Înțelept, Robert

Versiunea actuală a paginii nu a fost încă examinată de colaboratori experimentați și poate diferi semnificativ de versiunea revizuită la 10 aprilie 2022; verificările necesită 8 modificări .

Robert Wise
Robert Wise

Numele la naștere	Engleză Robert Earl Wise
Data nașterii	10 septembrie 1914( 10.09.1914 ) [1] [2] [3] […]
Locul nașterii	Winchester , Indiana , SUA
Data mortii	14 septembrie 2005( 2005-09-14 ) [2] [4] [3] […] (91 de ani)
Un loc al morții	Los Angeles , California , SUA
Cetățenie	STATELE UNITE ALE AMERICII
Profesie	regizor de film, producător de film
Carieră	1942-2003
Premii	Premiul Directors Guild of America AFI Career Achievement Award [d] ( 1998 ) Steaua de pe Hollywood Walk of Fame Premiul Irving Thalberg ( 1967 )
IMDb	ID 0936404
Fișiere media la Wikimedia Commons

Robert Earl Wise ( ing. Robert Earl Wise , 10 septembrie 1914 [1] [2] [3] […] , Winchester , Indiana - 14 septembrie 2005 [2] [4] [3] […] , Los Angeles , California ) este un regizor, producător și editor de film american. Pe parcursul lungii sale cariere cinematografice, care a cuprins perioada 1933-2000, Wise a câștigat patru premii Oscar pentru West Side Story (1961) și The Sound of Music (1965), fiecare dintre aceste filme aducându-i două premii - ca cel mai bun regizor și producător . pentru cea mai buna poza . În plus, Wise a primit trei nominalizări la Oscar: pentru filmul „ Citizen Kane ” (1941) a fost nominalizat drept cel mai bun montator de film, pentru filmul „ I Want to Live!” "(1958) - ca cel mai bun regizor, iar pentru filmul " Gunboat " (1966) - ca producător pentru cel mai bun film.

Dintre celelalte filme ale lui Wise, cele mai semnificative sunt „The Body Snatcher ” (1945), „ Born to Kill ” (1947), „ Setup ” (1949), „ The Day the Earth Stood Still ” (1951), „ Administrative Power ” (1961), „ Cineva acolo sus mă iubește ” (1956), „ Go Quiet, Deep Deep ” (1958), „ Pariuri pe mâine ” (1959), „ The Haunting of Hill House ” (1963), „ The Andromeda Strain ” " (1963) și Star Trek: The Movie (1979).

În activitatea sa, Wise s-a remarcat prin pregătire atentă, disciplină strictă, organizare și dorința de a obține cel mai bun rezultat în limita bugetului stabilit. O caracteristică a muncii lui Wise a fost varietatea de genuri în care a obținut succesul, printre cele mai bune filme ale sale se numără filme de groază, filme noir, western-uri, casete militare, filme SF, musicaluri și melodrame. Unele dintre picturile sale tratează probleme socio-politice acute, inclusiv cele de orientare anti-război și anticolonial, abordează subiecte legate de relațiile rasiale, problemele refugiaților, criminalitatea stradală, poziția femeii în societate, precum și atitudini. spre pedeapsa cu moartea.

Wise a fost președinte al Directors Guild of America din 1971 până în 1975 și președinte al Academiei de Arte și Științe Cinematografice din 1985 până în 1988 .

Viața timpurie

Robert Earl Wise s-a născut pe 10 septembrie 1914 în Winchester , Indiana , fiul unui măcelar [5] [6] [7] [8] [9] . Un timp mai târziu, familia s-a mutat la Connersville , Indiana , unde Wise a urmat liceul. Distracția sa preferată în această perioadă era cinema, mergea la cinema de trei sau patru ori pe săptămână [10] [7] . Îi plăcea în special filmele de aventură cu participarea lui Douglas Fairbanks Sr. [6] . În plus, Wise era pasionat de jurnalism. În liceu, a scris o rubrică umoristică și sportivă în ziarul școlii și a fost, de asemenea, membru al redacției anuarului școlar și membru al clubului de poezie [11] [6] [7] .

După ce a părăsit școala în 1931, Wise a mers la facultate, situată în orașul Franklin , lângă Indianapolis , unde a început să studieze jurnalismul [7] [6] [12] . Cu toate acestea, din cauza debutului Marii Depresiuni în 1933, Wise a fost forțat să părăsească facultatea și să meargă să-și caute de lucru [5] [7] [8] [6] . În același an, fratele său mai mare David, care cu câțiva ani mai devreme și-a luat un loc de muncă la Hollywood în departamentul de contabilitate de la RKO Pictures , i-a găsit lui Wise un loc de muncă ca curier [5] [6] [7] [13] [8] [9] .

Începutul carierei cinematografice la RKO Pictures în 1933-1942

În 1933, Wise a primit un loc de muncă la RKO Pictures ca curier în departamentul de editare audio la un salariu de 25 de dolari pe săptămână, unde „a început să transporte filme între studiourile de vizionare și de editare” [6] [7] . Intenționând să-și stăpânească noua profesie la perfecțiune, Wise a început să studieze cu atenție efectele sonore și editarea muzicii [14] [5] [7] [6] [8] . În 1934-1935, în calitate de editor de sunet (necreditat), a participat la lucrarea la drama „ The Burden of Human Passions ” (1934) cu Bette Davis în rolul principal și la drama politică a lui John Ford „ Informant ” (1935). În timp ce lucra la musicalurile „ Merry Divorce ” (1934) și „ Cylinder ” (1935) cu Fred Astaire și Ginger Rogers , Wise l-a întâlnit pe editorul principal al studioului, William „Billy” Hamilton , și în curând a început să se angajeze serios în montarea filmelor sub supravegherea sa. [15] . În 1935, ca experiment, Hamilton a colaborat cu Wise pentru a realiza un film de 10 minute, A Journey Through the Country of Fiji, care a constat în întregime din filmări dintr-un lungmetraj neterminat, iar această lucrare a fost foarte apreciată de conducerea studioului [14]. ] .

Primul film al lui Wise sub Hamilton a fost Winter's Threshold (1936), o melodramă criminală bazată pe o piesă de pe Broadway de Maxwell Anderson . După aceea, ca elev al lui Hamilton (necreditat), Wise a participat la montajul unor filme precum comedia Stage Door (1937) cu Katharine Hepburn și Ginger Rogers, comedia romantică cu Rogers Having a Wonderful Time (1938), musicaluri cu Astaire și Rogers „ Nepăsător ” (1938) și „ Povestea lui Vernon și a Castelului Irene ” (1939) [14] [7] . Wise a fost listat pentru prima dată ca editor alături de Hamilton în creditele dramei istorice a lui William Dieterle The Hunchback of Notre Dame (1939) și comediei romantice a lui Rogers The Girl from Fifth Avenue (1939) [16] [7] . Iar prima lucrare independentă a lui Wise ca editor a fost comediile romantice „ Single Mother ” (1939) cu Rogers și David Niven , „ My Favorite Wife ” (1940) cu participarea lui Cary Grant și Irene Dunn , musicalul „ Dance, Girl, Dans " (1940) cu Maureen O'Hara și drama politică fantastică The Devil and Daniel Webster (1941) de William Dieterle [17] [7] .

În 1940, tânărul, dar deja celebrul Orson Welles , a sosit la Hollywood pentru a regizat primul său film, Citizen Kane (1941). La studioul RKO Pictures , i s-a dat un editor în vârstă care nu înțelegea ideile revoluționare ale lui Wells, iar regizorul a cerut să-l înlocuiască cu Wise, care „în câțiva ani a devenit unul dintre editorii de frunte ai studioului” [8] [14 ]. ] [5] . Într-un interviu din 2001, Wise și-a amintit: „Am primit un telefon de la cineva de la studio care mă întreba dacă aș dori să montez un film de Wells, care era deja cunoscut pentru munca sa la Mercury Theatre și pentru emisiunea radio „ Războiul Lumii”. '. Ne-am cunoscut și îmi amintesc că am fost teribil de impresionați” [7] . Potrivit lui Wise, ei s-au îndrăgostit imediat unul de altul [18] . După cum notează specialistul în film Ronald Bergan, „Fiind cu doar un an mai în vârstă decât Wells, Wise a fost o necesitate absolută pentru regizorul debutant, iar montajul său a avut o contribuție semnificativă la succesul artistic al filmului”. Potrivit lui Bergan, știrile „News on the March” a fost un moment deosebit de puternic al filmului, în care au fost imitate diverse imagini vechi de arhivă. Pentru a spori efectul antichității, Wise a zgâriat în mod deliberat filmul trăgându-l pe podeaua de ciment a studioului de editare. „Montajul îndrăzneț al lui Wise a apărut și în celebra secvență care transmite căsătoria lui Kane prin prezentarea secvențială a trei scene de mic dejun care au avut loc la câțiva ani, pe măsură ce cuplul s-a depărtat și mai mult” [8] . Citizen Kane i-a adus lui Wise o nominalizare la Oscar pentru cel mai bun editor de film , dar el a susținut că filmul a fost ușor de realizat datorită cinematografiei geniale a lui Gregg Toland : lucrarea, unghiurile și scenele grozave cu actorii care erau noi în film. ecran – totul a fost ceva special” [5] [6] . Wise a recunoscut că a învățat multe de la Wells și Toland, folosind experiența din propriile sale filme când a devenit regizor [19] .

Un an mai târziu, Wise a lucrat ca editor la următorul film al lui Wells, The Magnificent Ambersons (1942) [8] . După cum s-a menționat în The New York Times , Wells și Wise au fost, din păcate, în dezacord cu etapele finale ale filmului . [5] Wells i-a lăsat lui Wise un set de 37 de pagini de instrucțiuni pentru mixarea finală a imaginii, în timp ce a plecat în Brazilia pentru a lucra la noul său proiect, It's All True [8] . Până în acest moment, filmul își depășise deja în mod substanțial bugetul și programul de producție și era, de asemenea, prea lung [8] [5] . La primele proiecții închise din Pomona , California, publicul a început să părăsească sesiunea și a lăsat în mare parte recenzii negative [8] . După cum a spus mai târziu Wise, previzualizarea „a fost un dezastru total. Publicul a plecat în grămadă... Filmul a fost și el teribil de lung pentru acea perioadă, mai mult de două ore. Wise a remarcat, de asemenea, că „temele sinistre ale nebuniei și incestului ” care s-au dezvoltat în film „au fost respingătoare pentru publicul din timpul războiului” [6] . După cum scria The New York Times, „ Al Doilea Război Mondial începuse , iar americanii doreau filme de evadare, nu povești despre moarte și moarte și frustrarea sexuală a unei bătrâne servitoare ” .

După previzualizări, șefii studioului i-au ordonat lui Wise să decupeze și să decupeze din nou poza [8] . Wise a trimis o telegramă lui Wells în Brazilia: „Tabloul pare să-i îngreuneze pe oameni”. Wells a răspuns că ar face o nouă tăietură dacă Wise ar veni la Rio cu o copie . Cu toate acestea, conducerea RKO i-a ordonat lui Wise să „recupeze și decupeze filmul conform instrucțiunilor lui Wells” [5] [6] . Wise a executat montajul conform, așa cum a spus el, „realitatea a ceea ce și-a dorit studioul” [6] . El și în curând asistentul de regizor Mark Robson au lucrat non-stop pentru a tăia, înlocui și rearanja scenă după scenă într-un efort disperat de a, în expresia lui Wise, „a menține publicul în cinematografe” [5] [8] . În final, scrie Bergan, filmul a fost tăiat de la 132 de minute la 88, iar scenele au fost rearanjate sau înlocuite pentru a „face povestea mai densă, mai rapidă și mai clară” [8] . În plus, în timp ce lucra, Wise a fost însărcinat să filmeze câteva scene suplimentare pentru film [20] . Wells a respins montajul lui Wise, spunând că filmul a fost „mutilat”, „mutilat de un grădinar de studio” [5] [6] și l- a acuzat pe Wise și pe alții de „profanarea perfidă” a muncii sale . Wise a recunoscut că „ca operă de artă” tăierea originală a lui Wells a fost mai bună, dar el și-a apărat montajul, spunând că „a salvat filmul de la o soartă și mai rea de la studio” [5] [6] . După cum scrie Bergan, „Din păcate, pentru nenumărații de fani ai lui Orson Welles, Wise este pentru totdeauna omul care, în sala de montaj, a minimizat și aproape a distrus filmul pe spatele maestrului . ” Wise a spus mai târziu: „Deoarece The Ambersons a devenit ceva clasic, cred că acum este clar că nu am mutilat filmul lui Orson”. Potrivit lui Bergan, „numai cei care au văzut versiunea originală pot judeca dacă ar fi fost și mai magnifică fără editarea lui Wise” [8] . Editarea lui Wise a fost admirată în special de Martin Scorsese , care în 1998 a jucat un rol esențial în premiul AFI Lifetime Achievement Award din 1998 al lui Wise. După cum spunea Scorsese, „Filmele lui Wise au devenit din ce în ce mai interesante pentru mine datorită stilului de montaj, un stil de montaj foarte viu, clar, care îi spune spectatorului unde să se uite într-o anumită scenă” [5] .

După demiterea lui Welles din studio, Wise a continuat să monteze filme, care au inclus comedia muzicală The Seven Days' Vacation (1942) cu Lucille Ball , drama de război The Bombardier (1943) cu Pat O'Brien și spionul noir Fallen Sparrow . (1943) cu John Grafield [21] .

Cariera de regizor la RKO Pictures 1944-1949

Wise a început să lucreze ca regizor sub apreciatul maestru de groază psihologică Val Lewton , care a fost producător de film cu buget redus la RKO Pictures [7] . În 1944, Wise a fost montatorul de film pentru The Curse of the Cat People (1944), care a fost regizat de Günther von Fritsch . Lewton, nemulțumit de munca lui von Fritsch, care era cu mult în urmă programului filmărilor și a cheltuit peste buget, l-a concediat pe regizor. Numit în locul său, Wise a condus cu promptitudine cea mai mare parte a filmărilor, completând filmul în zece zile alocate [7] [22] [6] [5] [8] .

Deși filmul a fost considerat oficial o continuare a filmului de groază psihologic de succes al studioului Cat People (1942), a fost de fapt un film de sine stătător cu doar câteva personaje conectate cu cel precedent. Filmul urmărește o copilă imaginativă de șase ani, Amy Reid ( Anne Carter ), care se împrietenește cu o fantomă care apare ca Irena, catwoman care a murit în primul film. Tatăl ( Kent Smith ) încearcă în diverse moduri să o readucă pe fata din lumea fanteziei în lumea reală, dar asta duce la faptul că ea fuge în pădure, iar doar intervenția unei fantome o salvează [23] . După cum a scris criticul de film Bosley Krauser în The New York Times , „Producătorii de la RKO au introdus câteva elemente de groază în film și au încercat să îl prezinte ca o continuare Cat People. În realitate, însă, filmul se abate semnificativ de la filmele de groază convenționale și se prezintă ca o explorare ciudată și emoționantă a funcționării minții sensibile a unui copil. Potrivit criticului, „e păcat că considerentele comerciale au forțat introducerea horror-ului în acest film, ale cărui momente cele mai bune au fost cele în care producătorii încearcă să transmită starea de spirit a copilului” [24] . Istoricul de film contemporan Hal Erickson, numind filmul „o fantezie captivantă și fermecătoare la nesfârșit spusă prin ochii unui copil”, a concluzionat că, ca „o privire captivantă în tărâmul minunat și nelimitat al fanteziei copiilor, filmul este un succes uriaș” [ 25] . Recenzii contemporani notează că „filmul a fost bine primit ca unul dintre cele mai bune thrillere psihologice produse de Val Lewton și este acum un „clasic de cult”” iar Wise a fost promovat regizor în mare parte datorită acestui film .[5] [7] [26] După cum a scris Goering, „cu acest film, Wise și-a atins marele succes, deoarece a fost creditat pentru prima dată ca regizor” [27] .

A doua colaborare dintre Lewton și Wise a fost Mademoiselle Fifi (1944), o dramă istorică de război bazată pe nuvelele lui Guy de Maupassant „Mademoiselle Fifi” și „Pumpkin”, care „a explorat părțile întunecate ale personalității umane într-un context politic. „ [28] . Pictura este plasată în timpul războiului franco-prusac din 1870 . Pe drumul de la Rouen , o dilige cu franceză de diferite clase face o oprire într-un mic sat controlat de armata prusacă . Un locotenent prusac poreclit Fifi ( Kurt Kreuger ), cu conivența și chiar instigarea nobililor și burghezilor francezi într-o diligență, forțează o spălătorie frumoasă ( Simon Simon ) să meargă în apartamentul său pentru mângâiere amoroasă. Când, ceva timp mai târziu, Fifi începe să insulte și să umilească public Franța, spălătorița patriotică se strică și îl ucide cu un cuțit [29] . După cum a scris istoricul de film Roger Fristow, „Lewton și Wise au realizat filmul cu un buget foarte restrâns, creând o atmosferă maximă la un cost minim... Filmul face paralele notabile cu preluarea Franței de către naziști în 1940 , admirând oamenii de rând care au rămas fideli principiile țării lor și condamnând pe cei care au început să coopereze cu inamicul din motive egoiste. Lewton și Wise au filmat filmul în 22 de zile cu un buget de 200.000 de dolari, un record pentru un film costumat de sunet de studio din Statele Unite. După cum Wise și-a amintit mai târziu, „deoarece acestea erau filme cu un buget redus, a trebuit să ne întindem imaginația și să obținem rezultatul fără a avea suficient cu care să lucrăm”. Lucrând cu actorii, setând luminile și camera de filmat, „totul a fost orientat spre obținerea unui rezultat puternic, eficient fără a avea materialul necesar” [30] .

Potrivit criticului de film Adam Bernstein, după aceasta, „producătorul Val Lewton l-a recompensat pe Wise cu un alt proiect, Body Snatcher (1945), din care a realizat un thriller tensionat” [6] . Filmul a fost bazat pe nuvela din 1881 cu același nume a lui Robert Louis Stevenson , care, la rândul său, a fost bazată pe evenimente reale care au avut loc la Edinburgh în 1928. Focalizarea imaginii este respectabilul Dr. Wolfe MacFarlane ( Henry Daniel ), căruia i se furnizează cadavre umane proaspete, săpate în cimitirul orașului pentru experimente științifice de către taximetristul John Gray ( Boris Karloff ). Când apar probleme cu cadavre noi, Gray începe să omoare oameni vânzându-le medicului. După ce află acest lucru, Macfarlane devine indignat, dar Gray îl șantajează pe doctor să-și continue afacerea criminală. În cele din urmă, McFarlane se strică și îl ucide pe Gray, dar la scurt timp, urmărit de fantoma unui taximetrist, el însuși moare [31] [8] . După lansarea filmului, Bosley Crowser a scris că imaginea macabră, „deși nu este atât de deranjantă pe cât s-ar putea aștepta de la distribuție, conține totuși suficient suspans și groază atmosferică pentru a o plasa printre cele mai bune exemple ale genului său”. Potrivit criticului, „cu siguranță nu este cea mai tulburătoare dramă de groază – dar inspiră cumva mai multă credibilitate decât majoritatea filmelor de acest gen și reușește să-și ia drumul fără vârcolaci sau vampiri” [32] . Criticii contemporani Roland Bergan și Dennis Schwartz au numit imaginea „o adaptare excelentă a poveștii lui Stevenson”. Potrivit lui Schwartz, deși filmul este „prea legat de literatură pentru a fi grozav”, are totuși „suspans, înfiorător, dinamică și persuasivitate”. Schwartz îi atribuie lui Wise „oroarea mortală a istoriei și atmosfera sinistră a Edinburghului scoțian din secolul al XIX-lea. Există trăsuri trase de cai, trotuare pietruite, cântăreți de stradă scoțieni și străzi de rău augur . Potrivit lui Goering, a fost un „film de groază semnificativ”, pe care Wise l-a considerat filmul său preferat, iar „recenzii încântătoare din partea criticilor au contribuit la consolidarea poziției sale de regizor” [34] .

După cum notează Bergan, Wise a regizat apoi „câteva melodrame puternice și tensionate”, cum ar fi „ Game of Death ” (1946), care a fost un remake al filmului din 1932 „ The Most Dangerous Game ” [8] care a primit un „modern răsucire". Eroul filmului, scriitorul Rainsford ( John Loder ), după un naufragiu, se trezește pe o insulă îndepărtată în mâinile nebunului nazist Krieger ( Edgar Barrier ). Krieger îi oferă lui și celorlalți doi prizonieri ai săi o oră să se ascundă pe insulă, după care începe să-i vâneze. Potrivit lui Hal Erickson, filmul „nu este la fel de convingător ca versiunea din 1932”, dar cu toate acestea „Robert Wise umple povestea cu multă tensiune, mai ales la sfârșitul imaginii” [35] . Potrivit criticului contemporan Craig Butler, problemele filmului stau în „scenariul incomodă, precum și actoria, care, cu excepția lui Edagar Barriera ca un răufăcător german brutal, este inadecvată... Filmul beneficiază de regia lui Wise, care , deși neuniform, este în mod clar opera unui nou venit în regie, totuși creează atmosfera necesară și oferă suspans în scenele cheie” [36] .

După modesta melodramă criminală Criminal Court (1946) cu Tom Conway în rol principal , Wise s-a pus să lucreze la „filmul negru clasic” Born to Kill (1947) [37] . Filmul spune povestea unui tânăr psihopat atractiv din punct de vedere vizual ( Lawrence Tierney ), care este gata să omoare pe oricine se duce împotriva voinței sale. El se căsătorește cu o moștenitoare bogată în timp ce începe o relație cu sora ei vitregă ( Claire Trevor ), care este atât de obsedată de mintea lui criminală, încât își pierde complet busola morală și devine complice lui. După cum a remarcat un recenzent al revistei TimeOut , este „unul dintre acele filme B pe care Wise le-a regizat înainte ca cariera sa să se ridice vertiginos... Departe de a fi convingător, captivează totuși prin accent neobosit pe cruzime, degradare și duplicitate, iar scena, unde descrierea macabră a două cadavre evocă paroxisme de poftă în Tierney și Trevor, este ceva clasic.” În plus, pentru un film al vremii sale, are o cantitate uluitoare de limbaj „murdar” și „misoginie omniprezentă” [38]

Următorul film al lui Wise a fost melodrama criminală de categoria B Mystery in Mexico (1948) , cu William Lundigan în rol principal. În cuvintele lui Dennis Schwartz, „Acest film seminal despre furtul de diamante nu are prea multe mistere, dar are câteva schimburi revigorante, amuzante și câteva fotografii acceptabile de locații alb-negru în Mexico City (deși în cea mai mare parte a fost filmat într-o garsonieră)” [39] .

După cum a scris criticul de film Dennis McLellan în Los Angeles Times , Wise a urcat la categoria A după seria de filme B cu Blood on the Moon (1948 ) , un „western excelent, cu atmosferă” (1948 ) . Filmul este despre cowboy-ul călător Jim Harry ( Robert Mitcham ) care, la sosirea într-o rezervație indiană din Texas , se trezește în mijlocul unui conflict mortal între bogatul proprietar de vite John Loughton ( Tom Tully ) și vechiul său prieten Tate Railing ( Robert ). Preston ), care susține că acționează în interesul coloniștilor nou sosiți. Jim acceptă inițial să o ajute pe Tate, în timp ce se împrietenește cu fiica lui Loughton, Amy ( Barbara Bel Geddes ). Dându-și seama că Tate îl folosește doar pentru a fura vitele lui Loughton, Jim ajunge să dezerte la proprietarul vitelor, ceea ce duce la un deznodământ sângeros. Potrivit lui Hal Erickson, este „unul dintre cele mai bune western-uri psihologice ale anilor 1940”, care este „de primă clasă regizat de Wise” [40] . După cum a scris savantul de film Rob Nixon, după lansarea filmului, „recenziatorii au remarcat că acesta s-a îndepărtat de tiparul general caracteristic western-urilor. Cu imaginile, personajele și temele sale sumbre și întunecate, imaginea amintea mai mult de filmul noir, un gen în care Mitchum și Wise au avut succese notabile la acea vreme .

Ultima lucrare regizorală a lui Wise la RKO a fost Set Up (1949), „un film realist de box în care Wise a arătat latura brutală și exploatatoare a sportului” [42] . Filmul povestește despre boxerul profesionist în vârstă de 35 de ani Stoker Thompson ( Robert Ryan ), ai cărui ani cei mai buni sunt deja cu mult în urmă, dar se încăpățânează să creadă că va reuși în continuare. Dealerii criminali, care joacă la tombolă , pariază pe înfrângerea lui într-o luptă cu un adversar mai tânăr și mai puternic. Când, deja în timpul bătăliei, lui Stoker i se oferă bani pentru predarea sa, el refuză și, în mod neașteptat pentru toată lumea, câștigă. După încheierea bătăliei, bandiții l-au bătut sever pe Stoker pe alee, condamnându-l la sfârșitul carierei [6] . Acțiunea imaginii se desfășoară în întregime pe parcursul unei nopți și, după cum au remarcat mulți critici, durata sa de 72 de minute coincide de fapt cu timpul în care se petrec evenimentele pe ecran [8] [6] . Thomas Pryor de la The New York Times, numind imaginea „o melodramă sfârâitoare”, a mai scris că „oamenii care au făcut-o nu au nimic bun de spus despre partea murdară a acestei afaceri, iar camera lor rătăcitoare, revelatoare, pictează o imagine și mai neagră. al fanilor de box.” care se delectează cu cruzimea lui. Atmosfera transpirată, plină de fum din mica arenă slab ventilată și oamenii din ring care se conduc într-o frenezie sălbatică sunt prezentate pe ecran într-un mod brutal și realist. Iar drama din vestiar a așteptărilor mari și a speranțelor zdrobite este adusă vie și emoționantă prin direcția perspicace a lui Wise . În opinia lui Bergan, „The Set Up” a fost „o gândire metafizică uluitoare, perfect legată de atomosfera tulburătoare a melodramei de box”, iar „Robert Ryan, cunoscut până atunci pentru roluri amenințătoare, a atins dimensiuni tragice ca un boxer de rang a treia care încă consideră că campionatul la greutate mare este de la el „la distanță de o lovitură”” [8] . Goering opinează că acțiunea de box a filmului „a stabilit standardul pentru alte filme de box”, [44] și Adam Bernstein, care a clasat filmul printre cele mai bune filme ale lui Wise, a remarcat că „secvențele brutale de luptă ale filmului influențează ulterior filme precum Raging Bull ( 1980) de Martin Scorsese „ [6] . La Festivalul de Film de la Cannes din 1949, Wise a primit premiul FIPRESCI pentru această imagine , iar Milton Krasner a câștigat premiul pentru cea mai bună fotografie [45] [6] . În plus, în 1950, The Set Up a fost nominalizat la un premiu BAFTA la categoria cel mai bun film [46] ..

După ce proprietarul RKO , Howard Hughes , nu a reușit să-și reînnoiască contractul în 1950, Wise s-a mutat în alte studiouri și în cele din urmă în al lui [6] .

anii 1950

Primul film al lui Wise după ce a părăsit RKO a fost western Two Flags of the West (1950). Filmul este plasat în ultimele zile ale războiului civil american , când colonelul confederat Clay Tucker ( Joseph Cotten ) folosește dreptul președintelui Lincoln de a-și salva soldații de la moarte într-un lagăr de prizonieri și se alătură soldaților loiali din armata unionistă . Tucker și oamenii săi, însoțiți de căpitanul unionist Mark Bradford ( Cornell Wild ), sunt trimiși să servească la un fort de frontieră din New Mexico . Comandantul fortului se dovedește a fi un maior Kenniston ( Jeff Chandler ) furios, care îi urăște atât pe foștii confederați care i-au venit în slujba, cât și pe triburile indiene din jurul fortului său. Relația neliniștită a celor trei bărbați este și mai complicată de șederea la fortul frumoasei tinere văduve Elena ( Linda Darnell ), care nu poate pleca acasă din cauza amenințării constante cu atacurile indiene. După cum remarcă istoricul de film Sean Exmaker, a fost cea de-a zecea imagine a lui Wise, a doua lui Western și primul său film pentru 20th Century Fox . Filmările au avut loc într-un mic sat indian la aproximativ 20 de mile de Santa Fe , New Mexico. Potrivit Exmaker, Wise, cunoscut pentru „abordarea sa inteligentă a muncii”, a realizat „un film serios care explorează conflictele bărbaților care sunt atât inamici, cât și aliați” [47] .

Apoi la Warner Bros. Wise a regizat Three Secrets , o melodramă despre valorile familiei (1950) [48] . Filmul povestește despre prăbușirea în munții îndepărtați din California a unui mic avion privat, după care supraviețuiește doar un băiețel de cinci ani. Acest lucru este învățat de trei femei ( Eleanor Parker , Patricia Neal și Ruth Roman ), fiecare dintre acestea a renunțat la copilul ei pentru adopție în urmă cu cinci ani și acum presupune că copilul supraviețuitor ar putea fi fiul ei. Fiecare dintre femei își amintește cu amărăciune circumstanțele în care a trebuit să se despartă de fiul ei [49] . Criticul contemporan Craig Butler, în timp ce a criticat filmul pentru a doua natură și scenariul confuz, a remarcat în același timp că filmul „a ieșit mai bine decât se aștepta, datorită unei distribuții și regizor foarte pricepuți care, împreună, obțin un rezultat mai bun decât sugerează materialul. " În opinia lui Butler, „Munca lui Wise este în general neuniformă. După un început mototolit, Wise găsește momente frumoase în povestea fiecăreia dintre femei, dar ratează și câteva oportunități interesante. Totuși, „când se confruntă cu episoadele mai incitante ale căutării băiatului dispărut, Wise excelează” [50] .

Următorul film pe care Wise a regizat din nou la 20th Century Fox a fost House on Telegraph Hill (1951) , un film noir postbelic . Filmul este despre o imigrantă poloneză ( Valentina Cortese ) care, după ce a fost eliberată dintr-un lagăr de concentrare nazist, se preface că este prietena ei americană decedată, iar după război vine în Statele Unite, sperând să primească moștenirea mătușii bogate a prietenei sale. . Ea se căsătorește cu tutorele fiului minor al unui prieten ( Richard Basehart ) și se mută cu el în casa elegantă a mătușii ei, pe Telegraph Hill, în San Francisco . Cu toate acestea, treptat femeia începe să bănuiască că cineva încearcă să o omoare pe ea și pe fiul ei [51] . Variety i-a oferit filmului o recenzie moderat pozitivă, numind-o „o melodramă cu ritm lent, dar distractiv despre un ucigaș psihopat, plasat într-un cartier rezidențial inedit de pe dealurile din San Francisco”. Revista notează că filmul „menține bine starea de spirit întunecată și tensiunea crescută, Basehart și Cortese dând credibilitate dramei prin interpretările lor” [52] . Filmul a fost nominalizat la Oscar pentru cea mai bună regie artistică [53] .

Mai mult, așa cum a scris criticul de film Ronald Bergan, „în timp ce era sub un contract neexclusiv cu 20th Century Fox , Wise a regizat un film științifico-fantastic inteligent, cu profil redus, anti-război, The Day the Earth Stood Still (1951) [8] ] [54] ." Filmul se deschide cu o navă extraterestră care aterizează într-un parc din Washington DC , purtând extratereștul asemănător lui Hristos Klaatu ( Michael Rennie ) și robotul uriaș Gort. Ei sunt trimișii unei federații de planete preocupate de testele nucleare pe Pământ , care pot duce la moartea întregii planete și reprezintă o amenințare pentru alte civilizații. După ce unul dintre soldații americani din jurul navei îl rănește pe Klaatu, acesta ajunge într-un spital american, insistând să i se ofere posibilitatea de a vorbi cu reprezentanții tuturor popoarelor care locuiesc pe Pământ. Când se dovedește că acest lucru este imposibil din cauza contradicțiilor politice dintre state, Klaatu, folosindu-și abilitățile supranaturale, părăsește spitalul pentru a înțelege sub masca unei persoane obișnuite dacă pământenii sunt capabili să mențină pacea pe planeta lor. El stă la pensiunea unei simple gospodine ( Patricia Neal ), stabilind relații cu ea și cu membrii familiei ei și, de asemenea, ia contact cu cei mai mari oameni de știință ai lumii, ajungând în cele din urmă la concluzia că pământenii nu sunt atât de fără speranță. După o serie de răsturnări ale complotului, Klaatu este rănit de moarte într-un schimb de focuri, dar apoi, datorită lui Gort, reînvie pentru a transmite ideea cheie oamenilor de știință de frunte adunați la navă - fie pământenii se vor alătura federației de planete și vor trăi în pace. , sau își continuă cursul actual și să fie distruși [55 ] . După cum a spus mai târziu Wise: „Întotdeauna vreau ca filmele mele să comunice ceva important. Totuși, acest lucru ar trebui făcut prin povestea în sine, prin dezvoltarea intrigii și prin interacțiunea personajelor, și nu prin textul actorului direct. Cu toate acestea, The Day the Earth Stood Still este o excepție în acest sens. Scopul ei era ca Klaatu să-și dea avertismentul la sfârșit.” [56] . Potrivit istoricului de film Wes Gehring, „Filmul a fost realizat într-un stil naturalist și, spre deosebire de majoritatea celorlalte filme științifico-fantastice, a subliniat mai degrabă conținutul poveștii decât efectele speciale” [54] . Filmul a primit recenzii „covârșitor de pozitive” și a devenit unul dintre cele mai „influente filme science-fiction din istorie” [57] . După cum se menționează în informațiile despre film ale TV Guide , „Robert Wise a creat un film SF clasic, cu un mesaj pacifist puternic. Performanțe superbe ale tuturor actorilor, regia discretă a lui Wise și partitura genială și inovatoare a lui Bernard Herrmann fac ca acest film să fie la fel de relevant astăzi ca și ziua în care a fost lansat . Filmul a primit premiul Globul de Aur pentru „Cel mai bun film de promovare a înțelegerii internaționale”, iar Bernard Herrmann a primit o nominalizare la Globul de Aur pentru cea mai bună muzică .

Filmul noir semi-documentar „ City in Captivity ” (1952) Wise a decis să pună sub influența unei serii de articole revelatoare despre înfrângerea sindicatului criminal într-unul dintre orașele americane. Filmul spune povestea unui redactor de ziar dintr-un mic oraș din Midwest ( John Forsyth ) care se luptă cu o bandă criminală organizată în afacerile ilegale de jocuri de noroc care a corupt și a profitat de conducerea poliției locale [59] . La lansarea filmului, revista Variety l-a descris drept „o dramă tensionată și captivantă despre lupta unui editor împotriva corupției într-un oraș mic”, menționând că „funcțiile documentare dau filmului un sentiment de autenticitate” [60] . Bosley Crowser , recenzent de film din The New York Times , care a fost în general pozitiv în ceea ce privește imaginea, a numit-o „un mic film plin de viață, laconic”, care „pare autentic și neliniștitor” și „casele și străzile îngrijite ale unei suburbii urbane adevărate, față de care acțiunea imaginii se dezvoltă, sporesc sentimentul de autenticitate a ceea ce se întâmplă, punând în fața privitorului problema unui viciu social destul de grav” [61] .

În același an, Wise a regizat „prima sa comedie pură,” Something for the Birds (1952), în care un avocat al condorului din California (Patricia Neal) și un lobbyist de la Washington ( Victor Mature ), care sunt îndrăgostiți de ea, luptă cu o companie de gaz . , pe cale să înceapă forajul la o zonă de reproducere a păsărilor [62] . Un an mai târziu, a urmat So Big (1953) , o melodramă despre „valorile familiei”, cu Jane Wyman în rol principal, plasată în zona Chicago și care acoperă două generații la începutul secolelor XIX și XX .

În 1953, au fost lansate și două „filme militare competente” – „ Destinație – Gobi ” și „ Șobolani deșertului ” [8] . Acțiunea filmului de aventuri Destination - Gobi (1953) , cu Richard Widmark în rol principal, are loc în timpul celui de-al Doilea Război Mondial , unde un detașament de meteorologi militari americani, bazându-se pe ajutorul triburilor locale mongole, își croiește drum prin deșertul Gobi către Coasta Pacificului sub atacurile japoneze.Forțele Aeriene [64] [65] .

Filmul „ Desert Rats ” (1953) a fost bazat pe evenimente reale și a povestit despre apărarea în aprilie-noiembrie 1941 a orașului libian Tobruk de către trupele britanice din avansarea trupelor Germaniei naziste sub comanda generalului Rommel (James Mason) . Focalizarea imaginii sunt activitățile căpitanului scoțian McRoberts ( Richard Burton ), care primește sub comanda sa o companie de soldați australieni fără experiență care au sosit pentru a proteja orașul. În timpul luptei, cade în captivitate germană, dar reușește să scape și să continue apărarea orașului în fruntea unității sale până când acesta este eliberat de forțele aliate [66] . Criticul de film Howard Thompson din The New York Times a oferit filmului o recenzie discretă, numindu-l „o amestecare obișnuită de personaje, evenimente deja familiare și, în ciuda indicațiilor istorice clare, manifestări de eroism”. În același timp, criticul a remarcat „direcția destul de pricepută” a lui Wise, datorită căreia filmul „oferă o imagine competentă și vizuală” a evenimentelor descrise [67] . Filmul a fost nominalizat la Oscar pentru cel mai bun scenariu .

În 1954, la Studiourile Metro-Goldwyn-Mayer, Wise a regizat drama Administrative Power (uneori tradusă „The Director's Room”) (1954), care era despre lupta pentru putere într-o mare companie de mobilă după moartea subită a fondatorului ei. si presedinte. Principalul candidat pentru poziția de lider este dominatoarea și ambițioasă Lauren Shaw ( Fredric March ), care își propune să reducă costurile de producție și să-și mute accentul pe marketing, făcând compania din nou profitabilă. Principalul său adversar este vicepreședintele Don Walling ( William Holden ), un inovator entuziast care este pasionat de crearea de produse noi. Deși la început Don nu aspiră la președinție, soția și colegii apropiați îl convin că doar sub conducerea sa compania va putea reuși. După numeroase intrigi și răsturnări de situație, Don reușește să ia locul președintelui companiei [69] . Producătorul de film John Houseman a reunit o distribuție stelară pentru film, care a inclus și Barbara Stanwyck , June Allison , Walter Pidgeon , Shelley Winters , Paul Douglas și Nina Foch , iar cea mai mare parte din bugetul filmului a mers către onorariile lor. După cum scrie istoricul de film Mark Frankel, cu o distribuție atât de mare și un scenarist grozav, Houseman avea nevoie de regizorul potrivit și a apelat imediat la Wise. Houseman avea nevoie de un regizor care să nu se împingă înainte. Cu opt vedete mari, acțiune minimă și o scenă de jumătate de oră care se desfășoară în întregime la masa sălii de consiliu, filmul, potrivit lui Houseman, „avea nevoie de un regizor care să aibă și abilitățile unui inginer și al unui îmblânzitor de lei”. Wise a fost perfect pentru rol, iar faptul că stilul său de regie se potrivea perfect cu cel al scenaristului Ernest Lehman a dus la faptul că, ulterior, au făcut împreună încă trei filme clasice - „ Someone Up There Loves Me ” (1956), „ West Side Story „ (1961) și „The Sound of Music ” (1965) [70] . La analiza imaginii, atenția principală a criticilor s-a concentrat pe actorie, căreia i s-au acordat în mare parte evaluări pozitive. În special, cercetătorul de film contemporan Bruce Eder a opinat că „toți actorii, fără excepție, sunt excelenți”, menționând în continuare că „nivelul de suspans din imagine crește atât de mult încât până și Hitchcock l-a aprobat ”, atingând apogeul „în ultimul trimestru”. în ciocniri personale și filozofice din sala de consiliu” [71] . Filmul a obținut patru nominalizări la Oscar pentru cea mai bună actriță în rol secundar (Foch), cea mai bună fotografie, cea mai bună regie artistică și cel mai bun design de costume . Wise a fost nominalizat pentru Cel mai bun regizor pentru Premiul Directors Guild of America pentru Cel mai bun regizor - Lungmetraj și pentru Leul de Aur la Festivalul de Film de la Veneția , unde întreaga distribuție a primit premiul colectiv special al juriului . Filmul a primit și două nominalizări la BAFTA pentru Cel mai bun film și Cel mai bun actor străin (martie) [73] .

Doi ani mai târziu, Warner Bros. a lansat filmul istoric „ Elena din Troia ” (1956) bazat pe poemul lui Homer „ Iliada ” . După cum a scris criticul de film contemporan Dennis Schwartz, „Filmul epic, care a fost filmat în Italia cu o distribuție internațională (în mare parte europeană), a avut rezultate slabe la box office și a primit recenzii mixte de la critici. Pentru Wise (care a regizat filmul), această dramă istorică plictisitoare a fost primul film în culoarea CinemaScope și, deși filmul a fost un eșec, cariera sa a crescut vertiginos după aceea... Deși distractivă într-un sens banal, cu scene de luptă frumos filmate. , tabloul în ansamblu s-a dovedit incomodă din cauza actoriei încleștate, a scenariului stilat și a prezentării neinteresante a materialului ” [74] .

Următoarea lucrare a lui Wise a fost Western In Praise of a Bad Man (1956), care a fost lansat de Metro-Goldwyn-Mayer [8] .Filmul are loc în anii 1870 în teritoriul Colorado . Tânărul estic Steve Miller ( Don Dubbins ) își găsește de lucru la ferma de cai retrasă a bogatului și feroce Jeremy Rodock ( James Cagney ), care se grăbește să omoare atunci când cineva îi modifică interesele. Când Steve începe o relație cu frumoasa Jocasta Konstantin ( Irene Papas ), pe care Rodok o consideră proprietatea sa, apare un conflict, în timpul căruia toți cei din jurul lui se îndepărtează treptat de Rodok și, ca urmare, rămâne singur cu el însuși. În procesul de lucru la film, creatorii s-au confruntat cu probleme organizatorice serioase. La început , Spencer Tracy , care ar fi trebuit să joace rolul principal, a început să saboteze sfidător lucrarea, pentru care a fost în cele din urmă concediat după 20 de ani în studio. James Cagney a fost de acord să-l înlocuiască, dar filmul a trebuit să fie amânat cu câteva luni. În pauza care a urmat, actorul Bob Francis , care l-a interpretat pe Steve Miller, a murit într-un accident de avion , iar Wise a trebuit să reînregistreze toate scenele cu participarea sa, luând un nou actor [75] . Cu toate acestea, potrivit lui Dennis Schwartz, „În ciuda problemelor timpurii, este un bun western american care merită lăudat pentru portretizarea vieții de muncă a cowboy-ului dur și răsturnat” și „Cagney a făcut o treabă grozavă ca un baron puternic al vitelor.” [ 76]

Cu toate acestea, Wise a obținut cel mai mare succes în 1956 cu filmul Somebody Up There Loves Me (1956) al lui Metro-Goldwyn-Mayer , un film biografic despre celebrul boxer Rocky Graziano (interpretat de Paul Newman ) [8] . Filmul spune povestea lui Rocky, care s-a născut într-o familie disfuncțională, a devenit membru al unei bande de stradă în adolescență, a mers la școala reformată, apoi la închisoare, după care a fost trimis în armată, de unde a dezertat. . În căutarea unui mijloc de existență, Rocky a început să participe la lupte de box, descoperind un talent remarcabil. După ce a câștigat mai multe lupte, militarii l-au reținut, trimițându-l să servească într-o unitate disciplinară, unde și-a îmbunătățit aptitudinile timp de un an, iar după eliberare și-a reluat cariera de box. A urcat până în vârf, dar a pierdut lupta finală în fața lui Tony Zale . După aceea, Rocky a fost șantajat de un fost prizonier, iar apoi a fost privat de licența de box. Totuși, în finala imaginii, Rocky revine pe ring, obținând o victorie decisivă asupra lui Zale [77] . Inițial, rolul lui Rocky a fost pregătit pentru James Dean , care a murit tragic în ajunul filmărilor, după care a fost înlocuit de Paul Newman [8] . După cum și-a amintit Wise: „M-am tot gândit că poate că Dean nu este fizic o categorie medie . Și Paul a făcut unele dintre cele mai bune lucrări ale sale în acest film; chiar l-a prins pe bărbat”. După cum adaugă savantul în cinema Georgell Cole, cu acest film, „Newman a obținut în sfârșit succesul comercial care îl scăpase înainte, deschizând calea pentru a deveni un star important de la Hollywood ” . Așa cum a scris criticul de film Bosley Krauser în The New York Times, filmul „servește drept recomandare pentru băieții duri să se apuce de boxul profesionist pentru a-și evacua iritabilitatea și pentru a obține nu numai bani, ci și aplauze și respect din partea publicului”. În opinia lui Krauser, producția lui Wise este rapidă, energică și clară, iar editarea îi oferă o claritate și un ritm uimitor. Arătarea luptei mari a lui Graziano cu Tony Zale este una dintre cele mai mari sărbători de box pe care le-am văzut vreodată pe ecran . Ronald Bergan, subliniază că „elogiul filmului despre boxul profesionist ca parte a visului american a fost aproape un răspuns direct la „ Set Up ” (care a arătat partea inferioară a vieții boxului). Filmul este livrat într-o manieră energică și distractivă, transmițând atmosfera din New York East Side , în ciuda faptului că a fost filmat în studioul MGM ” [8] . Filmul a câștigat două premii Oscar pentru cea mai bună fotografie și cea mai bună regie artistică și a fost, de asemenea, nominalizat la Oscar pentru cel mai bun montaj. Directors Guild of America l-a nominalizat pe Wise pentru premiul pentru cel mai bun regizor .

În 1957, Wise a regizat Until They Sailed (1957), o melodramă plasată în Noua Zeelandă în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, despre relația a patru surori din Noua Zeelandă cu marinei americani. Filmul îl are pe Paul Newman în rolul unui căpitan al Marinei, însărcinat să se ocupe de rapoartele personalului militar care doresc să se căsătorească cu fete locale, Jean Simmons , cu care dezvoltă o relație, și Joan Fontaine în rolul ei, o soră mai mare, care se întâlnește și cu un ofițer american. [81] . Criticul de film contemporan Craig Butler a numit filmul „o telenovele impresionantă din timpul războiului, care oferă o privire fascinantă, chiar dacă superficială, asupra încercărilor și necazurilor unei familii destul de puțin probabile din Noua Zeelandă”. După cum scrie în continuare criticul, povestea filmului este „sentimentală și destul de previzibilă, dar datorită unui scenariu inteligent, cu siguranță „funcționează””, iar producția lui Wise este „înțeleasă și competentă, poate una dintre cele mai bune lucrări ale sale. Deși, probabil din cauza lipsei de implicare personală, uneori reușește puțin mecanic, dar cu toate acestea este întotdeauna eficient” [82] . Sandra Dee , care a interpretat rolul surorii mai mici, a câștigat Globul de Aur drept cea mai promițătoare nou -venită pentru interpretarea ei din acest film .

În comedia Metro-Goldwyn-Mayer The Long Waited Night (1957), Jean Simmons a jucat-o pe profesoara Ann Leeds, care decide să lucreze ca secretară pentru fostul contrabandist și organizator de jocuri de noroc Rocco (Paul Douglas), care, împreună cu tânărul său partener Tony ( Anthony Franchosa ) deține un club de noapte pe Broadway . În curând, Rocco se îndrăgostește de Ann, iar ea, la rândul ei, se îndrăgostește de suavul Tony, care, totuși, nu-și răspund sentimentele. În cele din urmă, Ann decide să renunțe, dar la insistențele altor angajați ai clubului, Tony o convinge să rămână și își declară dragostea pentru ea. Criticul contemporan Dennis Schwartz a dat filmului o recenzie negativă, scriind că „Wyse dezamăgește cu producția acestei melodrame romantice neclintite și neconvingătoare, în care o regie blândă amuză o poveste în stil Damon Runion care se transformă într-o versiune plictisitoare a Guys and Dolls ... Comedia este forțată, situațiile neinteresante și chiar diamantele strălucesc fals” [84] . Pentru interpretarea sa din acest film, Simmons a fost nominalizată la Globul de Aur pentru cea mai bună actriță într-un muzical sau comedie .

Un an mai târziu, la invitația companiei de producție a lui Burt Lancaster , Hecht-Hill-Lancaster Productions, Wise a preluat producția dramei de acțiune militară Go Quiet, Go Deep (1958). Filmul este despre un căpitan de submarin american, Rich Richardson ( Clark Gable ), care este prăbușit de un distrugător japonez în timpul celui de-al Doilea Război Mondial. După ce a petrecut un an la Cartierul General Naval de la Pearl Harbor , Rich revine la comanda unei alte ambarcațiuni, obiectivul său principal fiind să distrugă nava japoneză care l-a scufundat cu un an mai devreme. Comportamentul său uneori de neînțeles, mânat de un sentiment de răzbunare, duce în cele din urmă la o ciocnire cu primul ofițer Jim Bledsoe (Burt Lancaster) și aduce situația în pragul rebeliunii, când Rich pune soarta echipajului la un risc nejustificat. După cum scrie criticul contemporan Rob Nixon, „Criticii au fost încântați de munca de regie a lui Wise” [86] . Potrivit lui Bergan, „Wise a reușit să capteze tensiunea subacvatică claustrofobă pe submarin și să prezinte emoționant confruntarea caracterului Gable-Lancaster,” [ 8] [87] . Și totuși, așa cum continuă Nixon, „în ciuda toată priceperea de a împleti acțiunea cu o dramă intensă la nivel personal și în ciuda pasiunii publicului pentru ambele vedete, filmul nu a fost un succes comercial ” .

Cea mai puternică lucrare a lui Wise până în acel moment, conform lui Bergan, a fost „punerea în scenă realistă a dramei” I Want to Live ! (1958), pe care l-a produs în studioul producătorului Walter Wagner [8] . Bazat pe evenimente adevărate, filmul urmărește uciderea brutală a unei femei în vârstă de către tâlhari în Burbank , California. Fiind bănuită de această crimă, poliția a reținut în Los Angeles trei bărbați și o femeie, Barbara Graham (rolul ei a fost interpretat de Susan Hayward ), care era deja cunoscută de poliție și fusese condamnată anterior pentru prostituție și mărturie mincinoasă. Barbara avea un alibi la momentul crimei, care însă nu a putut fi confirmat, deoarece soțul ei a dispărut fără urmă. Încurajată de unul dintre deținuții care lucrează pentru poliție, Barbara a încercat să-și inventeze un nou alibi, dar poliția i-a înregistrat conversațiile, după care cazul a fost dus în instanță. Nu existau probe directe împotriva ei, iar întreaga acuzație s-a bazat pe trecutul ei criminal, precum și pe faptul unei tentative de a înșela justiția. Audierea în sine a avut loc într-o atmosferă de persecuție a Barbara desfășurată în presă. Drept urmare, a fost emis un verdict de vinovăție, iar judecătorul l-a condamnat pe Graham la moarte. Eforturile avocaților de a anula verdictul au eșuat, iar ea a fost în cele din urmă executată în camera de gazare a închisorii San Quentin la doi ani după crimă . Deosebit de impresionant, potrivit lui Bergan, a fost „lungul episod final al pregătirii lui Barbara pentru moarte și scena din camera de gazare” [8] . Potrivit lui Schwartz, această „dramă judiciară intensă cu buget redus servește ca un rechizitoriu grăitor al pedepsei cu moartea. Chiar dacă Graham este descrisă ca o persoană anti-socială care stătea în jur cu o mulțime de mizerii, ea nu a putut fi condamnată doar pe baza crimelor sale din trecut, care au inclus prostituția, sperjur și fals .

După cum a remarcat specialistul în film Geoff Stafford, „Filmul a fost un succes atât pentru critici, cât și pentru public”, devenind unul dintre cele mai mari încasări din 1959 [89] [90] . În special, Bosley Crowser în The New York Times Bosley Crowser a scris că „Hayward joacă superb, sub direcția nespus de precisă a lui Robert Wise, care a demonstrat aici o măiestrie uimitoare a stilului realist” [91] [90] . Hayward a câștigat un Oscar pentru cea mai bună actriță într-un rol principal pentru interpretarea ei, iar Wise a câștigat prima sa nominalizare la Oscar pentru cel mai bun regizor. În plus, filmul a fost nominalizat la Oscar pentru cel mai bun scenariu, cel mai bun sunet și cel mai bun montaj [89] [92] . Hayward a primit, de asemenea, un Glob de Aur și o nominalizare la BAFTA pentru cea mai bună actriță străină, filmul a fost nominalizat la Globul de Aur la categoria Cea mai bună dramă, iar Wise a fost nominalizat la Globul de Aur și Premiul Directors Guild of America pentru regie . ] .

După această imagine, compania de producție a lui Harry Belafonte , HarBel Productions , i-a oferit lui Wise să producă și să regizeze thrillerul noir Bet on Tomorrow (1959). Filmul spune povestea unui jaf rătăcit de bancă pe care trei bărbați au încercat să-l efectueze - ofițerul de poliție pensionat David Burke ( Ed Begley ), un tip dur cu trecut criminal, Eard Slater ( Robert Ryan ) și muzicianul de jazz negru Johnny Ingram ( Harry Belafonte), care are nevoie urgentă să returneze mafiei banii pierduți la curse. Burke a conceput planul perfect pentru a jefui o bancă mică de lângă New York, care presupune ca un bărbat de culoare să joace rolul unui livrător de restaurant. Cu toate acestea, încă de la început, un Earl supărat își arată dezgustul rasist față de Johnny, iar Burke îi este greu să-l facă să rămână în afacere. La momentul jafului, Earl își demonstrează din nou respingerea negrilor, iar în momentul decisiv refuză să-i dea lui Johnny cheia mașinii în care trebuie să scape cu prada. Drept urmare, Burke este nevoit să iasă singur după mașină, ceea ce trezește suspiciunea unei patrule de poliție în trecere, care știe că restaurantul trimite mereu un curier negru la bancă. Acest lucru duce la expunerea lui Burke și la sinucidere, după care Johnny și Earl evadați mor încercând să se distrugă unul pe celălalt [94] . Critica a întâlnit în mod pozitiv imaginea. Potrivit unui recenzent al Variety , „Pe de o parte, filmul este o melodramă crimă tensionată. Pe de altă parte, este o alegorie pe teme de rasism, lăcomie și predispoziție umană la autodistrugere. Deși nu a avut succes în al doilea sens, filmul a reușit totuși în primul. De asemenea, recenzentul a notat că „regizorul Robert Wise i-a făcut pe actori să joace bine” [95] . Bosley Crowser din The New York Times a scris: „Acumularea dramei în această dramă criminală se ridică la un nivel artistic rar atins pe ecran. Cu realismul regizoral laconic și eficient al lui Robert Wise, această dramă construiește energie cu o claritate rapidă și fără efort, dând lucrării în ansamblu o calitate intens pitorească, cu adevărat pictură. Urmând tehnica dovedită a așa-numitului „stil documentar”, domnul Wise a pus în scenă scene de stradă direct în New York și în orașul Hudson , ceea ce a conferit excelentei cinematografii a lui Joseph Branagh un aspect realist. Iar actorii săi excelenți au creat imagini clare și convingătoare . Filmul a fost nominalizat la Globul de Aur drept „Cel mai bun film care promovează înțelegerea între națiuni” [97] .

anii 1960

În septembrie 1957, muzicalul West Side Story a fost lansat pe Broadway , regizat și coregrafiat de Jerome Robbins . Spectacolul a avut un succes uriaș, în 1958 a fost nominalizat pentru „ Tony ” drept cel mai bun musical și a câștigat acest premiu pentru cea mai bună coregrafie. Până în iunie 1959, piesa a fost jucată pe scena Broadway de 732 de ori, după care a plecat într-un turneu național, iar apoi au avut loc alte 249 de reprezentații la New York și timp de doi ani a fost lansată la Londra [98] [99] . Wise a decis să facă un film bazat pe performanță, pentru care a atras companiile de producție Mirisch Pictures și Seven Arts Productions , și a decis să acționeze ca producător și regizor, invitându-l pe Robbins ca co-regizor, care trebuia să regizeze toate numerele de dans [99] .

Luând ca punct de plecare Romeo și Julieta lui Shakespeare , West Side Story (1961) spune povestea tragică de dragoste a doi tineri din bandele de stradă aflate în război în actualul New York - Tony ( Richard Beymer ), care a condus odată o bandă. de albi, băieți și Maria ( Natalie Wood ), sora unui lider de bande din Puerto Rica . Pentru a deschide filmul, Wise a venit cu faimoasa fotografie cu elicopterul din Manhattan , arătând bloc cu bloc dintr-o vedere de pasăre, încheindu-se cu camera care mărește asupra unui grup de adolescenți care se îndreaptă ritmic . După cum scrie Bergan, „filmările în locație de pe strada 64 a subliniat irealitatea bandei, care dansează baletul pe străzi, ceea ce a permis filmările ulterioare ale filmului să aibă loc în platou” [8] . Într-un interviu din 1998, Wise a spus: „Pentru că totul era destul de convențional, cred că a ajutat publicul să accepte copiii care dansau pe stradă, după care am părăsit locul de joacă” [6] . Filmările au început cu o rutină de dans regizată de Robbins, care, deși a făcut o treabă grozavă și importantă, era serios în urmă programului filmărilor și a cheltuit în exces. Atunci Wise a fost nevoit să-l îndepărteze pe Robbins de la finalizarea lucrării, punând în scenă toate scenele dramatice, precum și cu ajutorul asistenților lui Robbins, cele două scene de dans rămase, păstrând pe cât posibil coregrafia producției teatrale [99] . teme, opera, balet și show business”, creând un tablou coerent și armonios [8] .

Potrivit Variety , filmul a costat 6 milioane de dolari pentru a fi produs și, după cum se menționează în The Hollywood Reporter , filmul a avut un succes comercial și de critică extraordinar . După cum a scris Bosley Crowser în recenzia sa din The New York Times, „Ceea ce au făcut cu ducând West Side Story de pe scenă la ecran a fost să transforme materialul excelent al piesei într-o capodopera cinematografică. În formele dinamice ale cinematografiei, toate aspectele spectacolului primesc un tratament magnific. Drama capătă gama și naturalețea filmărilor color pe ecran lat... este un amestec puternic de dramă, dans și muzică care se adaugă la un întreg artistic bogat.” [100] . Revizorul lui Variety a numit filmul „un muzical frumos coregrafiat, impresionant, motivat de emoții și puternic, care, cu abordarea sa serioasă a unei probleme sociale chinuitoare și realismul dezvoltării poveștii, ar putea deveni un model pentru viitoare producții muzicale. Ecranul oferă o nouă dimensiune și, uneori, o poveste fascinantă a unui musical de la Broadway într-o cinematografie mai mare... Este excelent din punct de vedere tehnic, cu o utilizare uluitoare a culorilor, lucru uluitor al camerei și o editare rapidă, care transmite starea de spirit și acțiunea imaginii cu dramatice. forta. Și mai semnificativă este muzica lui Leonard Bernstein și coregrafia uluitoare a lui Robbins, care în film este liber de constrângerile spațiale ale scenei. Wise folosește atât tehnici teatrale, cât și cinematografice în producția sa, planuri lungi de scene personale și acțiune rapidă, transformându-se brusc în mișcare dinamică și având un efect incitant” [101] . James Powers de la The Hollywood Reporter a numit filmul „un spectacol grozav, o piatră de hotar în istoria musicalurilor de film și un succes comercial uimitor. Este atât de bun încât i se pot aplica orice superlative. Nici un film muzical - această formă pur americană și pur hollywoodiană - nu a fost mai bun decât asta . Filmul a câștigat zece premii Oscar , devenind al doilea cel mai câștigat film de Oscar la acea vreme. Pe lângă premiul pentru cel mai bun film (care a câștigat Wise), filmul a câștigat și premiile Oscar pentru cel mai bun regizor (Wise and Robbins), cel mai bun actor în rol secundar, cea mai bună actriță în rol secundar, cea mai bună regie artistică, cea mai bună fotografie, cel mai bun design de costume, cel mai bun montaj, Cea mai bună muzică și cel mai bun sunet, precum și o nominalizare pentru cel mai bun scenariu. Filmul a câștigat, de asemenea, Globurile de Aur la categoriile Cel mai bun film muzical sau comedie, Cel mai bun actor în rol secundar, Cea mai bună actriță în rol secundar, iar Beimer a fost nominalizat la Globul de Aur ca cel mai bun actor într-o muzică sau comedie și Wise și Robbins pentru cel mai bun regizor. Numeroase alte premii includ Premiul Directors Guild of America , care a fost primit de Robbin, Wise și asistentul regizorului Robert E. Relia [99] .

Un an mai târziu, lucrând din nou cu producătorul Walter Mirisch , Wise a produs (necreditat) și a regizat Two on the Seesaw (1962), o melodramă bazată pe o piesă de pe Broadway pentru doi actori. Filmul este despre un avocat din Omaha , Nebraska , Jerry Ryan ( Robert Mitchum ), care se mută la New York, fugind de o relație tulbure cu soția sa. La New York, Ryan se îndrăgostește în mod neașteptat de dansatorul profesionist din Bronx , Gittel Mosca ( Shirley MacLaine ). Între ei izbucnește o dragoste, dar diferențele de temperament, statut social și stil de viață le complică constant relația. Când Ryan obține în sfârșit un divorț, îi este frică să-i spună lui Gittel despre asta, deoarece încă simte o legătură cu fosta lui soție. În ciuda faptului că sunt grozavi unul pentru celălalt, amândoi înțeleg că relația ulterioară nu le va aduce fericire și, ca urmare, Ryan se întoarce la fosta lui soție [103] . Potrivit istoricului de film contemporan Craig Butler, filmul suferă de multe dintre problemele de a aduce pe marele ecran spectacolul de teatru cu doi actori: pare prea schematic și calculat. Chiar și textul actoricesc are de suferit, deoarece intensitatea vizuală a camerei oferă privitorului informații pe care nu le primesc din scenă și, prin urmare, textul devine prea expresiv, nenatural sau dur.” Filmul „suferă de toate aceste probleme, deși în cele din urmă este răscumpărat de căldura și atractivitatea poveștii în sine și de actoria dulce și vulnerabilă a lui McLain... În timp ce regia lui Robert Wise este constantă și calmă, nu reușește să depășească complet artificialitatea. care slăbeşte acest film." film" [104] . După cum a scris istoricul de film Elino Queen, „Filmul a primit recenzii mixte. În timp ce majoritatea criticilor au fost mulțumiți de performanța lui McLain, recenziile despre performanța lui Mitcham nu au fost la fel de favorabile. Cu toate acestea, filmul a primit două nominalizări la Oscar pentru cel mai bun cântec original și cea mai bună fotografie .

Pentru a-și finaliza contractul cu Metro-Goldwyn-Mayer, Wise a decis să regizeze „o mică poveste supranaturală înfricoșătoare” numită The Haunting of Hill House (1963) (tradus alternativ „Devil's Lair”), bazată pe cel mai bine vândut roman al lui Shirley, Jackson. [8] . Filmul spune povestea modului în care un antropolog celebru care este interesat de ocult ( Richard Johnson ) decide să investigheze un conac celebru cu o istorie lungă de fenomene fizice inexplicabile. Pentru a participa la cercetare, el îl invită pe viitorul moștenitor al moșiei, Luke Sanderson ( Russ Tamblyn ), precum și pe doi asistenți voluntari - Eleanor Vance ( Julie Harris ) și Theodora ( Claire Bloom ), care are o sensibilitate extrasenzorială neobișnuită . Evenimentele se desfășoară în principal în interiorul casei, arătând esența supranaturală terifiantă a ceea ce se întâmplă asociat cu conacul [106] . Filmările au avut loc în Marea Britanie cu actori britanici. Un conac lângă Stratford-upon-Avon a fost ales pentru filmări în aer liber , în timp ce interioare bogat decorate au fost construite pentru filmări în interior la studioul britanic MGM . Wise a ales să facă pictura în alb și negru, deoarece a simțit că va spori aspectul psihologic întunecat al poveștii. După cum subliniază istoricul de film Andrea Passafiume, Wise a profitat de orice ocazie pentru a lucra pentru a spori atmosfera ciudată de groază psihologică. Lucrând cu un buget limitat, Wise a creat foarte subtil atmosfera răcoritoare, folosind unghiuri interesante ale camerei, fotografii contrastante alb-negru pentru care a comandat lentile experimentale speciale și seturi izbitoare vizual. De asemenea, a abordat subtil tema lesbianismului în film, crezând că tensiunea sexuală dintre Theo și Eleanor ar adăuga un strat interesant acestei drame psihologice. După cum scrie în continuare Passafiume, „toți membrii echipei au plăcut să lucreze cu Wise, care și-a construit o reputație de-a lungul anilor ca regizor puternic, cu o mare intuiție și o lipsă totală de egoism”. Filmul a fost lansat în septembrie 1963, „speriind de moarte publicul care a îndrăznit să vină în cinematografe”. Potrivit lui Passafiume, rezultatul a fost „un film profund conceput care a stabilit un nou standard pentru genul de groază și a devenit rapid un film de referință în subgenul caselor bântuite ” [107] . La lansare, filmul a primit recenzii mixte din partea criticilor. În special, Bosley Krauser din The New York Times a scris: „Înainte ca această veche poveste de groază să ajungă la finalul ei ectoplasmatic, veți vedea în ea tot ce este în filmele de groază de modă veche, cu excepția liniei de raționament, care are cel puțin ceva sens. Este grozav ca personajele lui Harris și Bloom se ghemuiesc într-o cameră din acest conac sinistru și extravagant, strânși împreună în întuneric, ascultând zgomote înspăimântătoare în afara ușii și așteaptă cu o groază paralizantă cine știe ce. Se pare că duce undeva, în timp ce Richard Johnson o urmărește pe domnișoara Harris pe scara în spirală, care dă semne tulburătoare că înnebunește. Cu siguranță are o anumită semnificație, ceva simbolism. Cu toate acestea, acesta este doar un alt truc pentru a speria privitorul. Și acesta este scopul acestui film. Acest film pare să producă mai multă piele de găină decât are sens, ceea ce este destul de neașteptat și dezamăgitor pentru un film cu două astfel de actrițe care sunt foarte bune pe tot parcursul și care este produs și regizat de priceputul Robert Wise . Recenzia revistei Variety a remarcat: „Cinematografia pricepută a lui Wise și a echipajului său nu reușește să depășească complet deficiențele majore ale scenariului. Ajustând spectatorul la așteptarea concluziilor științifice în domeniul fenomenelor mentale, filmul intră complet într-un punct culminant melodramatic cu jumătate de inimă. Imaginea este excelentă în termeni pur cinematografic, cu o îndemânare extraordinară de a crea emoție vizuală și imagini de groază iminente. Casa în sine acționează ca o personalitate monstruoasă, devenind cu siguranță vedeta filmului. Singura păcat este că toată această ingeniozitate din lucrare este irosită pe o poveste ecran care nu este capabilă să susțină o componentă artistică atât de puternică . Criticii moderni de film acordă în general filmului un rating ridicat. În special, Dennis Schwartz a scris: „Wise regizează acest thriller de groază foarte apreciat, creând o atmosferă claustrofobă amenințătoare și construind casa ca un loc în care sălășluiește răul. Acest film știe cum să evoce frica de povestea unei case bântuite... Cu siguranță un film de groază spectaculos, unul dintre cele mai bune din genul său, oferind în mod eficient fiorii și uimirea necesare pentru a satisface nevoile iubitorilor de groază . Pentru această imagine, Wise a fost nominalizat la „ Globul de Aur ” drept cel mai bun regizor [111] .

Wise a regizat următorul său film, The Sound of Music (1966), bazat pe muzical de scenă cu același nume de Richard Rodgers și Oscar Hammerstein II , care a debutat pe Broadway în 1959, cu un mare succes comercial . Povestea musicalului a fost preluată din autobiografia din 1949 a Mariei Augusta von Trapp , The History of the Trapp Singing Family. După ce a cumpărat drepturile de film ale cărții, Vincent Jay Donahue a fost abordat de Paramount Pictures pentru a regiza filmul cu Audrey Hepburn în rolul principal, dar a decis să preia producția teatrală . Potrivit lui Adam Bernstein de la The Washington Post , producția filmului a fost în îndoială pentru o lungă perioadă de timp, deoarece musicalul de pe Broadway, deși rulează mult timp, a primit presă negativă. În special, criticul de teatru The New York Times Walter Kerr a scris că spectacolul a fost „prea dulce pentru cuvinte și nu mai puțin dulce pentru muzică” [6] . În 1960, Twentieth Century Fox a cumpărat drepturile de film pentru 1,25 milioane de dolari, cea mai mare sumă plătită pentru material literar la acea vreme. Totodată, contractul prevedea că filmul nu va fi lansat pe ecrane până în 1963, adică până la finalizarea primei rulări a piesei de pe Broadway. Regia filmului a fost oferită regizorului William Wyler , iar după refuzul acestuia din octombrie 1963, Wise a fost desemnat să regizeze . Wise a refuzat inițial să facă filmul, dar ulterior a ajuns la un compromis cu studioul, stipulând procentul său din profiturile filmului, precum și o promisiune din partea studioului de a-și finanța filmul Gunboat , care a fost blocat din cauza unor probleme de buget [113] . Bazat pe producția de la Broadway, Wise a sugerat să nu facă din film o poveste sentimentală prea dulce, a eliminat melodiile mai puțin cunoscute și a adăugat actorie vocală suplimentară pentru a îmbunătăți tranzițiile semantice dintre scene [114] . De asemenea, a reformulat o parte a piesei și a eliberat-o de teatralitate, începând tabloul cu fotografii cu elicopterul cu vederi ale Alpilor austrieci [6] .

Filmul este plasat în 1938 în Salzburg , Austria . Mănăstirea o trimite pe tânăra candidată la noviciat Maria ( Julie Andrews ) la casa căpitanului de mare văduv Georg Ludwig von Trapp ( Christopher Plummer ) ca guvernantă pentru cei șapte copii ai săi. La început, copiii o întâlnesc neprietenos, dar datorită dispoziției ei amabile și vesele, Maria se apropie rapid de copii și îi inițiază în cântat. Guvernanta însăși se îndrăgostește de von Trapp, care este logodit cu o baroneasă bogată, iar el îi revine lui Mary. Dându-și seama de situație, Baroneasa îl eliberează pe căpitan pentru a putea fi alături de Maria. Între timp, ca urmare a Anschluss , Austria devine parte a Germaniei naziste , iar von Trapp este recrutat în serviciul militar. Nedorind să slujească Reich -ul , el caută o amânare pe motiv că, împreună cu ansamblul de cântări ale familiei von Trappov, trebuie să participe la Festivalul de muzică de la Salzburg . Imediat după spectacol, fără să aștepte premiul I, von Trapp evadează în Elveția cu toată familia . Filmul a fost filmat în munții Tirolezi în magnificul format de culoare Todd-AO . După cum notează Bergan, „melodiile lui Rodgers și Hammerstein, utilizarea unor locații impresionante din jurul Salzburgului și interpretarea sănătoasă și curată a lui Julie Andrews au ajutat filmul să devină un succes de box office îndrăgit” [8] .

Cu toate acestea, în ciuda popularității sale mari în rândul publicului, imaginea a primit recenzii mixte din partea criticilor, care credeau că, la fel ca producția de scenă, filmul era prea „zahăr” și banal. În mod remarcabil, renumitul critic de film Pauline Cale a fost concediat din revista McCall după ce a numit filmul „minciuni glazurate pe care oamenii par să vrea să le consume”, susținând că filmul manipulează emoțional spectatorul cu „răspunsuri ieftine și gata făcute” [112] . La rândul său, Bosley Crowser, în recenzia sa din The New York Times, nota: „Faptul că, în ciuda slăbiciunii evidente a cărții pe care a fost pusă în scenă, musicalul de pe Broadway a rezistat pe scenă timp de trei ani și jumătate, a dat producătorul-regizorul Robert Wise are încredere să ia ceea ce l-a făcut popular în teatru și să-l facă la fel de popular pe ecran. Este abundența veselă a sentimentelor simple de familie și beatitudinea melodică a muzicii lui Rodgers și Hammerstein. Drept urmare, Wise a realizat un film plin color magnific, care se apropie de repetarea meticuloasă a spectacolului de scenă, până la construcția operetei care a precedat epoca cinematografiei. În acest sens, Wise „și-a folosit camerele pentru a crea o imagine magnifică a Salzburgului și a împrejurimilor sale din Alpii austrieci. Totul este pus în scenă de Wise într-un stil sentimental confortabil, despre care chiar și cei din teatru știu că este depășit.” Spre final, filmul suferă de repetitivitate, dar „sentimentele sale sunt abundente”. După cum conchide Krauser, „Din punct de vedere al afacerilor, domnul Wise este departe de a fi simplu” [115] . James Powers de la The Hollywood Reporter , care s-a bucurat de film, a scris: „Această înregistrare a 20th Century Fox va fi un succes cinematografic al tuturor timpurilor, unul dintre cele mai bune filme ale tuturor timpurilor. Îți reînvie credința în cinema și credința în umanism. O face cu inteligență molipsitoare, jovialitate constantă, spiritualitate simplă și realistă și romantism al durerii și al durerii de inimă. În primul rând, trebuie să-i mulțumim producătorului-regizor Wise pentru priceperea sa neîntrecută în realizarea filmului... Wise arată cu acest film că se poate descurca cu orice și face asta cu o ingeniozitate inconfundabilă... Filmul are gust, emoție, inimă și minte, care în primul loc pe care Wise l-a investit în ea” [116] .

După cum notează Goering, The Sound of Music a fost unul dintre filmele cu cele mai mari încasări din istorie [113] . Cu un buget de 6-7 milioane, filmul a costat 8 milioane. Cu toate acestea, filmul a devenit o senzație de box office, la început chiar depășind Gone With the Wind (1940) drept filmul cu cele mai mari încasări din istorie (mai târziu Gone a recâștigat primul loc). Poza a durat în cinematografe timp de peste un an, iar studioul urma să o lanseze într-o lansare mai largă, făcând demonstrații în locații și drive-in-uri locale suplimentare . The New York Times a remarcat apariția obișnuită a publicului care vin să vadă filmul de mai multe ori, uneori în fiecare zi, ca o formă de „terapie”. În 2014, The Sound of Music a fost al cincilea film cu cele mai mari încasări din istorie, încasând (ajustat pentru inflație) 2,3 miliarde de dolari la nivel mondial [112] . Filmul a câștigat cinci „ Oscar ” - ca cea mai bună imagine și pentru cel mai bun regizor (Wise a primit ambele premii), pentru cel mai bun montaj și pentru cea mai bună muzică. De asemenea, a fost nominalizat la încă cinci premii Oscar la categoriile Cea mai bună actriță (Andrews), Cea mai bună actriță în rol secundar ( Peggy Wood ), Cea mai bună regie artistică, Cea mai bună fotografie și Cel mai bun design de costume.” [112] Filmul a câștigat și Globul de Aur pentru Cel mai bun . Comedie sau muzical, iar Andrews a câștigat premiul pentru cea mai bună actriță.Ca cel mai bun regizor, Wise a fost nominalizat atât la Globul de Aur, cât și la Guild of America [117] .

După această imagine, Wise a reușit să înceapă să lucreze la „filmul său lung de marina” The Gunboat (cunoscut și sub numele de Sand Pebbles) (1966) [8] . După cum subliniază Goering, Wise a tratat The Sound of Music ca pe un film trecător pe care l-a făcut pentru a liniști conducerea studioului și pentru a asigura finanțarea pentru producția acestui film mai complex, care a blocat din cauza lipsei de fonduri [118] . Filmul este plasat în 1926, în timpul războiului civil chinez [119] . Jack Holman ( Steve McQueen ) este desemnat ca mecanic pe canoniera americană San Pablo, care patrulează pe râul Yangtze . Datorită naturii sale independente, Jack se confruntă în curând cu probleme de relație atât cu membrii echipajului, cât și cu localnicii. Colegul și prietenul său, Frenchy ( Richard Attenborough ) se îndrăgostește de o chineză Miley ( Emmanuelle Arsan ), iar cu ajutorul lui Jack o salvează dintr-un bordel. Frenchy și Miley se căsătoresc, iar Jack începe o relație cu profesoara americană Shirley ( Candice Bergen ), care, totuși, în curând pleacă în provincie pentru a lucra într-o misiune religioasă. Frenchy moare brusc de pneumonie , după care un grup ostil chinez o ucide pe Miley, acuzându-l pe Jack pentru uciderea ei. Chinezii înfuriați, care sunt gata să atace barca, pot fi opriți doar cu ajutorul focului de mitralieră. Când luptele din Războiul Civil se apropie de misiune, canoniera merge în ajutor. Jack reușește să o pună pe Shirley pe barca care pleacă, dar el însuși moare într-o bătălie sângeroasă.

Pentru acest film, Wise a reușit să adune o echipă foarte puternică. În special, el a fost foarte mulțumit de interpretarea lui McQueen, menționând că „nu a lucrat niciodată cu un actor care știa atât de bine că lucrează pentru el”. Când pregătea o scenă, McQueen sugera adesea cum ar putea să o joace și, potrivit lui Wise, „foarte des avea dreptate” [6] . După cum a remarcat istoricul de film David Sterritt, „Lucrând cu excelentul director de imagine Joseph McDonald , care a filmat în noul sistem Panavision , și cu designerul de producție la fel de talentat Boris Leven , Wise a petrecut patru ani (filmarea în sine a durat șapte luni) și a petrecut mai mult de șase luni. milioane de dolari, inclusiv 650.000 pentru taxa lui McQueen și 250.000 pentru o canonieră construită în Hong Kong , transformând filmul într-un spectacol cu adevărat epic de trei ore. În cele din urmă, filmul și-a dublat bugetul, dar a acoperit mai mult decât costurile, câștigând peste 30 de milioane de dolari .

Mulți critici le-a plăcut filmul [120] . Potrivit lui Goering, Gunboat a fost lăudat de critici drept „un film epic, o alegorie pentru războiul din Vietnam , regizat de un regizor anti-război și purtând un mesaj în acest sens.” [ 118] A fost unul dintre primele filme inspirate de războiul din Vietnam, urmat de Catch 22 (1970) și Military Field Hospital (1970) [121] . Astfel, Bosley Crowser din The New York Times a remarcat că „publicul va vedea filmul nu doar ca pe o poveste despre o canonieră americană în China în 1926”, deși aceasta oferă și o „imagine fascinantă, exotică și complexă”. Cu toate acestea, cel mai probabil, telespectatorii vor vedea în imagine „o aluzie ciudată la ceea ce s-a întâmplat și se întâmplă în Vietnam ”. Cu „conexiunea sa grafică și metaforică cu problema noastră actuală din Orientul Îndepărtat , filmul are o mare relevanță și impact. „Acesta este un film întunecat și agitat” care are loc „de la lupte cu echipajul până la spargerea sângeroasă a blocadei unui râu”. El mai sugerează că „folosirea forțelor americane pentru a ne proteja interesele și cetățenii noștri din străinătate, în special în fața turbulențelor politice, este un exercițiu inutil și ridicol”. Potrivit criticului, filmul mai arată că „vechea practică rudimentară de a privi cu dispreț o rasă „inferioară” este arogantă, ipocrită și duce la o moarte vanitosă” departe de casă. După cum conchide Krauser, „acesta este un film frumos regizat de Wise în culori frumoase” care leagă „o încercare curioasă și neuniformă de a avea un roman de război” cu „o explozie puternică și copleșitoare de dezastru deasupra capului nostru.” [ 122] După cum s-a menționat în Variety , „pe baza tulburărilor politice și militare din 1926 din China, producătorul-regizor Robert Wise a creat o dramă senzuală, personală, pe fundalul diplomației cu canonierele marinei americane de atunci ”. Filmul este „frumos regizat, cu o actorie superbă”. Totuși, în opinia recenzorului, „suferă de supraexpunere”, cu rezultatul că, deși „fiecare scenă este distinctă în sine, intensitatea dramatică generală se diminuează spre final” [123] . Potrivit lui Stafford, „imaginea nu și-a pierdut relevanța pentru lumea noastră zbuciumată” [120] .

Filmul a primit numeroase premii prestigioase. Deși filmul nu a câștigat niciun premiu Oscar, a primit opt nominalizări la Oscar pentru cel mai bun film (Wise), cel mai bun actor (McQueen), cel mai bun actor în rol secundar ( Mako ) și cea mai bună fotografie în culoare. , cea mai bună regie artistică, cea mai bună muzică, cel mai bun montaj și Cel mai bun sunet. Attenborough a câștigat un Glob de Aur pentru cel mai bun actor în rol secundar, iar filmul a primit încă șapte nominalizări la Globul de Aur, inclusiv cel mai bun film dramă, Wise pentru cel mai bun regizor și McQueen pentru cel mai bun actor. Directors Guild of America l-a nominalizat pe Wise pentru remarcabila realizare regizoriala in film [120] [124] . După cum a remarcat Goering, „Recenzii excelente ale acestui film au marcat ultimul „apoge creativ” al lui Wise din lunga sa carieră” [125] .

După cum a menționat Adam Bernstein, următorul film Star! (1968), „un film biografic despre actrița britanică de teatru Gertrude Lawrence , cu Julie Andrews, a fost un eșec critic și de box office pentru Wise” [6] . Potrivit lui Bergan, „După o plimbare ușoară prin dealuri, Andrews și Wise, care erau dornici să lucreze din nou împreună, au căzut cu fața în jos cu acest film biopic învechit” [8] . Acțiunea acestei imagini începe în 1940, când Gertrude Lawrence (Andrews) urmărește un documentar despre viața ei și își amintește trecutul. Acțiunea se schimbă în 1915, când pleacă de acasă pentru a cânta cu tatăl ei într-o sală de muzică ieftină de la periferia Londrei . Reușește să intre în figuranții Teatrului André Charlot ( Alan Oppenheimer ) din West End , unde dorința ei de a ieși în evidență atrage atenția regizorului Jack Roper ( John Collin ). El îi oferă rolul de substudiu al personajelor principale, iar în curând Gertrude se căsătorește cu el. În timpul sarcinii, ea înlocuiește o vedetă de spectacol dispărută, obținând o reacție entuziastă a publicului, după care devine clar că s-a născut pentru scenă. După nașterea fiicei ei Pamela, relația lui Gertrude cu Roper se deteriorează, iar în curând începe să se întâlnească cu diplomatul englez Anthony Spencer ( Michael Craig ), care o transformă într-o doamnă. După ce a fost concediată de la Teatrul Charlot pentru absenteism, în compania lui Spencer, devine draga societății laice. Prietenul din copilărie, celebrul scriitor și figură de teatru Noel Coward ( Daniel Massey ) o convinge să joace rolul principal în noua sa producție, datorită căreia Gertrude devine vedetă. Când spectacolul se mută la New York, ea începe relații cu actorul Charles Frazier ( Robert Reed ) și agentul de bursă Ben Mitchell ( Anthony Eisley ), dar cheltuiala ei o împinge curând în pragul falimentului. Cu toate acestea, în cele din urmă, reușește să-și plătească creditorii și să-și mențină imaginea plină de farmec. Deși cariera ei în teatru progresează rapid, relația ei cu Pamela se înrăutățește, ceea ce duce la o cădere de nervi. După ce l-a întâlnit pe omul de afaceri și producătorul de teatru Richard Aldrich ( Richard Crenna ), ea acceptă oferta de a juca în teatrul lui. La repetiție, au un conflict, după care ea pleacă, întorcându-se la Broadway. Aldrich apare la repetiția ei, unde nu se poate descurca cu rolul. El o invită pe ea și pe Coward la un club de noapte, dându-i o înțelegere despre cum să joace acest rol. După succesul piesei, Getruda se căsătorește cu Alrich . Potrivit istoricului de film Frank Miller, Gertrude Lawrence a fost „una dintre cele mai frumoase vedete de teatru ale secolului al XX-lea, iar povestea ei oferă combinația perfectă de comportament temperamental, escapade romantice și hituri muzicale”. După cum remarcă criticul, filmul a fost realizat la scară mare, la nivelul celor mai scumpe muzicale ale vremii sale. În special, apreciatul designer Donald Brooks a creat 3.040 de costume pentru film, inclusiv 125 pentru Andrews, cele mai multe costume pentru o singură actriță din orice film. Filmul a fost filmat în 14 locații din întreaga lume, iar Boris Leven a creat 185 de decoruri de studio în nouă seturi de film Fox ” [127] .

Cu toate acestea, criticii au făcut poza foarte reținuți. În special, recenzia lui Variety a afirmat că interpretarea lui Julie Andrews „se slăbește uneori între numerele muzicale, dar distribuția și o echipă minunată de tehnicieni au contribuit la un omagiu plăcut adus uneia dintre cele mai venerate vedete ale teatrului. Filmul oferă o afișare fascinantă a ascensiunii impresionante a lui Lawrence de a arăta celebritatea în afaceri, precum și un fundal atent conceput pentru o epocă de acum apuse . Renata Adler din The New York Times a scris că „Julie Andrews nu este la fel de excelentă de data aceasta (ca în The Sound of Music). Există un oarecare conflict între imaginea ei drăguță și inocentă” și modul în care filmul își prezintă personajul ca „Domnișoara Lawrence, care este portretizată ca un monstru, fără strălucirea, farmecul sau inteligența care i-ar da un stil ambițiilor. ..Oamenii cărora le plac muzicale de modă veche, vor primi satisfacții din imagine. La fel și cei care o iubesc pe Julie Andrews. Dar oamenii care au iubit-o pe Gertrude Lawrence ar fi bine să rămână cu colecțiile lor de discuri și cu memoriile lor . Potrivit criticului contemporan Hal Erickson, „Filmul sare înainte și înapoi uneori, legând salturile împreună cu materialul de știri special creat. Filmul este foarte lung, deși cifrele muzicale sunt excelente. După cum mai scrie criticul, „Lawrence a fost temperamental, sarcastic, cu picioarele pe pământ și uneori autodistructiv, iar Andrews este o încântare în acest rol. Totuși, din păcate, fanii lui Andrews, care se așteptau la o continuare la The Sound of Music, au respins-o imediat în noua ei imagine, iar filmul a devenit un uriaș eșec comercial” [130] . După cum notează Miller, „publicul mai tânăr, care devenea din ce în ce mai important, nu era interesat de film”. Studioul a încercat să atragă tinerii făcând o fotografie publicitară a lui Andrews pe o motocicletă, dar nimic nu a funcționat. Sub conducerea lui Wise, imaginea a fost scurtată cu 20 de minute la 174 de minute [127] și relansată sub noul titlu These Were the Jolly Times (1969). Totuși, potrivit lui Miller, „filmul a rămas un dezastru financiar, deși în cele din urmă a câștigat un cult loial” [130] . În cele din urmă, filmul, care a costat 14 milioane de dolari, a adus doar 2,4 milioane de dolari în SUA, iar vânzările internaționale au adus totalul la doar 10 milioane de dolari [127] . Motivul eșecului imaginii la box office, potrivit lui Goering, a fost că „Andrews a fost luat în rolul contrar tipului ei, dar Wise, ca regizor, și-a asumat responsabilitatea pentru deficiențele filmului” [131] . Wise a considerat filmul cea mai mare dezamăgire a lui, spunând că „oamenii au văzut-o pe Julie Andrews în The Sound of Music, unde totul era dulce și drăguț și nu au vrut să o vadă ca pe o fată care s-a culcat cu toată lumea și a dus un fel de viață grea. „ [ 6] .

În ciuda faptului că a fost un eșec comercial și o presă rece, filmul a fost nominalizat la șapte premii Oscar , inclusiv cea mai bună fotografie, cea mai bună regie artistică, cel mai bun design de costume și cea mai bună muzică. Actorul Daniel Massey, pe lângă nominalizarea pentru „Oscar”, a câștigat și „ Globul de Aur ” ca cel mai bun actor în rol secundar [127] . După cum scrie Miller, „După moartea sa comercială și presa grea a unuia dintre acele filme care au pus capăt musicalurilor cu buget mare de la Hollywood, imaginea a fost redescoperită de fanii săi îndrăgostiți... A fost nevoie de aproape 25 de ani pentru a-și dezvălui numeroasele virtuți. .” [ 127]

anii 1970

Pentru tot restul carierei, potrivit lui Bergan, Wise s-a încăpățânat să ajungă în curentul mainstream de la Hollywood, trecând de la science-fiction din The Andromeda Strain (1971) la filmul dezastru Hindenburg (1975), de la ocultismul lui Alien's Daughter (1977) înapoi. la science fiction cu Star Trek: The Movie (1979), care a devenit al patrulea film cu cele mai mari încasări din istoria Paramount .

Prima lucrare a lui Wise în anii 1970 a fost thrillerul SF The Andromeda Strain (1971) [132] . Filmul se bazează pe un roman al popularului autor SF Michael Crichton , drepturile de film pe care Universal le-a achiziționat în 1969 pentru 350.000 de dolari . Filmul a fost produs și regizat de Robert Wise, care a făcut unele modificări scenariului în comparație cu romanul, în special, a introdus un personaj feminin în loc de unul dintre oamenii de știință de sex masculin [133] . Filmul începe când un satelit spațial american secret, lansat pentru a colecta microorganisme extraterestre, funcționează defectuos și se prăbușește în orașul Piedmont, New Mexico , ucigând toți locuitorii orașului, cu excepția bebelușului și a orașului beat. La locul tragediei, oamenii de știință stabilesc că cauza morții oamenilor este de origine extraterestră. Pentru a descoperi cauzele a ceea ce se întâmplă, autoritățile adună rapid un grup de patru oameni de știință de seamă, care sunt duși în deșertul din Nevada , plasați într-un laborator ascuns adânc în subteran, dotat cu cele mai moderne echipamente. Oamenii de știință trebuie să afle esența microorganismului mortal care a ucis locuitorii orașului, precum și să găsească o modalitate de a-i face față. Cercetările arată că oamenii de știință au întâlnit o formă de viață necunoscută anterior - cristale care reproduc și mută rapid, care folosesc orice formă de energie care le afectează pentru a crește. Din cauza amenințării unei răspândiri rapide a tulpinii în atmosfera Pământului, oamenii de știință trebuie să găsească o soluție cât mai curând posibil. În a patra zi, când află că tulpina se răspândește prin sânge cu anumite proprietăți, aceasta scăpa de sub control și începe să pătrundă în toate nodurile laboratorului. În caz de urgență, sistemul de autodistrugere a stației cu ajutorul unei explozii nucleare este lansat automat. Dându-și seama că o astfel de explozie va duce la o răspândire necontrolată a tulpinii pe planetă, oamenii de știință reușesc să dezactiveze modul de autodistrugere în ultimul moment. Ei găsesc curând o modalitate de a neutraliza tulpina și de a preveni o amenințare mortală la adresa umanității cu ajutorul apei oceanului [134] . După cum subliniază istoricul de film Felicia Fister, s-a acordat o atenție deosebită creării unui laborator cu un design elaborat și simplificat, care amintește de interioarele filmului 2001: Odiseea spațiului (1968) de Stanley Kubrick , plasând filmul într-o lume științifico-fantastică. un viitor incert. Cu toate acestea, potrivit lui Fister, „Acel sentiment atemporal este spulberat în scena când unul dintre oamenii de știință este chemat din casă în miezul nopții și soția lui glumește că merge la o petrecere de dragoste hippie . Asemenea detalii de sincronizare, precum și aparenta paranoia cu privire la pericolele armelor nucleare și amenințarea emergentă a armelor biologice, indică faptul că aceasta este science-fiction din anii 1970, la fel cum hoardele de invadatori extratereștri au servit ca expresie a fricii publice de un comunist. invazie în filmele anilor 1950. ani”. După cum notează Fister, „În timp ce filmul pare cu siguranță depășit din punct de vedere tehnologic conform standardelor moderne de science fiction, numai laboratorul de știință a costat 300.000 de dolari pentru a construi, ceea ce a fost un cost fenomenal pentru vremea respectivă”. Și mai șocant, potrivit lui Fister, a fost ratingul G , care a permis filmului să fie difuzat fără restricții de vârstă, în ciuda faptului că „filmul conține scurte momente de nuditate și câteva detalii ciudate despre efectele organismelor asupra cadavrelor umane” [ 135]

Filmul a avut un succes comercial semnificativ. Cu un buget de 6,5 milioane de dolari [133] , veniturile filmului din teatrul intern au depășit doar 12 milioane de dolari [136] . Opiniile criticilor nu au fost însă atât de pozitive [132] . În special, Roger Greenspan din The NBU York Times a criticat filmul, scriind că „versiunea filmului nu a îmbunătățit cu nimic romanul îngrozitor al lui Michael Crichton, adăugând un ocean și câteva tăieturi la el”. Potrivit criticului, „romanul este încărcat cu o masă de informații semiștiințifice, iar Wise păstrează acest pozitivism patetic al metodei Crichton, transferându-l inevitabil actorilor. Ca urmare, cu rare excepții, nu există individualizarea imaginilor, ca să nu mai vorbim de psihologie.” În plus, „în ciuda întregii drame a situației, nu se întâmplă nimic deosebit de interesant”. Fără sentimente umane puternice și actorie puternică, „ajungem cu drama oamenilor care stau strâns pe scaune, rotind butoanele instrumentelor și vizionați pe monitoarele de televiziune” [137] . Renumitul critic de film Roger Ebert a considerat că „filmul este suficient de bun ca SF. Ceea ce este cel mai interesant la acest film este designul de producție, care pare să reia de unde au rămas interioarele stației spațiale din 2001: O Odiseea spațiului.” După cum scrie criticul în continuare, „ne aflăm într-o lume de plastic biomorf neted, curbat la nesfârșit, cu butoane și monitoare de computer”. Potrivit lui Ebert, aceasta este în contrast puternic cu majoritatea filmelor SF ale vremii, a căror problemă este neautenticitatea interioarelor, când „ni se cere să credem că eroii iau amploare undeva dincolo de Alpha Centauri , în timp ce panoul lor de control. arată ca la Studebaker din 1949 . De la O odisee a spațiului, a devenit obligatoriu ca filmele SF care se respectă să creeze medii credibile și „în acest film, este realizat absolut genial sub forma unui laborator închis ermetic la cinci niveluri sub pământ”. Spre deosebire de o anumită umanizare a computerului în A Space Odyssey, dimpotrivă, aici oamenii sunt mai mult ca computerele, iar în momentele dificile se comportă unii cu alții ca niște „mașini impersonale”. După cum rezumă Ebert: „La nivel de poveste, aceasta este o priveliște magnifică care te va face să te îngrijorezi dacă poți învinge această bucată ciudată de cristal verde extraterestră. Dar, de asemenea, merită să urmăriți acești oameni și aceste mașini.” Încercați să vă scufundați în acest „mediu din plastic automat, cu aer condiționat și iluminat artificial” și întrebați-vă „omenirea se mișcă cu adevărat în direcția corectă” [138] . Potrivit istoricului de film modern Lucia Bozzola, „Filmul combină fricile de război nuclear cu tehnofobia erei spațiale și paranoia de la începutul anilor 1970... Filmat mai ales în decoruri elaborate cu actori obscuri”, filmul demonstrează puterea și fascinația tehnologiei. Este, în cuvintele lui Bozzola, „una dintre multele imagini groaznice de avertizare ale perioadei cu privire la pericolele unei implicări excesive și ale potențialelor motive nefaste ale guvernului” care „a atras atenția cu aspectul său simplificat, futurist, adunând nominalizări la Oscar pentru regie de artă și editare ” . ] .

Melodrama „Doui ” (1973) a devenit o producție comună a Universal Pictures , Robert Wise Productions și The Filmmakers Group , iar Wise a acționat nu numai ca producător, ci și ca regizor. Filmul este despre top modelul newyorkez Deirdre McCluskey ( Lindsey Wagner ), care, după o ședință foto în Marrakech , ia un tren spre Casablanca , unde îl întâlnește pe un tânăr singuratic, Evan Bonner ( Peter Fonda ), pe care l-a cunoscut în ziua respectivă. înainte într-o cafenea. Când trenul se oprește din cauza unei avarii, Deirdre și Evan merg la plimbare într-un sat din apropiere, unde ea încearcă să flirteze cu Evan, dar acesta nu se apropie. Mai târziu, la bordul avionului de la Casablanca la Paris , Evan îi mărturisește că a dezertat din armata din Vietnam , a fost transferat la Moscova , unde s-a opus activ războiului american din Vietnam, apoi a primit azil în Suedia , de unde s-a mutat în Maroc . Dându-și seama de lipsa de sens a unei astfel de existențe și obosit de rătăcire, a decis să se predea autorităților americane și să se prezinte în fața tribunalului. Înainte de a se întoarce în SUA, Deirdre și Evan își petrec ziua și noaptea împreună la Paris. Dimineața, ea se oferă să rămână împreună în Europa, spunând că veniturile ei sunt suficiente pentru a-i întreține pe cei doi, dar el refuză. La sosirea la New York , Deirdre îl invită din nou pe Evan să rămână cu ea, totuși, hotărât să rupă trecutul său, Evan se predă autorităților. Filmul a primit recenzii predominant negative. În special, criticul de film Roger Greenspan din The New York Times l-a numit un „film foarte prost” care este „rău în toate”, iar ideea nu este atât în regizorul Wise, cât în artificialitatea și natura secundară a imaginii. [140] Roger Ebert a numit imaginea „o versiune dulce-amăruie, radicalizată a Povestei de dragoste , care este probabil ceea ce l-a determinat pe regizorul Robert Wise să se ocupe de acest proiect. Filmul este superficial atunci când pare să dorească să spună ceva despre impactul războiului asupra participanților săi. Poate fi un subiect demn de remarcat, dar nu pentru acest film. „Ceea ce obținem este o călătorie teribil de incomodă în banalitate” [141] . După cum a scris Goering, filmul a primit „recenzii slabe” și a rămas unul dintre cele mai puțin văzute filme ale lui Wise .

În 1975, Wise a produs și regizat filmul dezastru Hindenburg (1975) la Universal Studios. Acțiunea imaginii începe în Germania nazistă în 1937. Cu zvonurile care circulă despre un sabotaj iminent împotriva Hindenburg Zeppelinului , fostul pilot Luftwaffe colonelul Franz Ritter ( George C. Scott ), care a plecat să lucreze în serviciile de informații militare, este repartizat la Hindenburg ca șef al securității. La bordul zeppelinului, cu destinația SUA, se află câteva zeci de pasageri, precum și membri ai echipajului, mulți dintre care îl fac pe Ritter să fie suspicios. Printre ei se numără fosta lui iubită romantică ( Ann Bancroft ), și un om de afaceri intrigator ( Gig Young ), și oameni care au diferențe politice cu regimul nazist, precum și un agent Gestapo care are propriile sale sarcini și, în plus, doi complet misterioși. oameni ( Burgess Meredith , René Auberjonois ), al căror scop de călătorie este complet de neînțeles. După ce a elaborat o mulțime de piste false, indicii și versiuni, abia la sfârșitul imaginii, Ritter îi găsește pe organizatorii dezastrului, dar nu reușește să prevină explozia zeppelinului în timpul aterizării la baza aeriană din Lakehurst . , SUA [143] .

La lansare, filmul a fost criticat de critici [144] . În special, Roger Ebert de la Chicago Sun-Times a considerat imaginea un eșec, scriind: „Într-adevăr, acest film este un dezastru. Cum altfel poți descrie un tablou care a costat 12 milioane de dolari și care îi face pe oameni să râdă în hohote de fiecare dată, la momentul nepotrivit?” [145] . Vincent Camby, de la The New York Times, a numit poza „neînțeleasă și frântă” și „hilar de amuzantă în momentele inoportune”. Și totuși, așa cum scrie autorul, „Nu am vrut să ratez niciun cadru stupid. Iubesc filmele cu dezastre, chiar și cele proaste, din cauza efectelor speciale și a anticipării că ceva este pe cale să izbucnească. După cum scrie criticul, Wise „a făcut ca teoria binecunoscută despre evenimentele care au condus la faptul că dirijabilul a explodat și a ars la aterizare la Lakehurst este absolut improbabilă ”. În opinia sa, „filmul este semnificativ mai schizoid” decât alte filme populare de dezastru de la începutul anilor 1970, care erau o ficțiune completă. În schimb, Hindenburg este „spărțit între fapte cunoscute și ficțiune prost concepută”. După cum scrie Camby, „dacă elimini ultimele 10 minute, în care Wise descrie destul de eficient atât dezastrul în sine, cât și cronica reală de un minut a dezastrului, vei obține „un alt film plictisitor despre „marele hotel în aer”. ” [146] . După cum a scris istoricul de film contemporan Craig Butler, filmul este „ca un adevărat zeppelin, mare și umflat, dar diferit prin faptul că nu părăsește niciodată pământul, darămite plutește în aer”. Rezultatul este o „poveste plictisitoare, plictisitoare și adesea iritante despre ceea ce ar fi putut duce la un dezastru epocal” care este „plină de clișee, stereotipuri și melodramă plină de săpun”. Îi lipsesc foarte mult „personaje interesante, răsturnări credibile ale intrigii, dialog inteligent (sau pur și simplu distractiv), suspans și dinamică. Chiar dacă filmul durează puțin peste două ore, sub conducerea de plumb a lui Robert Wise, se simte mult mai lung.” În același timp, Butler remarcă și aspectele pozitive ale imaginii, în special, o recreare atentă a interiorului navei și o demonstrație a ceea ce este un zeppelin în acțiune. „De asemenea, imaginile sunt superbe, decorurile și costumele sunt foarte impresionante”, iar cinematografia este, de asemenea, superbă. Nici despre actori nu e nimic rău de spus, dar „chiar și vedetele precum Scott și Bancroft nu pot da suficientă viață unui scenariu. Toate aceste avantaje nu fac filmul bun, ci doar îl împiedică să devină același mare dezastru care sa întâmplat de fapt . În ciuda faptului că a fost un eșec critic și de box office, [ 5] filmul a câștigat premiile Oscar pentru cele mai bune efecte vizuale și lumini, precum și nominalizări la Oscar pentru cea mai bună fotografie, cea mai bună regie artistică și cel mai bun sunet .

Următorul film al lui Wise a fost thrillerul de reîncarnare Alien's Daughter (1977), la care a lucrat ca producător și ca regizor [150] . Filmul este despre familia prosperă Templeton, care într-o zi întâlnește un străin misterios, Elliot Hoover ( Anthony Hopkins ), care îi urmărește. El susține că Ivy, fiica de 11 ani a familiei Templeton, este reîncarnarea fiicei sale, Audrey Rose, care a murit într-un accident de mașină cu câteva clipe înainte ca Ivy să se nască. Câteva zile mai târziu, Ivy începe să aibă un coșmar inexplicabil, care este oprit de apariția neașteptată a lui Elliot, care apoi o duce discret pe fata la apartamentul pe care l-a închiriat la etajul de mai jos. Poliția îi găsește rapid, iar Elliot este judecat sub acuzația de răpire de copii. Un călugăr hindus este invitat la tribunal în calitate de expert, care expune teoria reîncarnării, pe baza căreia se construiesc afirmațiile lui Elliot. În timpul unei pauze din proces, mama se înregistrează temporar cu Ivy la un hotel, unde noaptea o aude pe Ivy referindu-se la Audrey Rose de mai multe ori în baia din fața oglinzii. Într-un proces ulterior, părinții cer permisiunea instanței de a folosi hipnoza pentru a demonstra că Ivy nu este reîncarnarea lui Audrey Rose. În momentul crucial al ședinței de hipnoză, Ivy își amintește de un accident de mașină, după care devine agitată și leșine. Elliot dă buzna în cameră pentru a o salva pe fată, dar aceasta moare în brațele lui. Un timp mai târziu, într-o scrisoare către Elliot, părinții recunosc că Ivy a fost reîncarnarea lui Audrey.

După lansarea filmului, evaluările criticilor au fost împărțite aproximativ în mod egal - unii l-au certat, în timp ce alții l-au lăudat. Și, scrie istoricul filmului Eleanor Queen, „Chiar și aproape douăzeci și cinci de ani mai târziu, criticilor le este greu să decidă dacă Strange Daughter a fost triumful sau eșecul lui Wise”. Desigur, filmul a avut concurenți puternici la momentul lansării - The Exorcist (1973) sau The Omen (1976). Cu toate acestea, după cum notează Quinn, spre deosebire de acele filme, „Wise nu și-a propus să-și șocheze ascultătorii; în schimb, i-a invitat să exploreze partea întunecată a necunoscutului”. În cuvintele lui Wise în timpul filmărilor, „Nu cred că vom demonstra reîncarnarea în această imagine, dar sunt foarte deschis la orice are legătură cu posibilitatea supranaturalului, a paranormalului și a altora. dimensiuni.” [ 151] Vincent Camby de la The New York Times a dat filmului o recenzie negativă după lansarea filmului, scriind că „sufletul filmului este sufletul Exorcistului după o reluare instantanee”. După cum mai notează criticul, „este foarte trist să vezi bani și resurse intelectuale aruncate în această înșelătorie, un material total lipsit de imaginație”. În același timp, „Dl. Wise nu face nimic pentru a o schimba. În schimb, el umple fiecare clișeu al scenariului cu unul al său și chiar reușește să filmeze scena culminantă a tribunalului fără absolut niciun suspans . După cum a scris mai târziu istoricul de film Craig Butler, în comparație cu Exorcistul, care a avut un succes uriaș, acest film este „un exemplu mai intelectual, mai subtil al genului, care devine atât o binecuvântare, cât și un blestem pentru el”. După cum scrie în continuare criticul, „Robert Wise a filmat filmul într-o manieră relativ restrânsă, dar încă are o parte echitabilă de momente înfricoșătoare. Lucrând dintr-un scenariu foarte pronunțat - care, spre meritul său, deși rămâne în cadrul groazei, încearcă să ia în considerare rațional conceptul de reîncarnare - Wise face textul cu perspicacitate demnitatea imaginii. Atenția sa se concentrează pe replicile actorilor, adesea monologuri, care creează tensiune. În cele din urmă, „pretențiozitatea și uscăciunea intelectuală a scenariului împiedică filmul să fie thrillerul de top care ar putea fi, dar este totuși o alternativă demnă la thrillerele mai cunoscute” [153] .

Doi ani mai târziu, Paramount Pictures l-a invitat pe Wise să regizeze filmul științifico-fantastic Star Trek: The Movie (1979), primul lungmetraj bazat pe popularul serial de televiziune Star Trek (1966–1969), creat de Gene Roddenberry . După cum se menționează în informațiile de la Institutul American de Film , NBC , care deținea serialul, pe baza evaluărilor, nu l-a considerat un succes deosebit și, în cele din urmă, l-a închis în 1969. Cu toate acestea, seria a dezvoltat un grup considerabil de fani dedicați, iar începând cu 1969, seria a obținut un succes major în sindicare . Drept urmare, în 1974, Roddenberry a propus Paramount Pictures să realizeze un lungmetraj bazat pe serial, intenționând să mai facă ulterior câteva filme sau să lanseze un serial de televiziune actualizat. Roddenberry a scris prima schiță a scenariului, dar studioul a respins-o, demarând o căutare independentă de scenariști. În cele din urmă, după câțiva ani de căutări inutile , Paramount a decis să renunțe la realizarea filmului și să se concentreze pe o serie remasterizată pentru sindicare. Cu toate acestea, după succesul uriaș al Star Wars (1977) și Close Encounters of the Third Kind (1977), Paramount a revenit în mod neașteptat la ideea unui lungmetraj. În primăvara anului 1978, studioul a anunțat oficial un plan de a realiza un film de 15 milioane de dolari regizat de Robert Wise. Wise a început prin a rafina personajele și, în cele din urmă, l-a convins pe Leonard Nimoy să revină la proiect, reținând în cele din urmă toți actorii principali pentru film, precum și mulți membri ai echipei de creație din seria originală. Filmările au început în august 1978 la Paramount Studios din Hollywood. Pentru film au fost realizate costume noi și peisaje scumpe. Zece decoruri au fost ocupate de diverse interioare de nave spațiale la studio, iar crearea podului căpitanului navei spațiale a costat 1 milion de dolari. Fotografia principală s-a încheiat cu două săptămâni mai târziu, la sfârșitul lunii ianuarie 1979. Imaginea a fost afectată de dificultăți cu crearea de efecte speciale de înaltă calitate și, ca urmare, contractul cu ASTRA , care nu a putut obține rezultatele necesare, după ce a cheltuit 5 milioane de dolari, a fost reziliat. Ea a fost înlocuită de un maestru experimentat în efecte speciale , Douglas Turnbull , care a refăcut toată munca. Drept urmare, potrivit unui articol din Los Angeles Times , costul realizării filmului a depășit 42 de milioane de dolari, iar unele surse au estimat cifra la 45 de milioane de dolari, făcându-l unul dintre cele mai scumpe lungmetraje ale timpului său [154] .

Filmul este plasat în secolul 23, la câțiva ani după întoarcerea navei spațiale Enterprise pe Pământ. Căpitanul navei, James Kirk ( William Shatner ), este avansat la gradul de amiral și repartizat la sediul flotei spațiale, în timp ce nava însăși suferă o profundă modernizare. Cu toate acestea, când o amenințare la adresa Pământului apare din spațiu, Kirk este din nou pus la conducerea navei. Un misterios nor de energie, de mărimea unei planete, de o putere enormă, se apropie de Pământ, care este capabil să distrugă totul în cale. Împreună cu Spock (Leonard Nimoy), Dr. McCoy ( DeForrest Kelly ) și restul echipajului său, Kirk pilotează Enterprise în interiorul unui nor de energie, descoperind că este sonda spațială Voyager de mult pierdută a NASA . După ce a absorbit date bogate despre univers în timpul călătoriei sale de secole, nava s-a transformat într-o ființă inteligentă, autointitulându-se V'Ger, care s-a întors în căutarea creatorului său.

Filmul a obținut un succes comercial notabil [5] . Potrivit The Hollywood Reporter pe 22 noiembrie 1996, filmul a câștigat 82,3 milioane de dolari numai din lansările interne [154] . Cu toate acestea, conform The New York Times, a primit recenzii dezamăgitoare din partea criticilor [5] . În recenzia sa din 10 decembrie 1979 din Los Angeles Times, Charles Champlin a scris, parțial, că „Filmul se bazează foarte mult pe efectele speciale, dar îi lipsește atât acțiunea și emoția Războiului Stelelor, cât și misticismul Odiseei în spațiu.” ,” și „întrima în sine nu este suficient de grea pentru un film de două ore” [154] . Popularul critic de film Leonard Maltin a numit filmul „lent, pronunțat și la mâna a doua, salvat în parte de efectele speciale uimitoare” [155] . Pe de altă parte, Variety a remarcat în recenzia sa că „producătorul Roddenberry și regizorul Wise au adunat o echipă tehnică formidabilă, rezultând cea mai modernă minune a ecranului... Acest thriller conține toate ingredientele care au cucerit inimile fanilor - este, de asemenea, o dilemă filosofică, prezentată de tema controlului asupra minții și problemele cu nava spațială și Kirk de încredere și înțelegător și Spock mereu logic și episodul tensionat cu o întorsătură a intrigii la sfârșitul imaginii. Dar secretul principal al filmului au fost efectele scumpe ale lui Douglas Turnbull, „a cărui magie uimitoare își justifică bugetul colosal” [156] . Drept urmare, filmul a fost nominalizat la trei premii Oscar - pentru cea mai bună regie artistică, cea mai bună muzică și cele mai bune efecte vizuale [154] . Succesul comercial al filmului a dus la faptul că în 1982-1991 au mai fost lansate cinci lungmetraje, iar din 1987 până în 1994 seria Star Trek: The Next Generation a fost difuzată la televizor . În 2001, cu acordul Paramount , Wise a reeditat unele dintre scenele și efectele speciale ale imaginii și, de asemenea, a înlocuit o parte din material, lansând o nouă versiune a imaginii pe DVD [154] .

1980–2000

După Star Trek: The Movie, Wise a decis să renunțe la regie și să se concentreze doar pe producție . În 1986, Wise a fost inclus în credite ca producător executiv al melodramei criminale Wisdom (1986), care a fost scrisă și regizată de popularul actor Emilio Estevez , în vârstă de 23 de ani , care a jucat în film cu Demi Moore . Wise, într-un interviu pentru The New York Times, s-a referit la poziția sa în film ca „director executiv”, afirmând că a preluat postul la cererea companiei de producție Gladden Entertainment Corporation cu acordul lui Estevez. Potrivit lui Wise, rolul său în film semăna mai degrabă cu cel de mentor: „Eram pe platourile de filmare să-l ajut când voia să discute ceva sau voia să mă asigur că a ales unghiul potrivit sau că va arăta bine în editare, dacă unghiurile alese o acoperire adecvată a scenei. Nu am intervenit niciodată când a pregătit scena. Dar când ceva m-a deranjat, l-am luat deoparte și i-am spus: „Fii atent cu asta, sau urmărește cu atenție, fii atent, după părerea mea, arată greșit în acest cadru”. Am discutat mai ales probleme tehnice.” Wise credea că a fost primul dintre regizorii veterani care a jucat rolul unui mentor, transmițând experiența sa unei noi generații de cineaști. Potrivit lui, „Poate că acesta va servi drept exemplu pentru alți regizori cu experiență să facă același lucru. Dar tinerii regizori ar trebui să-și dorească asta. Acesta este principalul” [157] .

Ultimul lungmetraj al lui Wise, în care, potrivit lui Bergan, „din păcate a acceptat să acționeze ca regizor”, a fost melodramă - muzical-criminală Rooftop War (1989) [8] . Filmul este plasat în Manhattan , asemănând foarte mult cu mediul prezentat în West Side Story . Protagonistul filmului, un adolescent alb liniștit și blând T pleacă de acasă, găsindu-și adăpost într-un vechi turn de apă situat pe acoperișul unei clădiri înalte abandonate. În jurul lui, se adună un grup de tipi similari, inclusiv un artist de graffiti de stradă poreclit Squeak, cu care trăiesc în principal prin colectarea de fier vechi și furturi mărunte. Seara, băieții se adună pe acoperiș pentru o „luptă”, un fel de amestec de karate și dans fără contact, al cărui scop este să forțeze adversarul să iasă de pe teren. Ceva mai târziu, traficantul de droguri Lobo își înființează propriul magazin de crack în casa în care locuiește T. Lobo este forțat să lucreze pentru frumoasa sa verișoară Elana, cu care T dezvoltă sentimente reciproce. După uciderea lui Squeak, conflictul dintre T și băieții lui, pe de o parte, și traficanții de droguri ai lui Lobo, pe de altă parte, escaladează, ducând la o ciocnire decisivă în care T este forțat să-și folosească abilitățile de „luptă” [158] . Renumitul critic de film Chicago Sun-Times, Roger Ebert, a respins filmul drept „nerealist”, „previzibil” și „secundar”, o încercare nereușită de a transforma o fantezie muzicală clișeală într-o poveste plină de sens . După cum a remarcat Goering, filmul „a trecut practic neobservat” [155] .

În 2000, la vârsta de 86 de ani, Wise a revenit încă o dată la regie, regândind melodrama Summer Storm (2000) pentru compania de televiziune prin cablu Showtime . Amplasat în 1969, personajul principal, un proprietar evreu nemulțumit dintr-un mic oraș din nordul statului New York ( Peter Falk ), este forțat de circumstanțe să adopte un băiat negru fără adăpost în casa lui. La început, între ei se dezvoltă relații ostile, care însă se dezvoltă treptat într-o puternică prietenie după ce se dovedește că ambii cei mai apropiați oameni ai lor au murit eroic în război [6] [7] [160] . După cum a remarcat criticul de film Craig Butler, deși scenariul foarte puternic, scris de Rod Serling în 1969, este „puțin învechit”, acest lucru nu se datorează problemelor sociale puse în el. În același timp, Wise pune tabloul cu profesionalismul și sensibilitatea lui obișnuită, având adunat o distribuție excelentă de interpreți [161] . Filmul a câștigat un premiu Daytime Emmy pentru cel mai bun film pentru copii .

Când filmele lui Wise au început să fie lansate pe DVD , el a înregistrat voice-over-uri pentru filmele sale The Sound of Music, House on Ghost Hill și The Set-Up și a supravegheat voice-over-uri pentru Gunboat și Administrative Power. El a oferit, de asemenea, comentarii de voce off pentru filmul regizorului din Star Trek: Filmul pe DVD , care conținea scene recupate, efecte optice noi și mixare audio nouă. Acesta a fost ultimul proiect al lui Wise [163] .

Evaluarea creativității

Robert Wise a fost un regizor respectat care a obținut o largă recunoaștere pentru munca sa atât în mediul profesional, cât și printre numeroși admiratori. După cum se menționează în The New York Times, „Wise a fost un maestru conștiincios și onest al multor genuri de film, care a fost respectat de mulți dintre colegii săi pentru capacitatea sa de a găsi un echilibru între comerț și artă, pentru profesionalismul și calmul său și pentru a ajuta cineaști aspiranți » [5] . Potrivit lui Goering, Wise „avea reputația de a avea o etică puternică a producției, precum și de a fi un regizor cumpătat cu un buget” [164] . După cum notează Adam Bernstein în The Washington Post, „Pentru a înțelege mai bine profesia de actor, Wise a luat lecții de actorie la începutul carierei sale în film, iar munca sa a fost adesea ghidată de credința în intuiția actoriei. Din această cauză, ca regizor , s -a înconjurat de actori de top, printre care William Holden , Paul Newman , Robert Ryan , Burt Lancaster , Susan Hayward și Julie Harris .

După cum a notat The New York Times, Wise „se considera „un director de conținut, nu un mesaj și nu se temea să experimenteze.” [5] ” [6] În cuvintele lui Bergan, „cu mișcare abil de la gen la gen, stil. pentru stil, el a fost unul dintre regizorii de frunte ai Hollywood-ului”, în timp ce Wise „a făcut-o fără prea multă consecvență sau fără dovadă de atingere personală.” [ 8] [5] Potrivit lui Bernstein, „el a respins punctele de vedere ale celor, în cuvintele sale, critici „ezoterici” care credeau asta atunci nu are un singur stil și au vrut să-l numească fie regele suspansului ca Alfred Hitchcock , fie maestru al western-urilor ca John Ford ” [6] . Wise a spus: „Unii critici mai dedicați susțin că nu există un stil sau o scriere de mână a lui Robert Wise. Răspunsul meu la aceasta este că am încercat să stăpânesc fiecare gen în orice stil cinematografic cred că este potrivit pentru acel gen. În niciun caz nu aș aborda The Sound of Music cu aceeași abordare ca și pe I Want to Live! „și asta explică confuzia stilurilor” [7] . Michael Apted , președintele Directors Guild of America , a declarat într-o declarație după moartea lui Wise că „dedicarea lui față de profesia de film și bogăția cunoștințelor sale despre ceea ce facem și cum o facem a fost un cadou special pentru colegii săi regizori”. [7] .

Wise a obținut prima sa recunoaștere cinematografică la începutul anilor 1940 ca editor de film pentru filmele „de epocă” ale lui Orson Welles, precum Citizen Kane și The Magnificent Ambersons . În timpul Epocii de Aur a cinematografiei din anii 1940, Wise a început el însuși să regizeze filme B cu succes la RKO Pictures , după care a realizat filme semnificative de-a lungul anilor 1950 și 1970 [5] . Construindu-și o reputație de meșter organizat și fără cusur, a lucrat în aproape toate genurile, de la dramă înaltă la comedie romantică, de la film noir la filme despre supranatural [7] . În total, Wise a regizat 39 de filme, de la science-fiction („ The Day the Earth Stood Still ”) și dramă cu probleme („I Want to Live!”) până la povești de război („ Go Quiet, Deep Deep ”) și western („ Lăudați pe Omul Rău ") [9] .

Potrivit The New York Times, „Cariera lui Wise a crescut vertiginos” cu West Side Story , adaptarea cinematografică din 1961 a celebrului musical de la Broadway , pentru care a câștigat un Oscar pentru cel mai bun regizor alături de coregraful Jerome Robbins . A primit un al doilea Oscar ca producător când filmul a fost desemnat cel mai bun film. Wise a câștigat al treilea și al patrulea premiu Oscar pentru The Sound of Music , „o adaptare generoasă a celebrului musical de teatru”, unde a fost din nou numit Cel mai bun regizor și cel mai bun producător [5] . Potrivit Chicago Sun-Times, West Side Story și The Sound of Music sunt „două dintre cele mai apreciate și populare muzicale din toate timpurile” [9] . Filmele lui Wise au inclus, de asemenea, drama de afaceri Administrative Power , filmul de box Somebody Up There Loves Me , povestea criminală rasială Betting on Tomorrow și povestea bântuită The Haunting of Hill House . Potrivit lui Bergan, „cea mai mare putere a lui Wise au fost dramele realiste întunecate, ieftine, alb-negru” [8] . Wise însuși s-a referit la The Haunting of Hill House drept filmele sale preferate, precum și la drama pedepsei cu moartea I Want to Live!. Alte filme Wise pe care The New York Times consideră că publicul continuă să le vizioneze cu entuziasm sunt Horror Body Snatcher , The Set Up și The Day the Earth Stood Still [ 5] .

Activități sociale

În 1966, Wise a devenit membru al Consiliului guvernatorilor Academiei de Arte și Științe Cinematografice , a fost ales vicepreședinte al Academiei de patru ori, iar din 1985 până în 1989 a fost președintele acesteia [165] [5] [9] [ 6] .

Wise a fost președinte al Directors Guild of America în perioada 1971-1975 . A înființat Comitetul pentru proiecte speciale al breslei, pe care l-a prezidat între 1976 și 2000 [166] [9] [6]

Wise a fost, de asemenea, membru al Consiliului de Administrație al Institutului American de Film și a fost președintele Centrului său pentru Cercetare Științifică [7] .

Wise a fost un filantrop liberal de o viață, a ajutat organizații de caritate, inclusiv Uniunea Americană pentru Libertăți Civile și a fondat Fundația Robert E. Wise pentru a oferi sprijin financiar pentru proiectele din Los Angeles .

Viața personală

Robert Wise a fost căsătorit de două ori. În 1942 s-a căsătorit cu actrița Patricia Doyle [168] care s-a retras din actorie după căsătoria lor. La un an după căsătorie, cuplul a avut un fiu, Robert Allen, care mai târziu a devenit asistent operator [169] . Patricia a murit de cancer în 1975 [144] [6] [7] .

În 1977, Wise s-a căsătorit cu Millicent Franklin, care a avut un rol mic în Star Trek: The Movie [ 170] . Această căsătorie a durat până la moartea directorului în 2005. Pe lângă soția și fiul său din prima căsătorie, Wise a avut și o fiică adoptivă, Pamela Rosenberg, și o nepoată [5] [8] [6] [7] .

Moartea

Robert Wise a murit pe 14 septembrie 2005 la UCLA Medical Center la vârsta de 91 de ani din cauza insuficienței cardiace [5] [6] [9] .

Potrivit prietenului de familie Lawrence Mirisch, cu trei zile înainte de moartea sa, Wise a fost vesel și vesel în timpul sărbătorii a 91 de ani, la care au participat două duzini de prieteni apropiați [7] [9] .

Premii și nominalizări

Pe parcursul carierei sale de peste 50 de ani, Wise a fost nominalizat de șapte ori la Premiul Academiei [9] . În total, a câștigat patru premii Oscar - de două ori ca regizor și de două ori ca producător - pentru West Side Story (1961) și The Sound of Music (1965) [162] . El a primit, de asemenea, nominalizări la Oscar pentru editarea sa clasicului Citizen Kane al lui Orson Welles , producția sa din I Want to Live! „(1958) și ca producător al filmului „ Gunboat ” (1966), care a fost nominalizat drept cel mai bun film [9] .

Nouă actori și actrițe care au fost nominalizați la Oscar pentru rolul în filme regizate de Wise sunt Nina Foch , Susan Hayward , Rita Moreno , George Chakiris , Julie Andrews , Peggy Wood , Steve McQueen , Mako și Daniel Massey . Dintre aceștia, trei - Hayward, Moreno și Chakiris - au câștigat acest premiu [171] .

Wise a primit unele dintre cele mai onorate premii din industria cinematografică americană. În 1966, Academia de Arte și Științe Cinematografice i- a înmânat oferit premiul D.W.Guild of America Directors, în 1988,Premiul Irving G. Thalberglui Wise Institutul American de Film [162] [ 5] [7] .

Trei dintre filmele lui Wise au fost incluse în lista Institutului American de Film cu cele mai bune 100 de filme americane din toate timpurile, inclusiv Citizen Kane pe locul 1, The Sound of Music pe locul 40 și West Side Story pe locul 51. ] [172] .

Răsplată	An	Categorie	Film	Rezultat
Oscar	1942	Cea mai bună editare	Cetateanul Kane	Numire
	1959	Cel mai bun regizor	Vreau să trăiesc!	Numire
	1962	Cel mai bun film	poveste din Vest	Victorie
	1962	Cel mai bun regizor (distribuit cu Jerome Robbins )	poveste din Vest	Victorie
	1966	Cel mai bun film	Sunete ale muzicii	Victorie
	1966	Cel mai bun regizor	Sunete ale muzicii	Victorie
	1967	Cel mai bun film	Gunboat	Numire
	1967	Premiul Irving Thalberg		Răsplată
globul de Aur	1959	Cel mai bun regizor	Vreau să trăiesc!	Numire
	1962	Cel mai bun regizor (distribuit cu Jerome Robbins)	poveste din Vest	Numire
	1964	Cel mai bun regizor	Fantoma casei de pe deal	Numire
	1966	Cel mai bun regizor	Sunete ale muzicii	Numire
	1967	Cel mai bun regizor	Gunboat	Numire
Festivalul de Film de la Cannes	1949	Premiul FIPRESCI	înființat	Victorie
Festivalul de Film de la Cannes	1949	Marele Premiu	înființat	Numire
Festivalul de Film de la Veneția	1954	Leul de Aur	Puterea administrativă	Numire
Breasla Regizorilor de Film din America	1955	Cel mai bun regizor	Puterea administrativă	Numire
	1957	Cel mai bun regizor	Cineva acolo sus mă iubește	Numire
	1959	Cel mai bun regizor	Vreau să trăiesc!	Numire
	1962	Cel mai bun regizor	poveste din Vest	Victorie
	1966	Cel mai bun regizor	Sunete ale muzicii	Victorie
	1967	Cel mai bun regizor	Gunboat	Numire
	1983	Membru de onoare pe viață al breslei		Răsplată
	1984	Premiul Robert Aldrich pentru realizare		Răsplată
	1988	Premiul pentru întreaga viață		Răsplată
	2001	Premiul Președintelui		Răsplată
Institutul American de Film	1998	Premiul pentru întreaga viață		Răsplată
Hollywood Walk of Fame	1960	Steaua Walk of Fame pentru contribuția la industria filmului		Răsplată

Filmografie

An	nume rusesc	numele original	Studio	În ce calitate ai participat	Note
1934	divorț vesel	Gay Divorțat	RKO Radio Pictures	Editor de efecte sonore	Necreditat
1934	Povara pasiunilor umane	De robie umană	RKO Radio Pictures	Editor de efecte sonore	Necreditat
1935	Cilindru	pălărie de sus	RKO Radio Pictures	Editor de efecte sonore	Necreditat
1935	Informator	Informatorul	RKO Radio Pictures	Editor de efecte sonore	Necreditat
1939	Povestea lui Vernon și a Castelului Irene	Povestea lui Vernon și a Castelului Irene	RKO Radio Pictures	Asistent redactor	Necreditat
	mama singura	Mama burlac	RKO Radio Pictures	Editor
	Fata din Fifth Avenue	Fata 5th Ave	RKO Radio Pictures	Editor
	Cocosatul de la Notre Dame	Cocosatul de la Notre Dame	RKO Radio Pictures	Editor
1940	Iubita mea sotie	Soția mea preferată	RKO Radio Pictures	Editor
1940	Dance girl dans	Dansează, fată, dansează	RKO Radio Pictures	Editor
1941	Cetateanul Kane	Cetateanul Kane	RKO Radio Pictures	Editor
1941	Diavolul și Daniel Webster	Diavolul și Daniel Webster	RKO Radio Pictures	Editor
1942	Magnificul Ambersons	Magnificul Ambersons	RKO Radio Pictures	Editor	De asemenea, regizor de scene suplimentare (necreditat)
1942	șapte zile de vacanță	Concediu de șapte zile	RKO Radio Pictures	Editor
1943	Bombardier	bombardier	RKO Radio Pictures	Editor
	vrabia căzută	Vrabia căzută	RKO Radio Pictures	Editor
	Maior de Fier	Maiorul de Fier	RKO Radio Pictures	Editor
1944	Caz în Arabia	Acțiune în Arabia	RKO Radio Pictures	Al doilea regizor de distribuție	Necreditat
	Blestemul oamenilor pisici	Blestemul oamenilor pisici	RKO Radio Pictures	Producător
	Mademoiselle Fifi	Mademoiselle Fifi	RKO Radio Pictures	Producător
1945	spărgător de cadavre	The Body Snatcher	RKO Radio Pictures	Producător
1945	jocul mortii	Un joc al morții	RKO Radio Pictures	Producător
1946	instanta penala	instanta penala	RKO Radio Pictures	Producător
1947	Născut pentru a ucide	Născut pentru a ucide	RKO Radio Pictures	Producător
1948	Sânge pe lună	Sânge pe Lună	RKO Radio Pictures	Producător
1948	Mister în Mexic	Mister în Mexic	RKO Radio Pictures	Producător
1949	înființat	Pregatirea	RKO Radio Pictures	Producător
1950	Trei secrete	Trei Secrete	Warner Bros.	Producător
1950	Două steaguri ale Occidentului	Două steaguri vest	Secolul al XX-lea	Producător
1951	Ziua in care Pamantul s-a oprit	Ziua in care Pamantul s-a oprit	Secolul al XX-lea	Producător
1951	Casa de pe Telegraph Hill	Casa de pe Telegraph Hill	Secolul al XX-lea	Producător
1952	Ceva pentru păsări	Ceva pentru păsări	Secolul al XX-lea	Producător
1952	Oraș în captivitate	Orașul Captiv	Artiști uniți	Producător
1953	Întoarcere în Paradis	Întoarcere în Paradis	Artiști uniți	Producător
	Atât de mare	atât de mare	Warner Bros.	Producător
	Destinație - Gobi	Destinația Gobi	Secolul al XX-lea	Producător
	șobolani de deșert	Șobolanii deșertului	Secolul al XX-lea	Producător
1954	Puterea administrativă	suită executive	Metro-Goldwyn-Mayer	Producător
1956	Cineva acolo sus mă iubește	Cineva acolo sus mă place	Metro-Goldwyn-Mayer	Producător
	Lauda pentru un om rau	Omagiu unui om rău	Metro-Goldwyn-Mayer	Producător
	Elena Troianskaya	Elena din Troia	Warner Bros.	Producător
1957	Până plutesc	până când navighează	Metro-Goldwyn-Mayer	Producător
1957	Noapte mult așteptată	Aceasta ar putea fi noaptea	Metro-Goldwyn-Mayer	Producător
1958	Stai liniștit, mergi adânc	Fugi Silențios, Fugi Adânc	Artiști uniți	Producător
1958	Vreau să trăiesc!	Vreau să trăiesc!	Artiști uniți	Producător
1959	Pariuri pentru mâine	Cote împotriva mâine	HarBel Productions , United Artists	Regizor, Producator
1961	poveste din Vest	Poveste din Vest	Mirisch Pictures , Seven Arts Productions , United Artists	Regizor, Producator	Co-regia cu Jerome Robbins
1962	doi pe leagăn	Două pentru balansoar	Artiști uniți	Producător
1963	Fantoma casei de pe deal	Vânătoarea	Argyle Enterprises , Metro-Goldwyn-Mayer	Regizor, Producator	Ca producător necreditat
1965	Sunete ale muzicii	Sunetul muzicii	Robert Wise Productions , Argyle Enterprises , 20th Century Fox	Regizor, Producator
1966	Gunboat	Pietricelele de nisip	Argyle-Solar Productions , 20th Century Fox	Regizor, Producator
1968	Stea!	Stea!	Secolul al XX-lea	Producător
1970	Făcător de copii	The Baby Maker	Robert Wise Productions , National General Pictures	Producator executiv
1971	Tulpina "Andromeda"	Tulpina Andromeda	Universal Pictures	Regizor, Producator
1973	Două	doi oameni	Universal Pictures	Regizor, Producator
1975	Hindenburg	Hindenburgul	The Filmmakers Group , Universal Pictures	Regizor, Producator	Ca producător necreditat
1977	fiica altcuiva	Audrey Rose	Artiști uniți	Producător
1979	Star Trek: Filmul	Star Trek: Filmul	Paramount Pictures	Producător
1986	Înţelepciune	Înţelepciune	Gladden Entertainment , 20th Century Fox	Producator executiv
1989	Războiul pe acoperiș	Acoperișuri	Koch Company, Mark/Jett Productions , „New Visions Pictures”.	Producător
1996	Familie de idioți	Prostii	Imagine Entertainment , Savoy Pictures , Rank Organization	Actor
2000	furtuna de vara	O furtună vara	Hallmark Entertainment , Showtime Original Pictures	Producător	film TV

Note

↑ 1 2 Internet Movie Database (engleză) - 1990.
↑ 1 2 3 4 Robert Wise // Encyclopædia Britannica
↑ 1 2 3 4 Robert Wise // Enciclopedia Brockhaus (germană) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & FA Brockhaus , Wissen Media Verlag
↑ 1 2 Robert Wise // filmportal.de - 2005.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 Robert Wise, regizor de film, a murit la 91 de ani . The New York Times (15 septembrie 2005). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 18 noiembrie 2020.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 31 32 33 34 Adam Bern 34 33 37 A murit regizorul „Sound of Music”, „West Side Story ” Robert Wise . The Washington Post (16 septembrie 2005). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 28 decembrie 2020.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 Dennis McLellan. Robert Wise, 91 de ani; Regizorul a câștigat premiile Oscar pentru „The Sound of Music” și „West Side Story” (engleză) . The Los Angeles Times (16 septembrie 2005). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 4 decembrie 2020.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 32 33 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 4 5 6 Ronald Bergan Robert Wise, regizor de film harnic și versatil, a cărui activitate a variat de la SF și horror până la The Sound of Music . The Guardian (16 septembrie 2005). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 1 martie 2021.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 The Associated Press. Robert Wise . Chicago Sun-Times (15 septembrie 2005). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 16 mai 2021.
↑ Gehring, 2012 , p. 3.
↑ Gehring, 2012 , p. 6, 17.
↑ Gehring, 2012 , p. 17, 19.
↑ Gehring, 2012 , p. douăzeci.
↑ 1 2 3 4 Gehring, 2012 , p. 28.
↑ Gehring, 2012 , p. 25.
↑ Gehring, 2012 , p. 29.30.
↑ Gehring, 2012 , p. treizeci.
↑ Gehring, 2012 , p. 32.
↑ Gehring, 2012 , p. 44.
↑ Gehring, 2012 , p. 51.
↑ Gehring, 2012 , p. 63,65.
↑ Gehring, 2012 , p. 65,66.
↑ Blestemul oamenilor pisici (1944). Istorie, Sinopsis . Institutul American de Film. Preluat: 23 noiembrie 2020.
↑ Bosley Crowther. Ecranul: Blestemul oamenilor pisici (engleză) . The New York Times (4 martie 1944). Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 10 octombrie 2020.
↑ Hal Erickson. Blestemul oamenilor pisici (1944). Sinopsis (engleză) . AllMovie. Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 15 martie 2016.
↑ Gehring, 2012 , p. 71.
↑ Gehring, 2012 , p. 65.
↑ Gehring, 2012 , p. 86,88.
↑ Mademoiselle Fifi (1944). Sinopsis (engleză) . Institutul American de Film. Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 28 octombrie 2021.
↑ Roger Fristoe. Mademoiselle Fifi . Turner Classic Movies (7 decembrie 2007). Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 23 octombrie 2020.
^ The Body Snatcher (1945). Sinopsis (engleză) . Institutul American de Film. Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 30 noiembrie 2020.
↑ Bosley Crowther. Două atracții ușoare și un alt chiller sosesc la Strand, Gotham și Rialto . The New York Times (26 mai 1945). Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 30 noiembrie 2020.
↑ Dennis Schwartz. Prea blocat să fie alfabetizat pentru a fi un film grozav, totuși The Body Snatcher are suspans, un înfiorător, o fluiditate și o credibilitate care de bun augur pentru povestirea sa. (engleză) . dennisschwartzreviews.com (22 iulie 2008). Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 24 noiembrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 78.
↑ Hal Erickson. Un joc al morții (1945). Prezentare generală (engleză) . AllMovie. Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 12 mai 2021.
↑ Craig Butler. Un joc al morții (1945). Recenzie (engleză) . AllMovie. Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 17 mai 2021.
↑ Gehring, 2012 , p. 119.
↑ Born to Kill (1947 ) . pauză. Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 30 noiembrie 2020.
↑ Dennis Schwartz. Mister în Mexic . dennisschwartzreviews.com (3 februarie 2003). Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 30 noiembrie 2020.
↑ Hal Erickson. Sânge pe lună (1948). Recenzie (engleză) . AllMovie. Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 1 noiembrie 2020.
↑ Rob Nixon. Sânge pe lună (1948). Articolul (engleză) . Turner Classic Movies (28 iulie 2003). Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 30 noiembrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 128.
↑ La Criteriu . TMP (30 martie 1949). Preluat la 23 noiembrie 2020. Arhivat din original la 6 octombrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 130.133.
↑ Gehring, 2012 , p. 126.
↑ The Set-Up (1949). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat: 21 noiembrie 2020.
↑ Sean Axmaker. Două steaguri de vest (1950). Articolul (engleză) . Turner Classic Movies (16 mai 2011). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 30 noiembrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 137.
↑ Hal Erickson. Trei secrete (1950). Sinopsis (engleză) . AllMovie. Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 12 iunie 2021.
↑ Craig Butler. Trei secrete (1950). Recenzie (engleză) . AllMovie. Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 6 iunie 2019.
↑ Casa de pe Telegraph Hill (1951). Sinopsis (engleză) . Institutul American de Film. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ Variety Staff. Casa de pe Telegraph Hill . Varietate (31 decembrie 1950). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 15 octombrie 2021.
↑ Casa de pe Telegraph Hill (1951). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ 12 Gehring , 2012 , p. 142.143.
↑ 1 2 The Day the Earth Stood Still (1951 ) . Ghid TV. Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 11 octombrie 2015.
↑ John M. Miller. The Day the Earth Stood Still (1951). Articol (engleză) (editor 2006-09-09= Turner Classic Movies). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 27 noiembrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 149.150.
↑ The Day the Earth Stood Still (1951). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 22 martie 2016.
↑ Orașul captiv (1952). Istorie, Sinopsis . Institutul American de Film. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ Variety Staff. Recenzie: „Orașul captiv ” . Varietate (31 decembrie 1951). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 20 iunie 2016.
↑ Bosley Crowther. Oraș captiv, în care editorul supără casa de pariuri a orașului . The New York Times (27 martie 1952). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 9 octombrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 153.
↑ Gehring, 2012 , p. 179, 181.
↑ Gehring, 2012 , p. 157.
↑ Hal Erickson. Destinația Gobi (1953). Sinopsis (engleză) . AllMovie. Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 6 iunie 2019.
↑ Șobolanii deșertului (1953). Sinopsis (engleză) . Institutul American de Film. Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 1 decembrie 2020.
↑ HHT The Desert Rags, cu Richard Burton și Robert Newton, prezentat la Mayfair . The New York Times (9 mai 1953). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 6 octombrie 2020.
↑ Șobolanii deșertului (1953). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ Executive Suite (1954). Sinopsis (engleză) . Institutul American de Film. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ 12 Mark Frankel . suită executive. Articolul (engleză) . Turner Classic Movies (28 iulie 2003). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 31 octombrie 2020.
↑ Bruce Eder. Suită Executive (1954). Recenzie (engleză) . AllMovie. Consultat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 14 decembrie 2018.
↑ Gehring, 2012 , p. 187.
↑ Executive Suite (1954). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 21 mai 2022.
↑ Dennis Schwartz. Dramă costum istoric obositoare . Ozus' World Movie Reviews (19 martie 2012). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 20 octombrie 2020.
↑ Michael T. Toole. Tribute to a Bad Man (engleză) . Turner Classic Movies (30 octombrie 2002). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 2 decembrie 2020.
↑ Dennis Schwartz. Își câștigă laudele arătând viața de zi cu zi a cowboyului . Ozus' World Movie Reviews (24 ianuarie 2008). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 22 ianuarie 2021.
↑ Cineva acolo sus mă place (1956). Sinopsis (engleză) . Institutul American de Film. Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 3 decembrie 2017.
↑ Georgelle Cole. Cineva acolo sus mă place . Turner Classic Movies (28 iulie 2003). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 29 octombrie 2020.
↑ Bosley Crowther. Povestea luptei lui Graziano este prezentată la State Paul Newman Stars ca campion al ringului . The New York Times (6 iulie 1956). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 27 septembrie 2020.
↑ Cineva acolo sus mă place (1956). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ Hal Erickson. Până când navighează (1957). Sinopsis (engleză) . AllMovie. Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 19 aprilie 2021.
↑ Craig Butler. Până când navighează (1957). Recenzie (engleză) . AllMovie. Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 23 martie 2020.
↑ Until They Sail (1957). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Data accesului: 15 februarie 2016.
↑ Dennis Schwartz. Chiar si strasurile par false cand stralucesc . Ozus' World Movie Reviews (28 ianuarie 2004). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 30 septembrie 2020.
↑ Aceasta ar putea fi noaptea (1957). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ 12 Rob Nixon . Fugi tăcut, alergă adânc (1958). Articolul (engleză) . Turner Classic Movies (28 iulie 2003). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 23 octombrie 2020.
↑ Bosley Crowther. Aventură submarină; „Run Silent, Run Deep” începe Run Here Gable și Lancaster în film la Victoria (engleză) . The New York Times (28 martie 1958). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 29 iunie 2020.
↑ 12 Dennis Schwartz . Vreau să trăiesc! (engleză) . https://dennisschwartzreviews.com/+ (3 iulie 2006). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 30 octombrie 2020.
↑ 1 2 Jeff Stafford. Vreau să trăiesc! (1958). Articolul (engleză) . Turner Classic Movies (28 iunie 2004). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 28 octombrie 2020.
↑ 12 Gehring , 2012 , p. 200.
↑ Bosley Crowther. Vivid Performance de Susan Hayward; Actrița joacă în „Vreau să trăiesc” (engleză) . The New York Times (19 noiembrie 1958). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 6 octombrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 204.
↑ Vreau să trăiesc (1958). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ Odds Against Tomorrow (1959). Sinopsis (engleză) . Institutul American de Film. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ Variety Staff. Cote împotriva mâine . Varietate (31 decembrie 1958). Preluat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 8 august 2021.
↑ Bosley Crowther. Odds Against Maine'; Race Prejudice Mars Hold-up of a Bank . The New York Times (16 octombrie 1959). Consultat la 27 noiembrie 2020. Arhivat din original la 31 ianuarie 2022.
↑ Odds Against Tomorrow (1959). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat: 27 noiembrie 2020.
↑ West Side Story . Baza de date Internet Broadway. Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 22 mai 2022.
↑ 1 2 3 4 5 West Side Story (1961). Istorie (engleză) . Institutul American de Film. Preluat: 3 decembrie 2020.
↑ Bosley Crowther. „West Side Story” sosește . The New York Times (19 octombrie 1961). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 17 mai 2018.
↑ Whitney Williams. West Side Story (engleză) . Varietate (27 septembrie 1961). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 15 februarie 2019.
↑ James Powers. West Side Story (engleză) . The Hollywood Reporter (22 septembrie 1961). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 29 aprilie 2019.
↑ Hal Erickson. Doi pentru balansoar (1962). Sinopsis (engleză) . AllMovie. Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 6 august 2020.
↑ Craig Butler. Doi pentru balansoar (1962). Recenzie (engleză) . AllMovie. Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 24 ianuarie 2022.
↑ Eleanor Quin. Două pentru balansoar. Articolul (engleză) . Turner Classic Movies (28 iulie 2003). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 1 noiembrie 2020.
↑ Jeff Stafford. The Haunting (1963) (engleză) . Turner Classic Movies (25 septembrie 2003). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 21 octombrie 2020.
↑ Andrea Passafium. În spatele camerei - Bântuirea . Turner Classic Movies (3 martie 2014). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 21 octombrie 2020.
↑ Bosley Crowther. Un răcitor de modă veche: Julie Harris și Claire Bloom în „Haunting ” . The New York Times (19 septembrie 1963). Data accesului: 2020-12-031. Arhivat 17 noiembrie 2020.
↑ Variety Staff. Bântuirea . _ Varietate (31 decembrie 1962). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original pe 11 aprilie 2020.
↑ Dennis Schwartz. Știe să se sperie din povestea casei bântuite . dennisschwartzreviews.com (30 octombrie 2006). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 25 octombrie 2020.
↑ Bântuirea (1963). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat: 3 decembrie 2020.
↑ 1 2 3 4 5 6 Sunetul muzicii. Istorie (engleză) . Institutul American de Film. Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 2 aprilie 2022.
↑ 12 Gehring , 2012 , p. 233.
↑ Gehring, 2012 , p. 234.
↑ Bosley Crowther. Sunetul muzicii se deschide la Rivoli . The New York Times (3 martie 1965). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 3 decembrie 2020.
↑ James Powers. Sunetul Muzicii . The Hollywood Reporter (1 martie 1965). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 16 noiembrie 2020.
↑ Sunetul muzicii (1965). Premii (engleză) . Internet Movie Daabase. Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 17 februarie 2021.
↑ 12 Gehring , 2012 , p. 246.
↑ Gehring, 2012 , p. 253.
↑ 1 2 3 4 David Sterritt. Pietricelele de nisip . Turner Classic Movies (6 ianuarie 2015). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 28 octombrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 255.
↑ Bosley Crowther. Alergați la Rivoli : Oferă imagine Lecție despre întreprinderi străine . The New York Times (21 decembrie 1966). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 18 aprilie 2019.
↑ Variety Staff. Pietricelele de nisip . Varietate (31 decembrie 1965). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 24 octombrie 2021.
↑ Nisip Pebbles (1966). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 5 martie 2016.
↑ Gehring, 2012 , p. 253,255.
↑ Steaua! (1958). Sinopsis (engleză) . Institutul American de Film. Preluat: 3 decembrie 2020.
↑ 1 2 3 4 5 Frank Miller. Stea! (1968). Articolul (engleză) . Turner Classic Movies (1 decembrie 2010). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 25 noiembrie 2020.
↑ Variety Staff. Stea! (engleză) . Varietate (31 decembrie 1967). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original la 26 ianuarie 2021.
↑ Renata Adler. Ecran: „Steaua!” Sosește: Julie Andrews prezentată în film la Rivoli . The New York Times (23 octombrie 1968). Preluat la 3 decembrie 2020. Arhivat din original pe 24 decembrie 2019.
↑ 12 Hal Erickson. Stea! (1968). Recenzie (engleză) . AllMovie (21 decembrie 1966). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 17 mai 2021.
↑ Gehring, 2012 , p. 258.
↑ 12 Gehring , 2012 , p. 260.
↑ 1 2 3 Tulpina Andromeda. Istorie (engleză) . Institutul American de Film. Preluat: 8 decembrie 2020.
↑ Tulpina Andromeda. Sinopsis (engleză) . Institutul American de Film. Preluat: 8 decembrie 2020.
↑ Felicia Feaster. Tulpina Andromeda . Turner Classic Movies (21 mai 2003). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original pe 5 decembrie 2020.
↑ Tulpina Andromeda (1971 ) . Numerele. Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 7 ianuarie 2021.
↑ Roger Greenspun. Ecran: „Andromeda Strain ” de la Wise . The New York Times (22 martie 1971). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 29 martie 2020.
↑ Roger Ebert. recenzii. Tulpina Andromeda . RogerEbert.com (9 aprilie 1971). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 26 noiembrie 2020.
↑ Lucia Bozzola. Tulpina Andromeda (1971). Recenzie (engleză) . AllMovie. Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 11 ianuarie 2021.
↑ Roger Greenspun. Ecran: „Doi oameni” sau 8 ore de ucis la Paris: Peter Fonda este distribuit în rolul dezertorului care se întoarce . The New York Times (19 martie 1973). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 23 iulie 2020.
↑ Roger Ebert. recenzii. Două persoane (engleză) . RogerEbert.com (7 mai 1973). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original pe 2 decembrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 263.
↑ Bruce Eder. Hindenburgul (1975). Sinopsis (engleză) . AllMovie. Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original pe 5 decembrie 2020.
↑ 12 Gehring , 2012 , p. 264.
↑ Roger Ebert. recenzii. Hindenburgul . _ RogerEbert.com 1 ianuarie 1975. Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 1 decembrie 2020.
↑ Ecran: George Scott în „Hindenburg ” . The New York Times (26 decembrie 1975). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 8 martie 2021.
↑ Craig Butler. Hindenburgul (1975). Recenzie (engleză) . AllMovie. Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 2 septembrie 2021.
↑ Gehring, 2012 , p. 270.
↑ Hindenburgul (1975). Premii (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 21 aprilie 2021.
↑ Gehring, 2012 , p. 271.
↑ Eleanor Quin. Audrey Rose. Articolul (engleză) . Turner Classic Movies (24 iunie 2003). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 24 ianuarie 2021.
↑ Vincent Canby. Film: The Devil Fumbles a Passing Soul (engleză) . The New York Times (7 aprilie 1977). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original pe 7 octombrie 2020.
↑ Craig Butler. Audrey Rose (1977). Recenzie (engleză) . AllMovie. Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 14 iunie 2021.
↑ 1 2 3 4 5 Star Trek: The Motion Picture (1979). Istorie (engleză) . Institutul American de Film. Preluat: 8 decembrie 2020.
↑ 12 Gehring , 2012 , p. 275.
↑ Variety Staff. Star Trek - Filmul . Varietate (31 decembrie 1978). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 29 septembrie 2017.
↑ Lawrence Van Gelder. La Filme . The New York Times (31 decembrie 1978). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 3 februarie 2018.
↑ Craig Butler. Acoperișuri (1989). Sinopsis (engleză) . AllMovie. Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 11 martie 2022.
↑ Roger Ebert. Acoperișuri (1989). Recenzie (engleză) . RogerEbert.com (17 martie 1989). Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 28 noiembrie 2020.
↑ Jonathan Crow. O furtună în vară (2000). Sinopsis (engleză) . AllMovie. Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 28 iunie 2021.
↑ Craig Butler. O furtună în vară (2000). Recenzie (engleză) . AllMovie. Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 26 septembrie 2019.
↑ 1 2 3 Gehring, 2012 , p. 276.
↑ Liam Hansen. O reluare a lui Robert Wise . NPR (18 septembrie 2005). Preluat la 8 decembrie 2020. Arhivat din original la 29 octombrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 66.
↑ Robert Wise Noul șef al Academiei . Los Angeles Times (2 august 1985). Preluat: 8 decembrie 2020.
↑ Petrecerea de 90 de ani a lui Robert Wise . Directors' Guild of America (10 septembrie 2004). Preluat: 8 decembrie 2020.
↑ Gehring, 2012 , p. 266.
↑ Gehring, 2012 , p. 59.
↑ Gehring, 2012 , p. 60.
↑ Gehring, 2012 , p. 274.
↑ Robert Wise. Biografie (engleză) . Baza de date de filme pe Internet. Preluat la 21 noiembrie 2020. Arhivat din original la 6 februarie 2022.
↑ Cele mai bune 100 de filme americane din toate timpurile . Institutul American de Film. Consultat la 14 noiembrie 2020. Arhivat din original pe 9 ianuarie 2014.

Literatură

Wes D. Gehring. Robert Wise: Shadowlands . - Indiana Historical Society, 2012. - ISBN 0871952963 , 9780871952967.

Site-uri tematice

Dicționare și enciclopedii

Genealogie și necropole

Găsiți un mormânt

În cataloagele bibliografice

Premiul Oscar pentru cel mai bun regizor

Lewis Milestone (comedie) / Frank Borzage (dramă) (1929)
Frank Lloyd (1930/I)
Piatra de hotar Lewis (1930/II)
Norman Taurog (1931)
Frank Borzage (1932)
Frank Lloyd (1934)
Frank Capra (1935)
John Ford (1936)
Frank Capra (1937)
Leo McCarey (1938)
Frank Capra (1939)
Victor Fleming (1940)
John Ford (1941)
John Ford (1942)
William Wyler (1943)
Michael Curtis (1944)
Leo McCarey (1945)
Billy Wilder (1946)
William Wyler (1947)
Elia Kazan (1948)
John Huston (1949)
Joseph Leo Mankiewicz (1950)
Joseph Leo Mankiewicz (1951)
George Stevens (1952)
John Ford (1953)
Fred Zinneman (1954)
Elia Kazan (1955)
Delbert Mann (1956)
George Stevens (1957)
David Lean (1958)
Vincent Minnelli (1959)
William Wyler (1960)
Billy Wilder (1961)
Jerome Robbins , Robert Wise (1962)
David Lean (1963)
Tony Richardson (1964)
George Cukor (1965)
Robert Wise (1966)
Fred Zinneman (1967)
Mike Nichols (1968)
Carol Reed (1969)
John Schlesinger (1970)
Franklin J. Sheffner (1971)
William Friedkin (1972)
Bob Foss (1973)
George Roy Hill (1974)
Francis Ford Coppola (1975)
Milos Forman (1976)
John Avildsen (1977)
Woody Allen (1978)
Michael Cimino (1979)
Robert Benton (1980)
Robert Redford (1981)
Warren Beatty (1982)
Richard Atterborough (1983)
James Brooks (1984)
Milos Forman (1985)
Sydney Pollack (1986)
Oliver Stone (1987)
Bernardo Bertolucci (1988)
Barry Levinson (1989)
Oliver Stone (1990)
Kevin Costner (1991)
Jonathan Demme (1992)
Clint Eastwood (1993)
Steven Spielberg (1994)
Robert Zemeckis (1995)
Mel Gibson (1996)
Anthony Minghella (1997)
James Cameron (1998)
Steven Spielberg (1999)
Sam Mendes (2000)
Steven Soderbergh (2001)
Ron Howard (2002)
Roman Polanski (2003)
Peter Jackson (2004)
Clint Eastwood (2005)
Ang Lee (2006)
Martin Scorsese (2007)
Frații Coen (2008)
Danny Boyle (2009)
Katherine Bigelow (2010)
Tom Hooper (2011)
Michel Hazanavicius (2012)
Ang Lee (2013)
Alfonso Cuarón (2014)
Alejandro G. Inarritu (2015)
Alejandro G. Inarritu (2016)
Damien Chazelle (2017)
Guillermo del Toro (2018)
Alfonso Cuarón (2019)
Bong Joon Ho (2020)
Chloe Zhao (2021)
Jane Campion (2022)

Premiul Irving Thalberg

Darryl F. Zanuck (1938)
Hal B. Wallis (1939)
David O. Selznick (1940)
Walt Disney (1942)
Sidney Franklin (1943)
Hal B. Wallis (1944)
Darryl F. Zanuck (1945)
Samuel Goldwyn (1947)
Jerry Wald (1949)
Darryl F. Zanuck (1951)
Arthur Freed (1952)
Cecil B. DeMille (1953)
George Stevens (1954)
Buddy Adler (1957)
Jack Warner (1959)
Stanley Kramer (1962)
Sam Spiegel (1964)
William Wyler (1966)
Robert Wise (1967)
Alfred Hitchcock (1968)
Ingmar Bergman (1971)
Lawrence Weingarten (1974)
Mervyn Leroy (1976)
Pandro S. Berman (1977)
Walter Mirisch (1978)
Ray Stark (1980)
Albert R. Broccoli (1982)
Steven Spielberg (1987)
Billy Wilder (1988)
David Brown și Richard D. Zanuck (1991)
George Lucas (1992)
Clint Eastwood (1995)
Saul Zanz (1997)
Norman Jewison (1999)
Warren Beatty (2000)
Dino De Laurentiis (2001)
John Calley (2009)
Francis Ford Coppola (2010)
Kathleen Kennedy și Frank Marshall (2018)

Premiul Directors Guild of America pentru cel mai bun regizor - lungmetraj

Președinții Screen Directors Guild și ai Directors Guild of America

Regele Vidor (1936-1939)
Frank Capra (1939-1941; 1960-1961)
George Stevens (1941-1943)
Mark Sandrich (1943-1944)
John Cromwell (1944-1948)
George Marshall (1948-1950)
Joseph Leo Mankiewicz (1950-1951)
George Sidney (1951-1960; 1961-1967)
Delbert Mann (1967-1971)
Robert Wise (1971-1975)
Robert Aldrich (1975-1979)
George Schaefer (1979-1981)
Jud Taylor (1981-1983)
Gilbert Cates (1983-1987)
Franklin Sheffner (1987-1989)
Jean Reynolds (1993-1997)
Jack Shea (1997-2002)
Martha Coolidge (2002-2003)
Michael Apted (2003-2009)
Taylor Hackford (2009-2013)
Paris Barkley (2013-2017)
Thomas Schlamme (2017 - prezent )

Ziua in care Pamantul s-a oprit
Versiuni	Adio Overlord (povestea din 1940) film din 1951 film din 2008
Univers	Klaatu Gort Klaatu barada nikto
Creatori	Harry Bates Robert Wise Scott Derrickson