”, 1858, Galeria de stat Tretiakov [3]

  • F. F. Kamensky. „Băiat sculptor”, 1866, Muzeul Rus [3]

  • F. F. Kamensky. „Primul pas”, 1872, Muzeul Rus [3]

  • M. Cijov. „Rezvushka” [4]

Monumente

Peter Klodt a fost unul dintre maeștrii de frunte ai primei jumătăți și mijlocului secolului. În opera sa, tradițiile realiste ale artelor plastice rusești au fost dezvoltate în continuare. Acestea sunt lucrările sale - grupurile ecvestre ale podului Anichkov , alte lucrări ale genului animal. În anii 1850, el a creat monumente pentru împăratul Nikolai și fabulistul Krylov. Monumentul lui lui Krylov (1848-1855) a fost ridicat în Grădina de vară, ceea ce a determinat intimitatea caracteristică compoziției. Soclul este decorat cu multe înalte reliefuri înfățișând fabule. În Monumentul lui Nicolae I , Klodt deține partea cea mai spectaculoasă - cea de sus, cu imaginea unui călăreț. A creat și compoziția „Văduvă cu copil”, plină de durere. Abilitatea lui s-a reflectat pe deplin în special în grupul „Primul Pas”. Reprezentând un complot de gen, el a căutat să-și extindă domeniul de aplicare - o locomotivă cu abur și un creion sunt descrise ca o jucărie, iar diferite mașini sunt reprezentate pe un piedestal, iar aceste compoziții primesc un caracter mai semnificativ, deoarece acum grupul implică Rusia, care face primii pași către progresul industrial [ 2] .

O echipă numeroasă de artiști a luat parte la proiectul monumentului Mileniului Rusiei , proiectat de Mihail Mikeshin - Nikolai Laveretsky , Hugo Zaleman , Alexander Opekushin și alții. Crearea sa a fost un eveniment semnificativ în viața culturală a Rusiei la acea vreme. „Acest monument a câștigat o mare popularitate și dragoste a publicului și, în ciuda deficiențelor sale compoziționale inerente, a intrat ferm în istoria artei monumentale ruse” [2] .

Opera lui Alexander Opekushin este unul dintre fenomenele majore ale sculpturii rusești din această perioadă. În primii ani, a fost strâns asociat cu clasicismul (influențat de Academia de Arte, unde a studiat). Dar curând găsește noi idealuri, apropiindu-și opera de realitate, de viață. La sfârșitul anilor 1860, a lucrat mult în genul portretului. Merită remarcat portretul său al sculptorului Mikeshin, cu care a colaborat la mai multe proiecte, în special - în Mileniul Rusiei. Rolul său este important și în realizarea monumentului Ecaterina cea Mare [2] .

Monumentul Ecaterinei a II-a din Sankt Petersburg ocupă un loc proeminent în sculptura epocii. Mikeshin a luat parte la construcția monumentului, lucrarea sculpturală a fost realizată de Matvey Chizhov, care a sculptat statuia actuală a Ecaterinei și Alexander Opekushin, care a creat figurile din jurul piedestalului. „Cel mai important defect al său a fost lipsa de monumentalitate în designul general al compoziției. Fragmentarea excesivă a formei, aglomerația cu elemente sculpturale și silueta agitată îi reduc expresivitatea, dar totuși este bine legată de pătratul de pe pătrat” [2] . Deosebit de curioase sunt figurile personajelor istorice din nivelul superior - Suvorov, Derzhavin, Potemkin și așa mai departe. Sculptorul a reușit imagini adevărate ale personajelor istorice. Figura împărătesei, interpretată de Chizhov, este „mai degrabă fără chip, prea formală și rece. Cu toate acestea, orientarea stilistică generală a acestui monument este, fără îndoială, realistă. Prin urmare, ea a supraviețuit până în zilele noastre ca o operă de artă plastică caracteristică a doua jumătate a secolului al XIX-lea” [2] .

Cel mai mare și mai semnificativ monument al acelui timp [2]  este Monumentul Pușkin din Moscova de Opekushin. Crearea sa a devenit cel mai important eveniment din viața culturală a Rusiei. Monumentul se remarcă prin rigoarea compoziției, semnificația figurii, reținerea sentimentelor modelului, portretul convingător, expresivitatea, care îl deosebește de o serie de multe monumente care au apărut în arta rusă din acea vreme [2] .

Genul istoric

Mark Antokolsky  - cel mai mare maestru al sculpturii realiste rusești de la etajul 2. al XIX-lea. Faima i-a adus deja prima lucrare - „ Ivan cel Groaznic ”. „Psihologismul pronunțat al imaginii o deosebea de multe opere de artă plastică din acea vreme” [2] . El a fost urmat de „Petru I”. „Capacitatea de a dezvălui conținutul interior al imaginii, capacitatea de a arăta munca complexă a gândirii a fost foarte apreciată de Rătăcitori și tocmai aceasta i-a oferit lui Antokolsky un loc proeminent în rândurile lor” [2] . Realizează sculpturi „Hristos înaintea poporului”, „Socrate muribund”, „Ioan Botezătorul” și „Spinoza”. Aceste lucrări nu sunt egale, au mai puțină forță interioară și mai puțină intenție în comparație cu primele lucrări, dar mai mult interes pentru exprimarea ideilor universale morale „eterne”. Acest lucru l-a alarmat chiar și pe criticul Stasov , care a văzut acest lucru ca pe o abatere de la realism [2] .

  • M. Antokolsky. „Ivan cel Groaznic”. 1875, Galeria de Stat Tretiakov [3]

  • M. Antokolsky. „Ivan cel Groaznic” [3]

  • M. Antokolsky. „Hristos înaintea judecății poporului”. 1875, marmură, Galeria de Stat Tretiakov [3]

  • M. Antokolsky. „Hristos înaintea judecății poporului”

  • M. Antokolsky. „Hristos înaintea judecății poporului”. 1875, bronz. sincronizare

  • M. Antokolsky. „Petru I” (modelul monumentului). 1872, Galeria de Stat Tretiakov [3]

  • M. Antokolsky. „Mefistofel”. 1883. Galeria de stat Tretiakov [3]

Portret

Nikolai Ramazanov , Ivan Podozerov , Vasily Kreitan , Alexander Belyaev , Leopold Bernshtam , Parmen Zabello și alți autori au lucrat în genul portretului la acea vreme .

Sculptură de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX

Începutul secolului a fost o perioadă dificilă în istoria sculpturii rusești. La fel ca pictura din acest timp, nu a scăpat de influența tendințelor moderniste, precum și de starea de spirit de decadență, caracteristică unei părți a intelectualității ruse. O serie de maeștri au fost asociați cu simbolismul sau au lucrat sub influența tendințelor salonului . Concomitent, a avut loc dezvoltarea tendințelor realiste. O nouă înțelegere, mai modernă, a artei plastice lua contur. În acești ani, au început să lucreze mulți maeștri, care aveau să devină celebri în vremea sovietică. Idealurile democratice revoluționare au influențat și căutarea a ceva nou în gen. Imagini democratice, noi eroi apar în sculptură [2] .

Tânăra generație de maeștri nu mai sunt epigoni ale clasicismului. Ei au înțeles modernitatea, au căutat să întruchipeze un nou erou, au căutat o nouă formă - parțial datorită influenței impresionismului . Plasticitatea realistă este îmbogățită cu mijloace de exprimare noi, mai diverse. Un mare succes în această perioadă îl obțin portretul, șevalet și plasticul decorativ. Sculptura monumentală devine din ce în ce mai puțin semnificativă, deși există lucrări proeminente - un monument al lui Pușkin în Pușkin de Robert Bach , un monument al lui Ivan Fedorov de Serghei Volnukhin , un monument al lui Gogol al sculptorului Nikolai Andreev . „În aceste lucrări, cu diferite grade de succes, problema expresivității plastice a fost rezolvată și, totuși, ele sunt inerente dorinței autorilor de dezvăluire cât mai deplină posibilă a lumii interioare a eroului prin mijloace realiste” [2] .

Cea mai semnificativă lucrare monumentală de la începutul secolului al XX-lea este Monumentul lui Alexandru al III-lea de Paolo Trubetskoy . Sculptorul a putut să-l arate pe rege într-o formă de artă neobișnuit de ascuțită și expresivă, pentru a sublinia integritatea volumului siluetei sale grele pe un cal odihnit. Expresivitatea compoziției se bazează pe un desen strict și o construcție constructivă impecabilă a formei. Trubetskoy a lucrat excelent atât în ​​portrete, cât și în compoziții de gen. Portretele lui Levitan, Tolstoi, o mamă cu un copil se remarcă prin expresia ascuțită și modelarea impresionistă caracteristică [2] .

  • P. P. Trubetskoy. „Monumentul lui Alexandru al III-lea ”. 1909 [3]

  • P. P. Trubetskoy. Dreapta: „Portretul lui F. I. Chaliapin”. Muzeul D. Yakobashvili „Colecția” [3]

  • P. P. Trubetskoy. „Prințul Meșcerski”. 1895 (Museo del Paesaggio) [4]

  • P. P. Trubetskoy. „Copii”. sincronizare [3]

  • P. P. Trubetskoy. "Fata cu un caine" sincronizare [3]

  • P. P. Trubetskoy. „Doamna așezată (Prițesa V.K. Orlova?)”. 1909. Minsk [4]

  • P. P. Trubetskoy. „Transportatorul Moscovei”. 1898. Cronometrare [3]

La începutul secolului, în sculptură au apărut noi materiale - porțelan, lemn, majolica . Începând să folosească policromia . Plasticul mic are o mare dezvoltare. Mikhail Vrubel , lucrând în acest subgen, creează lucruri remarcabile - „Kupava”, „egiptean”, „Sadko”. Lemnul este caracterizat de opera lui Dmitri Stelletsky , iar în porțelan - de Konstantin Somov [2] . Există un apel la tradițiile artei antice rusești - există ateliere de artă și meșteșuguri în Abramtsevo , Talashkino .

  • M. A. Vrubel. "Egiptean". 1899-1900. Galeria de stat Tretiakov [3]

  • M. A. Vrubel. "Cap de demon" 1890. Cronometrare [3]

  • D. S. Stelletsky. „Nobilă nobilă”. 1910. Cronometrare [3]

  • A.L. Ober . „ Ursul alb ”. 1898. Cronometrare [3]

  • A. L. Ober. „Tigru și Sepoy”, RM [4]

  • ȘI EU. Gunzburg . „Băiat coborând în apă”. 1886. Cronometrare [3]

  • Sculptor necunoscut. „ Țăran pe plută” . sincronizare [3]

Mica artă plastică „comercială” pe scenele animale și de gen este larg răspândită, de exemplu, Nikolai Liberich , Eugene Lansere . În domeniul artelor și meșteșugurilor, bijutierii și tăietorii de pietre ruși ( Fabergé , Denisov-Uralsky ) fac pași mari. Pentru istoria artei sovietice, acest subgen „burghez” nu avea nicio valoare.

  • N. Liberich, „Mazepa”, 1857 [4]

  • Eugen Lansere. „Cazacul după bătălie”, 1873. GRM

  • Firma „Faberge”, „Poodle”

  • Firma A. Denisov-Uralsky. „ Alegoria Germaniei ”. Petrograd, 1914-16.

Anna Golubkina este unul dintre maeștrii de frunte ai acestei perioade. Această elevă a lui Auguste Rodin a fost caracterizată de trăsături ale impresionismului, dar nu s-au dovedit a fi autosuficiente - nu au limitat-o ​​la un cerc restrâns de sarcini plastice formale. În lucrările ei, psihologismul profund și colorarea socială sunt evidente (imaginile proletarilor, primul portret rusesc al lui Marx, un portret al lui A. N. Tolstoi), drama, dinamica internă, schița și simbolismul, un interes avid pentru o persoană și inconsecvența lui. lumea interioară [2] . „Ea observă cu măiestrie trăsăturile caracteristice ale modelelor și, de asemenea, folosește diverse texturi pentru a transmite temperamentele. „Aleksey Tolstoi” (1911) este sculptat din lemn, neted și arată ca un zeu păgân, bronzul „Leo Tolstoi” (1927) este ca un munte de minereu puternic, iar nervos „Lermontov” (1900) este turnat din plastic. ipsos, iar pe moale ei înghețat suprafața mai arată urme ale degetelor pasionate ale autorului” [8] .

  • A. S. Golubkina. „ Portretul lui Karl Marx ”. 1905. Cronometrare [3]

  • A. S. Golubkina. „ Mers ”. 1903. Cronometrare [3]

  • A. S. Golubkina. "Mesteacăn". 1927. Galeria de stat Tretiakov [4]

  • A. S. Golubkina. „Portretul lui E.D. Nikiforova ". 1911. Cronometrare [3]

  • A. S. Golubkina. „Portretul lui A.N. Tolstoi ”. 1911. Galeria de stat Tretiakov [3]

  • A. S. Golubkina. "Cariatidă". 1911. Cronometrare [3]

  • A. S. Golubkina. "In varsta". 1898. Muzeul-atelier al lui A. Golubkina [3]

Alexander Matveev  este un alt maestru care s-a dezvoltat în epoca pre-revoluționară și care s-a manifestat pe scară largă mai târziu. A creat piatra funerară a lui Borisov-Musatov , portrete, studii de nud și sculpturi decorative. Primele lucrări ale artistului vorbeau despre căutarea unui ideal plastic și a armoniei, care să-l conducă mai târziu pe Matveev la o sinteză strictă în lucrările sale din anii 1920 și 30 [2] .

  • A. T. MATVEEV „Băiat” . 1912. Cronometrare [3]

  • A. T. MATVEEV "Grădinar". 1912. Cronometrare [3]

Serghei Konenkov  este cel mai mare maestru al secolului al XX-lea. Deja prima sa lucrare, „Spărgătorul de pietre”, și-a arătat ereditatea celor mai bune tradiții ale realismului rus. Sculptura sa din lemn, impregnată de influența epicului, precum și lucrările pe teme grecești antice, au arătat originalitatea talentului său, capacitatea de a soluționa noi și originale. Konenkov se distingea printr-un „simț al timpului” strălucitor [2] .

  • S. T. Konenkov. „Spărgătorul de pietre”. 1898. Galeria de stat Tretiakov [3]

  • S. T. Konenkov. „ Înaripat ”. 1913. Galeria de stat Tretiakov [3]

  • S. T. Konenkov. „Tnur”. 1913. Galeria de stat Tretiakov [4]

  • S. T. Konenkov. „Frăția Săracă”. 1917. Cronometrare [3]

  • S. T. Konenkov. „Nike”. 1906. Galeria de stat Tretiakov [3]

Perioada sovietică

Perioada de revoluție și război civil

Vanguard

În anii pre-revoluționari și în prima perioadă de după Revoluție, avangardiştii, futuriștii și constructiviștii ruși au experimentat prin amestecarea tehnicilor și a granițelor genurilor. „Multe lucrări ale artiștilor de acest trend au fost realizate din ipsos și alte materiale fragile, care erau fragmente, adesea aleatorii, obiecte de uz casnic sau instrumente muzicale”, ceea ce a dus la conservarea lor slabă și la scăderea numărului de lucrări supraviețuitoare [9] . De asemenea, multe articole din această perioadă au fost distruse în URSS, deoarece erau considerate neprețuite. Prin urmare, „se practică producția de reconstituiri moderne ale compozițiilor sculpturale și spațiale pierdute ale lui V. E. Tatlin, L. M. Lissitzky și alți maeștri” [9] .

În 1920, Vladimir Tatlin și-a creat faimosul turn , care a devenit simbolul unei noi direcții în artă, o expresie a curajului și hotărârii căutărilor [10] . De asemenea, faimos a fost ornitopterul său „ Letatlin ”.

Expoziția permanentă a Galeriei Tretiakov prezintă, de asemenea, lucrări ale unor maeștri din anii 1910 și 20 precum I. M. Chaikov , V. A. Stenberg , P. V. Miturich , Lyubov Popova , Mihail Matyushin și alții. Un spațiu separat în muzeu este alocat pentru instalația „Reconstrucția expoziției OBMOKhU din 1921 ” (Societatea Tinerilor Artiști), recreată din fotografiile supraviețuitoare ale uneia dintre săli. Au fost prezentate lucrările a cinci maeștri inovatori, membri ai Grupului de lucru constructivist INKhUK -  Alexander Rodchenko , Konstantin Medunetsky , frații Stenberg și Karl Ioganson . Fotografiile supraviețuitoare „au devenit cea mai replicată ilustrare a noilor tehnici și principii introduse în artă de artiștii constructiviști. Construcțiile expuse la expoziție au fost experimente de laborator în căutarea unor noi forme care să devină adevărate obiecte spațiale în viitor. Acestea sunt structuri suspendate (Rodchenko), structuri dinamice tridimensionale construite după principii inginerești (frații Stenberg), compoziții sculpturale care demonstrează relația dintre formă și material (Medunetsky), structuri echilibrate reale sub formă de construcții cruciforme spațiale” [11]. ] .

  • Lyubov Popova . „Urciorul este pe masă. Plastic Painting”, 1915. Lemn, carton, ulei. GTG.

  • Vladimir Tatlin . „Controrelief”, 1916. Mahon lăcuit, fier, lemn, zinc. GTG

  • Mihail Matyushin . „Root Sculpture”, anii 1920. Copac. GTG

  • Reconstituirea expoziției OBMOKhU 1921, Galeria de Stat Tretiakov

Porțelan de campanie

Alături de afiș, primul porțelan sovietic poate fi considerat parte integrantă a artei aplicate sovietice din perioada post-octombrie. Era sortit să devină unul dintre cele mai convingătoare monumente ale acestui timp. Acum China de propagandă rămâne un document istoric incontestabil al primilor ani post-revoluționari.

Primul porțelan sovietic a fost creat în perioada 1918-1923 la Fabrica de Porțelan de Stat. Lomonosov de un grup mare de artiști condus de S. V. Cehonin . Cehonin a dat acestei direcții un impuls puternic, porțelanul a vorbit cu imagini noi, culori, o nouă emblemă sovietică a fost creată și dezvoltată în ea. Pe vechiul porțelan nevopsit, care a rămas în magaziile fabricii imperiale, artiștii au scris noi lozinci revoluționare, înlocuind vechile marcaje regale cu ciocan și seceră.

Porțelanul, o formă intimă de artă, a primit arta străzii, afișul, designul sărbătorilor revoluționare, arta propagandei monumentale, care a devenit mai durabilă decât decorarea temporară festivă a străzilor. Din porțelan sună sloganuri: „Pământ muncitorului!”, „Cine nu muncește, nu mănâncă!”, „La naiba burgheziei, să piară capitalul!”, „Să lase ce se obține prin puterea mâinilor lui”. travaliul să nu fie înghițit de o burtă leneșă!”. Placa este asemănată cu un afiș și un pliant; chiar și o carte de muncă este înfățișată pe ea.

Lupta pentru un nou mod de viață își găsește în mod tradițional una dintre forme în decorarea porțelanului la sfârșitul anilor 1920. Felurile de mâncare preiau rolul unui propagandist al unui nou mod de viață, o atitudine socialistă față de muncă, studiu și odihnă. Teme de actualitate ale reorganizării societății - industrializarea industriei, colectivizarea agriculturii, politica externă a statului, revoluția culturală - devin teme pentru decorarea mâncărurilor de masă.

Creand un nou aspect pentru articolele de uz casnic, artistii au combinat tehnicile compozitionale ale unui poster, fotomontaj, incadrare cinematografica, cu metode mecanizate de decor, un sablon si un aerograf, ceea ce a facut posibila producerea de produse in cantitati mari. [12]

Cel mai adesea, porțelanul de propagandă a fost expus la expozițiile sovietice și internaționale, în vitrine, și era practic inaccesibil profanului.

Artista Elena Danko își amintește mai târziu: „Cine își amintește de Petrogradul acelor ani - deșerturile ciobite ale trotuarelor, de casele tăcute scufundate în întuneric și de frig, de stelele în formă de ac din ferestre - de urmele gloanțelor recente, își amintește și de vitrina magazinului de pe 25th October Avenue. Acolo, stele roșii ardeau pe vasele albe strălucitoare, secera și ciocanul străluceau cu aur moale de porțelan, flori fabuloase au fost țesute în monograma RSFSR. Erau mici gardieni roșii din porțelan, marinari, partizani și un set de șah strălucitor, roșu și alb. Pe un vas mare era o inscripție într-o coroană de flori: „Vom transforma lumea întreagă într-o grădină înflorită”. Arta porțelanului în acei ani era percepută ca arta viitorului. Acest fel de mâncare era adresat omului nou al societății creatorilor, eliberat de puterea consumerismului.

Planul lui Lenin de propagandă monumentală

În 1918, Lenin a emis un decret „Cu privire la monumentele republicii”. A anunțat un plan de influență a maselor cu ajutorul sculpturii. În scurt timp, cei mai buni sculptori sovietici au ridicat multe monumente figurilor revoluției și culturii. Din păcate, majoritatea nu s-au păstrat din cauza ieftinității materialelor folosite [13] .

În perioada războiului, majoritatea arhitecților au rămas fără muncă și s-au ocupat de „arhitectura hârtiei”. Unii au colaborat cu sculptori, realizând monumente ( L. V. Rudnev , monumentul „Victimelor represiunii” de pe Câmpul lui Marte, 1917-1919).

  • L. V. Rudnev. Monument pe Câmpul lui Marte

Perioada interbelică

anii 1920

Nikolai Andreev a creat o serie de portrete sculpturale ale liderului, inclusiv faimosul Lenin Conducătorul (1931-1932). Un alt sculptor proeminent al acestei perioade este Ivan Shadr . În 1922, a creat statuile „Muncitor”, „Semănător”, „Țăran”, „Armata Roșie”. Particularitatea metodei sale este generalizarea imaginii pe baza unui complot de gen specific, modelarea puternică a volumelor, expresivitatea mișcării, patosul romantic. Cea mai frapantă lucrare a sa este „Piatra este instrumentul proletariatului. 1905” (1927). În același an, pe teritoriul unei centrale hidroelectrice din Caucaz, ZAGES a ridicat un monument lui Lenin din propria sa lucrare  - „una dintre cele mai bune”. Vera Mukhina s-a format și ca maestru în anii 20. În această perioadă, ea realizează un proiect pentru monumentul „Munca Emancipată” (1920, neconservat), „Femeia țărănică” (1927) [14] .

Dintre maeștrii mai maturi, se remarcă opera lui Sarah Lebedeva , care a creat portrete, inclusiv portretul caracteristic al lui Dzerjinski (1925). În înțelegerea ei a formei, ea ține cont de tradițiile și experiența impresionismului. Alexander Matveev se caracterizează prin claritatea clasică în înțelegerea bazei constructive a plasticității, a armoniei maselor sculpturale și a raportului de volume în spațiu („Femeie dezbrăcată”, „Femeie care pune un pantof”), precum și celebrul „Octombrie” (1927) , unde 3 bărbați goi sunt incluși în compoziție, figurile sunt o combinație de tradiții clasice și idealul „omul din epoca Revoluției” (atribute - secera, ciocanul, budenovka ) [14] .

Realism socialist

În 1934, la Primul Congres al Scriitorilor Sovietici din întreaga Uniune, Maxim Gorki a formulat principiile de bază ale realismului social ca metodă a literaturii și artei sovietice [15] .

Acest moment marchează începutul unei noi ere a artei sovietice, cu un control ideologic mai strict și scheme de propagandă [15] .

Principii de baza:

  • Nationalitate . De regulă, eroii operelor realiste socialiste au fost muncitorii orașului și ai zonei rurale, muncitorii și țăranii, reprezentanții inteligenței tehnice și ai personalului militar, bolșevicii și oameni fără partid [15] .
  • Ideologie . Arătați viața pașnică a oamenilor, căutarea căilor către o viață nouă, mai bună, fapte eroice pentru a obține o viață fericită pentru toți oamenii [15] .
  • Concretitatea . În imaginea realității, arătați procesul de dezvoltare istorică, care, la rândul său, trebuie să corespundă înțelegerii materialiste a istoriei (în procesul de schimbare a condițiilor de existență, oamenii își schimbă conștiința și atitudinea față de realitatea înconjurătoare) [ 15] .

În anii care au urmat acestei rezoluții a Comitetului Central al Partidului Comunist al Bolșevicilor din întreaga Uniune privind restructurarea organizațiilor literare și artistice, au avut loc o serie de evenimente majore menite să dezvolte arta în direcția cerută de stat. Practica comenzilor de stat, a călătoriilor creative de afaceri, a expozițiilor tematice și aniversare de amploare se extinde. Artiștii sovietici creează multe lucrări (panouri, monumentale, decorative) pentru viitorul VDNKh. Aceasta a însemnat o etapă importantă în renașterea artei monumentale ca una independentă. În aceste lucrări, a devenit evident că atragerea artei sovietice către monumentalitate nu este întâmplătoare, ci reflectă „perspectivele grandioase ale dezvoltării unei societăți socialiste” [15] .

anii 1930

Principala tendință în dezvoltarea sculpturii din această perioadă este și o tendință către monumentalitate. Arta Verei Mukhina le exprimă cel mai clar . Lucrările ei din această perioadă sunt un portret al doctorului A. A. Zamkov (1934-35), soțul sculptorului și arhitectului S. A. Zamkov (1934-35), care a fost citat de istoricii de artă sovietici ca exemplu al „imaginei colective a un tânăr al anilor ’30 » [16] . În 1936, la Paris a avut loc Expoziția Mondială , pavilionul sovietic pentru care a fost creat de Boris Iofan . Mukhina a câștigat concursul pentru crearea unei statui, care, conform planului lui Iofan, trebuia să-l încoroneze - așa a apărut faimosul grup sculptural „ Fata Muncitoare și Fermă Colectivă ”, slăvindu-i numele. La sfârșitul anilor 30, ea a participat la o serie de competiții, în special, creând un proiect pentru un monument al tânărului Maxim Gorki la Nijni Novgorod, redenumit în cinstea lui. Ea realizează, de asemenea, o serie de modele și proiecte decorative pentru a decora clădiri noi - Podul Moskvoretsky, statuia Patriei pentru intersecția Rybinsk a canalului Moscova-Volga și așa mai departe. [16]

Ivan Shadr continuă să lucreze , cu lucrările sale, la egalitate cu ale lui Mukhin, definind natura și direcția întregii sculpturi monumentale sovietice. Opera sa principală din această perioadă este statuia lui Gorki pentru Piața Gării Belorussky din Moscova (1938) - a reușit să creeze doar un mic model, după moartea sa sculptura a fost finalizată de o echipă condusă de Mukhina (V. I. Mukhina, N. G. Zelenskaya). și Z. G. Ivanova, arhitect Z. M. Rosenfeld). [16] .

Matvey Manizer a creat peste 40 de monumente, majoritatea imagini ale contemporanilor săi. Este un reprezentant al tendinței academice în sculptura sovietică; maniera sa combină tehnici narative bazate pe reproducerea exactă a naturii cu suficientă emotivitate a imaginilor. Printre lucrări se numără și un monument al lui Taras Shevchenko la Harkov [16] .

Serghei Merkurov lucrează după alte principii: își construiește sistemul figurativ pe interpretarea plastică activă a impresiilor din natură. Alegerea pietrei de sculptat îi determină limbajul creativ. Are un monument lui Lenin la Kiev (1924), „Moartea unui lider” (1927), un monument de granit de 15 metri pentru portul Canalului Moscova , o statuie a lui Lenin pentru sala de ședințe a Sovietului Suprem din URSS la Kremlin (1939) [16] .

Nikolai Tomsky  este un reprezentant al unei noi generații de sculptori care începe să lucreze în această perioadă. Printre cele mai cunoscute lucrări ale sale din acei ani se numără un monument al lui Kirov la Leningrad (1935-1938), strict, simplu și concis [16] .

Noua expoziție agricolă a întregii uniuni de la Moscova (pe teritoriul viitorului VDNKh) a servit drept un motiv semnificativ pentru dezvoltarea sculpturii monumentale. A fost bogat împodobită și decorată, sculptorii regionali au fost invitați pentru cooperare, care au folosit ornamente naționale și obiecte de artă și meșteșuguri. O mulțime de decor sculptural a fost folosit pentru a decora Metroul Moscovei, precum și pentru Canalul Moscovei [16] .

Sculptorii sovietici continuă să contribuie la porțelan, faianță și alte materiale cu mare potențial decorativ [16] .

Pe lângă formele monumentale și decorative, tendințele camerale continuă să se dezvolte, în special, în genul portretului. Sarra Lebedeva este figura principală aici, dezvoltând ceea ce a subliniat în anii 1920 („Portretul lui Chkalov”, 1937; „Portretul lui P. P. Postyshev”, 1932; „Portretul lui S. M. Mikhoels”, 1939; „Portretul lui Mukhina”, 1939) . Iakov Nikoladze , un sculptor mai în vârstă care a studiat cu Rodin, continuă să lucreze, creând lucruri puternice și profunde [16] .

Expoziția permanentă a Galeriei Tretiakov prezintă, de asemenea, lucrări ale unor sculptori din anii 1920 și 30 precum M. D. Ryndzyunskaya , B. D. Korolev , B. Yu. Sandomirskaya , I. M. Chaikov , A. E. Zelensky , D. F. Tsaplin , A. G.

Marele Război Patriotic

Războiul, desigur, a devenit tema principală a acestui gen, deși sculptorilor le era mult mai dificil să lucreze în condiții de primă linie decât artiștilor sau fotografilor.

Cel mai comun gen de sculptură militară a fost portretul. A rezumat o perioadă eroică, dificilă. Vera Mukhina a fost cel mai activ maestru în crearea unei galerii de portrete a eroilor din timpul războiului. Ea a ieșit cu „lucrători ai bătăliilor”, evocând simpatie pentru lipsa patosului extern - („B. A. Yusupov”, 1942; „I. L. Khizhnyak”, 1942). Una dintre cele mai puternice lucrări ale ei este portretul generalizat „Partizan” (1942). Nikolai Tomsky creează un alt tip de portret eroic militar. Galeria sa sculpturală a Eroilor Uniunii Sovietice combină glorificarea clasică cu o caracterizare individuală apropiată ( M. G. Gareev , P. A. Pokryshev , A. S. Smirnov , I. D. Chernyakhovsky  - 1945-48).

Yakov Nikoladze interpretează tipul de portret militar în felul său - „Portretul lui K. N. Leselidze ” exprimă, în primul rând, individualitatea modelului, condiția, starea de spirit specifică. Evgeny Vuchetich a lucrat mult și în genul portretului. „El, parcă, prezintă în mod deliberat tipul de erou - comandantul învingător, apoi îl individualizează. În exprimarea măreției eroului - efectele compoziției bustului, designul său decorativ - principala calitate a imaginilor lui Vuchetich” [17] . Bustul său de Chernyakhovsky este notabil. Ivan Pershudchev ocupă un loc special în dezvoltarea portretului perioadei de război. Unul dintre puținii sculptori care au lucrat direct pe front (dintr-un atelier mobil într-un camion), a realizat portrete deosebit de specifice, de încredere ( M. V. Kantaria , M. A. Egorov , etc.).

Deși nu au fost construite monumente monumentale în acești ani grei, proiectarea a continuat. În 1941, a avut loc un concurs pentru un monument al generalului Panfilov (instalat ulterior în orașul Frunze). Câștigătorii au fost Apollon Manuilov , A. Mogilevsky și Olga Manuilova . Unul dintre cele mai remarcabile monumente este opera lui Vuchechich, un monument al generalului M. G. Efremov (Vyazma, ridicat în 1946), care este un grup de 5 cifre. În 1943-45, ansamblul sculptural „Triumful Victoriei” de Tomsky a fost amplasat pe podul autostrăzii Leningradskoye din Moscova - un tânăr și o fată, doi luptători (vezi Podul Victoriei ).

La sfârșitul anului 1945, din ordinul guvernului sovietic, a început ridicarea monumentelor în cinstea celor care au murit pentru eliberarea Europei de fascism. „ Liberator Warrior ” din Berlin Vuchetich a fost unul dintre primii care au deschis.

  • Monumentul lui Mihail Efremov din Vyazma

  • Podul Victoriei, Moscova

1945-1961

În anii postbelici, tendințele monumentale s-au intensificat în sculptură. Acest lucru a fost facilitat de publicarea unui decret guvernamental privind construirea monumentelor de bust de două ori Eroi ai Uniunii Sovietice și de două ori Eroi ai muncii socialiste pentru instalarea lor ulterioară în patria lor. Monumentul sculptural și monumentul-monument ca gen au devenit extrem de populare [18] .

Nikolai Tomsky , pe baza monumentelor de bust pe care le-a creat mai devreme, creează monumente pentru generalii Apanasenko (Belgrad, 1949) și Chernyakhovsky (Vilnius, 1950 - mutat la Voronezh). În ele, sculptorul combină o măsură de similitudine specifică cu modelarea generalizată, armonia sculpturii și a piedestalului arhitectural, claritatea și expresivitatea piedestalului. Yevgeny Vuchetich continuă să lucreze la busturi de eroi și monumente. A fost unul dintre primii care a început să creeze portrete ale eroilor muncii („Fermierul uzbec Nizarali Niyazov”, 1948), păstrându-și experiența de a lucra la un portret militar, obținând splendoare, recurgând la o compoziție eficientă. Juozas Mikenas a creat expresiv Monumentul celor 1200 de gardieni din Kaliningrad (1946) - două figuri avansate cu o siluetă dinamică clară, monumentul exprimă spiritul victoriei [18] .

Pe lângă monumentele eroilor de război și memoriale, au fost ridicate monumente ale personajelor istorice și ale personalităților culturale în anii 1950. În 1953, conform proiectului lui Serghei Orlov , a fost ridicat Monumentul lui Iuri Dolgoruky ; în 1958 - un monument lui Mayakovsky de către sculptorul Kibalnikov . Mihail Anikushin a creat un monument pentru Pușkin (1957), înfățișând poetul în ipostaza caracteristică a unui cititor; a fost sculptată de Alexander Matveev (1948-60), deși lucrarea a rămas neterminată, dar profunzimea pătrunderii în personaj, transferul unei stări complexe fac din această lucrare una dintre cele mai bune lucrări ale anilor postbelici [19] .

În anii 1940 și 50, sculptorii din generația mai veche, inclusiv Mukhina, au continuat să lucreze fructuos. Lucrarea sa monumentală cea mai de succes din acești ani este monumentul lui Ceaikovski de la Conservator, la care lucrează din 1945. Ea a participat și la finalizarea monumentului lui Gorki din Moscova, începută de Shadr - păstrând decizia lui Shadr, și-a introdus propria atitudine în proiect: libertatea plasticității, puterea formelor sculpturale, armonizate printr-un calcul constructiv precis.

După o pauză de 23 de ani, în 1945, sculptorul Serghei Konenkov s-a întors în patria sa . Opera sa programatică a fost „Omul eliberat” (1947): Samson rupe lanțurile, ridică mâinile într-un gest triumfător. „În imaginea unui gigant eliberat, sculptorul și-a întruchipat bucuria și mândria pentru oamenii care au câștigat victoria asupra fascismului” [20] . În 1949, a creat „Portretul celui mai bătrân fermier colectiv al satului Karakovichi I. V. Zuev” - consăteanul său și prietenul din copilărie. Sculptorul a făcut multe pentru dezvoltarea portretului anilor 1940 și 50, a adus în soluția portretului „o varietate plastică acut palpabilă, un excelent simț al materialului, cultură înaltă și sensibilitate în percepția personalității unui contemporan." Una dintre cele mai bune lucrări ale lui Konenkov este Autoportret (1954). În 1957, a fost primul dintre sculptorii sovietici care a primit Premiul Lenin.

Anii 1960-1980

Sculptura în perioada postbelică dezvoltată în cadrul temei eroismului soldaților și victimelor celui de-al Doilea Război Mondial. Locul central era ocupat de un monument-ansamblu, un memorial. A fost tipul arhitectural și sculptural complex al monumentului care se potrivea cel mai bine expresiei temei victoriei asupra morții, umanismul. În plus, cu cât trec mai multe generații, cu atât caracterul figurativ al monumentului devine mai important [21] .

Memoriale

În toată lumea au fost ridicate monumente. Complexe memoriale au fost create în fostele lagăre ( Auschwitz , Buchenwald , Sachsenhausen , Majdanek , Mauthausen , Ravensbrück ), câmpuri de luptă (Volgograd, Brest, abordări spre Moscova). Complexele au fost ridicate în URSS și în străinătate ( Parcul Treptow din Berlin - sculptorii Evgeny Vuchetich și Yakov Belopolsky ; un monument al generalului Karbyshev la Mounthausen  - sculptorul Vladimir Tsigal ) [22] .

Dacă ideea monumentului este determinată de peisajul înconjurător, atunci el devine personajul principal, care nu are nevoie de structuri suplimentare. Aceasta este atitudinea față de chiar locul evenimentelor, ca monument - în Babi Yar (Kiev), Centura Verde a Gloriei de lângă Leningrad [22] .

Complexul memorial include adesea un muzeu (de exemplu, în clădirile supraviețuitoare). Aceasta este Cetatea Brest , un monument al eroilor bătăliei de la Stalingrad pe Mamaev Kurgan (sculptorul E. Vuchetich). Există monumente memoriale concepute pentru muzeu ca element principal al soluției compoziționale - cimitirul Piskarevsky (sculptorii Vera Isaeva , Robert Taurit ), ansamblul memorial din Salaspils (1969, sculptorii Lev Bukovsky , Janis Zarins , Oleg Skarainis ; arhitecții Gunars Asaris , Oleg Asaris). Zakamenny , Ivars Strautmanis , Olgerts Ostenbergs ). Spațiul naturii de aici este combinat cu volume arhitecturale și sculpturale - repere. Monumentul din satul Pirchupis (1960, Gediminas Iokubonis)  a fost realizat după același principiu. Complexul Khatyn din Belarus rezolvă problema într-un mod diferit - ca exemplu al transformării complexe a rămășițelor unui sat ars într-un memorial.În toate exemplele, sculptura joacă un rol uriaș.Criticii de artă sovietici au considerat acest meterez al structurii monumente-memoriale ca o nouă etapă modernă a planului de propagandă memorială al lui Lenin [22] .

  • Salaspils

  • Cimitirul Piskarevsky

  • Khatyn

Sculptură de șevalet

În sculptura din anii 1960 și 70, maeștrii sculpturii de șevalet au jucat un rol important. Pentru noua lor generație, precum și pentru pictori, sarcina principală a fost să scape de clișeele și stereotipurile figurative, ilustrația pompoasă de paradă. Tema a fost viața în ciocniri dramatice. Dezvoltarea noilor tendințe ideologice a fost însoțită de noi căutări ale unui limbaj expresiv [23] .

Această generație este reprezentată de Tatyana Sokolova , care afirmă specificul volumetric și spațial al sculpturii. Ea studiază moștenirea maeștrilor seniori, în special, A. T. Matveev. O atmosferă specială de romantism este creată de capacitatea de a discerne marele în mic, de zi cu zi. În anii 1970, Sokolova, ca și alți sculptori din acea vreme, a început să lucreze într-o varietate de materiale; folosește și o mare varietate de soluții. Extinde ideea posibilităților sculpturii. Aceasta este compoziția ei din cupru forjat „ Maternitatea ” (1970), „Trocotarea” (1966). Ea introduce o natură moartă în sculptură – „Natura moartă cu pisică” (1973-74), liric și grotesc în același timp. Acesta este portretul ei [23] .

Adelaide (Alla) Pologova a adus o contribuție importantă la dezvoltarea imaginilor sculpturii sovietice. Ea studiază și înțelege tradițiile lui Matveev, completând individualitatea ei. Romantismul crește treptat. Este binecunoscută compoziția „Maternitatea” (1960), cu o generalizare monumentală caracteristică vremii, dar și cu dorință de semnificație internă. Tendința ei lirică se remarcă în faianța Băiatul de care nu se tem păsările (1965). Relație dramatică cu lumea - în „Băieți (Alyosha și Mitya)” (1973). Lucrarea lui Sokolova și Pologova reflectă evoluția întregii generații de sculptori care au intrat în lucrare în anii 1950: ei încep cu o percepție romantizată a vieții, admirație pentru eroismul dur, apoi trec la o interpretare pur personală, dramatic expresivă. a impresiilor de viață [23] .

Dmitry Shakhovskoy a sculptat cu aceeași dispoziție. „Pescarii din Kamchatka” (1959) este marcat de un program monumental generalizat de „stil sever”, iar compoziția ulterioară „Pâine” (1971) este complexă și dramatică. Nina Zhilinskaya se distinge prin aceleași trăsături caracteristice („Conversația despre artă”, „Portretul lui A. Zelensky”), precum și Iuri Alexandrov („ Geologul Doinikov ”, relief „Simbolurile artei” pentru teatrul din Saratov) [23] ] .

Daniel Mitlyansky s -a arătat ca un maestru subtil al sculpturii narative lirice. Apoi a creat una dintre cele mai dramatice sculpturi sovietice - „A 12-a Brigada Internațională merge pe front” (1969). Limbajul său pictural se caracterizează nu prin volum, ci prin linie, siluetă, juxtapunerea ascuțită a planurilor. Materialul lui preferat este tabla de cupru. Lucrarea „Fizica. Profesori și elevi ”(1966-67) reflectă realitatea în mod concret, are reportaj. Analizând personajele, el afișează relația de generații. În grupul „Opt martie în ferma de stat de creștere a renii din Kamchatka” (1973), obiectul nu este o persoană, ci mediul spațial înconjurător [23] .

Alți doi se remarcă printre sculptorii moscoviți - Oleg Komov și Yuri Chernov . Au lucrat în diferite genuri și au folosit cu pricepere realizările sculpturii moderne. Sculptorul leton Lea Davydova-Medene a realizat portrete în care o generalizare largă se îmbină cu o caracterizare ascuțită a personajelor [23] .

În general, sculptorii care au apărut la sfârșitul anilor 1950 și începutul anilor 1960 s-au caracterizat de-a lungul vieții prin „dorința persistentă de a formula în imaginile artei valori spirituale și estetice profunde care să corespundă bogatei vieți spirituale a omului modern” [23]. ] .

Artă neoficială

Federația Rusă

În noua perioadă, sculptorii onorați și populari care s-au dezvoltat și și-au câștigat o reputație în epoca sovietică continuă să lucreze:

La sfârșitul secolului al XX-lea - începutul secolului al XXI-lea, creativitatea lui Roman Shustrov , un sculptor și păpușar sovietic și rus de forme mici, a înflorit. El este creatorul imaginilor sculpturale ale „Petersburg”, „Lyubashinsky” și „Sad Angels”, cunoscute pe scară largă în Sankt Petersburg și Rusia, care sunt adesea numite noi mascote și simboluri ale orașului de pe Neva de către mass-media . Se crede că Roman Shustrov a stat la originile sculpturii de păpuși din Rusia și Leningrad, comunitatea de păpuși din Rusia și Leningrad. Lucrările sale sunt realizate într-o tehnică arhaică folosind materiale naturale [24] [25] .

Vezi și

Note

  1. ↑ Imaginea presupusului idol al lui Perun (cu mustaciu și stând pe un nor) este gravată pe un lot divinator din os de la Staraya Ladoga : Chernov A. Perun și Odin: Trei loturi păgâne din Staraya Ladoga
  2. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 14 15 16 17 18 19 20 21 50 51 52 53 54 55 56 57 58 59 60 61 62 63 Kaganovici, 1966 , p. 1-17.
  3. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 14 15 16 17 18 19 20 21 1 _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 98 100 101 102 103 104 105 106 106 107 108 109 110 111 112 114 114 115 116 117 118 118 120 121 122 123 124 125 126 127 128 129 130 131 132 133 134 135 137 138 139 140 141 142 143 145 146 147 148 148 149 149 150 151 152 153 154 155 156 157 158 159 160 161 162 163 Monumentul a fost ales ca ilustrație pentru acest articol conform antologiei Sculptura Rusă. Lucrări alese. Comp. A. L. Kaganovici. Ed. „Artist sovietic”. L.-M., 1966 , ales pentru a determina cel mai semnificativ dintre monumentele rusești supraviețuitoare.
  4. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 Ilustrația a fost folosită pentru a ilustra articolul ca analog cu cel menționat în antologie, dar fără fotografie gratuită. După apariția celor menționate, se recomandă ștergerea.
  5. ↑ Barseghyan T.V. Imaginea sculpturală miraculoasă a călugărului Nil din Stolobensky // Schitul Nilo-Stolobenskaya. Noi descoperiri. Din istoria Mănăstirii Spaso-Andronikov . La 60 de ani de la înființarea muzeului și la 50 de ani de la deschiderea expoziției sale. Rezumat de articole. Comp. T. V. Barseghyan: Culegere de articole. - M . : Editura Universității din Moscova: „Știri”, 2010. - Nr. 4 (4786) . - S. 86-91 . — ISBN 978-5-2110-5765-4 .
  6. ↑ Startseva Yu. V. , Popov I. V. Fenomenul centrului militar. Paraskeva Pyatnitsy în Ilyeshy  // Gazeta Eparhială Sankt Petersburg: Jurnal. - 2001. - Nr. 25 . - S. 91-96 .
  7. ↑ Serebrennikov N. N. Perm sculptură din lemn. - Perm: Editura de carte Perm, 1967. - S. 19. - 100 p. — 28.000 de exemplare.
  8. ↑ Sculpturi ale studentei ruse Rodin vor fi expuse în Galeria Tretiakov pentru aniversarea a 150 de ani // RIA Novosti
  9. ↑ 1 2 Yakhont O.V. Probleme de examinare a sculpturii de avangardă rusă din anii 1900-1920
  10. ↑ Sarabyanov, 1979 , p. 305.
  11. ↑ Reconstrucția expoziției Obmahu din 1921 // Galeria de stat Tretiakov (rezumat)
  12. ↑ Kholmogorova O. V. Art născută în octombrie. Poster, portelan, textile. — M.: Vneshtorgizdat, 1987./>
  13. ↑ Sarabyanov, 1979 , p. 293-298.
  14. ↑ 1 2 Sarabyanov, 1979 , p. 317-319.
  15. ↑ 1 2 3 4 5 6 Sarabyanov, 1979 , p. 322-323.
  16. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 Sarabyanov, 1979 , p. 328-331.
  17. ↑ Sarabyanov, 1979 , p. 343-344.
  18. ↑ 1 2 Sarabyanov, 1979 , p. 354.
  19. ↑ Sarabyanov, 1979 , p. 355.
  20. ↑ Sarabyanov, 1979 , p. 356.
  21. ↑ Sarabyanov, 1979 , p. 370.
  22. ↑ 1 2 3 Sarabyanov, 1979 , p. 370-371.
  23. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 Sarabyanov, 1979 , p. 371-373.
  24. ↑ Shulga Ya . Sculptorul Roman Shustrov: „În aceste locuri aerul este contaminat”. . Teatrul Tineretului de pe Fontanka. Data accesului: 30 aprilie 2022.
  25. ↑ Kurshuk E. Creatorul Îngerului din Petersburg a vorbit despre cum să faci un miracol dintr-un ziar  // Jurnal Petersburg  : Ziar. - 2017. - 3 februarie ( Nr. 132 ). — ISSN 1992-8068 .

Literatură

  • Istoria artei ruse și sovietice / Ed. D. V. Sarabyanova . - M . : Liceu, 1979.
  • sculptura ruseasca. Lucrări alese / Comp. A. L. Kaganovici . - L.-M .: Artist sovietic, 1966. - S. 1-17.
  • Ermonskaya V. V., Netunakhina G. D., Popova T. F. Sculptura memorială rusă - 1978
  • Kozhevnikov R. F. Monumente sculpturale din Moscova - 1983
  • Lisaevich I. I., Bekhter-Ostrenko I. Yu. Sculptura din Leningrad - 1963
  • Shaposhnikova L. P., Karpova E. V. Teracota rusă din epoca clasicismului - 1986
  • Yakhont O. V. Sculptura sovietică / M . : Educație, 1973. - 216 p.
sculptură în lemn
  • Sobolev N. N. sculptură populară rusă în lemn, 1934
  • Mihail Alpatov. Despre sculptura populară rusă // Studii despre istoria artei ruse . 1967
  • Despre sculptura rusească în lemn a lui Veliky Ustyug
  • Pomerantsev, N. Sculptură rusească în lemn. M., 1967
  • Serebrennikov N. N. „Sculptură din lemn Perm”. Editura Perm Book, 1967
  • Chekalov A. K. Sculptură populară din lemn a nordului rus M., Art, 1974
  • Arta regiunii Kama. Sculptură în lemn Perm / Comp. O. M. Vlasova; ed. introducere. Artă. A. S. Kantsedikas. - Cartea de perm. Editura, 1985.
  • Catapeteasme sculptate și sculptură în lemn a Nordului Rusiei : Catalogul expoziției / Ed. T. M. Koltsova, autor. introducere. Artă. N. V. Maltsev - Arhangelsk - M., 1995.
  • Se man. Sculptură europeană în lemn. Catalogul expoziției / Muzeul Pușkin im. A. S. Pușkin, Stat. muzee din Berlin, statul Perm. artistic galerie, Stat. Schitul - M., Galart, 1999.
  • Sokolova I. M. Sculptura rusă în lemn din secolele XV-XVIII. Catalog: M., Muzeul-Rezervație de Stat Istoric și Cultural „Kremlinul din Moscova”. 2003
  • Burganova M. A. Sculptură sacră rusă. M., 2003
  • Arborele Viu. Sculptură rusească din lemn din cele mai vechi timpuri până în secolul al XX-lea. Catalogul expoziției. Milano, Electa, 2006 / Ed. A. V. Ryndina, G. V. Sidorenko, Carlo Pirovano.
  • Sculptură veche rusească: Colecția științifică / MGM „Casa lui Burganov”; comp. Ryndina A. V., Burganova A. M.; resp. ed. Burganova A. M.; științific ed. Ryndina A. V. - Vol. 5: Vest - Rusia - Est. Dialogul culturilor. - M., 2008

Link -uri