Roussel, Albert

Albert Roussel
Albert Charles Paul Marie Roussel
informatii de baza
Numele la naștere Engleză  Albert Charles Paul Marie Roussel
Data nașterii 5 aprilie 1869( 05.04.1869 ) [1] [2] [3] […]
Locul nașterii Tourcoing (Departamentul Nord , Franța )
Data mortii 23 august 1937( 23.08.1937 ) [4] [1] [2] […] (în vârstă de 68 de ani)
Un loc al morții Royan (Departamentul Charente-Maritime , Franța)
îngropat
Țară  Franţa
Profesii compozitor , educator muzical
Instrumente pian
genuri operă și simfonie
 Fișiere media la Wikimedia Commons

Albert Charles Paul Marie Roussel ( fr.  Albert Charles Paul Marie Roussel ; 5 aprilie 1869  - 23 august 1937 ) a fost un celebru compozitor francez din prima treime a secolului al XX-lea .

După ce și-a început viața ca intermediar pe nave de război pe distanțe lungi, a devenit muzician profesionist foarte târziu (abia la vârsta de patruzeci de ani). Există foarte puțini artiști în istoria artei a căror etică a vieții și a muncii s-ar apropia de un cod atât de dur de moralitate și onoare , pe care Roussel l-a urmat constant toată viața. Recunoașterea i-a mers mult, dar în toată viața nu a făcut niciun pas care să-și piardă propria demnitate pentru a grăbi acest drum.

Calea creativă a lui Albert Roussel s-a remarcat printr-o căutare constantă a propriului stil în labirintul complicat al tendințelor artistice din Franța muzicală la începutul secolului al XX-lea . Trecând succesiv prin influența lui Wagner și a lui Franck , apoi prin fascinația pentru impresionismul lui Debussy , orientalismul exotic și mai târziu - avangarda dura a lui Stravinsky și politonalitatea lui Milhaud , Albert Roussel, impresionat de exemplul lui Eric Satie Compozițiile târzii ale lui, și-au încheiat călătoria ca cel mai proeminent neoclasicist din muzică.

În anii treizeci ai secolului XX, Albert Roussel a luat locul unui lider general recunoscut și respectat în rândul compozitorilor francezi.

Biografia nu este încă compozitor

Albert Charles Paul Marie Roussel s-a născut la 5 aprilie 1869 în orașul Tourcoing (Departamentul de Nord al Franței, la granița cu Flandra ) într-o familie de bogați producători francezi , comercianți de textile . Numele de familie Roussel a fost atât de mult cunoscut, cât a fost bogat: generație după generație, soții Roussel erau burghezi educați, cultivați, participând activ la viața socială și politică a provinciei lor și chiar a Franței în ansamblu. Astfel, stră-stră-străbunicul lui Albert Roussel a fost deputat din cea de-a treia stare în Estates Generale din 1789 și a votat pentru execuția lui Ludovic al XVI-lea . Mai târziu, deja sub Convenție , a ocupat funcția de ministru de război, iar după 18 Brumaire  a abandonat activitatea politică și s-a întors în provincia sa, ceea ce, poate, i-a salvat viața [5] . Bunicul lui Albert Roussel, șeful respectat și proprietarul unei fabrici de textile, a fost primarul permanent al orașului natal al lui Tourcoing în ultimii 30 de ani din viața sa .

Dar, în ciuda bogăției și a poziției puternice a familiei sale, micuțul Albert Roussel a avut o copilărie dificilă. A rămas orfan foarte devreme , și-a pierdut tatăl în copilărie și mama sa la vârsta de șapte ani. Încă patru ani, a trăit în familia bunicului său, care în acei ani a ocupat funcția de primar al orașului său natal, Tourcoing. Dar când Albert avea unsprezece ani, i-a murit și bunicul [6] . Albert a petrecut încă patru ani în familia mătușii sale  , sora regretatei sale mame. În ciuda atitudinii grijulii și atente a rudelor sale, băiatul s-a simțit singur și și-a dedicat tot timpul liber lecturii și fanteziei. Autorul său preferat este Jules Verne , care i-a trezit curiozitatea și dorința de a călători. În plus, a petrecut aproape în fiecare vară într-o stațiune de pe litoral din Belgia . Poate că toate acestea împreună au adus treptat în el o dragoste pentru mare și, în cele din urmă, i-au trezit dorința de a deveni marinar militar. În același timp, Roussel era pasionat de matematică și alte științe exacte. Pe lângă studiile universitare , Roussel a studiat pianul acasă , evocând invariabil încântarea unui profesor în vârstă, organist al bisericii locale Notre Dame, cu muzicalitatea și susceptibilitatea sa.

Singuratic, plin de pierderea copilăriei celor dragi, totuși, nu a schilodit psihicul lui Albert Roussel, mai degrabă, dimpotrivă. S-a dezvoltat în sine și a păstrat până la sfârșitul vieții principii morale înalte și dure , precum și rezistență, autodisciplină și reținere extraordinare, care l-au deosebit favorabil de majoritatea artiștilor contemporani și au trezit respectul neclintit al celor din jur.

La vârsta de cincisprezece ani, Roussel a plecat la Paris pentru a-și termina studiile secundare la Lycée Stanislas. Printre profesorii săi se numără și celebrul istoric al literaturii franceze René Dumik , iar printre colegii săi se numără Edmond Rostand , viitorul poet și dramaturg [5] .

În 1887 , după ce a primit un certificat de înmatriculare, Roussel susține un examen la Școala Navală Superioară. Printre șase sute de candidați, a fost acceptat prin concurs - al șaisprezecelea . Cu toate acestea, viitorul ofițer de marină încearcă să nu uite de muzică. În timp ce își servește practica de a naviga peste Atlantic pe fregata cu vele „ Melpomene ” (un nume destul de simptomatic ) , Roussel organizează o mică orchestră și un cor de amatori din midshipmen , acompaniind liturghiile de duminică cu propria lor muzică, puțin specială. Este curios că, de dragul unei „variete”, Roussel inserează în acompaniamentul liturghiei câteva dintre melodiile pe care le-a amintit din viața sa pariziană, de exemplu, marșul regal din „La Belle Helena” de Offenbach [5]. ] .

După ce a fost promovat la gradul de ofițer, Albert Roussel a fost repartizat mai întâi pe crucișătorul Pobedel, iar apoi pe canoniera Styx , pe care a făcut o călătorie lungă prin mările sudice din Orientul Îndepărtat. În 1889-90 , Roussel a fost membru al echipajului fregatei Iphigenia și a participat la o expediție în jurul lumii. Primele compoziții ale lui Roussel datează tocmai din această perioadă: „ Fantezie ” pentru vioară și pian , iar apoi „ Andante ” pentru vioară, violă , violoncel și orgă . În timp ce lucra la aceste piese, Roussel a avut ocazia să se convingă de necunoașterea celor mai elementare reguli ale compoziției muzicale . În ciuda studierii proprii a manualului de armonie al lui Durand , Roussel se simțea ca un diletant complet în muzică .

A fost împins la o carieră profesională printr-un accident sau o farsă de către un prieten din serviciul naval. Odată, când Roussel își cânta piesele la pian în camera de gardă , unul dintre colegii săi, fratele unui celebru cântăreț de operă, fiind într-o dispoziție bună, s-a oferit voluntar să arate compozițiile sale fratelui său și altor profesioniști. Șase luni mai târziu, întorcându-se din vacanță, un coleg i-a spus lui Roussel că piesele sale au făcut o mare impresie și că venerabilul frate l-a sfătuit pe Roussel să se dedice cu seriozitate muzicii... Mulți ani mai târziu, când Albert Roussel devenise deja un compozitor celebru , această poveste s-a desfășurat brusc. Un vechi prieten a mărturisit că, în vacanță, pur și simplu și-a uitat promisiunea, fără să arate piesele fratelui său Roussel. Cu toate acestea, până atunci fapta era deja făcută. Roussel a devenit un muzician profesionist renumit și respectat , compozitor și profesor de polifonie .

În 1894 , întorcându-se în Franța dintr-o călătorie lungă, Albert Roussel a primit o vacanță lungă, pe care a petrecut-o cu rudele sale în Roubaix . El a decis să-și dedice întreaga vacanță studierii elementelor de bază ale teoriei muzicale . Cu o cerere de a-i da lecții particulare, a apelat la directorul conservatorului de la Roubaix, Julien Coszul , un organist experimentat și celebru al școlii Niedermeier . După ce a răsfoit primele experiențe creative ale tânărului ofițer, Koszul l-a îndemnat să meargă la Paris și să arate compozițiile lui Eugène Gigue , profesor de polifonie și compoziție la școala Niedermeier. Fără să se gândească de două ori, Roussel a urmat sfatul lui Koszul și a primit o recenzie foarte favorabilă de la profesorul parizian. Crezând că evaluările și recomandările ridicate ale lui Koszul și Gigue de a lua muzica în serios, Roussel a decis în cele din urmă să părăsească serviciul în marina . Roussel s-a pensionat în septembrie 1894. Eugène Gigoux a spus mai târziu despre unul dintre cei mai buni elevi ai săi, Roussel, că „este înzestrat cu un adevărat geniu fugă” [5] .

Albert Roussel a decis neobișnuit de târziu să aleagă o carieră ca muzician profesionist. Până la vârsta de 25 de ani, studiile sale au fost foarte departe de artă . La fel ca Rimski-Korsakov , și-a petrecut toată tinerețea ca intermediar în campanii în mările îndepărtate. Dar mai târziu, chiar și în timp ce preda sau compunea muzică, Roussel și-a păstrat și a transferat în munca sa înclinația către mare, călătorii și exoticul țărilor îndepărtate până la sfârșitul zilelor sale. Și deși niciuna dintre lucrările sale muzicale nu conține nicio imagine de mare, sau chiar tema mării, cu toate acestea, țările îndepărtate, observațiile de teren și popoarele exotice și-au lăsat amprenta adâncă, vizibilă pentru oricine intră în contact cu opera lui Roussel.

Biografia compozitorului

În octombrie 1894 , Albert Roussel s-a stabilit la Paris și a început să studieze activ armonia , contrapunctul și fuga sub noul său profesor, Eugène Gigoud . Școala strictă a lui Niedermeier, bazată pe contrapunctul scrisului strict, și standardele înalte pe care Roussel a studiat teoria muzicii ( Bach , Handel , Mozart și Beethoven ) de la bun început contribuie la formarea gândirii sale clasice transparente și clare. Până la sfârșitul zilelor sale, Albert Roussel și-a păstrat recunoștința și cel mai profund respect față de profesorul său. În Memoriile sale, el îi dedică mult mai mult de o pagină lui Eugene Gigue, printre care puteți găsi următoarele cuvinte:

... La minte, lipsit de orice prejudecată scolastică , precis în observațiile sale, punând considerațiile pur muzicale deasupra oricăror reguli școlare și considerentele estetice deasupra certurilor interne, el trăiește în memoria mea ca un exemplu perfect de profesor de la care un tânăr muzicianul și-a putut învăța arta.

- [5]

Aparent, pe acest model Roussel însuși, câțiva ani mai târziu, și-a construit propria lucrare de predare. Cuvintele lui Roussel despre profesorul său, Eugène Gigoux, i se aplică într-o măsură excelentă.

În total, perioada de studiu durează lui Roussel 15 ani  - de fapt, nu atât de mult pe cât ar părea la prima vedere. Așa durează un învățământ muzical superior obișnuit (după standardele moderne). Cu toate acestea, începe să studieze nu de la vârsta de cinci sau șapte ani, așa cum este de obicei obișnuit, ci numai de la 25 de ani , astfel încât în ​​cele din urmă încetează să mai fie student  - abia la vârsta de patruzeci de ani. Iată ce trebuie să țineți cont când vă uitați la cariera muzicală destul de târzie a lui Roussel. În 1898 , excelent pregătit de patru ani de studii cu Gigoux, Roussel a intrat în nou deschisa „ Școală Cantorum ” la clasa de polifonie , orchestrație și compoziție liberă a lui Vincent d’Andy , în același timp un venerabil compozitor al direcției wagneriene , un proeminent dirijor și organizator al vieții muzicale a Franței. În monografia sa , dedicată vieții și operei lui Roussel, Andre Oere caracterizează în mod exhaustiv anii de predare și originile formării unui stil individual:

... în disputele inactiv despre dacă Roussel aparține debussismului sau d'andismului , în contrast cu sistemul de învățământ al Schola și al Conservatorului , ei uită cumva de importanța decisivă în formarea sa ca compozitor, de principiile școlii Niedermeier, în primul rând datorită lui Koszul şi Gigue. Principiile școlii din care au ieșit Saint-Saens , Gabriel Fauré și Messager .

— Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - P. 21 [5] .

Vincent d'Andy, foarte curând convins de cunoştinţele excepţionale ale noului student în domeniul polifoniei, l-a numit aproape imediat asistent, iar apoi, după terminarea cursului la Schola cantorum , i-a propus să conducă contrapunctul şi fuga . clasa . Astfel, după ce a absolvit cinci ani mai târziu școala la clasa de polifonie, din 1902 Roussel a început să predea el însuși cursul de polifonie, în timp ce a continuat să studieze cu Vincent d'Andy la alte materii până în 1908 .

Schola cantorum , o instituție de învățământ muzicalăaproape religioasă sub patronajul Institutului Catolic, a fost un fenomen deosebit pe harta muzicală a Franței la începutul secolului XX . Pe de o parte, avea reputația de bastion al conservatorismului . Educația în ea s-a bazat aproape în întregime pe studiul muzicii bisericești antice, a cântului gregorian , a tehnicii polifoniei vechi (pe exemplul lucrării lui Palestrina , Schutz , Bach , Händel , precum și a unormaeștri francezi „special admiși” , precum Lully , Rameau și Couperin . De asemenea, desigur, unul dintre principalii piloni ai sistemului muzical al Școlii de Cantori a fost profesorul și idolul șefului său permanent de lungă durată, Vincent d'Andy, venerabilul organist și compozitor francez. , Cesar Franck ... Este clar că profesorului de polifonie, care a fost Albert Roussel, i s-a atribuit rolul onorific de dirijor de idei de stil strict și canoane bisericești ale vechii scrieri S-ar părea că ceea ce ar putea fi mai conservator și mai sec decât programul schițat? Cu toate acestea, stricta și aproape bisericească Schola cantorum de la începutul anilor 1900 devine brusc o contrabalansare la aproape putreda Academie de muzică birocratică și la sistemul de învățământ retrograd și mort de la Conservatorul din Paris Din zidurile școlii. de Cantors, deja în primii zece ani ai acesteia de existență atât muzicieni experimentali îndrăzneți, care au primit o bază profesională puternică, cât și artiști îndrăzneți de avangardă de primă linie care au aruncat în aer fundamentele artei moderne, precum Eric Satie sau Edgard Varese [7] . Apropo, ambii muzicieni proaspăt numiți au studiat cursul de contrapunct și polifonie la clasa profesorului Albert Roussel, păstrând cea mai bună amintire despre el și o atitudine excelentă timp de mulți ani.

Natura uniformă, reținută și invariabil atentă a lui Albert Roussel a fost cea mai potrivită pentru munca de predare cu personalități creative strălucitoare. Timp de doisprezece ani a fost un profesor atent și amănunțit al Schola cantorum despre istoria și teoria artei polifonice. Din clasa de contrapunct a lui Albert Roussel au venit compozitori atât de neobișnuiți și semnificativi precum Eric Satie, Paul Le Flem , Edgar Varèse, Alexis Roland Manuel , Guy de Lioncourt , Marcel Orban , precum și mulți muzicieni străini, printre care celebrul compozitor ceh Boguslav Martinu , un compozitor român Stan Golestan , uruguayanul Alfonso Broca , italianul Cesare Brero și cehoaica Yulia Reiserova [5] .

Chiar și veșnic sarcastic Eric Satie (un student de patruzeci de ani care era cu trei ani mai mare decât profesorul său) a găsit în sufletul său numai cuvinte amabile despre profesorul său. Din când în când, îi plăcea să spună, imitând tonul lui Roussel, fraza lui preferată – în timpul verificării temelor: „Un compozitor, ca un chirurg , trebuie să aibă întotdeauna cu el un Instrument de armonie precisă”. [8] :195 Dar chiar și la zece ani de la finalizarea cursului de contrapunct, în articolele și notițele sale, Eric Satie a găsit de mai multe ori motive nu fără plăcere să constate că „... timp de trei ani am lucrat (pe mine) cu Albert Roussel. , al cărui prieten, îndrăznesc să spun, încă rămân” [9] . Desigur, în ceea ce privește calitățile sale spirituale și de voință puternică, Roussel era izbitor de diferit de boemia și cercurile artistice obișnuite din Paris.

În toamna anului 1909, Roussel își realizează vechiul vis - o călătorie în India . Ca tânăr ofițer, s-a întâlnit cu câteva orașe - port . Acum, el și tânăra lui soție se află într-o călătorie atent gândită și pregătită dinainte prin orașele antice din interior. La întoarcerea în Franța, impresiile aduse din India au ca rezultat câteva compoziții foarte remarcabile pentru toată muzica europeană [10] . Primul dintre acestea este tripticul simfonic „Provocarea viziunilor” ( fr.  Evocări ) pentru soliști , cor și orchestră . A fost interpretat pentru prima dată la Paris pe 18 mai 1912 , a impresionat ascultătorii și criticii prin neobișnuirea sa strălucitoare exotică combinată cu un stil impresionist . Roussel a surprins în acest triptic templele subterane din Ellora , frumusețea palatelor de marmură albă udă de soare din Jaipur și cântecul de salut către cerul unui tânăr fachir de pe malul Gangelui din Benares . Succesul premierei a fost uluitor. Roussel a fost recunoscut imediat și irevocabil drept unul dintre liderii muzicii moderne franceze.

Următorul succes răsunător a fost baletul său de pantomimă într-un act Sărbătoarea păianjenului ( franceză:  Le festin de l'araignée ), pus în scenă la Théâtre des Arts din Paris la 3 aprilie 1913 . În loc de cele opt spectacole planificate, baletul a fost prezentat de 22 de ori înainte de sfârșitul sezonului. Pe valul de popularitate, Roussel a creat o suită simfonică din baletul său, care a câștigat o mare popularitate și încă ocupă un loc de cinste pe scenele de concerte ale lumii alături de Faunul lui Debussy , Ucenicul vrăjitor al lui Duke și Ucenicul vrăjitor al lui Ravel . Vals [10] . Datorită „Sărbătoarei Păianjenului” și „Provocarea viziunilor” din anii de dinainte de război, Roussel se plasează în cele din urmă printre cei mai importanți compozitori impresioniști. Un important editor de muzică parizian , Jacques Durand , care s-a specializat în lucrul cu impresioniștii , își publică de bunăvoie lucrările împreună cu muzica lui Ravel , d'Andy , Debussy și Schmitt [11] . La sfârșitul anului 1913, Roussel a primit o comandă de la Marea Operă pentru o operă bazată pe orice libret care era interesant pentru el . Și Roussel alege din nou o temă indiană ca intriga - legenda secolului al XIII-lea despre Padmavati , soția credincioasă a lui Ratan-sen . Cu toate acestea, a reușit să lucreze la noua sa operă doar jumătate de an .

Primul Război Mondial a pus o linie îndrăzneață atât în ​​compunerea, cât și în munca de predare a lui Roussel. Are patruzeci și cinci de ani. Consiliul de recrutare nu îl acceptă în armata activă din cauza stării sale de sănătate. Cu toate acestea, Roussel este încă voluntar pentru Crucea Roșie și lucrează ca șofer de ambulanță în prima linie de aproape doi ani. Chiar și în acest caz, departe de muzică, ei redevin colegi apropiați cu Maurice Ravel: deja la sfârșitul lunii octombrie 1914, Maurice Ravel, respins și el de medici, se oferă voluntar să intre într-un regiment de automobile și să servească ca șofer de camion până în 1918 [12]. ] . După un an și jumătate de serviciu în Crucea Roșie, Albert Roussel a reușit însă să se transfere mai aproape de front și să intre în ofițerul serviciului de transport - în artileria activă . În grad de locotenent , Roussel a participat la operațiuni militare în Champagne , pe Somme și lângă Verdun în 1916-1917 . Cu puțin mai puțin de un an înainte de sfârșitul războiului, în ianuarie 1918, Albert Roussel a fost în cele din urmă eliberat din armată - la fel ca și Ravel, din cauza unei boli. După demobilizare , își recuperează sănătatea, care a fost subminată de război, pentru o lungă perioadă de timp. Abia în vara lui 1918 Roussel a putut să revină la viața normală și să reia compoziția întreruptă a operei Padmavati. Roussel nu s-a întors niciodată la predarea la Schola cantorum, cu toate acestea, a continuat să ofere de bunăvoie asistență în domeniul polifoniei și al compoziției tinerilor muzicieni care au apelat la el.

Chiar și pe front, Roussel era foarte îngrijorat de soarta compoziției operei Padmavati lăsată de el. Va avea cineva nevoie de această veche poveste despre dragoste și moarte după anii grei ai războiului ?...

... Toate acestea vor deveni cu siguranță „ceva dinainte de război”, adică despărțite de ale noastre astăzi printr-un zid, un adevărat zid... La urma urmei, va fi necesar să începem să trăim din nou, cu o nouă atitudine față de viață , asta nu înseamnă că tot ce se întâmplă înainte de război va fi uitat, ci tot ceea ce se va face după război va fi diferit. <...> Padmavati-ul meu este încă suficient de puternic pentru a suporta încă doi sau trei ani de așteptare (și ce ani!) înainte de a întâlni publicul

— Albert Roussel . Scrisoare către soția sa din 9 aprilie 1916 [5]

Roussel a greșit puțin. „Padmavati” a trebuit să aștepte această întâlnire nu doi sau trei, ci încă șapte ani. Dar, pe de altă parte, premiera de la 1 iunie 1923 a fost succesul fundamental al lui Roussel. Cu toate acestea, printre entuziasm s-au auzit câteva voci critice. Foarte indicativă în acest sens a fost recenzia lui Paul Duc despre premiera operei mari a lui Roussel. Aducând un omagiu meritelor înalte ale muzicii și luxului extraordinar (cu adevărat oriental) al producției, Dukas a considerat totuși necesar să sublinieze un anumit abuz de efecte externe cu studiul insuficient în relief al personajelor personajelor principale ale piesei [13]. ] . Cu toate acestea, puterea puternică și originalitatea structurii figurative Padmavati au depășit toate îndoielile. Cu complexitatea extremă și costul ridicat al producției sale, ea a apărut pe scenă în 1925, 1927 și 1931 , câștigând pentru Roussel un număr tot mai mare de admiratori ai talentului său. În 1938, deja menționatul Arthur Hoere, în cartea sa despre Roussel, s-a plâns pe bună dreptate de popularitatea scăzută a acestei partituri colorate în afara Franței.

Nu numai pentru că, împreună cu Antigona de Honegger și Cristofor Columb de Milhaud, ea este una dintre cele mai semnificative creații ale teatrului nostru de după război, ci cel mai important, și pentru că posedă în cel mai înalt grad acele calități care, potrivit a ceea ce - ceva tradiție proastă, nu recunosc muzica franceză: se distinge prin puterea și profunzimea sa.

— Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - P. 59 [5] .

După sfârșitul războiului, în 1920, Albert Roussel și-a cumpărat o casă de țară în Normandia , nu departe de mare, unde și-a petrecut majoritatea celor șaptesprezece ani de viață activă care i-au fost alocați. Ultimele decenii și jumătate din viața lui Roussel se remarcă printr-o intensitate deosebită atât a creativității, cât și a activității sociale. Alături de Ravel în anii 1920, Roussel este liderul recunoscut al muzicii franceze. Odată cu debutul bolii îndelungate a lui Ravel, când acesta se retrage treptat de la participarea la viața culturală din Paris, Roussel rămâne aproape singurul lider . În anii treizeci, Roussel a condus secția franceză a Societății Internaționale pentru Muzică Contemporană și, împreună cu André Caplet , a făcut parte din juriul festivalului anual . Până la sfârșitul vieții sale, Roussel nu își pierde vioarea caracterului și rămâne deschis la tot ce este nou. Susține munca tinerilor compozitori francezi, multe dintre cele mai recente tendințe avangardiste pătrund în lucrările sale. Dar chiar și tinerii compozitori de la începutul anilor 20 se uită din ce în ce mai mult la opera lui. După moartea lui Eric Satie, aproape întregul „ Șase ” francez este influențat de personalitatea și opera lui Roussel, în special de Arthur Honegger .

Roussel face ultima sa călătorie nu în est , cum sa întâmplat înainte, ci în America , cu concerte triumfale în turneu . În 1930, la comanda lui Serghei Koussevitzky , Roussel și-a scris a treia simfonie pentru a sărbători aniversarea Orchestrei din Boston . Aceasta este una dintre cele mai puternice lucrări ale sale, plină de forță, energie, claritate și dramă.

În ultimul an și jumătate din viață, Roussel se simte mai rău, boala de inimă se agravează, iar în primăvara anului 1937, la insistențele medicilor, pleacă în stațiunea de pe litoral Royan , din sud-vestul Franței, pentru a se odihni și a se vindeca. . Cu toate acestea, atacurile de cord devin din ce în ce mai frecvente și mai puternice. Pe 13 august, Roussel este nevoit să întrerupă compoziția Trio -ului său de vânt pentru oboi , clarinet și fagot . Cu curaj și extrem de calm, ca orice altceva în viața lui, Roussel îndură suferind de frecvente atacuri de cord .

Albert Roussel, compozitor francez în vârstă de 68 de ani, a murit în urma unui alt atac de cord, în jurul orei 16:00, pe 23 august 1937, în orașul Royan din sud-vestul Franței. A murit în același 1937 în care cei mai apropiați colegi și camarazi apropiați ai săi pe calea creativă parcursă: Maurice Ravel și Gabriel Piernet .

„Un compozitor, ca un chirurg, trebuie să aibă mereu cu el Instrumentele armoniei precise” - asta nu trebuie uitat [8] . :195

Eseu despre creativitate

Lista completă a lucrărilor lui Albert Roussel include 59 de opere publicate și aproximativ o duzină de manuscrise . Gama stilistică foarte largă a operei lui Roussel poate sugera o anumită omnivoritate estetică a compozitorului. Între timp, acest lucru este complet greșit. Artist sincer reflexiv , care se confruntă în mod constant cu o responsabilitate sporită față de sine și de artă , Roussel însuși și-a explicat căutarea constantă printr-o dorință neîncetată de a găsi expresivitatea maximă a limbajului muzical. În această căutare, natura sa romantică închisă și dragostea pentru înțelegerea naturii lucrurilor și-au găsit, fără îndoială, expresie. Dar a existat o altă sursă constantă care l-a împins pe Roussel de-a lungul vieții să actualizeze mijloacele vorbirii muzicale. Acesta este Orientul , a cărui cultură colorată și eclectică a cunoscut-o în timpul mai multor călătorii. În lucrări de diverși ani, Roussel inserează turnuri modale caracteristice din muzica populară indiană , cambodgiană și indoneziană . Totuși, aceasta nu este pentru el o metodă de introducere a „ culorii locale ”, ci doar un mijloc de îmbogățire a limbajului muzical.

În cele mai bune lucrări ale sale, care includ Simfoniile a treia și a patra , opera - baletul Padmavati, baletele Bacchus și Ariadna și Sărbătoarea păianjenului, precum și Rapsodia flamandă pentru orchestră , Roussel își demonstrează în mod clar propria creație, recunoscută și originală. stilul [13] . Darul lui melodic este însă mic. Cu toate acestea, multe teme au „caracter”, intonație strălucitoare și expresivitate.

Lucrările de teatru ale lui Roussel , precum și patru simfonii și o simfonietă, a căror prezență în muzica franceză de la începutul secolului al XX-lea poate fi recunoscută ca un fenomen aproape unic , sunt de cea mai mare valoare în opera lui Roussel . Potrivit multor muzicologi , așa-numita gândire simfonică este, în principiu, străină compozitorilor francezi . Într-adevăr, „muzică absolută”, fără legătură cu cuvântul, baza literară , programul , imaginile naturii sau scenografia , a ieșit foarte rar din condeiul autorilor francezi. Cele patru simfonii ale lui Albert Roussel au inversat într-o oarecare măsură această tendință. Mai mult, a făcut acest lucru, rămânând un artist cu adevărat francez, fără nicio trecere în zona „disciplinei germane” , la care Debussy și Ravel s-au opus constant . Dar, mai presus de toate, meritul lui Roussel este că experiența sa personală a dat impuls unui nou trend în rândul tinerilor compozitori francezi care s-au îndreptat cu o vigoare reînnoită către muzica simfonică pură. În acest sens, este suficient să menționăm numele lui Arthur Honegger , Darius Milhaud, Henri Dutilleux și Henri Sauguet [13] .

Formarea stilului lui Roussel a fost, fără îndoială, influențată de anii de studiu la Schola Cantorum . Autorități precum Palestrina și Bach și -au pus amprenta asupra stilului matur al lui Roussel, bogat în contrapunct și voci polifonice complexe . În comparație cu nuanțele subtile ale compozitorilor francezi apropiați, precum Fauré și Debussy , orchestra lui Roussel nu se aseamănă cu oricare mai densă și grea, chiar și în acele compoziții ale sale care sunt în mod tradițional numite impresioniste . În toate perioadele operei sale, indiferent de cum arăta în exterior, în temperamentul și modul său de gândire, Roussel a fost cel mai aproape de clasicism .

În mai multe compoziții, Roussel a adus un omagiu unui astfel de fenomen nou și în creștere în timpul său ca jazz -ul american . Una dintre compozițiile sale pentru voce și pian se numește „Night Jazz” ( 1929 ) și face ecou clar unor lucrări ale contemporanilor săi, precum sonata pentru vioară de Maurice Ravel sau baletul „Crearea lumii” de Darius Milhaud.

În cartea sa Reminiscences , Albert Roussel i-a salvat pe cercetătorii de mai târziu de a fi nevoiți să tragă propriile concluzii. El însuși, în calitate de venerabil profesor al Schola cantorum, și-a analizat destul de convingător propria lucrare și a evidențiat trei perioade stilistice clar definite din aceasta:

Prima perioadă, din 1898 până în 1913 , care poate fi numită condiționat impresionistă . Practic include ani de studiu. Vorbind în cartea „Memorii” despre opera sa, autorul înmoaie formularea pe alocuri. Deci, potrivit lui Roussel, muzica sa din acești ani a fost „ puțin, foarte puțin influențată de Debussy, adică, în primul rând, tendința către o formă rigidă, pe care mi-a insuflat-o profesorul meu, Vincent d’Andy ”. Evaluând din exterior cuvintele și muzica lui Roussel, putem spune că, deși această perioadă de creativitate este pe bună dreptate numită „ impresionistă ”, totuși, muzica sa din acest timp conține nu mai puține influențe orientale . Acesta este ceea ce Albert Roussel era izbitor de diferit de colegii săi din impresionismul muzical.

Prima experiență orchestrală a lui Roussel a fost preludiul simfonic „Învierea” bazat pe romanul lui Lev Tolstoi ( 1903 ). A fost interpretată la 17 mai 1904 într-un concert al Societății Naționale de Muzică, condus de Alfred Cortot , care a arătat întotdeauna interes pentru opera lui Roussel. Densitatea neobișnuită a limbajului muzical, aroma generală sumbră (preludiul s-a încheiat cu un coral pe o temă gregoriană cotidiană ), precum și o supraîncărcare vizibilă a registrului inferior în orchestră, au provocat o reproș dur din partea criticilor compozitorului începător. , care se afla încă sub influența clară a stilului simfonic al lui Frank [14] . Roussel a acceptat în tăcere și calm critica, a lăsat partitura în manuscris și nu a mai revenit niciodată la ea.

Următoarele compoziții orchestrale, marcate de influența din ce în ce mai mare a lui Claude Debussy, sunt susținute într-un spirit complet diferit. Moale și poetică „Seara de vară” ( 1904 ) și foarte colorată „Recolta de struguri” ( 1905 ) bazată pe poemul lui Leconte de Lille au fost interpretate și ele de Cortot pentru prima dată. În ciuda recenziilor de presă destul de favorabile, Roussel a distrus partitura din „The Grape Harvest” imediat după interpretarea sa, întrucât a considerat că atât forma, cât și orchestrarea lucrării sale nu au avut succes [14] . Apoi Roussel, cu o vigoare reînnoită, preia simfonia în patru părți, care începuse deja cu un an mai devreme, pe care o numește „Poemul pădurii” (1904-1906). Formele clasice ale ciclului simfonic sunt combinate în el cu imagini ale naturii, împărțite în patru anotimpuri. Mișcările sunt subtitrate „Pădurea în iarnă”, „Reînnoirea primăverii”, „Seara de vară” (scrisă anterior ca o piesă orchestrală separată) și „ Faun and the Dryads ”. De mai multe ori părți ale simfoniei au fost interpretate separat în concerte și abia pe 7 februarie 1909, în concertul Orchestrei Lamoureux , a avut loc premiera integrală a simfoniei dirijate de Vincent d'Andy . Criticii de autor Jean Marnol și Gaston Carro au apreciat foarte mult „Poemul pădurii”, văzând în autorul său un simfonis promițător.

... în generația de compozitori care urmează imediat lui Paul Dukas și Alberic Magnard , poate că el, Roussel, este cel care arată cea mai mare promisiune. Cu cât creează mai mult, cu atât mai mult se remarcă în Monsieur Albert Roussel o individualitate remarcabilă : atât în ​​ceea ce vorbește, cât și în modul în care își exprimă gândurile. Individualitatea sufletului său determină originalitatea individuală a stilului său.

- Karrot G. „Liberte”, 9 feb. 1909 [14] .

Aproape simultan cu simfonia, Roussel completează camera Divertimento pentru pian și cinci instrumente de suflat . Această muzică veselă și plină de umor se remarcă prin virtuozitatea fiecărui instrument și a minunatului ansamblu în ansamblu. Temele muzicale din el sunt în relief și convexe, iar liniile și marginile formei sunt clare. Toate aceste trasaturi, clar opuse esteticii generale a impresionismului, anticipeaza tendintele neoclasice ale creativitatii postbelice. Unii critici au remarcat în muzica „Divertissement” trăsături care aduc opera lui Roussel mai aproape de forța de atunci – fauvismul în pictură.

Rezumând cele de mai sus, cele mai cunoscute lucrări din prima perioadă includ: „Divertimento” op.6 pentru cvintet de suflat și pian (1906), Simfonia nr. 1 „Poemul pădurii” op.7 (1904-1906), spectacol pentru copii (1908), „Provocarea viziunilor” op.15 triptic pentru cor, orchestră și bariton (1910-1911) și balet-pantomimă „Sărbătoarea Păianjenului” op.17 (1912). Ultimele două au fost deja menționate.

Roussel însuși numără a doua perioadă de creativitate din 1918 , când s-a întors din război, și se încheie în 1925 , când trecerea sa la neoclasicism este în sfârșit oficializată . În esență, această perioadă poate fi numită tranzitorie sau mixtă, timp în care Roussel a experimentat , formând treptat trăsăturile stilului său matur. Veriga de legătură dintre muzica trecută și cea nouă pentru Roussel a fost partitura operei Padmavati, lucrare la care a continuat cu o pauză pentru război - aproape opt ani. Dar în restul lucrărilor din acest timp, vagul impresionist este peste tot inferioară liniilor clare, muzica capătă certitudine, un ritm mai dur , în plus, numărul disonanțelor crește semnificativ . De departe, cea mai complexă și supraîncărcată lucrare din această perioadă este Simfonia a II-a, scrisă în 1919-1921 , după care Roussel a început să se îndrepte către forme mai simple și mai precise de limbaj muzical. Revenind de pe front, Roussel s-a schimbat foarte mult. Nu mai putea scrie ca înainte, echilibrându-se în pragul frumuseții impresioniste și a splendorii orientale a limbajului. Roussel însuși a explicat schimbările serioase în stilul și atitudinea sa față de creativitate, după cum urmează:

…Patru ani de război nu au fost în zadar pentru mine ca muzician. Le-am folosit pentru a reflecta asupra artei mele. Am învățat multe din această revizuire forțată a drumului pe care îl parcurisem. La fel ca mulți, am fost fascinat de noile metode de gândire muzicală. Impresionismul m-a captivat la început; muzica mea, poate, a gravitat prea puternic spre latura exterioară a fenomenelor, spre începutul pitoresc , care, așa cum am început să mă gândesc puțin mai târziu, a lipsit muzica de o parte din adevărul ei inerent . De atunci, am decis să extind începutul armonic al scrierii mele, am încercat să abordez ideea de a crea o muzică în care ideea și implementarea ei să curgă din ea însăși și, de asemenea, să fie cuprinse în sine.

- Roussel A. Memorii [15] .

A doua simfonie, scrisă în al doilea an după Întoarcere , a devenit punctul final de cotitură prin care Roussel s-a separat public de impresionism. „Stilul nou” al lui Roussel a avut premiera la 4 martie 1922, în concertele Padélou (Pasul lupului) . Cu asprimea și urâțenia limbajului său muzical, Simfonia a II-a a făcut o impresie neașteptată și nefavorabilă tuturor: atât tradiționaliștii , iubitorii de consonanță , cât și susținătorii impresionismului, care erau deja obișnuiți să-l vadă pe Roussel în rândurile credincioșilor „debusiști”. .

„... Vai, Albert Roussel ne părăsește. Ne lasă fără să-și ia rămas-bun, tăcut, modest, reținut, ca întotdeauna... Vezi tu, va pleca, va pleca, va merge... Dar unde? [cincisprezece]

— (Vuillermoz Emile, „Excelsior”, 6 martie 1922.)

La o tiradă lungă și neobișnuit de sinceră către Simfonia a II-a a lui Roussel i-a răspuns și fostul său elev, Eric Satie , în acel moment la fel de departe de impresionism, al cărui fondator el însuși a fost în urmă cu treizeci de ani, și de căutările pur muzicale ale lui Albert Roussel. Simfonia a II-a nu numai că a devenit un eveniment marcant în viața muzicală postbelică a Franței , dar Satie a găsit personal în ea un alt motiv pentru a se opune din nou academicienilor și profesioniștilor muzicii cu o adevărată artă vie.

Interpretarea frumoasei simfonii a lui Albert Roussel la unul dintre concertele Walking Wolf a fost un eveniment excelent și nobil care a agitat apele noastre muzicale noroioase. O groază, o frică! - o altă porțiune de anarhie  sonoră reală s-a revărsat în ei  - o fantomă, mai cunoscută sub numele de cacofonie . <...> Printre multele reproșuri adresate constant lui Albert Roussel, există una care îmi rămâne cel mai bine în memorie (poate pentru că era direct legată de Premiul Romei ). De ce este acuzat? - Da, prin aceea că e amator ..., amator.

Prin ea însăși, apare întrebarea: dar cum este recunoscut acest „iubit”? .. Nu poți să-ți faci creierul în zadar, răspunsul este foarte simplu. Un amator este cel care nu a primit, desigur, Marele Premiu Roman. Permiteți-mi să pun următoarea întrebare cu cea mai mare politețe și bunătate: ce este Premiul menționat mai sus? Stigmatul unor ființe superioare, remarcabile, de cea mai înaltă calitate, non-seriale, vândute și rare. Fără îndoială, privindu-l pe Albert Roussel, este imediat clar că nu este excelent, nu ieșit din comun, nu de cea mai înaltă calitate, nu e vândut, complet în serie și deloc rar - trebuie să se gândească așa. Îmi pare foarte rău pentru asta, dar îl iubesc la fel de mult și pentru asta și el știe bine, sper.— Erik Satie Originea Iluminismului. - Feuilles Libres, iuni 1922. [8] :501-502

După Simfonia a II-a și finalizarea lucrărilor la opera Padmavati, tendințele neoclasice continuă să crească în opera lui Roussel. La doar patru ani de la premiera lui Socrate de Satie, care a devenit descoperirea unui nou stil, în 1922-24 Roussel și-a scris povestea lirică „Nașterea Lirei” după Sofocle , încercând să se apropie cât mai mult de teatrul antic . Interpretată la Marea Operă la 1 iulie 1925 , această partitură de Roussel a precedat cu doi ani Oedip de Stravinski și Antigona lui Honegger .

Cele mai cunoscute lucrări ale celei de-a doua perioade de tranziție a operei lui Roussel includ următoarele lucrări: opera-balet „Padmavati” op.18 (1914-1922 ) , piesa simfonică „Pentru vacanța de primăvară” op.22 (1920), Simfonia nr. (1919-1921), Povestea lirică „Nașterea Lirei” op.24 (1923-1924), „Jocuri cu flaut” pentru flaut și pian op.27 (1924) și „Serenade” pentru flaut, trio de coarde și op harpă .30 ( 1925).

Roussel începe a treia perioadă a operei sale în 1926 și nu mai el însuși a stabilit limita în cartea „Memorii”, ci moartea sa în vara anului 1937 . În ultimii 11 ani ai vieții sale, Roussel și-a găsit „stilul final” - neoclasicismul . În general, el rămâne un compozitor de avangardă , deși sunetul lucrărilor sale devine treptat mai transparent și mai clar. Desigur, neoclasicismul lui Roussel are propriile sale trăsături speciale care îl deosebesc de alți autori care au început să lucreze în acest stil în același timp (sau aproape simultan) cu el. În primul rând, aceasta este fosta polifonie a scrisului, o tendință către politonalitate și polimodalitate, forma tradițională clasică și orchestrație funcțională clară . În plus, Roussel (spre deosebire, de exemplu, de Satie și Stravinsky) în neoclasicismul său nu a evitat niciodată să exprime emoții vii și puternice . În acest sens, neoclasicismul său ar putea fi numit parțial beethovenian .

Principalele trăsături ale noului stil al lui Roussel și-au primit întruchiparea completă în „Suita în fa” din 1926 , cu care, de fapt, începe numărătoarea inversă a celei de-a treia perioade. Suita este formată din trei dansuri : Prelude , Sarabande și Gigue . Prima reprezentație a avut loc în concertele Orchestrei Simfonice din Boston pe 21 ianuarie 1927, sub conducerea lui Serghei Koussevitzky . La scurt timp după premieră, „Suite in Fa” a devenit una dintre cele mai interpretate lucrări de concert de Albert Roussel. Autorul însuși, realizând importanța acestei mici lucrări pentru propria sa căutare creativă, la un an și jumătate după premiera din Boston , a făcut o analiză detaliată a acesteia înainte de prima reprezentație la Paris :

… din punct de vedere al formei exterioare, compozitorul a ales ca model pentru sine construcția clasică a unei vechi suite, deși a întinerit-o semnificativ.<...> Materialul tematic din acesta este format din scurte segmente, dintre care diverse combinații sonore. formează dezvoltarea. Și aceste episoade în curs de dezvoltare se lipesc unul de celălalt fără nicio oprire, formând o singură țesătură muzicală continuă. Asemenea metode au fost folosite cu ușurință de Bach și de unii dintre succesorii săi.

- Roussel A. „Guide de Concert”. — 23 nov. 1928 [15] .

Astfel, Roussel însuși a numit principala trăsătură a neoclasicismului său: nu a fost arhaic sau o întoarcere la „frumoasa antichitate”, ci o întinerire a stilului . Formele și metodele clasice de dezvoltare au fost aplicate de el la limbajul muzical modern. După „Suite in Fa”, un fel de manifest al neoclasicismului lui Roussel, pentru tot restul vieții creative active, compozitorul continuă să meargă pe linia șlefuirii și dezvoltării formelor muzicale pe care le-a găsit și le-a adoptat.

Simfonia a treia în sol minor (1929-1930 ) și Simfonia a patra în la-dur ( 1934 ) reprezintă noi culmi în interpretarea ciclului simfonic tradițional în patru mișcări. În același timp, Roussel lucrează activ la „iluminarea” și purificarea ulterioară a stilului său din „cacofonia” pe care Eric Satie i-a reproșat cândva ușor, încercând în același timp să nu piardă modernitatea limbajului muzical. Numeroase lucrări simfonice de cameră și concert apărute la sfârșitul anilor 1920, printre care Concertul pentru orchestră mică (1926-27), Concertul pentru pian (1927) și Suita mică pentru orchestră (1929) pot fi distinse ca un fel de teren de încercare . pentru această mișcare ).

A treia simfonie, scrisă pentru cea de-a 50-a aniversare a Orchestrei Simfonice din Boston , este dedicată dirijorului său Serghei Koussevitzky și a fost interpretată pentru prima dată de acesta la Boston pe 17 octombrie 1930 . Recenziile critice au fost aproape unanime: Roussel a oferit o lucrare cu adevărat inovatoare și, în același timp, clasic armonioasă. A treia simfonie uimește literalmente prin dinamism, forță de voință și relief convex al materialului tematic. În același timp, este cu adevărat clasic comprimat și echilibrat în toate părțile sale.

Crearea Simfoniei a IV-a a fost imediat precedată de Sinfonietta pentru orchestră de coarde în trei părți, scrisă de Roussel dintr-o suflare, în doar trei săptămâni (12 iulie - 6 august 1934 ). Această compoziție de concert spirituală și strălucitoare a fost destinată orchestrei de coarde feminine de atunci senzațională, condusă de Jeanne Evrard și a fost interpretată cu mare succes la 19 octombrie 1934 în Sala Gaveau . Ceea ce este, de asemenea, foarte semnificativ este că în toate lucrările menționate nu există absolut nici măcar cel mai mic indiciu de vreun fel de programatic sau teatral ; mai precis, acestea sunt exemple ale acelui „simfonism pur” care era de obicei considerat complet necaracteristic muzicii franceze.

În 1930 (din iunie până în decembrie) Roussel creează una dintre cele mai faimoase opere ale sale teatrale - baletul „ Bacchus și Ariadna ”. În ciuda titlului destul de „ ravelian ”, în care se simte ecoul lui „ Daphnis și Chloe ”, baletul este complet clasic atât ca formă, cât și ca limbaj muzical. Partitura lui „Bacchus și Ariadna” este destul de în concordanță cu Simfonia a III-a și a IV-a, dar nu este pură și separată de interpretare. Roussel a considerat ca sarcina sa principală în muzica de teatru să fie subordonarea partiturii față de dezvoltarea dramatică și a intrigii principale . Baletul a avut premiera pe 22 mai 1931 cu coregrafia lui Serge Lifar și a avut un mare succes.

Ultimul apel al lui Roussel la antichitate și teatru (în primăvara anului 1935 ) a fost baletul său cu coruri Eneas (bazat pe Eneidas lui Vergiliu ). Încercând să reproducă în baletul său principalele trăsături sintetice ale tragediei antice , Roussel creează de fapt o nouă formă de spectacol care combină trăsăturile baletului de pantomimă cu elemente individuale de oratoriu și cantată . Pentru prima dată „Aeneas” a fost interpretat în 1935 la Bruxelles , pe scena Palatului Artelor. Marele succes al premierei a stârnit un strigăt internațional, iar în același an, Aeneas a fost pus în scenă și la Teatrul La Scala din Milano . Parisul, după o oarecare ezitare, l-a văzut pe Eneas la Marea Operă deja după moartea lui Roussel, în 1938 .

Ultima lucrare majoră a lui Roussel a fost „Flemish Rhapsody” (scrisă în aprilie-iunie 1936 ), în care s-a întors și a adus un omagiu muzicii populare din mica sa patrie. Tourcoing , unde Roussel și-a petrecut copilăria și unde au trăit strămoșii săi timp de multe secole, se află în regiunea franceză Flandra , cea mai mare parte a devenit parte a teritoriului Belgiei . Lui Roussel îi plăcea adesea să-și sublinieze originea flamandă și, nu fără plăcere, remarca multe trăsături naționale în propriul său caracter. „Flemish Rhapsody” este scrisă pe materialul a cinci melodii flamande autentice , pe care Roussel le-a extras din colecția folcloristului belgian Ernest Claesson  - „Cântece populare ale provinciilor belgiene”. Roussel știa cele mai multe dintre aceste cântece din copilărie. Rapsodia începe cu o recitare solemnă a cântecului „Asediul Burg-op-Zom”, apoi „Cântecul de luptă al geuzelor ” este inclus în dezvoltare, versurile „ Lullaby ” formează un episod separat, urmat de dans. melodia „Careltier”. În comparație cu celelalte lucrări simfonice ale lui Roussel, structura muzicală a Flemish Rhapsody este foarte simplă, dar timbrul și ingeniozitatea polifonică o transformă într-o piesă de concert contagios de veselă și plină de duh, în care marele compozitor pare să-și aducă muzica mai aproape de cel mai larg public. Aparent, acesta a fost răspunsul direct al lui Roussel la situația politică dificilă de dinainte de război de la mijlocul anilor 1930 . Este suficient să spunem că imediat înainte de crearea rapsodiei sale, Albert Roussel a fost ales președinte al Federației de Muzică Populară Franceză, a cărei sarcină principală a fost să aducă arta academică mai aproape de publicul de masă. Interpretată pentru prima dată la Bruxelles pe 12 decembrie 1936 și la Paris pe 21 ianuarie 1937 (dirijată de Charles Munche ), Flemish Rhapsody a devenit foarte repede una dintre cele mai populare și mai des interpretate lucrări ale lui Roussel.

În concluzie, rămâne de enumerat doar cele mai semnificative lucrări din perioada a treia a operei lui Albert Roussel: acestea sunt, în primul rând, „Suite in Fa” op.33 pentru orchestră (1926), Concertul pentru orchestră mică op.34 ( 1926-1927), Simfonia nr. 3 în sol minor op.42 (1929-1930), Balet Bacchus și Ariadna op.43 (1930), Sinfonietta pentru orchestră de coarde op.52 (1934), Simfonia nr. 4 în la major op.53 (1934), Balet Aeneas cu coruri op.54 (1934), Rapsodie flamandă pentru orchestră op.56 (1936), Concertino pentru violoncel și orchestră op.57 (1936) și trio de coarde op.58 (1937).

Lucrări de Albert Roussel

opere

Padmavati, operă-balet în 2 acte, op. 18 (1913-18), post. Opera din Paris, 1 iunie 1923

Nașterea lirei, operă (poveste lirică) în 1 act, op. 24 (1923-24), post. Opera din Paris, 1 iulie 1925

Testamentul mătușii Caroline, operă comică în 3 acte (1932-1933), post. 14 noiembrie 1936

balete

Sărbătoarea Păianjenului, balet într-un act, op. 17 (1912), post. Paris, 3 aprilie 1913

Sarabande, număr pentru baletul colectiv pentru copii „Evantaiul lui Jeanne” (1927), post. Paris, 16 iunie 1927

Bacchus și Ariadna, balet în două acte, op. 43 (1930), post. Opera din Paris, 22 mai 1931

Aeneas, balet pentru cor și orchestră, op. 54 (1935), post. Bruxelles, 31 iulie 1935

Muzică pentru teatru

Vânzătorul de nisip, muzică pentru o piesă bazată pe basmul de Georges Jean-Aubry, op. 13 (1908), post. Le Havre, 16 decembrie 1908

Introducere în actul al II-lea al piesei „Paisprezecelea iulie” de Romain Rolland (1936), post. Paris, 14 iulie 1936

Elpenor, poem radiofonic pentru flaut și cvartet de coarde, op. 59 (1937), post. Bruxelles, 1947

Compoziții pentru orchestră

Învierea, Preludiu pentru orchestră, op. 4 (1903)

Simfonia nr. 1 în re minor „Poemul pădurii”, op. 7 (1904-1906)

Vrăji pentru solişti, cor şi orchestră, op. 15 (1910-11)

Padmavati, Suitele din Opera nr. 1 și 2, op. 18 (1918)

Pentru vacanța de primăvară, poem simfonic, op. 22 (1920)

Simfonia nr. 2 în si bemol major, op. 23 (1919-1921)

Suită pentru orchestră în fa major, op. 33 (1926)

Concert pentru mică orchestră (1926-1927)

Mica suită, op. 39 (1929)

Simfonia nr. 3 în sol minor, op. 42 (1929-1930)

Sinfonietta pentru orchestră de coarde, op. 52 (1934)

Simfonia nr. 4 în la major, op. 53 (1934)

Rapsodia flamandă, op. 56 (1936)

Concerte

Concertul pentru pian în sol major, op. 36 (1926-27)

Concertino pentru violoncel și orchestră, op. 57 (1936)

Compoziții vocale și orchestrale

Cântecul de luptă al francilor pentru cor masculin, alamă și percuție ad libitum (1926)

Psalmul 80 pentru tenor, cor și orchestră, op. 37 (1928)

Pentru fanfară

Ziua Mare Op. 48 (1932)

Muzică de cameră

Trio cu pian în mi bemol major, op.2 (1902)

Divertimento pentru pian și cvintet de suflat, Op.6 (1906)

Sonata nr. 1 pentru vioară și pian, op.11 (1907-08)

Impromptu pentru harpă solo, Op.21 (1919)

Flautişti pentru flaut şi pian, Op.27 (1924)

Sonata nr. 2 pentru vioară și pian, op.28 (1924)

Segovia pentru chitară (sau pian), Op.29 (1925)

Serenada pentru flaut, trio de coarde și harpă, Op.30 (1925)

Duet pentru fagot și contrabas (1925)

Arie pentru oboi și pian (1927-28)

Trio pentru flaut, violă și violoncel, Op.40 (1929)

Cvartet de coarde, op.45 (1931-32)

Andante și Scherzo, pentru flaut și pian, Op.51 (1934)

Pipe, pentru piccolo și pian (1934)

Trio pentru coarde, op.58 (1937)

Andante dintr-un trio neterminat pentru oboi, clarinet și fagot (1937)

muzica de pian

Orele trecute, op.1 (1898)

Povestea păpușilor (1904)

Dansuri de țară, op.5 (1906)

Suită în fa diesis, op.14 (1910)

Micul canon perpetuum (1913)

Sonatina, op.16 (1914)

Îndoieli (1919)

La o recepție la Muze (Dedicația Debussy) (1920)

Preludiu și fuga (Omagiu lui Bach), op.46 (1932)

Trei piese, op.49 (1933)

Piese de orgă

Preludiu și Fughetta, op. 41 (1929)

Lucrări vocale

Patru poezii de Henri de Regnier, op.3 (1903)

Patru poezii de Henri de Regnier, Op.8 (1907)

Amenințare, op. 9 (1907-1908)

Flacără Op. 10 (1908)

Două poezii chinezești op.12 (1908)

Two Romances Op.19 (1918, orchestră. 1928)

Două romanțe Op.20 (1919)

Două poezii de Ronsard pentru flaut și soprană, Op.26 (1924)

Ode anacreontice op.31 (1926)

Ode anacreontice op.32 (1926)

Două poezii chinezești Op.35 (1927)

Vocaliză (1927)

Night Jazz Op.38 (1928)

Vocaliză (1928)

Floare pentru fiica mea, romantism pe st. D. Joyce (1931)

Două idile Op.44 (1932)

Două poezii chinezești op.47 (1932)

Două romanțe Op.50 (1934)

Două romanțe Op.55 (1935)

Pentru cor a capella

Două madrigale pentru 4 voci (1897)

Madrigal pentru muze pentru 3 voci feminine (1923)

Surse

  1. ↑ 1 2 Albert Roussel // Encyclopædia Britannica 
  2. ↑ 1 2 Albert Charles Paul Marie Roussel // Enciclopedia Brockhaus  (germană) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & FA Brockhaus , Wissen Media Verlag
  3. ↑ Albert Roussel // Gran Enciclopèdia Catalana  (cat.) - Grup Enciclopèdia Catalana , 1968.
  4. ↑ Roussel Albert // Marea Enciclopedie Sovietică : [în 30 de volume] / ed. A. M. Prokhorov - ed. a III-a. — M .: Enciclopedia sovietică , 1969.
  5. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 Filenko G. Muzica franceză din prima jumătate a secolului XX. - L . : Muzică, 1983. - S. 16-19.
  6. ↑ Schneerson G. Muzica franceză a secolului XX. - M . : Muzică, 1964. - S. 150.
  7. ↑ Schneerson G. Muzica franceză a secolului XX. - M . : Muzică, 1964. - S. 50-51.
  8. ↑ 1 2 3 Sati E., Hanon Y. „Remembering in hindsight”. - Sankt Petersburg. : Center for Middle Music, 2009. - 682 p.
  9. ↑ Erik Satie . Ecrits. - P. : Edițiile Gerard Lebovici, 1990. - P. 55.
  10. ↑ 1 2 Filenko G. Muzica franceză din prima jumătate a secolului XX. - L . : Muzică, 1983. - S. 25-31.
  11. ↑ Ravel în oglinda scrisorilor sale / Alcătuit de M. Gerard și R. Chalu. - L . : Muzică, 1988. - S. 188.
  12. ↑ Ravel în oglinda scrisorilor sale / Alcătuit de M. Gerard și R. Chalu. - L . : Muzică, 1988. - S. 106.
  13. ↑ 1 2 3 Schneerson G. Muzica franceză a secolului XX. - M . : Muzică, 1964. - S. 151-155.
  14. ↑ 1 2 3 Filenko G. Muzica franceză din prima jumătate a secolului XX. - L . : Muzică, 1983. - S. 23-24.
  15. ↑ 1 2 3 Filenko G. Muzica franceză din prima jumătate a secolului XX. - L . : Muzică, 1983. - S. 33-37.

Link -uri

  Accesați articolul Wikidata  Foto, video și audio
Site-uri tematice
Dicționare și enciclopedii
Genealogie și necropole