| Înalta Renaștere | |
|---|---|
| Anterior în ordine | Renașterea timpurie |
| Urmează în ordine | manierism |
| data începutului | 1494 |
| data expirării | 1527 |
| Fișiere media la Wikimedia Commons | |
Înalta Renaștere este o perioadă din istoria Renașterii italiene , ale cărei limite sunt determinate de la sfârșitul anilor 1490 până în primul sfert al secolului al XVI-lea, marcată de un eveniment tragic: jefuirea Romei ( italian Sacco di Roma ) . ) în 1527 de către landsknechts ai împăratului Carol al V-lea. Această scurtă perioadă se caracterizează printr-o bogăție extraordinară a vieții artistice, crearea multor capodopere de către maeștrii arhitecturii, picturii și sculpturii din Roma. În Orașul Etern s-au dezvoltat condițiile unice pentru contaminarea organică a formelor de artă antică și a noii concepții creștine asupra lumii ( italiană: La vita nuova ) [1] . Acest lucru s-a datorat parțial patronajului papilor proeminenti Iulius al II-lea della Rovere (1503-1513) și Leon al X -lea (1513-1521) din familia Medici . Pontificii și patronii romani din cercul lor au reușit să-i atragă să lucreze în Vatican cam în același timp pe cei mai importanți artiști ai Renașterii italiene: Leonardo da Vinci (1513-1515), Raphael Santi (1508-1520) și Michelangelo Buonarroti ( din 1534).
Denumirea „Înalta Renaștere” ( germană Hochrenaissance ) a apărut pentru prima dată în limba germană la începutul secolului al XIX-lea ca un derivat al conceptului de „stil înalt” în pictură și sculptură, introdus de Johann Joachim Winckelmann [2] .
Este de remarcat faptul că în istoria artei italiene nu există un astfel de termen, în schimb se folosește o definiție cronologică: cinquecento ( italian cinquecento - cinci sute de ani).
Conform modelului tradițional de istorie a artei propus de florentinul Giorgio Vasari , Înalta Renaștere a fost considerată o explozie a geniului creator, când și artiști mai mici precum Fra Bartolomeo sau Mariotto Albertinelli au creat opere de artă care sunt încă foarte apreciate pentru armonia lor compozițională. si tehnica impecabila. Ideea artistică principală: traducerea ( termenul lui E. Panofsky ) a imaginilor antice într-un cadru modern. Fondatorul iconologiei A. Warburg a numit folosirea secundară a imaginilor „transpunere istorică”, „migrare a imaginilor” sau „continuare a vieții antichității” ( germană: Nachleben der Antike ). O astfel de metodă generează diverse feluri de „convergență, reflecție și variabilitate a semnificațiilor”, care aprofundează conținutul imaginii artistice și, în același timp, îi conferă contextualitate [3] .
Potrivit lui G. Vasari, „natura este un model, iar străvechii o școală” [4] . Astfel, în compoziția lui Rafael „ Școala din Atena ” (1509-1510) este prezentată o colecție de filosofi antici și artiști contemporani. G. Wölfflin a folosit definiția „artei clasice” în raport cu această perioadă, respectiv și-a intitulat cartea: „Arta clasică. O introducere în studiul Renașterii italiene” (Die klassische Kunst. Eine Einführung in die italienische Renaissance, 1899).
Termenul de „artă clasică” a apărut în a doua jumătate a secolului al XVII-lea în Franța în legătură cu formarea direcției artistice și a esteticii corespunzătoare la curtea regelui Ludovic al XIV-lea . Pentru apariția acestei tendințe și opoziția ei cu arta stilului baroc a fost necesară o distanță istorică semnificativă. Actualizarea conceptului de „clasic” în raport cu arta secolului al XVI-lea a avut loc în cadrul discuției „ Despre vechi și nou ”, în special în lucrarea lui Roland Freard de Chambray „Paralele de arhitectură, antic și modern” (Parallele de l'Architecture Antique et de la Moderne). Pictorul francez al „Stilului Mare” Charles Lebrun a interpretat opera contemporanului său N. Poussin ca o continuare firească a „stilului ideal” al lui Rafael. În disputa dintre „poussiniști” și „rubeniști”, susținătorii primilor au făcut apel nu numai la antichitate, ci și, referindu-se la I. I. Winkelmann , la „imitarea modelelor de sculptură și arhitectură antică” în opera lui Rafael „ ca maestru renascentist cel mai apropiat de antichitate” [ 5] .
Termenul „clasic” în legătură cu arta plastică a Înaltei Renașteri de la începutul secolului al XVI-lea în legătură cu opera lui Rafael Santi la Roma a fost menționat în prelegerile din 1918 de remarcabilul istoric de artă austriac Max Dvorak , legându-l cu creația. de „tipuri ideale” de către artist, subliniind că baza unui stil fundamental nou clasicist al lui Rafael a fost pusă, „în primul rând, belezza, frumusețe”, iar în al doilea rând „maniera grande” (maniera mare), adică „maniera mare”. ”: analogul italian al termenului francez ( fr. Grand Manière ) - numele stilului Louis XIV a doua jumătate a secolului al XVII-lea. „Maniera grande” de la începutul secolului al XVI-lea, potrivit lui Dvorak, înseamnă „nu doar o viziune mai largă asupra formelor, ci și un mod de gândire sublim: personajele portretizate ar trebui să arate ca purtători ai unei ființe superioare datorită întregului lor aspect. De aici poziția lor impunătoare, gesturile lor expresive, care doar în unele cazuri arată teatral și care, în conformitate cu spiritul general de solemnitate inerent imaginii, sunt întotdeauna justificate nu numai exterior, ci și interior... Astfel, acest stil, aparent, provine complet dintr-o tradiție lungă - și totuși era ceva complet diferit de ea. Stilul lui Rafael, rezumă Dvořák, este condiționat de „un ideal armonic și un relativism artistic închis în sine” [6] .
În prezent, denumirea de „Înalta Renaștere” este percepută de istoricii de artă , în cea mai mare parte, cu scepticism datorită inevitabilei simplificări a înțelegerii dezvoltării artei pe baza doar criteriilor cronologice, precum și ignorării contextului istoric și cultural și concentrându-se doar pe câteva lucrări alese, cele mai semnificative, de aceea este considerată ca un concept conservator [7] . Această perioadă de timp este, de asemenea, caracterizată ca una dintre mai multe abordări posibile ale artei care pot fi interpretate ca conservatoare [8] ; ca „o nouă percepție a frumosului” [9] ; ca sinteză a ideilor eclectice asociate cu moda literară din acea vreme [10] ; ca „noi interpretări și semnificații ale imaginilor” [11] .
Pe lângă cea cronologică, se propune o definiție stilistică : „clasicismul roman”, care presupune o definire a trăsăturilor artistice ale operelor de artă create în această perioadă [12] . Cu toate acestea, sintagma „clasicism roman” este folosită în relație cu poezia romană antică a „epocii de aur” a împăratului Octavian Augustus [13] . Cu toate acestea, bazele viitoarei opoziții stilistice „clasicism – baroc” au fost puse tocmai la începutul secolului al XVI-lea la Roma. Prin urmare, definiția „clasicismului roman al secolului al XVI-lea” este mai exactă. Deci, de exemplu, M. Dvorak, în definițiile sale, s-a bazat pe definițiile calităților „noii forme de artă”, „natura clasică a artei din Cinquecento”, expuse în lucrarea lui G. Wölfflin „Arta clasică”. ” (1899):
Această tradiție a fost continuată de V. N. Grashchenkov , desemnând perioada Înaltei Renașteri la Roma cu termenul de „stil clasic” [15] [16] , precizând că tocmai în perioada romană a operei artistului „locul lui Rafael cel clasic a fost luat de Rafael clasicistul” [17] .
Termenul de „clasicism roman” sau pur și simplu „clasicism” este folosit în tradiția vest-europeană în relație cu un alt creator principal al acestui stil - pictorul și arhitectul Donato Bramante [18] [19] [20] [21] . Aplicarea termenului de „clasicism” epocii amintite este dedicată secțiunii lucrării lui B. Bressa „Definiția „clasicilor”: întoarcerea” clasicilor „la normal” [22] .
În ceea ce privește viziunea asupra lumii, stilul clasicismului roman se bazează pe o combinație conștientă, programatică, de imagini artistice ale păgânismului și creștinismului, forme clasice de artă antică și idealuri umaniste ale noii culturi renascentiste, „trecut și prezent” [23] .
Arta acestei perioade se remarcă prin claritatea și completitudinea clasică a ideilor și forma artistică, orientată spre tradiția antică. Pe exemplul lucrărilor de la Vatican ale lui Michelangelo și Rafael, se pot evidenția trăsăturile cheie ale artelor plastice ale Înaltei Renașteri - scale ambițioase combinate cu complexitatea ridicată a compoziției, studiul atent al corpului uman, referințe iconografice și artistice la clasicul antichitate [24] .
La începutul secolelor XV-XVI, viața artistică din Florența , locul de naștere al Renașterii, a înghețat, iar centrul artei s-a mutat la Roma . Roma, sau mai degrabă curtea papală din Vatican , a devenit locul pentru formarea unei noi estetici clasice . Roma este un oraș special. Spre deosebire de Florența, capitala Toscanei , de arta Lombardiei , de școlile venețiene, siene și de Ferrara, de Napoli și Sicilia , tradițiile culturii antice au fost puternice în Roma în orice moment. Ruinele arhitecturii maiestuoase a Romei Antice și rămășițele unor statui antice au fost întotdeauna în fața ochilor artiștilor. „Stilul roman” chiar și în Evul Mediu era mai solid și mai clasic [25] .
Principalul autor al proiectului de restructurare a centrului Romei sub Papa Nicolae al V-lea (1447-1455) este considerat L. B. Alberti . Ideile acestui arhitect și teoretician au pus bazele artei clasicismului roman la începutul secolului al XVI-lea. Donato Bramante a devenit succesorul ideilor clasiciste ale lui Alberti . Din 1476 Bramante a lucrat în nordul Italiei, la Milano . Se știe că în 1482-1499 Leonardo da Vinci a fost și la Milano . Se crede că Bramante și Leonardo au discutat la Milano meritele bisericilor bizantine cu cupole în cruce [25] . Schițe ale structurilor centrate în formă de cupolă de pe marginile manuscriselor lui Leonardo da Vinci datează din această perioadă. Ceva mai devreme, ideea unui plan centrat pentru un oraș ideal a fost propusă de florentinul Antonio Averlino, supranumit Filarete (1402-1469) în tratatul său Sforzinda. Idei similare au fost expuse de pictorul, arhitectul și sculptorul Francesco di Giorgio Martini (1439-1502) în Tratatul său de arhitectură. Pe lângă templele rotunde de tip rotundă , arhitecții au dezvoltat planuri precum quadrifolia , sau „cu patru foi”, tetraconch („cu patru conchi”) și construcția unui plan „în formă de stea” obținut folosind un „pătrat care se întoarce” (două pătrate suprapuse unul peste altul, dintre care unul rotit la 45°). Aceste fapte mărturisesc modelele de distribuție a ideilor de centricitate și regularitate în arhitectura renascentist a acelui timp [26] .
În 1499, Bramante s-a mutat la Roma. În 1500, Papa Alexandru al VI-lea l-a numit arhitect șef al Vaticanului. Prima lucrare a lui Bramante la Roma a fost micul templu rotund al lui Tempietto (1502), întruchiparea ideii de simetrie absolută și plan centric [26] . Pe lângă Tempietto, exemplele clasice de temple renascentiste centrate cu cupole în cruce au fost biserica Santa Maria della Consoliazione din orașul Todi (Umbria, 1494-1518), biserica Santa Maria delle Carceri din Prato (arhitectul Giuliano da Sangallo ). , 1484-1495), precum și biserica San Biagio din Montepulciano (1518-1526, proiectată de Antonio da Sangallo cel Bătrân ) [27] .
La inițiativa Papei Iulius al II-lea (1503-1513), Bramante a dezvoltat un proiect pentru o uriașă curte a Vaticanului - Belvedere (1503), în compoziția căreia arhitectul a combinat temele unei vile antice de țară, teatru și forum, realizând astfel impresia de măreție cu adevărat regală [28] .
Creând un nou proiect pentru Catedrala Sf. Petru , Bramante a susținut că a căutat să ridice cupola Panteonului (un simbol al clasicilor romani antici) pe bolțile Templului Păcii (cum era numită Bazilica lui Maxentius-Constantin). la acea vreme în Forumul Roman). Proiectul templului Vatican, dezvoltat de Bramante, a urmat tipul centric al clădirilor cu cupolă în cruce. Evident, arhitectul încerca să îmbine tipul bizantin de biserică cu tradițiile arhitecturii romanice , creând astfel un fel de „templu universal” [29] .
Principala trăsătură a „stilului roman”, început de Alberti și Bramante, este principiul formei, în care părțile individuale ale clădirii, masele și volumele sunt, parcă, înșirate pe o axă a compoziției și „aplicate”. " unul celuilalt. Mai târziu , Michelangelo , punând bazele stilului baroc roman , va folosi metoda opusă - scăderea formei, adică împărțirea spațiului și organizarea maselor arhitecturale ca opera unui sculptor: de la întreg la detalii [30]. ] .
În 1508, Bramante și-a chemat ruda din Urbino (se presupune că un nepot), Rafael Santi (1483-1520), puțin cunoscut la acea vreme (1483-1520; din 1504, Rafael a lucrat la Florența) și l-a prezentat Papei Iulius al II-lea ca cel mai bun candidat pentru a realiza picturile Palatului Apostolic [29] . În 1513, Papa Leon al X-lea l-a numit pe Rafael ca primul arheolog al Romei antice. În numele marelui pontif, Rafael a supravegheat săpăturile, formarea colecțiilor Vaticanului și a alcătuit un tablou (plan) arheologic al Orașului Etern. Din 1515, Rafael a ocupat funcția de „comisar pentru antichități” la Vatican [31] .
În picturile sale, Rafael, nu fără influența lui Perugino și Bramante, a descris structuri arhitecturale - clădiri centrate, rotonde cu cupolă, arcade semicirculare. Baza noului stil artistic de la începutul secolului al XVI-lea nu a fost „studiul naturii” și nu „imitația anticilor”, așa cum s-a afirmat anterior, în perioada Quattrocento , ci ambele împreună, și „imperfecțiunea naturii”. a început să se opună unui ideal abstract” [32] . Calitățile estetice ale formei picturale au învățat să aprecieze, după definiția lui M. Dvorak, „mai presus de conținut și dorința de fidelitate față de natură”.
Compoziția lui Rafael „ Școala din Atena ” pentru Stanza della Senyatura de la Vatican (1509-1510) prezintă o astfel de mascarada filozofică, un fel de teatru de figuri înghețate care demonstrează ipostaze maiestuoase, mișcări ale mâinilor și întoarceri ale capului. Nu există acțiune, nici intriga, figurile sunt manechine drapate și sunt identificate doar prin atribute care simbolizează artele și știința. Și toate acestea sunt arătate pe fundalul unei arhitecturi fantastice maiestuoase, în deschiderea unui uriaș arc semicircular, pictat, după G. Vasari , după schița arhitectului Bramante [32] . Este uimitor că într-o încăpere foarte mică (8×10 m) această lucrare, care nu poate fi percepută de la distanța necesară (ocupă aproape tot peretele), face o impresie cu adevărat monumentală. Aceasta este o imagine a armoniei perfecte, neschimbate. Importanta operei lui Rafael ca arhitect este si ea semnificativa; el este autorul multor cladiri din Roma [33] . Există o părere că stilul clasicismului în arhitectură și pictură a fost de fapt creat și completat formal de Rafael. La contemplarea operelor sale, într-adevăr, există un sentiment de limită formală: dezvoltarea ulterioară pare imposibilă [34] .
Marea eră a artei romane, așa cum era de așteptat, sa încheiat brusc și tragic. Viața artistică s-a dovedit a fi prea tensionată și plină de evenimente: într-o perioadă incredibil de scurtă de cincisprezece până la douăzeci de ani, au fost create un număr imens de lucrări de neegalat. În 1514, Donato Bramante a murit, chiar mai devreme, în 1510, Giorgione și Sandro Botticelli au murit; Leonardo da Vinci a murit în 1519 după ce s-a mutat în Franța. Mulți cercetători încheie epoca cu o dată tragică - moartea prematură la vârsta de 37 de ani a lui Rafael Santi pe 6 aprilie 1520. După cum spune epitaful de pe mormântul său din Panteonul Roman , compus de umanistul italian, Cardinalul Pietro Bembo , spune: „ILLE HIC EST RAPHAEL TIMUIT QUO SOSPITE VINCI / RERUM MAGNA PARENS ET MORIENTE MORI” (Aici zace marele Rafael, în timpul căruia viața naturii i-a fost frică să fie învinsă, iar după ce i-a fost frică să moară de moartea lui).
În timpul jefuirii Romei de către trupele lui Carol al V-lea , mulți artiști au murit, alții au plecat. Genialul Michelangelo Buonarroti a continuat și el să lucreze , dar opera sa ulterioară a fost departe de idealurile și formele artistice ale clasicismului înaltei Renașteri. „Mulți li s-a părut atunci că un nou Rafael sau Leonardo era pe cale să apară. Dar asta nu s-a întâmplat” [35] . La Veneția , Tizian , conform remarcii potrivite a lui I. E. Grabar , „strânge deja mâna magicianului pitoresc Rembrandt” [36] .
Rece și academic a fost Andrea del Sarto , care a fost numit „al doilea Rafael”, B. Ammanati și J. Pontormo au fost în mod ciudat exaltați . Mijlocul și a doua jumătate a secolului al XVI-lea este momentul formării artei manierismului și barocului roman . Include lucrarea târzie a marelui Michelangelo, precum și Titian , Veronese și Tintoretto la Veneția, Benvenuto Cellini și manieristii florentini la curtea Medici. Epoca Înaltei Renașteri din Roma a fost adesea numită „eșuată” sau „ruinele unei clădiri neterminate”. S-a dovedit a fi „prea scurtă și nepregătită pentru a se adapta idealurilor artei clasice” [37] . Potrivit gânditorului rus P. A. Florensky, arta erei creștine în ansamblu este construită pe aspirația la transcendent, prin urmare „clasicismul după Rafael” era posibil în antichitate, „când zeii trăiau pe pământ”. În timpul Renașterii, lumea s-a schimbat irevocabil și o astfel de înțelegere a frumuseții s-a dovedit a fi lipsită de viață. „Arta imaginarului este grandioasa înșelăciune a antropocentrismului” [38] . M. V. Alpatov a susținut că arta Renașterii „a devenit o relicvă care nu provoacă prea multă emoție” [39] .
Cu toate acestea, în această eră omul a avut norocul să „se exprime cel mai deplin și mai puternic în piatră, lemn și vopsea” [40] . Principiile ideologice, formele stilistice și compoziționale de artă ale Înaltei Renașteri nu au fost uitate în vremurile ulterioare, ele au avut o influență incontestabilă asupra artei secolelor următoare - de la clasicism și neoclasicism din secolele XVII-XVIII la romantism și academicismul din secolul al XIX-lea. -secolele XX.