Istoria artei italiene a predeterminat în mare măsură istoria artei civilizației occidentale . După epoca etruscă și în special cea romană antică , care a dominat Apeninii timp de multe secole, Italia este esențială pentru arta renascentist europeană . Italia a dominat și viața artistică europeană în secolele al XVI-lea și al XVII-lea, fiind leagănul stilului baroc . În secolul al XVIII-lea, țara a cunoscut un declin cultural, iar ea a început să-și piardă rolul de locomotivă a vieții spirituale a Europei, dând-o Franței. Cu toate acestea, la mijlocul secolului al XIX-lea, țara a revenit pe scena internațională cu mișcări artistice precum macchiaioli ,futurism , pictură metafizică , novecento , arte povera , transavangardă . Arta italiană a influențat mai multe mișcări culturale majore de-a lungul istoriei și a produs o galaxie de mari artiști, arhitecți și sculptori.
Astăzi, Italia deține un loc important pe scena internațională de artă, cu câteva mari galerii de artă, muzee și expoziții. Principalele centre artistice din țară sunt capitala sa, Roma , precum și Florența , Veneția , Milano , Napoli , Torino și alte orașe.
Italia antică nu avea o singură comunitate etnică sau culturală. A fost locuit de un mozaic de diferite triburi cu propriile tradiții, obiceiuri și limbi. Pământurile „barbarilor” (gali, germani) se întindeau la nord de râul Po, în timp ce partea de sud a peninsulei făcea parte din Magna Grecia. Cultura etruscă, deși influențată de greacă, a fost singura cultură autohtonă. De fapt, cultura romană antică se bazează pe cultura greacă antică, amestecându-se cu cea etruscă și actualizându-l, precum și desenând elemente ale artei „barbarilor”.
Regiunile italiene strâns asociate cu clasicii greci sunt regiunile sudice și insula Sicilia . Colonizarea greacă , care a început în secolul al VIII-lea î.Hr. e. , a creat cultura orașelor antice din Calabria ( Taranto , Locri , Sibaris , Crotone , Reggio , etc.) și Sicilia ( Siracuza , Agrigento , Segesta , Gela etc.). Clădirile din Paestum , Selinunte , Agrigento sunt cele mai importante temple supraviețuitoare ale lumii grecești.
Rămășițele slabe ale celei mai vechi perioade, care s-au manifestat în unele trăsături ale ritualului sau gusturilor, nu au avut aproape nicio semnificație pentru cultura artistică a Magnei Grecie. Singurele trăsături distinctive ale culturii locale: unele neregularități în compozițiile ornamentale, un amestec de motive, deoarece arhitecții și sculptorii care au lucrat aici proveneau din diferite regiuni cu propriile școli de artă. De aici: excese în decorațiunile decorative, adesea realizate în teracotă policromă, moliciunea modelării arhitecturale și sculpturale, asociată adesea cu utilizarea tufurilor poroase gălbui flexibile.
Paestum
Selinunte
Agrigento
Primele monumente ale culturii etrusce datează de la sfârșitul secolului al IX-lea - începutul secolului al VIII-lea. î.Hr e. Ciclul de dezvoltare al civilizației etrusce se încheie în secolul al II-lea î.Hr. î.Hr e. Roma a fost sub influența ei până în secolul I. î.Hr e.
Civilizația etruscă a fost preponderent urbană, a cunoscut o influență semnificativă, deși externă, a artei grecești. Cultura etruscilor a fost extrem de naturalistă, fără să-și piardă niciodată legătura cu viața de zi cu zi.
Romanii, care s-au remarcat printr-un mare simț practic în rezolvarea problemelor vieții materiale, care au știut să creeze un depozit armonios al cetățeniei, să-și stabilească forța militară și să-și răspândească pe scară largă puterea politică, nu erau doar slab înzestrați cu capacitatea de a crea creativitatea, precum și pentru creativitatea în general în domeniul intereselor spirituale. Neavând niciodată o nevoie interioară reală de artă, ei au privit-o mai întâi ca pe un lux relaxant și, dacă au apelat la ea, atunci doar sub forma unor beneficii reale și s-au mulțumit cu împrumuturi de la etrusci.
Apoi, când victoriile asupra altor popoare au adus bogăție romanilor și le-au dezvoltat mândria națională, mai ales după cucerirea Greciei, care i-a apropiat de înalta civilizație a acestei țări și a inundat orașul Quirites cu opere de artă scoase din ea, arta a început să se bucure de onoare la Roma, dar totuși nu ca ceva esențial, ci ca un mijloc de a da strălucire exterioară vieții publice și private, de a înălța pe făptuitorii gloriei naționale, de a măguli mândria oamenilor. Oamenii de stat și cei bogați au început să patroneze arta și să atragă artiști la Roma din orașele sărace și pustii ale Hellasului; acești artiști vizitatori au lucrat pentru a satisface gustul clienților lor, iar sub îndrumarea lor s-au format meșteri autohtoni.
Astfel, spre sfârşitul regimului republican s-a dezvoltat o artă romană deosebită, reprezentând un amestec de elemente etrusce cu greacă, dar, cu toate acestea, având un caracter aparte. Principala trăsătură distinctivă a acestei arte este dorința de lux, colosalitate și decorativitate spectaculoasă.
Arta creștină timpurie acoperă perioada de la apariția creștinismului și recunoașterea creștinismului ca religie de stat de către Constantin I cel Mare în Imperiul Roman (în 313) până la formarea artei bizantine în secolele VI-VII.
Deoarece creștinismul timpuriu era religia săracilor, absența monumentelor culturale creștine timpurii poate fi explicată și prin absența patronilor. În plus, la început, creștinii au fost persecutați intens, astfel încât comunitățile creștine nu au putut crea niciun monument de arhitectură și artă.
Artiștii creștini timpurii au folosit tradițiile antichității și ale artei elenistice: acestea sunt sculptura romană, reliefuri și sarcofage, arta picturii și mozaicuri, portretul Fayum . Până când creștinii și-au dezvoltat propriul stil, au folosit vechile forme de artă păgână a Imperiului Roman.
Primii creștini au adaptat motivele romane și au dat un nou sens multor simboluri păgâne. Printre temele artiștilor creștini timpurii împrumutați de la romani s-au numărat: păunul, vița de vie și imaginea „păstorului bun”. Primii creștini și-au dezvoltat propriile simboluri, cum ar fi peștele (Ichthys).
După anul 200, arta creștină timpurie este împărțită în două perioade: înainte și după primul Sinod de la Niceea din 325 și perioada primelor șapte Sinoduri ecumenice .
Prăbușirea Imperiului Roman antic a fost un proces lung. S-a răspândit atât o criză de putere, cât și o criză a ideilor și culturii antice târzii. Nici măcar creștinismul nu a întărit teritorii geografice îndepărtate. Diviziunea a crescut odată cu formarea imperiilor de Apus și de Est . Tradiția imperială occidentală, care este prețuită la Roma, este interpretată ca un declin temporar, iar Sf. Teodosie și Sf. Ambrozie din Milano încearcă să-și restabilească măreția de odinioară asupra ideilor creștinismului. Milano între 379 și 402 devine pentru scurt timp capitala Imperiului de Apus. În Milano sunt construite maiestuoasa Bazilica Apostolică (sfârșitul secolului al IV-lea) și Biserica San Lorenzo Maggiore (secolul al V-lea d.Hr.).
Milano a transferat funcțiile capitalei orașului Ravenna , care avea să fie ultimul avanpost pentru apărarea ideilor imperiale. Mlaștinile din jur și portul militar bine fortificat Klasse au contribuit la transferul capitalei aici. Orașul construiește Bazilica San Giovanni Evangelista , după modelul bisericii milaneze San Simpliciano, și biserica Santa Croce , distrusă mai târziu . Doar capela în formă de cruce a supraviețuit de la Santa Croce, care este numită greșit mausoleul lui Galla Placidia , fiica împăratului Teodosie și sora lui Honorius. De fapt, Galla Placidia a murit în 450 la Roma și nu a fost înmormântată la Ravenna. În exterior, zidurile inexpresive, provinciale, ai „mausoleului”, construite din cărămidă roșie, sunt compensate de decor luxos – mozaicuri, cele mai bune dintre cele păstrate din acea epocă. Secțiuni mici de mozaicuri sunt destul de comune atât în Roma, cât și în Milano. În „mausoleu”, aceștia acoperă întreaga suprafață a pereților și bolților, surprind cu culori strălucitoare și lumină reflectată, plină de semnificație simbolică.
Interiorul Mausoleului lui Galla Placidia
Mausoleul lui Galla Placidia, exterior
Mozaic „Păstorul cel Bun”
Mozaic al bolții mausoleului
Splendoarea capitală a Ravennei într-o nouă etapă a fost susținută de activitățile împăratului Teodoric . Theodoric (493-526) a fost un străin ostrogot, un „barbar” care a fost captivat de frumusețea și luxul Romei, lumea latină. Prin urmare, a invitat maeștri din Roma la Ravenna. A fost construită o catedrală în Ravenna (acum Santo Spirito ), un baptisteri arian, biserica San Martino din Ciel d'Oro și faimosul Sant'Apollinare Nuovo . Aceasta din urmă este o bazilică cu fațade simple și mozaicuri în interior. Episcopul Agnelo, care era un dușman al barbarilor eretici, a devenit conducătorul influențelor culturale și ideologice ale Bizanțului. Acest lucru s-a reflectat în mozaicurile fecioarelor și martirilor din Sant'Apollinare Nuovo, similare exemplelor de artă de curte bizantină. Există și mai mult bizantin în biserica San Vitale (sfințită în 547 ), deoarece oficialul bizantin Iulian Argentarius (vistiernic și guvernator imperial) a insistat să construiască după modelul bisericii Sf. Serghie și Bacchus din Constantinopol. Pe mozaicurile absidei - Hristos pe sfera pământească, înconjurat de îngeri războinici, Sfântul Vitale și Episcopul Ecclesie. Iată două mozaicuri cu împăratul Justinian și Teodora . Fețele aspre ale zeilor pământești, hainele șocante cu un lux fără precedent și perle - personificarea originii lui Dumnezeu a puterii și măreției supraomenești. Cuplul imperial, înconjurat de numeroși curteni, poartă pâine și vin pentru împărtășire . Pur și simplu nu există analogi cu aceste mozaicuri în prezent.
Stilul romanic (din lat. romanus - roman) - un stil artistic care a dominat Europa (in principal occidentala) in secolele X-XII. (pe alocuri - și în secolul XIII), una dintre cele mai importante etape în dezvoltarea artei medievale europene. Sa trezit cel mai mult în arhitectură. Termenul de „stil romanic” a fost introdus la început. secolul al 19-lea Arcisse de Caumont , care a stabilit legătura dintre arhitectura secolelor XI-XII. din romanul antic si care a precedat goticul . Stilul romanic din Italia, în ciuda numelui „roman”, a avut diferențe regionale.
Pozițiile de conducere au fost ocupate de arhitectură - lemn și piatră. Cea din lemn practic nu s-a păstrat până în prezent, prin urmare, o idee despre trăsăturile artistice ale vremii se obține din studiul structurilor de piatră - castele, biserici, catedrale, mănăstiri. Mănăstirea din epoca romanică a prevalat de ceva vreme, deoarece clerul monahal era principalul client, în mâinile căruia s-au dovedit a fi fonduri mari, iar călugării acționează ca cunoscători educați ai afacerii de construcții și arhitecți.
În condiții de fragmentare feudală s-a folosit doar piatra locală. Acest lucru a redus costul construcției, nu a necesitat transport semnificativ - din cauza lipsei de drumuri asfaltate. În plus, transporturile nu au întâlnit numeroase vămi.
Arhitectura romanică era grea, solidă, cu volume geometrice simple, cu puține decorațiuni sau sculpturi, care nu au crescut decât cu timpul.
Nu existau dimensiuni standard - blocuri de piatră, coloane, capiteluri. Fiecare capitel a fost realizat de un meșter separat, cunoscând aproximativ dimensiunile și detaliile - ca urmare, a existat un arbitrar al artistului (libertate artistică). Prin urmare, fiecare dintre creațiile acelei vremuri este o operă de artă separată, unică.
Caracteristici culturale semnificative s-au maturizat și în epoca romanică.
Se răspândește latina, care devine baza creării limbilor naționale, care ulterior vor primi denumirea de „limbi romanice”. Latina devine limba comunicării interetnice și limba educației de atunci. Europa de Vest a adoptat universitatea ca instituție de educație - teologică, juridică, medicală etc. Au apărut primele universități vest-europene ( Bologna - în 1055, Oxford - 1163, Paris ( Sorbona ) - în 1180, Cambridge - în 1209 oraș din Padova – în 1228). Acest lucru a creat diferențe culturale semnificative cu Bizanțul și, ulterior, cu lumea est-slavă.
În țările musulmane, limba de educație și de comunicare internațională va fi arabă.
În secolele al XI-lea și al XII-lea nu trecuse încă conștientizarea Europei de Vest ca o comunitate separată de țări și popoare, ci o delimitare profundă între Occident și Orient (Occident și Bizanț și lumea slavă, Occident și musulman). lume) trecuse deja. S-a ajuns la o adevărată confruntare ideologică și militară. Francii și latinii devin personificarea popoarelor lumii occidentale în general (deși rămân un adevărat conglomerat de popoare diferite), în timp ce bizantinii (grecii, armenii și slavii de religia răsăriteană) nu mai sunt considerați adevărați creștini. Sunt considerați în Occident ca ceva între creștini și sarazini, eretici, nu cu mult mai puțin periculosi decât turcii. Aceste atitudini ideologice au atins cea mai înaltă dezvoltare și s-au presărat în anateme reciproce și scindarea creștinismului în ortodoxie și catolicism în 1054, în cruciadele împotriva Bizanțului și a lumii musulmane, în ocuparea militară a Constantinopolului de către cruciați și crearea latinului. Imperiul de acolo (1204-1261), în expansiunea spre Estul Europei și catolicizarea Poloniei, a statelor baltice, încearcă să facă Ierusalimul și Palestina catolice, în Reconquista spaniolă .
Atitudinea față de muncă s-a schimbat radical. Este percepută ca o cale de perfecţionare, de educaţie, o cale de mântuire a sufletului. Munca a încetat să mai fie neprestigioasă, nedemnă pentru un cetățean (precum romanii), iar bogăția și dorința ei nu sunt percepute ca un păcat. Munca este una dintre principalele virtuți în Occident.
Tehnologiile avansate apar. Dumnezeu a creat materiale naturale pe care omul le poate îmbunătăți, luând o parte din spiritul lui Dumnezeu. De aici și dorința de a studia materiale și de a le îmbunătăți constant. Tehnica este încă primitivă, dar în Europa devine tot mai complicată. Contribuie la acest lucru și la războaie constante și la îmbunătățirea armelor.
Crearea unei catedrale romanice a fost dificilă din punct de vedere tehnic, deoarece nava principală era mai lată și mai înaltă decât cele laterale. În diferite centre romanice, problemele arcadelor și iluminatului au fost rezolvate în moduri diferite. Acoperișurile pe căpriori de lemn erau mai ușoare decât cele din piatră, nu necesitau pereți groși, sub ele au fost create o serie de ferestre, care au economisit materialele de construcție și au asigurat suficientă iluminare naosului central. Așa sunt construite majoritatea clădirilor sacre în Italia, în Saxonia și Cehia, în Normandia franceză. În secolul al XI-lea - al XII-lea. picturile murale și sculptura monumentală, aflate în declin, sunt reînviate. Arhitectura romanică a Italiei nu a avut un singur centru artistic, s-a format în condițiile de izolare a pământurilor, în condiții de imitare a modelelor antice, a tradițiilor, a tehnologiei și a influenței semnificative a tendințelor seculare. Printre centrele sale semnificative se numără Sicilia și Palermo, Pisa, Lombardia, Milano și Veneția. Școala de artă din Roma avea să se formeze secole mai târziu și să înflorească în secolele al XV-lea și al XVI-lea.
Pisa a cunoscut un boom scurt, dar strălucit în secolele al X-lea și al XII-lea. Creșterea sa s-a datorat comerțului maritim cu Constantinopolul și țările musulmane. Entuziasmul pentru victoria asupra sarazinilor din 1063 a determinat ca evenimentul să fie comemorat prin crearea unui nou centru religios. Caracteristicile sale sunt amplasarea nu în centrul orașului, ci la periferie, în Piața Miracolelor , lângă potecile către Lucca și port. Noul complex de clădiri a avut și o semnificație simbolică - calea unei persoane de la naștere, botez, viață și moarte. De aici - baptisteritul , catedrala, turnul-clopotnita si cimitirul de sub acoperis. Baptisteriul (conform cerinţelor rituale de atunci) a fost construit separat de templu, neofiţii au intrat în templu abia după botez. Arcadele au fost folosite extrem de eficient . Ambele decorează pereții din exterior și îi luminează vizual, în special baptisteriul și turnul-clopotniță cilindric. Turnul înclinat al Clopotniței din Pisa va deveni una dintre cărțile de vizită ale țării.
Veneția a fost un centru semnificativ al stilisticii romanice . Legăturile strânse cu Bizanțul au contribuit la împrumuturi culturale semnificative, dar nu au descurajat invidia, competiția și chiar agresivitatea. Împrumuturile au fost binevenite, dar sarcinile culturale locale au fost rezolvate separat și special pentru Veneția. Acest lucru s-a reflectat bine în crearea Catedralei Sf. Marcu (construire în 1063-1085, finalizare și decorare - în secolele XIII, XIV, XV, XVII). Se bazează pe schema bizantină, care în cele din urmă a fost ascunsă de completări și decoruri târzii. La începutul secolului al XIII-lea. după jaful de la Constantinopol, fațada templului a fost decorată atât cu coloane scoase, cât și cu figuri antice de cai din bronz. Spiritualismul, canoanele bizantine au fost abandonate de dragul triumfului, al decorativității, al expunerii nedisimulate a trofeelor militare.
Mai romanic, greu și simplificat - în catedralele de pe insula Torcello ( 1008 ) și în Caorli, în catedrala insulei Murano (secolul al XII-lea). Împrumutul de scheme bizantine este mai tipic pentru mozaicurile venețiene.
Pictura venețiană a primit, de asemenea, un impuls puternic spre dezvoltare . Se bazează pe iconografia bizantină și pe canoanele acesteia. Dar venețienii cultivă solemnitatea, o atitudine destul de liberă față de cerințele canonice și culorile strălucitoare. Icoanele venețiene sunt atât asemănătoare și nu similare cu cele bizantine, chiar și în stadiile incipiente. Fundalul poate fi auriu și negru, poate avea o arhitectură fantastică cu o imagine iconică chiar și a celebrului Far din Alexandria Egiptului (de Paolo Veneziano ). Pictura venețiană se luptă multă vreme în limitele vechilor scheme bizantine și ale ultimelor cerințe, până când explodează cu originalitatea compozițiilor și detaliilor unor maeștri precum Marco Basaiti , Cima da Conegliano , Vittore Carpaccio , Giovanni Bellini , Giorgione timpuriu. , Lorenzo Lotto și Titian , Paolo Veronese și Tintoretto care va fi cea mai mare realizare a școlii venețiane.
Pre-Renașterea (sau Proto -Renașterea ) este o etapă importantă în dezvoltarea culturii și artei italiene, care a început în profunzimea stilului romanic târziu și a versiunii locale a goticului. În funcție de timp - este vorba de secolele 13-14. Termenul științific „Proto-Renaștere” a fost propus de omul de știință elvețian J. Burckhardt , care a observat noi tendințe în dezvoltarea artei italiene încă din secolele XI-XIII. În această perioadă, Apeninii au fost nevoiți să accelereze procesul istoric, creșterea orașelor și a activității locuitorilor acestora, dezvoltarea meșteșugurilor și tehnicilor meșteșugărești, formarea comunelor, succesul reformelor antifeudale.
Sculptura, arta decorativă și pictura murală au experimentat o schimbare formală și revenirea trăsăturilor uitate (antice sau elenistice). Moștenirea antică romană, tehnicile și formele antice nu au dispărut niciodată din orizontul culturii italiene. Goticul italian are un caracter mai ordonat și mai echilibrat decât cel al popoarelor vecine (construcțiile lui Arnolfo di Cambio ). Trăsături mai mult sau mai puțin antice sunt inerente sculpturii italiene „gotice” în timp ( Niccolò Pisano , Jacopo della Quercia).
Pictura, începând din secolele XII-XIII, a început să joace un rol din ce în ce mai important în formarea și dezvoltarea culturii artistice europene. Pictura vest-europeană se îndepărtează încet de schemele statice, înghețate, în direcția mișcării, dinamicii încă timide. În plus, pictura se adaptează cel mai mult la transferul oricărei intrigi sau idei sincer condiționate. Tradiția artistică bizantină își păstrează încă atractivitatea pentru artiștii vest-europeni, dar ei înșiși sunt deja capabili să ofere noi detalii, o nouă înțelegere a spațiului și timpului, noi compoziții, așa că țin puțin cont de canoanele rigide.
Trăsăturile de exclusivitate și deosebiri în comparație cu pictura din Bizanț au primit pictura italiană - datorită eforturilor lui Giotto , Cenny di Pepo (mai bine cunoscut sub numele de Cimabue ), Pietro Cavallini , Duccio di Buoninsegna . Spiritismul mostrelor bizantine este completat de psihologism și căutări empirice de perspectivă, încercări de a reproduce adâncimea spațiului pe planul peretelui (picurile murale târzii ale lui Giotto). Veridicitate perceptibilă, autenticitate și senzualitate deosebită, dramatismul evenimentelor erau inerente nu numai personajelor și scenelor lui Giotto sau Cimabue, ci și în literatura de atunci (poezia școlii „dulce nou stil”, Dante ). Proto-Renașterea ca fenomen de artă a avut loc doar în istoria Italiei. Dar instrucțiunile sale nu au dispărut, ci au găsit sprijin și continuare creativă în activitățile noilor generații de artiști italieni de la Masaccio și Paolo Uccello până la Michelangelo Buonarroti .
În Italia timpurie a Renașterii, dezvoltarea sculpturii a depășit de ceva timp dezvoltarea altor tipuri de artă. Sculptura a început să domine piețele orașelor și în primele mostre de vile de la țară, în grădini luxuriante, în splendoarea fântânilor. Fântânile cu sculpturi au câștigat atât de populară încât modelele italiene au fost împrumutate în grădinile Angliei, Franței, Republicii Cehe (Praga, o fântână în grădina Palatului Regal de Vară). O fântână poetică cu o mică sculptură a devenit eroul spectacolelor dramatice din teatru, iar mostre de fântâni din Italia au fost cumpărate și duse la moșii nobiliare chiar și în secolele XIX și XX (moșii în Anglia, moșii în SUA etc.) . Acest lucru se aplică și sculpturilor cu fântâni ale lui Giovanni da Bologna din perioada manieristă , maeștrii barocului .
Printre sculptorii proeminenți ai epocii -
În etapa Renașterii timpurii, frescele erau extrem de răspândite. Majoritatea artiștilor italieni din această perioadă sunt fresce. Lucrarea unora dintre ele este cunoscută doar datorită frescelor. Reformele picturii în frescă inițiate de Giotto devin o școală pentru generații de artiști italieni. Mănăstirile concurează în invitații la lucrările unor artiști celebri. Frescele capodopere acoperă pereții atât a clădirilor vechi, încă gotice, cât și a celor noi, atât în provincii, cât și în centrele de artă. Bisericile, palatele, capelele bisericii și casele, clădirile publice, fațadele și interioarele au fost decorate cu fresce. Intrigi - Vechiul Testament (Creația lui Adam), scene din viața Mariei și Patimile lui Hristos (Vestirea, Cina cea de Taină, Sărutul lui Iuda, Răstignirea, Plângerea lui Hristos), dansul morții sau triumful ei, alegorii („Alegorie al guvernării înțelepte”), personaje mitice (Hercule), scene de luptă („Victoria împăratului Constantin asupra lui Maxentius”), fixarea evenimentelor curții papale („Întemeierea Bibliotecii Vaticane de către Papa Sixtus al IV-lea”), evenimente semnificative de mici curti ducale etc.
Printre cele mai semnificative cicluri de frescă se numără
Încercările de a reînvia, de asemenea, arhitectura romană antică, a captat mințile mai multor teoreticieni și arhitecți practicieni. Nu există încă o gamă largă de clienți, nu toate mijloacele tehnice au fost dezvoltate și testate. Dar renașterea arhitecturii de ordine a avut loc în lucrările teoretice ale lui Filarete și mai ales Alberti . Fondul arhitectural al multor cicluri de fresce ale artiștilor italieni (de Fra Angelico, de Filippo Lippi și Benozzo Gozzoli, de Perugino) arată, de asemenea, ca proiecte de restaurare pentru monumentele distruse din Roma Antică . Numărul inițial de clădiri pur renascentiste este mic. Dar ei sunt cei care vor stabili direcția principală pentru dezvoltarea arhitecturii italiene. Chiar și cupola Catedralei Florentine Santa Maria del Fiore , pe care contemporanii o considerau primul exemplu al „noului stil”, a fost construită complet abia în 1461 .
Printre clădirile semnificative ale vremii -
Reformatorii picturii florentine (Masaccio, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea del Castagno) pur și simplu nu au putut pătrunde în noile interioare renascentiste, deoarece acestea nu existau încă. Arhitectura a fost și rămâne destul de medievală - inclusiv Capela Sixtină , unde lucrează Domenico Ghirlandaio, Perugino, Sandro Botticelli, Pinturicchio.
Arta Quattrocento (și, mai larg, arta renașterii) este arta locuitorilor activi ai orașului. Teoreticienii s-au îndreptat către crearea de proiecte ale unui oraș ideal - ideea de urbanism de a crea un astfel de oraș care să fie destul de impecabil în ceea ce privește securitatea, imaginea arhitecturală, structura socială, armonios combinat cu mediul. Ocazional, aceste proiecte sunt transpuse în realitate, așa cum a fost cazul clădirii de ansamblu a orașului Pienza , realizată cu sprijinul financiar al Papei Pius al II-lea , care s-a născut acolo (arhitectul Bernardo Rosellino). De asemenea, s-au concentrat asupra unui proiect specific de dezvoltare urbană în dezvoltarea orașului Ferrara - cu asistența ducelui de Ferrara Ercole I (arhitectul Biagio Rossetti). Dar ideea este încă utopică.
Cu toate acestea, au fost puse bazele noii arhitecturi. De la cupola Catedralei Florentine - o cale directă către proiectul cupolei Catedralei Sf. Petru din Roma (arhitectul Michelangelo Buonarroti ), și de la Palazzo Rucellai - până la palatele și vilele maiestuoase ale Romei din secolul al XVI-lea - al XVII-lea, la noile realizări ale arhitecturii italiene și europene.
Italia este o țară cu o cultură veche de două mii de ani, la care au contribuit diverse popoare. În Italia nu a fost uitată priceperea de a face sculpturi în bronz și turnătorie. Cunoașterea în aceste domenii (în prezența exemplelor romane antice de artă medaliată) a determinat renașterea unei arte uitate. Pentru Renașterea italiană, personalitatea unui maestru universal, cunoscător în diverse industrii, devine o trăsătură caracteristică. Michelangelo ( 1475 - 1564 ) a sculptat, pictat cu succes fresce, a fost un inginer capabil și un arhitect remarcabil. Dar universalitatea nu a început cu el, ci de la maeștrii epocilor anterioare. Printre aceștia se numără și inginerul, arhitectul și medaliatul uitat Aristotel Fioravanti (c. 1415 - c. 1486). S-a păstrat o monedă cu inscripția „orristoteles” și un călăreț cavaler. Sub copitele calului se află o imagine simbolică a unei flori, probabil semnul lui Fioravanti. Fioravanti a fost invitat la Moscova, unde maestrul a construit Catedrala Adormirea Maicii Domnului , care încă există.
Maestru necunoscut din Florența, medalia lui Cosimo de' Medici (alegoria guvernării înțelepte, 1469)
Alessandro Vittoria, portret de Nicolò Vicentino, 1555
Maestru necunoscut din Mantua, portret de Jacob Korrej, c. 1500 g
Bartolomeo Meglioli , Ducele Lodovico II Gonzaga, 1475
Dezvoltarea arhitecturii a fost influențată semnificativ de schimbările viziunii asupra lumii, schimbările în stilurile artistice și accelerarea procesului istoric în Europa chiar și în decurs de un secol.
Începutul secolului al XVI-leaSfârșitul secolului al XV-lea - și începutul secolului al XVI-lea în arhitectura Italiei sunt strâns legate de opera lui Donato Bramante . Cronologic, perioada Înaltei Renașteri a fost destul de scurtă. Diferiți cercetători (în funcție de radicalitatea estimărilor) îl limitează la 15-30 de ani. Adică nu a durat mult, deși influența sa asupra artiștilor și artei epocii a fost enormă.
O perioadă de 30 de ani (1490-1520) este mai sigură, deoarece arată originile realizărilor lui Bramante și cele mai bune exemple ale acestora. A primit funcția de arhitect-șef al Papei Iulius al II-lea și a transformat parțial clădirile împrăștiate, haotice, încă medievale ale Vaticanului într-un singur ansamblu expresiv din punct de vedere artistic (curțile Vaticanului, galerii, o bibliotecă, o grădină renascentist cu partere - mai târziu totul a fost refăcut cu excepția fațadelor).
După moartea lui Bramante în 1514, stilul său în arhitectură a fost continuat cu succes de Rafael Santi , Antonio da Sangallo cel Bătrân , Baldassare Peruzzi . În stilul Înaltei Renașteri, au fost create atât schițele arhitecturale ale lui Leonardo da Vinci (care nu era angajat în construcții reale la acea vreme), cât și proiectele lui Michelangelo , care va fi forțat să facă arhitectură de către clienți eminenti mai târziu. O perioadă de 30 de ani este prea scurtă pentru construcție, deoarece tehnica de construcție era încă destul de primitivă. Chiar și clădirile din Bramante din Vatican (cladirea bibliotecii) s-au prăbușit și au fost ulterior restaurate la formele originale. Clădiri ale Înaltei Renașteri - maiestuoase, monumentale, surprinzător de armonioase; timp de 30 de ani, doar un număr mic dintre ei au reușit să construiască. Aproape toate își au originea în Milano sau în Roma însăși sau în jurul ei, printre ei -
Biserica Santa Maria din San Satiro, Milano
Palazzo Cancelleria, Roma
Vila Madama, Roma, neterminată
În perioada 1490 - 1520 . Pictura italiană se confruntă cu o adevărată înflorire și cea mai înaltă fază a dezvoltării sale. Reprezentanți talentați ai Quattrocento -ului încă lucrează cu putere - Domenico Ghirlandaio , Sandro Botticelli , Perugino , Giovanni Bellini . Dar o nouă generație de artiști a crescut și ocupă activ poziții de conducere în artă, care nu ține cont de autoritățile vii ale trecutului artistic recent. Sunt mult mai mici decât maeștrii secolului al XV-lea, dar talentul și priceperea lor sunt aproape inaccesibile. Lista lor nu depășește 10 oameni, dar toți sunt mari talente, titani ai Renașterii, printre care -
Renașterea ulterioară de la Veneția a adăugat mai multe figuri de Paolo Veronese și Tintoretto . Deja în timpul vieții acestor maeștri, lucrările lor vor deveni modele, iar desenele lui Leonardo da Vinci, Michelangelo, frescele lui Rafael din Vatican, picturile lui Giorgione, portretele lui Tițian și Tintoretto vor deveni standardul pentru generații de artiști atât în Italia însăși, cât și dincolo de granițele ei, cărora indiferent de vârstă sau direcție artistică îi aparțin.
Bătălia de la Anghiari , copie a operei lui Rubens de Leonardo , Luvru, Paris
Desen de Michelangelo, Galeria Uffizi
Michelangelo, planul unei clădiri centrate
Giorgione (posibil un portret al poetului Antonio Broccardo), 1510 Muzeul de Arte Frumoase (Budapesta)
Tintoretto. Doge Sebastiano Venier - Erou al bătăliei de la Lepanto .
Titian. Portretul lui Rannucho Farnese
Veronese, Livia da Porto Thiene și fiica ei Portia
Lorenzo Lotto . Portretul unui arhitect
Giovanni Girolamo Savoldo . Ispitele Sfântului Antonie (Savoldo)
Veronese, Venus și Marte , Metropolitan Museum of Art , New York.
Fresca de Paolo Veronese „Zeița înțelepciunii înconjurată de matematică și geometrie”
Manierismul a apărut în Italia, unde Florența , Mantua și Roma au devenit cele mai importante centre pentru dezvoltarea stilului , apoi s-a răspândit în Franța și alte țări europene. Stilul a fost și produsul unor fenomene de criză din sfera socio-politică, caracteristică Renașterii târzii cu instabilitatea sa socială, morală și religioasă. Uneori, faza inițială a manierismului este asociată cu jefuirea și distrugerea Romei în 1527 de către soldații germani ai împăratului Carol al V-lea. Cel mai important, manierismul a reflectat într-o formă vizibilă transformarea esențială, ca o explozie, a artei și literaturii din Evul Mediu la „ Istoria modernă ”.
Criza puterii papale a început cu mult înainte de 1527. Jefuirea Romei în mai 1527 a fost doar punctul culminant al unui proces îndelungat. Criza a fost bine resimțită de artiștii romani, în ale căror lucrări s-au intensificat elementele de descurajare, dezamăgire, anxietate și presimțirea catastrofelor. Artiștii din generația anterioară încă prin inerție creează imagini armonioase în stilul renașterii. Dar noua generație, depășită de dezamăgire, apreciază doar tehnica și erudiția artistică virtuoză, și nu armonia și nu strângerea pentru aceasta. Sunt siluete alungite, prea elegante, iritate si nelinistite. Fondul de picturi și fresce este saturat de arhitectură fantastică și de o mulțime umană, iar personajele principale par a fi prinse în aceeași mișcare spontană, tulburătoare, ca și mediul. Artiștii refuză să studieze natura ca atare de dragul de a studia maniera artistică a ilustrilor lor predecesori. Compozițiile ridicole, culorile ireale, otrăvitoare și oamenii care au uitat de bucurie sunt la modă.
Angelo Bronzino. Portretul Lucreziei Panchatika, fragment
Capota. Francesco Salviati , portretul unui domn necunoscut, colecție privată.
Capota. Parmigianino , portretul unei femei, 1539, Windsor, Anglia
Capota. Sebastiano del Piombo , doamnă necunoscută din Roma, anii 1540
O trăsătură importantă a manierismului ca stil a fost aristocrația, caracterul nedemocratic, concentrarea pe gusturile proprietarilor bogați și, în general, caracterul de curte. Principalii clienți și consumatori ai artei manieriste au fost aristocrația ecleziastică și laică. Nu este de mirare că centre semnificative ale manierismului au fost grupate la curtea Papei, la curtea ducală din Florența, la curtea ducală din Parma, la palatele regale din Fontainebleau (Franța), Escorial (Spania), Praga (Republica Cehă). ), Cracovia (Polonia).
Manierismul se bazează pe contradicții, inclusiv un studiu amănunțit al lucrărilor geniilor Înaltei Renașteri și o dorință frenetică de a lucra în propria lor manieră (de unde și numele manierismului ), refuzul de a respecta natura și autoritățile de închinare, virtuozitate în executarea opere de artă, dominanta individualismului, educație înaltă a maeștrilor și fantezie nestăpânită, afirmații teoretice despre ereditatea artei și, în același timp, artificialitate extremă, capricios al manierelor artistice, o respingere aproape completă a canoanelor clasice în arhitectură, în compozițiile picturilor, pierderea armoniei de dragul disonanțelor, anxietatea, asimetria, un impact extraordinar asupra sentimentelor și conștiinței clientului și a privitorului. Fantezia a devenit chiar scopul principal al artistului virtuoz.
Biserica San Angelo, Milano
Palazzo di Brera, Milano
Palazzo dei Banchi, Bologna
Palazzo del Te , Mantua
În secolul al XVI-lea, inițiativa de a crea grădini ornamentale a trecut de la Florența la Roma. Realizările artei din alte centre culturale ale Italiei au fost transferate în mod activ aici - de la descoperiri în arhitectura Laurana, Luciano de și Bramante până la cele mai bune realizări în pictură, sculptură și grădinărit. La Roma, exista un strat de clienți educați cu fonduri mari (papi, cardinali, aristocrația romană), gata să cheltuiască aceste fonduri pentru construirea de vile și grădini la țară. Printre primele vile suburbane ale Romei se numără Villa Madama , Villa Giulia pentru Papa Iulius al II-lea (Giuliano della Rovere), Palatul Belvedere cu grădini, creat la Vatican. Dacă Vila Madama (și grădina ei) din diverse motive a rămas neterminată, atunci Palatul Belvedere a fost destinat să devină un model pentru alte grădini până când a fost distrus. Dezvoltarea creativă a celor mai buni ghiduri ai grădinii Belvedere de către arhitectul Bramante va fi grădina Villa Giulia (arh . Giacomo da Vignola ). Cei mai buni arhitecți ai epocii sunt atrași de crearea de vile la țară cu grădini, care devin și arhitecți peisagisti.
Printre primii care au împrumutat decorurile grădinilor ornamentale din Italia au fost grădinarii și arhitecții din Franța. Grădina baroc de tip francez are toate trăsăturile grădinii renascentiste și barocului din Italia. Aici și utilizarea teraselor, a parterelor și a resurselor de apă. Dar grădinile franceze erau așezate pe dealuri mici, iar terasele nu erau la fel de înalte ca în Italia. În Franța, ei iubeau parterrele și au venit cu mai multe soiuri ale acestora: parter uscat, parter de apă, parter cu sculptură, partere cu arabescuri (modare complexe). Natura a fost asemănată în mod activ cu figurile geometrice (tăierea tufișurilor într-un con, minge, perete), iazuri sub formă de oglinzi, albii sub formă de canale drepte etc. Toate acestea sunt subordonate principalei dominante a grădinii - palatul. a unui nobil sau rege. În Franța, în secolul al XVII-lea, s-a format un tip complet de ansamblu de grădină și parc, care a fost numit grădina de tip francez și a căpătat toată gloria desenelor italiene.
Minunile grădinilor manieriste și barocului italiene au continuat până în secolul al XX-lea odată cu crearea grădinii La Scarzuola.
Vila Lancelotti, grădină și nimfeu
Grădinile Boboli , Florența, plan
Grădina Castello Ruspoli Vignanello , Italia
Locul de naștere al barocului este Italia, unde primele exemple ale barocului în arhitectură, sculptură și pictură au fost produse în centre artistice proeminente (Roma, Mantua și, într-o măsură mai mică, în Veneția și Florența). Potrivit oamenilor de știință, baroc este un stil de criză care a apărut în urma crizei umanismului și a nașterii manierismului. Dar acest lucru nu exclude dorința de a se bucura de darurile vieții, ale artei și ale naturii; epoca se caracterizează prin folosirea pe scară largă a violenței, comerțul cu sclavi, exterminarea unor culturi sau curente ideologice neobișnuite atât în Europa însăși, cât și dincolo de granițele ei ( Contrareforma , milioane de indieni americani distruși, dominația Inchiziției etc. ). Dacă Renașterea a avut o ușoară răspândire în țări din afara Italiei, atunci din epoca barocului a început adevărata invazie a civilizației vest-europene în lumea cunoscută și includerea țărilor și continentelor îndepărtate pe orbita intereselor lor prădătoare (epoca Marile Descoperiri Geografice , colonizarea prădătoare a Americii , Asiei de Sud etc.). Michelangelo Buonarroti (1475-1564) este considerat fondatorul barocului în Italia . El a întărit arhitectura cu o ordine gigantică, a folosit pe scară largă cornișele, pilaștrii și coloanele dublate, etanșeitatea elementelor arhitecturale și dimensiunea supraomenească. Lucrările sculpturale și arhitecturale ale geniului dau încă impresia de durere, tensiune, nervozitate, deși păstrează o construcție clară, simetrie și frumusețe de altă lume, aproape imposibilă.
O trăsătură caracteristică este splendoarea, splendoarea, strălucirea culorilor, contrastul, extravaganța ornamentului, asimetria desenelor. Arhitectura barocă este dominată de contraste puternice de volum, plasticitate exagerată a fațadelor, clarobscur și efecte de culoare. Pictura și sculptura sunt marcate de compoziții decorative și teatrale, dezvoltarea subtilă a culorii și a efectelor de iluminare, plasticitate complicată și splendoare. În muzică - apariția operei, dezvoltarea unui stil polifonic liber (în special în opera lui Palestrini ).
Starea de fapt în arhitectura romană în secolul al XVII-lea. depindea complet de confruntarea și lupta competitivă a maeștrilor Bernini și Borromini.
Planul Bisericii Sant'Ivo alla Sapienza
Curtea din Sant Ivo alla Sapienza
Sfântul Ivo, gravură veche din 1695
Compoziția palatului și a bisericii Sant Ivo
Grădina baroc de tip italian este o continuare logică a grădinii renascentiste. Grădinile renascentiste erau încă mici ca dimensiuni, lipsite de măreție. Au folosit o fântână cu sculptură, bănci, oale cu lămâi. Totul era dominat de un palat sau de o vilă. Terasele nu sunt încă subordonate unui singur design artistic, între ele și palatului. Etanșeitatea clădirilor din zidurile orașului nu a permis crearea de grădini în orașe, iar acestea apar la periferie ( grădinile Boboli din Florența) sau în mediul rural.
Ansamblul Villa Aldobrandini din Frascati , lângă Roma , a devenit un exemplu de grădină baroc dezvoltată de tip italian . Arhitectul vilei a devenit și grădinarul șef. Giacomo della Porta ( 1537 - 1602 ) a folosit versantul muntelui pentru a crea terase pe care a proiectat atât palatul pentru Aldobrandini, cât și grădina. Pârâul de munte a devenit decorul cascadei, care s-a transformat într-un mare nimfeu , de dimensiuni egale cu vila în sine. Terasa parcului vilei a devenit o sală de teatru pentru nimfeu, decorată cu sculpturi, o grotă și stuc. vuietul apei a însuflețit toată această grămadă de arhitectură și sculpturi.
Fațada opusă a vilei a surprins cu dimensiuni grandioase și trepte ovale maiestuoase, care au mărit fațada deja mare.
Barocul, născut și maturizat în Italia, a zăbovit în arta națională mai mult decât în alte țări europene. Încetul cu încetul, în el se acumulează trăsături de criză și oboseală. Deja în lucrările lui Carlo Maratta (1625-1713) pictura barocă își pierde demnitatea și veridicitatea, care sunt înlocuite cu bravura și patosul nesincer. Cercetătorul J. Argan a remarcat cu amărăciune: „Pictura lui în slujba domnitorilor simbolizează lucruri banale, ascunzându-se în spatele autorităţii lui Rafael şi Tizian”. Dar pictura barocă a Italiei nu și-a pierdut încă capacitatea de a se reînnoi și de a povesti despre natură, istorie și lumea sentimentelor umane, atât în lucrările maeștrilor provinciali ( Crespi , Vittore Ghislandi ), cât și în pictura decorativă ( Giovanni Battista Tiepolo ). . Barocul care se estompează își va menține multă vreme poziția atât în arta teatrală și decorativă a Italiei, cât și în multe țări europene ( Andrea Pozzo , Ferdinando Bibiena , Giuseppe Valeriani ).
Dar centrul căutărilor artistice din Europa merge în sfârșit în Franța.
Crespi. Sibyl Cuma, Aeneas și Purtătorul Charon , 1705.
Giacomo Ceruti . „Trei cerșetori”, 1736.
Lorenzo Tiepolo . Portretul Ceciliei Guardi
Vittore Ghislandi. Tânărul artist , 1732.
Artiștii italieni au fost implicați direct în nașterea și dezvoltarea stilului rococo . Artista de la Veneția, Rozalba Career, cu sprijinul filantropului Pierre Crozat , s-a mutat la Paris , unde a contribuit activ la dezvoltarea stilului alături de francezul Watteau . Stilul s-a exprimat în primul rând în planificarea și decorarea interioarelor (palate, biserici, biserici) în pictura tematică și portretistica. În epoca rococo, sculptura (în mare parte policromă) a devenit o parte esențială a compoziției arhitecturale, iar ornamentul (în special în sculptură) a luat forma unei scoici („rocaille”). În epoca rococo, meșteșugurile s-au dezvoltat pe scară largă - țesut, bijuterii, producție de mobilă, desen de tapiserie.
Nobilii epocii rococo și-au stabilit scopul plăcerilor zilnice. Interioarele luxoase ale palatelor și bisericilor, rochiile de lux, o serie de sărbători în grădini și foișoare baroc vara și în palate iarna ar fi trebuit să contribuie la plăcere. Cosmeticele au fost folosite pe scară largă - alb, pudră, fard de obraz, vopsea neagră pentru sprâncene, muște. Cosmeticele au fost utilizate pe scară largă atât de femei, cât și de bărbați. Utilizarea lunetelor frontale pe față a fost deosebit de răspândită - locația lunerilor avea o semnificație proprie pentru nobilii cunoscători în jocurile de curte. Cosmopolitismul picturii rococo este cel mai caracteristic lucrărilor italienilor, care au trecut destul de ușor granițele diferitelor state și au lucrat ani de zile în afara Italiei ( Giacopo Amigoni - în Bavaria, Londra și Madrid, Bernardo Bellotto în Germania și Polonia, Pietro Rotari - la Dresda, Viena şi Sankt Petersburg) . Dar au făcut-o involuntar, pentru că principatele împrăștiate ale Italiei se rostogoleau în abisul crizei politice și economice. Pentru Italia de Nord, aceasta se va încheia cu o preluare militară de către soldații lui Napoleon , cu pierderea statului de către Republica Venețiană și cu anii tragici de aservire de către Imperiul Austriac până la mijlocul secolului al XIX-lea.
În pictura epocii rococo, sărbători și spectacole de teatru au prevalat cupluri nesfârșite de figuri mitologice îndrăgostite. În portrete, toată lumea zâmbește cu accent, prietenos, grațios, dar era o mască care ascundea numeroase neajunsuri și probleme extrem de complexe. Era o sărbătoare în mijlocul ciumei - cu probleme anulate artificial, tuberculoză, sifilis, sărăcie, moarte.
Arta capricioasă și magnifică a rococo a fost măturată de un val nou și puternic de clasicism de la sfârșitul secolului al XVIII-lea și stilul Imperiului .
Sculptura italiană din secolul al XVIII-lea nu a avut un impact semnificativ asupra situației artistice din țară, așa cum a făcut-o pe vremea lui Michelangelo Buonarroti sau Lorenzo Bernini , Alessandro Algardi . În prim plan sunt pictura și arhitectura. Sculptorii Italiei, prinși de tradiția barocă a secolului al XVII-lea, începută de Bernini, Alessandro Algardi și flamandul Francois Duquesnoy, își dezvoltă calitățile decorative și virtuozitatea în prelucrarea materialelor. Pe fundalul iscusiților maeștri romani sau venețieni, se remarcă temperamentul și talentul florentinului Carlo Bartolomeo Rastrelli . Dar a fost forțat să emigreze în Franța, apoi în Rusia, unde va deveni fondatorul sculpturii baroce monumentale, portretistice și decorative rusești.
Dar dulcea captivitate a schemelor și comploturilor deja produse susține autoritatea sculptorilor italieni, care primesc comenzi din străinătate. Sculpturile brute din grădină și parc realizate de Verona și maeștri venețieni sunt exportate în Rusia, Germania, Polonia și Austria. Pietro Baratta , Antonio Tarsia, Giovanni Bonazza, Giovanni Zozzoni, Giuseppe Torretto , Giovanni Maria Morleiter, Henry Morengo, Giovanni Marchiori, frații Groppelli și o serie de maeștri minori lucrează în ordine străină .
Sk. Morlater. Alegoria Vigilenței . Marele Palat Gatchina , Rusia.
P. Baratta, alegoria „Slavă soldaților”
Sk. D. Karthari. Cupidon și Psihicul, grădina de vară (Sankt Petersburg)
P. Baratta, Alegoria arhitecturii , 1722
Arta Italiei secolului al XVIII-lea. își pierde interesul pentru problemele semnificative ale realității și preferă decorativitatea sarcinilor reprezentative. Gen de uz casnic , atât de divers printre artiștii Olandei în secolul al XVII-lea. sau englezul William Hogarth (1697-1764), italienii – un conglomerat de scene amuzante, uneori simple fixari ale realitatii neplacute. Valoarea chiar și a istoriei antice romane este în scădere, ale cărei imagini încă încearcă să reabiliteze frescele lui Giovanni Battista Tiepolo sau gravurile lui Piranesi . Antichitatea (atât de atractivă timp de trei secole) devine în cele din urmă doar un ideal teoretic, precum și un obiect științific al arheologiei născute. Acest lucru este facilitat de săpăturile de pradă din Pompeiul roman antic și de activitățile lui Johann Winckelmann . În Italia, construcția este redusă semnificativ peste tot, ceea ce, la rândul său, crește emigrarea artiștilor - de la Roma și Elveția italiană în diferite țări europene. Arhitectura barocului târziu al Italiei își pierde decorul fastuos și se apropie de formele internaționale ale clasicismului (noul său val în arta secolului al XVIII-lea sub forma neoclasicismului ). Trăsăturile clasicismului sunt deja inerente construcțiilor recentilor susținători ai barocului ( Palazzo Reale , arhitect Luigi Vanvitelli ; Bazilica Superga , Torino, arhitectul Filippo Yuvarra ). Forme simplificate de clasicism se regasesc si in putinele vile ale tarii ( Vila Manin ). Este de remarcat faptul că cele mai bune exemple de clasicism în Italia sunt mai puține decât în străinătate - în primul rând în Marea Britanie, Franța, în Imperiul Rus, unde lucrează o armată de arhitecți italieni talentați (Alessandro Galilei, Antonio Rinaldi , Giacomo Quarenghi , Francesco Camporesi , Ferdinando Fuga). , Luigi Rusca , Domenico Merlini , Giacomo Trombara ), nesocotindu-i pe cei minori.
Printre cei mai buni artiști italieni ai epocii de tranziție de la rococo la clasicism se numără Pompeo Batoni . Cele mai bune trăsături ale clasicismului italian în arta teatrală și decorativă sunt, de asemenea, inerente emigrantului italian în Imperiul Rus - Pietro Gonzago . Dar arta italiană din această perioadă (sculpturile lui Antonio Canova , picturile lui Vincenzo Camuccini și Andrea Appiani ) își pierde originalitatea și legătura cu realitatea, înlănțuită de ideile neoclasice ale lui Winckelmann și de absența idealurilor patriotice sau semnificative social, care nu era caz în arta clasicismului revoluționar din Franța.
Nu problemele artei au ieșit în prim-plan în viața socială a Italiei de la mijlocul secolului al XIX-lea, ci problemele luptei de eliberare națională împotriva Imperiului Austriac, problema unirii ținuturilor disparate (formațiuni mici de stat) într-un singur stat, așa cum sa întâmplat cu mult timp în urmă în Marea Britanie, Franța, Imperiul Rus.
După finalizarea procesului de unire a țării într-un singur regat, artiștii din orașul Florența au avut dorința de a crea o nouă societate creativă. Platforma ideologică a societății s-a opus atât clasicismului târziu, cât și romantismului divorțat de realitate , și academismului secolului al XIX-lea, aflat în criză. Cercetătorii din Italia se referă la direcția realismului și la predecesorii impresionismului în arta națională. Trăsături ale realismului național au avut deja loc în arta artiștilor piemonteni și napolitani, cei mai deschiși la ultimele tendințe ale artei vest-europene. Pictorul piemontez Antonio Fontanesi (1818-1882 ) a fost un adevărat adept al manierului plictisitor al lui Camille Corot , care a vizitat Italia. Mai diverse au fost comploturile și lucrările lui Giacinto Gigante (1806-1876), Filippo Palizzi (1818-1899). Artiștii societății au făcut multe pentru a renaște fosta glorie a artiștilor Italiei și sunt considerați fondatorii picturii moderne a țării. Până la urmă, au încercat să modernizeze limbajul artistic al picturii italiene și să sublinieze valoarea realității, în contrast cu subiectele mitologice sau literare.
Academicismul include opera artistului sinez Luigi Mussini , care s-a remarcat prin pasiunea sa pentru subiecte rare din istoria antică și medievală. De un interes deosebit a fost pictura sa Turneu de șah la curtea regelui Spaniei , creată pentru o expoziție a instituției regale din 1883 la Manchester . La sfârșitul secolului al XIX-lea, opera italianului Giovanni Boldini , care va lucra la Paris , va deveni personificarea picturii virtuoase . Tradițiile picturii național-democrate vor fi cel mai bine întruchipate în lucrările lui Giovanni Segantini (1858-1899), deschise atât tradițiilor realiste, cât și influenței simbolismului.
Luigi Mussini . Turneu de șah la Curtea Regelui Spaniei , 1883
Luigi Mussini . Băiat spartan care urmărește consecințele consumului excesiv de alcool, 1850
Segantini. Țărancă care trage de lemn iarna
Segantini. Spre groapa de udare
Segantini. Ave Maria
Segantini. Două mame
În ciuda boom-ului creării de monumente pentru Regele Victor Emmanuel , Giuseppe Garibaldi și personalități culturale celebre din Italia, sculptura monumentală nu a trecut prin cele mai bune vremuri. Orașele Italiei au fost pline cu o serie de monumente pompoase ale regelui, inexpresive - Garibaldi, arhitecți pur ilustrativi, vulgar naturaliști, sculptori, artiști, compozitori, scriitori - Dante, Leonardo da Vinci, Arnolfo di Cambio, Giotto etc. diversifică monumentele, unele dintre ele combinate cu fântâni (Fântâna lui Gaetano Donizetti , Bergamo), amplasate într-o nișă a zidurilor palatului. Reliefurile create în mod realist ale războinicilor sunt combinate cu sculpturi alegorice ale Italiei (un monument pentru 150 de partizani care au murit lângă Menton, Milano) în stilul academicismului sau al imperiului.
„Giotto”, Uffizi, sculptorul Giovanni Dupre, 1845
Arnolfo di Cambio, Piața Catedralei, sculptorul Luigi Pamplone, 1830
Monumentul lui Dante, Florența
Monumentul lui Giuseppe Garibaldi, Savona.
Monumentul a 150 de partizani care au murit lângă Menton cu o alegorie a Italiei, Milano
Fântâna Gaetano Donizetti, Bergamo.
Înmormântarea de onoare a lui Dante ( cenotaf ), sculptorul Stefano Ricci
Sculptorul Luigi Belli, autoportret pe un monument cu o alegorie a Italiei, 1880
Poetul Petrarh, nișa Palatului Uffizi.
Monumentul regelui Victor Emanuel al II-lea, Milano, sculptorul Ercole Rosa, 1896
Monumentul lui G. Garibaldi, Civitavecchia
Saturnalia lui Biondi , grup sculptural din 1899.
Secesiunea din Milano a avut un loc aparte datorita formelor sale extreme . Dezvoltarea rapidă a industriei și sumele de bani eliberate ale noilor bogați din Milano au dat naștere unei forme de secesiune, care a fost numită în mod ironic „stil asirian”. Stilistica a combinat în mod bizar patosul (deseori gol) cu decorativitatea istoricismului, dorința de monumentalitate și defalcare psihologică, forme extreme de maniere artistice individuale. Un reper izbitor al unei epoci pline de tam-tam și contradicții a fost noul cimitir milanez - Cimitero Monumentale, plin de pietre funerare pompoase și memoriale, mausolee, sarcofage, decorate cu sculpturi, vitralii, decor din marmură sau bronz, metal forjat etc.
Piatra funerară a familiei Bussi
Piatra funerară a lui Arturo Toscanini, secesiune, sculptorul Leonardo Bistolfi, 1915
Partea evreiască a cimitirului
Piatra funerară a familiei Bezenzanik, sculptorul Enrico Butti
Timp de multe secole, artele și meșteșugurile italienilor au fost, de asemenea, o importantă industrie de artă. Fragmentarea de lungă durată și dezbinarea ținuturilor a contribuit la dezvoltarea centrelor de artă locale. În epoca gotică s-a răspândit producția de vitralii. Ca și în Franța, cei mai buni artiști au fost atrași de crearea de vitralii în principatele italiene, printre care -
În mod tradițional puternic a fost fabricarea și țesutul sticlei, producția de dantelă în Veneția. Produsele armurieri din Milano sau bijutierii Romei au câștigat popularitate. Recunoașterea europeană a avut mobilier italian (scaune, mese, cufere de nuntă), din lemn de nuc, acoperit cu sculpturi.
Mobilier din nordul Italiei. Muzeul Victoria și Albert
Dulap
În Veneția Renașterii, fabricarea de ciocănitoare din metal a înflorit. Meșterii s-au întrecut în a oferi produselor o mare varietate de forme, care au ridicat detaliul gospodăresc al ușii de la intrare la nivelul unor adevărate produse de artă de înaltă.
Un loc aparte l-au ocupat micile centre ceramice, departe geografic de centrele de artă cunoscute - Faenza, Deruta, Gubbio, Savona, Castel Durante, Siena, Urbino. Atelierele de ceramică din Toscana au ocupat primele poziții în secolul al XV-lea. A început producția de feluri de mâncare, vase și vase de forme deosebite, acoperite cu modele albastre. Alte centre ceramice (Deruta, Gubbio, Savona, Castel Durante) trec si ele la productia de bucate de ceremonie si de nunta.
Savona. Fabrica Sebastiano Ricci , vază de farmacie
Savona, manufactura Solomone, produse din majolica
Tablourile colorate acopereau și ustensilele cunoscute de atunci pentru farmacii. Prestigiul lucrărilor artiștilor și gravorilor italieni s-a reflectat și în decorarea produselor ceramice. Maeștrii (în ciuda comploturilor independente) în secolul al XVI-lea au început să transfere parcele de la gravuri în ceramică, deși nu întotdeauna cu succes. Originalitatea este inerentă așa-numitelor „mâncăruri de nuntă”, pe care au fost pictate portrete de fete. Sortimentul crește și el cu timpul - apar boluri mari, căzi-frigidere, baloane, acoperite cu decor elaborat și detalii stucate.
Mostre individuale de porțelan chinezesc care au venit în Italia au stârnit admirație și încercări de a copia tehnologiile sale în Florența și Savona. Dar calitatea acestor produse a fost inferioară mostrelor din China sau Japonia. Cea mai de succes a fost producția de porțelan italian în orașul Napoli , în secolul al XVIII-lea.
Faenza , farfurie cu stema. 1532
Deruta, farfurie 1534
Nicolò da Urbino, „Venus”, înainte de 1535
Francesco Xanto Avelli, 1525
Evenimentele tragice din secolul XX nu au avut cel mai bun efect asupra artei, unde tendințele avangardiste și distructive s-au răspândit cu o viteză incredibilă. La începutul secolului XX. Parisul a devenit un cunoscut centru al tendințelor avangardiste , unde coexistă secesiunea, simbolismul târzie , cubismul , suprarealismul etc.. La Paris lucrează personalități artistice atât de diverse precum italienii Boldini și Amedeo Modigliani . Tendințele de avangardă apar și în Italia, iar lucrările lui Giacomo Balla (1871-1958), Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carra (1881-1966), Gino Severini (1883-1966) au avut o contribuție semnificativă la arta secolului al XX-lea.
Prăbușirea formelor artelor plastice și-a găsit manifestarea extremă în abstractionism și epigoni din acesta, mici mișcări artistice, susținute activ de oameni de afaceri burghezi, mass-media , galeristi și licitații în încercarea de a câștiga bani semnificativi din artă. Două războaie mondiale au dus la transferul centrului de artă de la Paris în Marea Britanie și Statele Unite ale Americii.
Arta Italiei din timpul domniei lui Benito Mussolini avea caracteristici artistice locale . În acea perioadă au fost create multe clădiri, deși de valoare artistică diferită (cladiri noi ale Universității din Roma , clădirea modernă a Ministerului Afacerilor Externe etc.). În anii 1960, o echipă de politicieni educați și foarte cultivați a ajuns la putere în parlamentul italian, care a reprezentat conservarea monumentelor culturale și istorice atât din trecut, cât și din secolul al XX-lea.
Și deși au existat apeluri din partea politicienilor de stânga pentru distrugerea clădirilor regimului Mussolini, au fost adoptate legi adecvate privind interzicerea completă a modificărilor la clădirile istorice care au fost recunoscute ca monumente de istorie sau arhitectură.
Pe fondul luptei împotriva regimului politic reacționar, arta realistă a lui Renato Guttuso și a unui număr de sculptori italieni din noua generație s-a maturizat, printre care:
Francesco Messina. "Maria"
Umberto Boccioni. „Portretul lui Ferruccio Busoni”.
Formele abstracte în pictură și sculptură sunt cultivate de Emilio Vedova , Arnaldo Pomodoro și alții.