Arta optică

Versiunea actuală a paginii nu a fost încă examinată de colaboratori experimentați și poate diferi semnificativ de versiunea revizuită la 29 ianuarie 2020; verificările necesită 5 modificări .

Artă optică ; o versiune prescurtată a op art (din limba engleză  optical art  „optical art”) este o mișcare artistică din a doua jumătate a secolului al XX-lea care folosește diverse iluzii optice [1] bazate pe percepția figurilor plate și spațiale. Lucrările de artă op sunt abstracte, multe dintre cele mai faimoase piese sunt în alb-negru. În mod obișnuit, ele oferă privitorului impresia de mișcare, imagini ascunse, modele intermitente și vibratoare sau umflare sau deformare.

Istorie

Curentul continuă linia raționalistă a tehnicismului (un tip de modernism ). Se întoarce la așa-numitul abstractionism „geometric” , al cărui reprezentant a fost Victor Vasarely (din 1930 până în 1997 a lucrat în Franța ), fondatorul op art.

Direcția op art (arta optică) și-a luat naștere în anii 50 în cadrul abstracționismului , mai precis, varietatea sa - abstracția geometrică . Distribuția sa ca curent datează din anii 60. Secolului 20

Primele experimente în domeniul Op-art datează de la sfârșitul secolului al XIX-lea . Deja în 1889, în anuarul „Das neue Universum”, a apărut un articol despre iluziile optice ale profesorului german Thompson (Thompson), care, folosind cercuri concentrice alb-negru, a creat impresia de mișcare într-un avion: roțile în Desenele lui Thompson „se învârt” și cercurile „sclipesc” . Dar a fost mai mult un studiu științific al trăsăturilor viziunii decât artă .

În 1955, ea a expus op art în galeria sa Denis Rene din Paris . Dar Op-art a câștigat faima mondială în 1965 după expoziția din New York „ The  Responsive Eye ” din Muzeul de Artă Modernă [2] [3] . Expoziția a fost foarte apreciată de publicul larg (prezenta a depășit 180.000 de persoane) [4] .

La expoziția „Arte-Fiera-77”, desfășurată în 1977 la Bologna , au fost expuse din abundență lucrările artiștilor din această direcție - Victor Vasarely , Ennio Finzi și alții. Nu este neobișnuit ca artiștii Op art să se unească și să interpreteze incognito: grupul N. ( Padova ), grupul T. ( Milano ), grupul Zero ( Düsseldorf ), grupul de căutare de artă vizuală condus de Victor Vasarely, care a dat impuls inițial la mișcarea Op Art.

Iluzii optice

Arta optică este arta iluziilor vizuale, bazată pe trăsăturile percepției vizuale a figurilor plate și spațiale. O iluzie optică este prezentă inițial în percepția noastră vizuală: imaginea există nu numai pe pânză, ci în realitate atât în ​​ochi , cât și în creierul privitorului.

Iluziile optice ajută la detectarea unor modele de percepție vizuală, așa că psihologii le-au acordat o atenție deosebită . Testele vizuale pe care le-au conceput au fost de natură experimentală. Atunci când percep obiecte reale , iluziile apar rar. Prin urmare, pentru a dezvălui mecanismele ascunse ale percepției umane , a fost necesar să se pună ochiul în condiții neobișnuite, să-l forțeze să rezolve sarcini non-standard. Eșantioane grafice experimentale create, de exemplu, de școala de psihologie Gestalt , au condus la formularea unor reguli conform cărora se derulează procesul de percepție vizuală.

Bridget Riley

Artiștii au profitat de aceste descoperiri în felul lor. Luați în considerare, de exemplu, Streamul lui Bridget Riley (1964). Întreaga sa suprafață este acoperită cu linii subțiri ondulate. Spre mijloc, curbele devin mai abrupte, iar aici apare aspectul unui curent instabil care se desparte de plan.

Începând cu 1965, Bridget Riley a început să producă op art bazat pe culoare [5] . În lucrarea ei „Cataracta-III”, 1967, este creat efectul mișcării valurilor. În cealaltă compoziție alb-negru a lui Riley, Straight Curvature (1963), cercurile deplasate în centru și străbătute de linii întrerupte creează efectul unei spirale serpuitoare tridimensionale. În „Fragment No. 6/9” (1965) al aceluiași artist, discuri negre împrăștiate pe un plan dau naștere unui salt în imagini succesive care dispar și reapar instantaneu.

Op artă și percepție

Sarcina op-art-ului este de a înșela ochiul, de a-l provoca într-o reacție falsă, de a evoca o imagine „inexistentă”. O configurație inconsistentă din punct de vedere vizual creează un conflict de nerezolvat între forma reală și forma vizibilă. Op art contracarează în mod deliberat normele percepției umane. Cercetările psihologilor au arătat, de exemplu, că ochiul tinde întotdeauna să organizeze pete împrăștiate aleatoriu într-un sistem simplu ( gestalt ). În pictura optică, dimpotrivă, elemente simple de același tip sunt dispuse astfel încât să dezorienteze ochiul și să prevină formarea unei structuri integrale.

Astfel, în tabloul lui Victor Vasarely „Tau Zeta” (1964), pătratele și romburile sunt rearanjate continuu după tiparul literelor grecești, dar niciodată unite într-o anumită configurație.

Într-o altă lucrare a lui Vasarely - „Supernova” (1959-1961), două forme identice contrastante creează senzația unui fulger în mișcare, grila care acoperă suprafața se separă și îngheață după un timp, iar cercurile înscrise în pătrate dispar și reapar la diferite puncte. Planul pulsează continuu, uneori rezolvându-se într-o iluzie instantanee, alteori închizându-se din nou într-o structură continuă. Titlul picturii se referă la conceptul de explozii de energie cosmică și la nașterea supernovelor. Suprafețele care oscilează continuu ale imaginilor „supersenzoriale” duc percepția într-o fundătură, provoacă șoc vizual.

Aparatul nervos al privitorului a fost lovit în mod deosebit la acele expoziții în care erau expuse sisteme luminoase, luminoase, reflectorizante și strălucitoare. Vizitatorii lor au reacționat la „iluzia artistică” cu amețeli și leșin.

Aici ar trebui să ținem cont de o regularitate în evoluția modernismului. Respingând în mod constant cele mai înalte metode de idealizare artistică și implementare figurativă a materialului (conținut ideologic, intriga narativă sau alegoric, imaginea însăși, în sfârșit), tendințele avangardiste au coborât simultan nivelul reacțiilor publicului. Deci, în percepția picturii cu abstractizare geometrică (conform unei alte terminologii - „pictura concretă”), participă doar ideea unei ordini vizuale formale. Plecând de la aceste principii „matematice”, noua generație de concretiști a respins și forma. Un reprezentant de seamă al artei operaționale, Jesús-Raphael Soto , care anterior era pasionat de neoplasticismul lui Mondrian, a spus: „Nu accept chiar cuvântul „plastic”. Mereu am fost împotriva artei „neoplazice” și știu că Mondrian însuși a fost de aceeași părere. Plasticul presupune forma. Dar sunt împotriva formei. Nu am crezut niciodată în existența unor relații plastice între forme” [6] .

Acesta este modul în care op art s-a ciocnit cu schemele primare, de la bază, în mecanismul percepției umane. Reacția forțată a ochiului la o gestalt nenaturală este reflexivă, ca reacția unui deget la o arsură. Interpretarea conștientă este exclusă aici. Iluzia apare automat ca urmare a unei defecțiuni a aparatului vizual. Vasarely , cel mai proeminent reprezentant și teoretician al acestei direcții, scria: „Nu ne bazăm pe inimă, ci pe retină; datele sofisticate ale subiectului sunt incluse în experimentul psihologic. Contraste ascuțite alb-negru, vibrații insuportabile ale culorilor suplimentare, pâlpâirea grilelor ritmice și a structurilor în schimbare, cinetismul optic al componentelor plastice - toate fenomenele fizice sunt prezente în lucrările noastre; de acum înainte, rolul lor nu este să facă o minune, să nu ne cufunde într-o dulce melancolie, ci să stimuleze, să trezească în noi bucurii sălbatice” [7] .

„Visual Art Research Group” (o asociație a artiștilor de artă optică și cinetică) scria în manifestul său Enough Hoaxes (1961): „Nu ar trebui să mai existe lucrări exclusiv pentru: ochiul cultivat, ochiul sensibil, ochiul intelectual, ochiul estetic, ochiul amator. Ochiul uman este punctul nostru de plecare” [8] .

Sub „ochiul uman” ne referim la reacțiile tipice ale psihicului, pe baza cărora apar iluzii. Astfel de iluzii sunt într-adevăr de natură universală și nu depind de conștiința individuală, cultura, credințele și gusturile individului. În acest sens, creațiile Op art sunt publice. În plus, multe lucrări din această direcție, datorită formei elementare și a costului scăzut al materialelor (hârtie, diferite tipuri de materiale plastice), sunt ușor de reprodus în industrie. Din aceste motive, artiștii erau mândri de democratismul artei lor. Astfel, Vasarely a scris: „Scopul meu este să introduc conștiința plastică în viața de zi cu zi. Lucrările mele oferă asistență socială prin excelență” [9] .

Reprezentanții Opart au susținut că lucrările lor încurajează privitorul să participe activ la creativitate, deoarece ochiul însuși generează o formă, transformă „materia” picturii în „energia” unei imagini vizibile [10] . În aceasta, op-art-ul se îmbină cu arta de masă: apropierea de formele spectacolelor și atracțiilor de masă este evidentă în special în structurile spațiale ale op-art-ului: sisteme rotative, strălucitoare, în continuă schimbare, planuri și volume în mișcare și sclipitoare. Descoperirile din această zonă de Jacob Agam , Jesus-Rafael Soto , Carlos Cruz-Dies , Julio Le Parc , Joel Steen , Jeffrey Steele și alții au fost ulterior utilizate cu succes în designul discotecilor, expozițiilor comerciale, spectacolelor de lumini și sunet și alte evenimente de masă. .

Obiectele se pot mișca de fapt cu sau fără forță mecanică. Telefoanele mobile care se mişcau fără forţă mecanică au fost inventate de A. Rodcenko , iar câţiva ani mai târziu îmbunătăţite de americanul A. Calder . Sculpturile sale sunt compoziții abstracte care se mișcă datorită vibrațiilor aerului. I. De Soto era interesat de efectele optice . În lucrările sale, astfel de efecte se obțin prin suprapunerea unui strat peste altul. De exemplu, două desene pe sticlă organică cu un spațiu între ele. Ele par să fuzioneze într-un spațiu nou. Mai târziu, Soto a început să experimenteze liniile așezate între ecrane.

Vasarely a fost cel mai proeminent reprezentant al lui opart atât datorită amplorii lucrării sale, cât și a caracterului complet logic al metodei sale. El a explorat impactul acestei arte și aplicațiile ei în arhitectură și design, ceea ce a dus la înflorirea artei operaționale în publicitate și design , până la punctul în care a fost chiar în pericol de a deveni artă aplicată .

Pentru a obține efecte optice externe, op-artiștii folosesc materiale care nu au legătură cu pictura (metal, sticlă, plastic), dar au o suprafață reflectorizantă. Același scop i-a determinat pe artiști să folosească posibilitățile expresive ale țesăturii și materialelor transparente - o metodă preferată de publicitate și tipărire, șocantă și obținând rezultate imediate. În același spirit, va funcționa și generația de artiști născuți între 1925 și 1930 , a căror activitate este asociată în principal cu anii 1960 - ei sistematizează descoperirile anterioare și multiplică domeniile de aplicare a Op Art în viața de zi cu zi. Începând cu efectele optice pe planul imaginii, ei se vor strădui să-și sistematizeze soluțiile compoziționale ( Debourg Garcia-Rossi , Sobrino Le Parc , Demarco Morelle ) și să obțină efecte irizate ( Morelle , Soto, Stein ); unii dintre ei își vor îndrepta căutarea către cinetism ( Agam Cruz , Diaz Soto , Ivaral Vardanega , Martha Botho ).

Op art capătă treptat un caracter internațional, se formează grupuri întregi de artiști în diferite țări: în Italia ( Alviani De Vecchi , Colombo Mari ), Spania ( Duarte Ibarrola ), Germania ( Hacker Mac Gravenitz ), Elveția ( Talman Gerstner ), URSS ( Viaceslav Koleichuk ). Rețineți că în Statele Unite, criza abstractizării dă naștere hard edge și minimalism , care au fost cauzate de aceleași nevoi estetice. Aceste mișcări aparțineau tradiției Bauhaus și Mondrian . Lucrarea lui Joseph Albers , care a studiat la Bauhaus și a plecat în Statele Unite , va deveni baza acestui fenomen. Lucrările lui Ellsworth Kelly și Kenneth Noland sunt apropiate de op art, în care introduc un atribut indispensabil al artei americane - gigantism . Sculptura lui Tony Smith , Donald Judd și Robert Morris s-a dezvoltat și ea în această direcție . Dar curând toți acești artiști au simțit nevoia unei „găuri” care se deschide în spațiul cosmic: Cruz Diaz experimentează cu efecte de culoare și atinge „saturația uniformă” a acestora, Soto caută să le adâncească, iar Agam caută să  le atingă ușurarea. Deci, voluntar sau involuntar, și poate datorită propriilor lor descoperiri, op arta este legată imperceptibil de cinetism .

Posibilitățile Op-art și-au găsit o anumită utilizare în grafica industrială , afișe și artele decorative .

Reprezentanți

Note

  1. ↑ Artspeak, Robert Atkins, ISBN 978-1-55859-127-1
  2. ↑ Seitz, William C. The Responsive Eye (catalogul expoziției  ) . — New York: Muzeul de Artă Modernă, 1965.
  3. ↑ Muzeul de Artă Modernă (25 februarie 1965). Ochiul receptiv . Comunicat de presă . Arhivat din original la 26 ianuarie 2019. Preluat 2019-06-09 .
  4. ↑ Gordon Hyatt (scenarist și producător), Mike Wallace (prezentator). The Responsive Eye [producție de televiziune]. Columbia Broadcasting System, Inc. Arhivat pe 9 noiembrie 2019 la Wayback Machine (disponibil pe YouTube în trei secțiuni.)
  5. ↑ Hopkins, David After Modern Art 1945-2000 147. OUP Oxford (14 septembrie 2000). Consultat la 5 noiembrie 2017. Arhivat din original la 19 august 2020.
  6. ↑ Barrett, 1970 , p. 151.
  7. ↑ Barrett, 1970 , p. 148.
  8. ↑ Barrett, 1970 , p. 104.
  9. ↑ Barrett, 1970 , p. 108.
  10. ↑ Barrett, 1970 , p. 103.
  11. ↑ Proprie. corr. Clasici ale artei operaționale premiate în Țările de Jos Arhivat 5 martie 2016 la Wayback Machine // artchronika.ru. - 2012. - 7 septembrie.

Literatură

in rusa în alte limbi

Link -uri


  Accesați articolul Wikidata  Dicționare și enciclopedii
În cataloagele bibliografice