Modernismul târziu este o tendință internațională a artei contemporane , în sens larg descriind toate domeniile artei contemporane create după al Doilea Război Mondial până la începutul secolului XXI . Terminologia indică adesea asemănări între modernismul târziu și postmodernismul , deși există diferențe. Termenul predominant pentru operele de artă create începând cu anii 1950 este termenul de artă contemporană . Cu toate acestea, nu toată arta etichetată ca artă contemporană este modernistă sau postmodernistă, mai larg termenul cuprinde atât artiștii care continuă să lucreze în tradițiile contemporane și moderniste târzii, cât și artiștii care resping modernismul din alte motive.
Criticul Arthur Danto susține în After the End of Art că arta contemporană este un termen mai larg decât modernismul târziu, lucrările moderniste târziu reprezintă un subsector al artei moderne, iar aceste lucrări au ajuns să înlocuiască lucrările moderniste și moderniste . În paralel, o serie de alți critici, precum: Jean-Francois Lyotard , Kirk Varnedeau , Hilton Kramer [1] susțin că lucrările modernismului târziu, în cel mai bun caz, aparțin operelor modernității.
Terminologia, care include cei doi termeni modernism târziu și artă postmodernă, este folosită pentru a se referi la ceea ce poate fi considerat ca faza finală a artei moderne, ca artă la sfârșitul modernismului sau ca anumite tendințe în arta contemporană.
Sunt cei care se opun împărțirii în perioade moderne și postmoderne. Nu toți criticii sunt de acord că faza numită modernism s-a încheiat sau chiar aproape de sfârșit. Nu există un consens că toată arta după modernism este postmodernă. Arta contemporană este termenul cel mai utilizat pentru opera din jurul anului 1960, deși are și multe alte utilizări și interpretări. Arta postmodernă nu este, de asemenea, separată de o linie clară de modernism, iar mulți critici o văd doar ca o altă fază a artei moderne sau o altă formă a modernismului târziu [2] .
De la sfârșitul anilor 2010 , criticii termenului de modernism târziu sunt în minoritate. Acest lucru nu înseamnă că faza artei desemnată modern târziu este acceptată și general recunoscută, doar că este bine cunoscută necesitatea ca termenul să descrie mișcările în artă după vârful expresionismului abstract . Cu toate acestea, deși conceptul de schimbare în artă a ajuns la un consens, nu există încă un consens cu privire la faptul dacă aceste schimbări sunt postmoderne sau moderniste târziu, consensul este că a existat o schimbare profundă în percepția operelor de artă, iar pe scena mondială a apărut o nouă eră, cu o întrerupere din anii 1960 [3] .
În literatură, termenul modernism târziu se referă la operele literare produse după al Doilea Război Mondial. Cu toate acestea, există mai multe definiții diferite ale literaturii moderniste de mai târziu. Cele mai frecvente sunt lucrările publicate între 1930 și 1939 sau 1945. Cu toate acestea, există moderniști precum Basil Banting (1900-85) și T. S. Eliot (1888-1965) care au scris mai târziu de 1945, iar Samuel Beckett [4] , care a murit în 1989, a fost descris drept „modernist târziu”. Eliot a publicat două piese de teatru în anii 1950, iar lungul poem modernist Briggflatts a lui Banting a fost publicat în 1965.
Modernismul târziu descrie mișcări care deopotrivă apar și răspund tendințelor modernismului și în același timp resping unele dintre aspectele acestuia, dezvoltând pe deplin posibilitățile conceptuale ale mișcării moderniste [5] . În unele descrieri, postmodernismul ca perioadă în artă a ajuns la sfârșit, în timp ce în altele este o mișcare continuă în arta contemporană. În arta caracterizată prin trăsăturile specifice ale modernismului, de regulă, puritatea formală, specificitatea medie, arta de dragul artei, posibilitatea autenticității în artă, importanța sau chiar posibilitatea adevărului universal în artă și importanța avangarda și originalitatea ies în evidență. Acest ultim punct este una dintre controversele particulare în artă, în care multe instituții susțin că prezența unor tendințe avansate, de ultimă oră și progresiste este esențială pentru misiunea artei în prezent și, prin urmare, postmodernitatea reprezintă o contradicție în valoarea „artei timpului nostru”.
O definiție compactă sugerată este că, în timp ce postmodernismul operează prin respingerea marilor narațiuni ale modernismului despre direcția artistică și distrugerea granițelor dintre formele de artă înalte și joase, el încalcă genul și convențiile sale prin ciocnire, colaj și fragmentare. În arta postmodernă, se crede că toate pozițiile sunt instabile și nesincere și, prin urmare , ironia , parodia și umorul sunt singurele poziții care nu pot fi anulate de critică [6] .
Multe dintre aceste trăsături sunt prezente în mișcările de artă contemporană, în special respingerea distincției dintre formele de artă înalte și joase. Cu toate acestea, aceste trăsături sunt considerate fundamentale pentru arta postmodernă și nu doar prezente în diferite grade. Cu toate acestea, una dintre cele mai importante diferențe dintre postmodernism și modernism ca mișcări de artă este, în cele din urmă, poziția progresivă a modernismului conform căreia noua lucrare ar trebui să fie mai „orientată spre viitor” și mai avansată, în timp ce mișcările postmoderniste resping în general acest concept.
Cu toate acestea, utilizarea termenului postmodern are critici la aplicarea acestuia. De exemplu, Kirk Varnedo a afirmat că postmodernismul nu există și că posibilitățile modernismului nu au fost încă epuizate [7] . După cum sa menționat mai sus, acești critici sunt în prezent în minoritate.
Mișcările și tendințele radicale în modernism și arta modernistă, văzute ca influente și care pot precede apariția modernismului târziu, au început să apară cu puțin timp înainte și mai ales după Primul Război Mondial. Odată cu apariția unei componente tehnice și mecanice în artă, au apărut tendințe precum cubismul , dadaismul și suprarealismul , iar odată cu acestea tehnici precum colajul și altele. Tot în această perioadă a avut loc apariția unor noi forme de artă precum cinematografia , care, prin utilizarea tehnicilor de copiere industrială, a adus arta la un nou nivel. Gratie eforturilor lui Pablo Picasso si Marcel Duchamp a aparut tehnica readymade .
La începutul secolului XX , influențat de Henri Matisse și André Derain ca pictori fauviști și inovațiile monumentale ale lui Pablo Picasso și Georges Braque , precum și succesul mondial al cubismului și încurajarea avangardei, Marcel Duchamp a expus pisoarul și a declarat- o sculptură . El a vrut ca oamenii să se uite la pisoar ca și cum ar fi o operă de artă pentru că a spus că este o operă de artă. Și-a numit munca „ gata făcută ”. „The Fountain” a fost un pisoar cu pseudonimul R. Mutt care a zguduit lumea artei în 1917. Aceasta și alte lucrări ale lui Duchamp sunt în general clasificate de către istoricii de artă drept dadaism .
Dada poate fi văzută ca parte a tendinței moderniste de a contesta stilurile și formele consacrate, împreună cu suprarealismul , futurismul și expresionismul abstract [8] . Din punct de vedere cronologic, Dada se află în interiorul modernismului, totuși, o serie de critici consideră că anticipează postmodernismul, în timp ce alții, precum Ihab Hassan și Stephen Connor , îl consideră un posibil punct de tranziție între modernism și postmodernism [9] .
Fauvismul , și în special Henri Matisse, a avut o influență importantă atât asupra expresionismului abstract, cât și asupra picturii câmpului de culoare , o piatră de hotar majoră a modernismului târziu. Dansul este considerat pe scară largă ca „un moment cheie în cariera lui Matisse și în dezvoltarea picturii moderne” [10] . Cu spațiul său mare albastru, simplitatea designului și accent pe sentimentul pur, pictura a avut un impact imens asupra artiștilor americani care l-au văzut la MoMA din New York .
La sfârșitul anilor 1940, abordarea radicală a picturii a lui Pollock a revoluționat potențialul artei moderne care l-a urmat. Într-o oarecare măsură, Pollock și-a dat seama că calea spre crearea unei opere de artă este la fel de importantă ca și opera de artă în sine. La fel ca invențiile de pionierat ale picturii și sculpturii de la începutul secolului cu ajutorul cubismului lui Pablo Picasso, Pollock a redefinit modul în care a fost creată arta la mijlocul secolului. Mișcarea lui Pollock - departe de pictura de șevalet și convenție - a fost un semnal de eliberare pentru contemporanii săi și adepții lor.
Artiștii și-au dat seama că procesul creativ al lui Jackson Pollock — lucrul pe podea, pânza brută întinsă, materiale specifice, materiale industriale, aruncarea de țevi liniare de vopsea, pictura prin picurare, desenul, colorarea, periajul — a dus, în esență, procesul creativ dincolo de orice granițe anterioare.
Expresionismul abstract în ansamblu a extins și a dezvoltat posibilitățile pe care le aveau artiștii de a crea noi opere de artă. Într-un fel, inovațiile lui Jackson Pollock , Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hoffmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ed Reinhardt și alții au deschis porțile diversității și amplorii întregii arte.
Cu expresionismul abstract se asociază apariția operelor de artă combinate - cu materialele artistului, plecând de la convențiile anterioare ale picturii și sculpturii. Această tendință în artă este exemplificată de opera lui Robert Rauschenberg , ale cărui „combine” în anii 1950 au fost precursori ai artei pop și ai artei instalațiilor și a folosit multe obiecte fizice mari, inclusiv animale de pluș, păsări și fotografie comercială.
Leo Steinberg folosește termenul de postmodernism în 1969 pentru a descrie planul imagine „plat” al lui Rauschenberg, care conține o serie de imagini culturale și aluzii care nu erau compatibile cu câmpul pictural al picturii premoderne și moderniste [11] .
Stephen Best și Douglas Kellner îi identifică pe Rauschenberg și Jasper Johns ca parte a unei faze de tranziție între modernism și postmodernism, influențată de Marcel Duchamp . Ambele au folosit imaginile obiectelor obișnuite sau obiectele în sine în opera lor, păstrând în același timp abstractizarea și gesturile picturale ale înaltului modernism [12] .
În pictura și sculptura abstractă în anii 1950 și 1960, abstracția geometrică a devenit o direcție importantă în munca multor sculptori și artiști. Pictura a fost dominată de minimalism , pictura pe câmpuri de culoare , pictura cu contururi dure și abstracția lirică , care erau tendințe noi radicale [13] [14] [15] .
Helen Frankenthaler , Maurice Louis , Frank Stella , Kelly Ellsworth , Richard Diebenkorn , David Smith , Anthony Caro , Mark di Suvero , Jean Davis , Kenneth Noland , Jules Olitsky , Isaac Witkin , Anne Trutt , Kenneth Snelson , Al Held , Howard Hodgkin , Larry Poons , Bryce Marden , Robert Mangold , Dan Christensen , Larry Zox , Charles Hinman , Sam Gilliam au fost câțiva dintre artiștii a căror opera a caracterizat pictura și sculptura abstractă în anii 1960 [16] . Abstracția lirică are asemănări cu pictura câmpului de culoare și expresionismul abstract , în special în utilizarea liberă a vopselei - textura și suprafața. Desenul direct, utilizarea caligrafică a liniilor, efectele mate, împrăștiate, pătate, stoarse, turnate și împroșcate amintesc în aparență de efectele observate în expresionismul abstract și pictura pe câmpuri de culoare. Cu toate acestea, stilurile diferă semnificativ.
Așa cum se vede în pictura de acțiune , accentul este pus pe mișcări de pensulă, dramatism compozițional ridicat, tensiune compozițională dinamică. În timp ce în abstractizarea lirică există un sentiment al aleatoriei compoziționale a întregii compoziții, o dramă compozițională restrânsă și relaxată și un accent pe proces, repetiție și sensibilitate generală. În anii 1960 și 1970, artiști influenți precum Robert Motherwell , Adolph Gottlieb , Philip Guston , Lee Krasner , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Richard Diebenkorn , Joseph Albers , Elmer Bischoff , Agnes El Martin , Sam Francis worth , Sam Francis Stella , Kenneth Noland , Joan Mitchell și artiști mai tineri precum Bryce Marden , Robert Mangold și zeci de alții au continuat să producă picturi vitale și influente.
La începutul anilor 1960, minimalismul a apărut ca o mișcare de artă abstractă (rădăcinile sale se întorc la abstracția geometrică a lui Malevich , Bauhaus și Mondrian ). Printre artiștii care au fost pionierii minimalismului se numără Frank Stella , Ed Reinhardt , Agnes Martin , Barnett Newman , Donald Judd , Tony Smith , Carl Andre , Robert Smithson , Saul LeWitt , Dan Flavin , Robert Mangold , Robert Morris și Ronald Bladen . Noua artă a respins ideea picturii relaționale și subiective, complexitatea suprafețelor expresioniste abstracte, zeitgeist-ul emoțional și controversele prezente în arena picturii de acțiune . Minimalismul susținea că simplitatea extremă ar putea surprinde toată prezentarea sublimă necesară în artă. Minimalismul în pictură și sculptură, spre deosebire de alte domenii, este o mișcare modernistă târzie și, în funcție de context, poate fi interpretat ca un precursor al mișcării postmoderniste.
Hal Foster , în eseul său The Essence of Minimalism, explorează măsura în care Donald Judd și Robert Morris recunosc și transcend modernismul lui Greenberg în definițiile lor publicate ale minimalismului [17] . El susține că minimalismul nu este o „fundătură” a modernismului, ci „o schimbare de paradigmă către practici postmoderne care continuă să fie dezvoltate și astăzi” [18] .
La sfârșitul anilor 1960, termenul „ postminimalism ” a fost inventat de Robert Pinkus-Witten pentru a descrie arta minimalistă derivată, care avea conținut și nuanțe contextuale pe care minimalismul le-a respins, opera lui Eva Hesse, Keith Sonnier , Richard Serra și noile lucrări ale foștilor minimalisti. Robert Smithson, Robert Morris, Saul Levitt și alții [19] .
Rosalind Krauss susține că până în 1968 artiști precum Morris, Levitt, Smithson și Serra „s-au găsit într-o situație ale cărei condiții logice nu mai puteau fi numite moderniste” [20] . Extinderea categoriei de sculptură pentru a include land art și arhitectură „a dus la o tranziție către postmodernism” [21] .
Cu toate acestea, până la sfârșitul anilor 1960, arta procesului a devenit un concept și o mișcare revoluționară care a îmbrățișat pictura și sculptura, prin abstracția lirică și mișcarea post-minimalistă , precum și prin arta conceptuală timpurie . Eva Hesse , Robert Smithson, Walter De Maria , Richard Serra, Nancy Graves , Yannis Kounellis , Bruce Naumann , Richard Tuttle , Mel Bochner , Hannah Wilke , Linda Benglis , Michael Heizer , Lawrence Weiner , Joseph Kossuth au fost printre artiștii mișcării către apărute din anii 1960. Procesul de artă inspirat de Pollock le-a permis artiștilor să experimenteze și să utilizeze o paletă diversă de stil, conținut, material, plasare, sens al timpului, scară, dimensiune, plasticitate și spațiu real .
Termenul „ art pop ” a fost folosit de Lawrence Alloway pentru a descrie picturile care celebrau consumerismul lumii occidentale în epoca de după cel de -al Doilea Război Mondial [23] . Această mișcare a respins expresionismul abstract și concentrarea sa pe interioarele hermeneutice și psihologice, în favoarea artei, mișcarea înfățișând și adesea celebrând cultura materială de consum, publicitatea și iconografia epocii producției de masă. Lucrările timpurii ale lui David Hockney și lucrările lui Richard Hamilton , John McHale și Eduardo Paolozzi au fost considerate exemple originale în mișcare. În timp ce exemplele americane mai recente includ cea mai mare parte a carierei lui Andy Warhol și Roy Lichtenstein și utilizarea de către acesta a punctelor Bendy, o tehnică folosită în reproducerea comercială. Există o legătură clară între opera radicală a lui Duchamp , dadaistul rebel - cu simțul umorului, și artiștii pop precum Claes Oldenburg , Andy Warhol, Roy Lichtenstein și alții [24] .
În general, arta pop și minimalismul au început ca mișcări moderniste, schimbarea de paradigmă și scindarea filozofică între formalism și anti-formalism la începutul anilor 1970 i- au determinat pe unii critici să vadă aceste mișcări ca precursori sau precursori ai artei postmoderne. Alte mișcări contemporane citate ca fiind influente pentru arta postmodernă sunt arta conceptuală , dada și suprarealismul , precum și utilizarea tehnicilor tehnice precum asamblarea , montajul, colajul , bricolajul și formele de artă care folosesc înregistrarea sau reproducerea ca bază pentru opere de artă. . .
Există opinii diferite dacă arta pop este o mișcare modernistă târzie sau postmodernistă. Thomas McEvelly , de acord cu Dave Hickey , spune că postmodernismul în artele vizuale a început cu primele expoziții de artă pop în 1962, „deși au durat aproximativ douăzeci de ani până când postmodernismul să devină dominant în artele vizuale”. De asemenea, Frederick Jameson consideră că arta pop este postmodernă [25] .
La sfârșitul anilor 1950 și 1960, artiștii cu o gamă largă de interese au început să depășească limitele artei contemporane. Yves Klein în Franța și Caroli Schneemann , Yayoi Kusama , Yoko Ono în New York au fost pionierii lucrărilor bazate pe performanță . Grupuri precum Living Theatre cu Julian Beck și Judith Malina au colaborat cu sculptori și pictori, creând medii care schimbă radical relația dintre public și interpret. Aceste spectacole au fost adesea menite să creeze o nouă formă de artă care combina sculptura, dansul, muzica sau sunetul, adesea cu participarea publicului. Lucrările au fost caracterizate de filozofiile reductive ale minimalismului, improvizației spontane și expresivității expresionismului abstract.
În aceeași perioadă, de la sfârșitul anilor 1950 până la mijlocul anilor 1960, diverși artiști de avangardă au creat happening -uri . Cazurile au fost adunări misterioase și adesea spontane și neînregistrate ale artiștilor și prietenilor și rudelor lor în diferite locații desemnate. Activitățile includ exerciții fizice absurde, costume bizare, nuditate spontană și diverse activități aleatorii și aparent incoerente. Allan Kaprow , Claes Oldenburg , Jim Dine și Robert Whitman , printre alții, au fost creatori remarcabili de întâmplări.
Fluxus a fost numit și organizat în 1962 de George Maciunas (1931-1978), un artist american de origine lituaniană . Fluxus își are originile în cursurile de compoziție experimentală ale lui John Cage , din 1957 până în 1959, la New School for Social Research din New York. Mulți dintre studenții săi erau artiști cu puțină sau deloc experiență muzicală. Studenții lui Cage au inclus fondatorii Fluxus Jackson McLow , Al Hansen , George Brecht și Dick Higgins [26] .
În aparență, Fluxus seamănă adesea cu dadaismul . Mulți reprezentanți ai grupului Fluxus din anii 60 au vorbit înșiși despre influența directă a dadaiștilor, în special a Marcel Duchamp, asupra muncii lor. Dar să numim noua tendință „neo-dada” ar fi greșit. Fondatorul Fluxus, George Maciunas, a preferat să apeleze la latina moartă, probabil pentru, în primul rând, a separa noua tendință de dadaismul consacrat istoric și, în al doilea rând, pentru a sublinia atemporalitatea ideilor lui Fluxus. Simplu până la banalitate, uneori ridicol de prost sau sfidător de sălbatic, Fluxus a contestat canoanele în care arta oficială a anilor 50 și 60 era „blocată”. Fluxus a fost chemat încă o dată să ștergă granițele dintre artă și viață, să învețe oamenii să vadă frumusețea în cele mai banale lucruri, să trăiască „în clipa”, să creeze ceva interesant în mod constant și din „nimic” în afara atelierelor. , în afara scenei, fără a întrerupe viața de zi cu zi. Fluxus a încorporat un curent puternic de anti-comercialism și sensibilitate anti-artă, denunțând lumea artei tradiționale condusă de piață în favoarea practicii creative conduse de artiști. Artiștii Fluxus au preferat să lucreze cu orice materiale erau la îndemână și fie și-au creat propria lucrare, fie au colaborat cu colegii lor la procesul de creație.
Andreas Huyssen critică încercările de a revendica Fluxus drept postmodernism ca „fie codul principal al postmodernismului, fie, în cele din urmă, o mișcare de artă de neimaginat – un fel de postmodernism sublim”. În schimb, el vede Fluxus ca principalul fenomen neo-dadaist în cadrul tradiției avangardiste. Nu a reprezentat prea multe progrese în dezvoltarea strategiilor artistice, deși și-a exprimat revolta împotriva „culturii controlate din anii 1950, în care modernismul moderat, domesticit, a servit drept suport ideologic pentru Războiul Rece ” [27] .
Arta conceptuală a devenit o dezvoltare majoră în arta contemporană la sfârșitul anilor 1960. Modernismul târziu sa extins și sa contractat la sfârșitul anilor 1960, iar pentru unii, arta conceptuală s-a rupt complet de modernism. Uneori, arta conceptuală este etichetată postmodernă deoarece este în mod clar implicată în deconstrucția a ceea ce face ca o operă de artă să fie „artă”.
În conceptualism, conceptul de operă este mai important decât expresia sa fizică, scopul artei este de a transmite o idee. Obiectele conceptuale pot exista sub formă de fraze, texte, diagrame, grafice, desene, fotografii, materiale audio și video. Orice obiect, fenomen, proces poate deveni obiect de artă, întrucât arta conceptuală este un gest artistic pur.
Duchamp poate fi văzut ca un precursor al artei conceptuale. Astfel compozitorul de avangardă David Tudor a creat piesa The Reunion (1968), scrisă în colaborare cu Lowell-Cross, care prezintă un joc de șah în care fiecare mișcare provoacă un efect de lumină sau proiecție. La premieră, jocul s-a jucat între John Cage și Marcel Duchamp [28] . Alte exemple notabile sunt „4’33” al compozitorului american John Cage , în timpul căruia nu este redat niciun sunet. Multe lucrări conceptuale aderă la poziția conform căreia arta este creată de privitorul care observă obiectul și nimic altceva.
O serie importantă de mișcări artistice care au fost descrise în mod constant ca postmoderne a inclus arta instalației și crearea de obiecte de natură conceptuală. Un exemplu este tabletele Jenny Holzer , care folosesc metode artistice pentru a transmite mesaje specifice precum „Protejează-mă de ceea ce vreau”. Intrând în diverse combinații extraordinare, lucrul se eliberează de funcția sa practică, dobândind o funcție simbolică. Schimbarea contextelor creează modificări semantice, un joc de sensuri. Dimensiunea instalațiilor variază de la extrem de mici, unde poți privi doar cu un ochi, până la mai multe săli din muzeele mari . Instalația, în contrast cu picturile plate și obiectele unice, se concentrează pe crearea spațiului interior.
O altă tendință în artă care este asociată cu termenul postmodern este utilizarea mai multor medii diferite de expresie artistică împreună. Intermedia , un termen inventat de Dick Higgins și destinat să se refere la noile forme de artă de-a lungul liniilor Fluxus , poezie figurativă , ready-made , performance . Combinații stabile de genuri s-au transformat în noi forme de practică artistică, precum poezia vizuală, arta performanței. Aceste simbioze au avut loc în conformitate cu tendința globală a secolului XX , care a constat în distrugerea granițelor dintre medii, amestecarea mijloacelor expresive ale diferitelor tipuri de artă. Intermedia a fost înțeleasă ca lucrări noi care nu puteau fi descrise în cadrul categoriilor artistice existente la începutul anilor ’60, deoarece din punct de vedere al sensului se aflau între două mijloace expresive care erau deja cunoscute și folosite [29] .
Deși teoria combinării mai multor arte într-o singură artă este destul de veche și revigorată periodic, manifestarea postmodernă este adesea combinată cu arta performanței , în care nuantele dramatice sunt eliminate, iar ceea ce rămâne sunt declarațiile concrete ale artistului sau declarația conceptuală a acțiunii.
În eseul „Impulsul alegoric: către o teorie a postmodernismului” , criticul Craig Owens în 1980 identifică renașterea impulsului alegoric ca o caracteristică a artei postmoderne. Acest impuls poate fi văzut în arta însuşirii de către artişti precum Sherri Levin şi Robert Longo , deoarece „imaginile alegorice sunt imagini însuşite” [30] . Arta însușirii dezamăgește noțiunile moderniste de geniu și originalitate artistică și este mai ambivalentă și controversată decât arta modernă, deopotrivă instituind și distrugând ideologii, „fiind atât critică, cât și complice” [31] .
Revenirea la formele de artă tradiționale de sculptură și pictură la sfârșitul anilor 1970 și începutul anilor 1980, observată în lucrările artiștilor neo-expresionişti , precum Georg Baselitz și Julian Schnabel , a fost caracterizată ca o tendință postmodernă și una dintre primele mișcări concertate. să apară în epoca postmodernă [32] [33] .
Legăturile sale puternice cu piața comercială de artă au ridicat întrebări atât cu privire la statutul său de mișcare postmodernă, cât și la definiția postmodernismului în sine. Hal Foster afirmă că neoexpresionismul a fost complice la politica culturală conservatoare a erei Reagan-Bush din SUA [18] . Pierre-Félix Guattari afirmă că postmodernismul nu este altceva decât ultima suflare a modernismului . Această critică a neoexpresionismului arată că banii și relațiile sociale au susținut credibilitatea globală a artei contemporane în America, în același timp în care practicile conceptuale și feministe de artă reevaluau sistematic arta contemporană [34] .
La începutul secolului al XXI-lea, pictura contemporană, sculptura contemporană și arta contemporană în general continuă să se dezvolte în mai multe direcții conexe, caracterizate de ideea de pluralism . „Criza” în pictură, sculptură și arta contemporană, precum și critica de artă modernă, este astăzi cauzată de pluralism. Nu există și nu ar trebui să existe un consens asupra stilului reprezentativ al epocii. În consecință, operele de artă continuă să fie realizate, deși într-o varietate de stiluri și temperamente estetice, iar piața este măsura recunoașterii și succesului.
Nu există un termen general acceptat care să definească arta ultimelor două decenii ale secolului XXI, o serie de critici declară declinul postmodernismului . În același timp, trebuie menționat că niciodată până acum atât de multe opere de artă contemporană nu au fost create și cumpărate. Publicul și mass-media nu au manifestat niciodată un asemenea interes pentru artă. Istoricul de artă englez Will Gompertz în cartea sa „Arta de neînțeles. De la Monet la Banksy” introduce termenul de nouă avangardă pentru a descrie noua artă a secolului XXI [35] .