Muzica franceză este una dintre cele mai interesante și influente culturi muzicale europene, care își are originile din folclorul triburilor celtice și germanice care au trăit în antichitate pe teritoriul Franței de astăzi . Odată cu formarea Franței în Evul Mediu , tradițiile muzicale populare din numeroase regiuni ale țării s-au contopit în muzica franceză. Cultura muzicală franceză s-a dezvoltat, interacționând și cu culturile muzicale ale altor națiuni europene, în special italiene și germane . Din a doua jumătate a secolului XX, scena muzicală franceză s-a îmbogățit de tradițiile muzicale ale africanilor. Ea nu stă departe de cultura muzicală mondială, absorbind noile tendințe muzicale și dând o aromă franceză specială jazz -ului , rock -ului , hip-hop-ului și muzicii electronice .
Cultura muzicală franceză a început să prindă contur pe un strat bogat de cântec popular. Deși cele mai vechi înregistrări de încredere ale cântecelor care au supraviețuit până în zilele noastre datează din secolul al XV-lea, materialele literare și artistice indică faptul că, de pe vremea Imperiului Roman , muzica și cântecul au ocupat un loc proeminent în viața de zi cu zi a oamenilor.
Muzica bisericească a venit pe pământurile franceze odată cu creștinismul . Inițial latină, s-a schimbat treptat sub influența muzicii populare. Biserica a folosit materiale în închinare care erau de înțeles localnicilor. Între secolele al V-lea și al IX-lea, în Galia s-a dezvoltat un tip deosebit de liturghie - ritul gallican cu cântare gallicană. Printre autorii de imnuri bisericești, Hilary de Poitiers a fost faimos . Ritul gallican este cunoscut din surse istorice, ceea ce indică faptul că acesta diferă semnificativ de cel roman. Nu a supraviețuit, deoarece regii francezi au desființat-o, căutând să primească titlul de împărați de la Roma, iar biserica romană a încercat să realizeze unificarea slujbelor bisericești.
Din secolele IX-XII s- au păstrat „ cântece despre fapte ” ( fr. chansons de geste ).
În operele folcloriştilor francezi sunt considerate numeroase genuri de cântece populare: lirice, de dragoste, cântece de plângere ( fr. complaintes ), dans ( fr. rondes ), satirice, cântece de artizani ( fr. chansons de metiers ), calendaristic, pt. exemplu Crăciun ( noel ); muncii, istorice, militare și altele. Folclorul include și cântece legate de credințele galice și celtice . Dintre genurile lirice, un loc aparte îl ocupă pastoralele (idealizarea vieții rurale). Temele dragostei neîmpărtășite și despărțirii predomină în lucrările de conținut amoros. O mulțime de cântece sunt dedicate copiilor - cântece de leagăn , jocuri, rime de numărare ( fr. comptines ). Munca (cântece de secerători, plugari, viticultori și altele), cântecele de soldați și recruți sunt variate. Un grup special este alcătuit din balade despre cruciade, cântece care dezvăluie cruzimea feudalilor, regilor și curtenilor, cântece despre răscoale țărănești (cercetătorii numesc acest grup de cântece „epopeea poetică a istoriei Franței”). În general, cântecele populare franceze se caracterizează printr-o melodie flexibilă, o legătură strânsă între muzică și cuvinte, o formă clară și adesea cupletă și moduri naturale majore și minore . Cel mai comun contor este 6/8. Refrenul folosește adesea combinații de sunet repetitive care nu au sens pentru a sublinia ritmul (de exemplu, tin-ton-tena, ra-ta-plan, ron-ron).
Dansurile populare franceze includ dansurile rotunde, dansurile de grup și în pereche - gigue , burre , rigaudon , farandole , branle , passie . Multe dintre ele au fost împrumutate din muzica de curte a Evului Mediu și a Epocii Moderne timpurii sau, dimpotrivă, după ce au apărut printre oameni, au fost acceptate de nobilime.
Principalele instrumente muzicale populare franceze sunt vioara , cimpoiul ( fr. musette ), ghirona ( fr. vielle à roue ) și fifa . Adesea cimpoiele și ghirona sunau ca un duet, în timp ce bourdonurile cimpoiilor erau oprite, deoarece erau însoțite de lire. Lirele franceze au de obicei o roată mare, patru bourdon și două coarde melodice, o cutie de coarde îngustă (unde sunt așezate coardele bourdonului), un corp în formă de lăută sau chitară și un așa-numit punte de bâzâit, pe care coarda bourdonului este întins, și ținut la un capăt într-o canelură pe placa de sunet, iar altul, așa-zis. „Ciocanul” este adiacent punții și poate vibra mai mult sau mai puțin liber. Odată cu o rotație lentă a roții lirei, sună doar trompeta cu corzi bourdon , dar cu o punte accelerată se ridică și, în contact cu placa de sunet , emite un sunet de bâzâit ritmic caracteristic. Sensibilitatea punții de bâzâit se reglează cu ajutorul unui chel ( fr. sensibilitatea podului buzz relativ la viteza roții [1] . Cimpoiele sunt bogat decorate. Din punct de vedere structural, cimpoiele care există în Franța sunt împărțite în mai multe tipuri. De exemplu, în zonele Berry și Bourbonne , o cimpoză franceză centrală cu două Bourdon ( franceză musette du centre, cornemuse du Berry ) este comună, în Auvergne - o cimpoi non-Bourdon Cabrette ( franceză cabrette , lit. capră ) și printre occitani (locuitori din Provence ) o cimpoi cu un bourdon numit bodega ( fr. si bou. bodega ). În plus, poporul occitan a păstrat duetul tobă - tamburin și flaut longitudinal-galube ( fr. galoubet ), care era larg răspândit în Evul Mediu , cântând în ritmul tamburinului. În special, aceste instrumente însoțesc farandola [2] .
La mijlocul secolului al XIX-lea, acordeonul a pătruns în muzica populară franceză , iar în anii 1880 a apărut genul de muzică ball musette . Așa se numeau saloanele de dans cu intrare gratuită și dansuri plătite, unde se executau mai întâi dansuri populare precum burre, iar apoi valsuri, polke, gavote, mazurke și dansuri similare [3] [4] . Ulterior, numele a fost transferat muzicii interpretate în astfel de saloane. Inițial, dansurile au fost însoțite de un ansamblu cu rolul principal al cimpoiului (inițial ball-musete au fost deschise la marginea Parisului de oameni din Auvergne ), mai târziu, la începutul secolului XX, sub influența imigranților italieni. , a fost înlocuit cu acordeonul [3] [4] . Ball-musette și-a dobândit sunetul modern până la sfârșitul Primului Război Mondial, iar genul a cunoscut apogeul său de popularitate în anii 1920-1950, în acei ani pătrund noi dansuri - foxtrot , paso doble , swing , tango [4] ; iar acordeoniștii virtuoși apar și (în URSS , cei mai cunoscuți au fost Adolf Deprince și Maurice Alexander). Cântăreți precum Josephine Baker și Edith Piaf au interpretat cântece pe muzică de gen similar . La începutul anilor 1960, popularitatea genului a început să scadă brusc [3] . La sfârșitul secolului al XX-lea, ball-musette s-a amestecat cu jazz-manush - o direcție de jazz care a apărut sub influența muzicii populare a țiganilor francezi (manush este numele propriu al țiganilor francezi aparținând grupului sinti ). ), iar chitarele au început să însoțească acordeonul , iar în anii 1990 a avut loc o renaștere-ball-musette și sosirea unei noi generații de acordeonişti. Este balul-museta pe care mulți oameni o asociază cu muzica populară franceză [5] .
Bretonii , un popor vorbitor de celtă , au propriile lor tradiții muzicale unice , ai căror reprezentanți sunt descendenții refugiaților din Marea Britanie care și-au părăsit patria din cauza invaziei anglo-saxonilor din secolele VIII-X. n. e.; iar Corsicanii sunt un popor vorbitor de romani care locuiesc pe insula cu acelasi nume si sunt mai apropiati ca limba si cultura de italieni decat de francezi. Cimpoiul breton, binyu-goat sau binyu ( bret. biniou, biniou-kozh , din bret. - „cimpoiță” - fr. petit biniou ) este destul de mic, are un cântător scurt (tub melodic). În 1932, pe baza unui binyu-goat și cimpoi scoțian îmbunătățit, a fost creat binyu-braz ( Bret. biniou braz , fr. grand biniou ), care a devenit și ea parte a muzicii bretone [6] . Un alt instrument muzical al bretonilor este bombarda jalnică ( Bret. talabard, vombard ) , care însoțește adesea binyu [6] : cimpoiele cântă la bourdon, iar bombardele cântă direct melodia. Această tehnică de joc se numește kan-a-diskan ( bret. kan ha diskan ) sau shan-e-dechan ( bret. chant-et-dechant ). Pentru prima dată, bombarda a fost înregistrată printre bretoni în secolul al XVI-lea. Bombarda are o scară diatonică, care vă permite să jucați într-o singură cheie. Este foarte greu să cânți la bombardă, un muzician ( Br . talabarder - un muzician masculin , Bret. talabarderez - o femeie muzician ) necesită o respirație dezvoltată [7] . Cea mai cunoscută melodie bretonă este " Ev chistr' ta, Laou!" ”(din Bret. - „Bea cidru , Lau!”), Scrisă de frații țărani Prima în 1929 și dobândit statutul de cântec popular. Pe internet, melodia cântecului este adesea considerată greșit un imn al Luftwaffe sau un marș al SS din cauza popularității cover-ului în limba germană a piesei „Was wollen wir trinken” interpretată de trupa germană de folk-rock „ Oktoberklub ” în 1971. și trupa rock olandeză „ Bots ” în 1980, precum și remix-ul din 1998 din „ Who much is the fish ” al trupei germane de DJ Scooter .
În Corsica, există o polifonie pugjella masculină neobișnuită , care seamănă foarte mult cu georgiana . Un loc special în muzica populară corsicană îl ocupă vocherele - cântece de plâns improvizate interpretate de femei asupra corpului ucigaților, în care erau enumerate meritele acestuia și răsunau apeluri la răzbunare. Dansurile populare vechi sunt caracolla (dansul de doliu al femeilor) și moresca . Stratul de mai târziu al folclorului s-a format în principal sub influența italiană. Instrumentele muzicale includ cornul de pifană, cistra ( chetera ) , cimpoiul ( karamuza ) și instrumentul de trestie de vânt chioambella ; în secolele XVIII-XIX au fost înlocuite de acordeon, vioară, mandolină și chitară. Ansamblurile instrumentale [8] sunt răspândite .
Interesul pentru muzica populară a început să se manifeste mai ales în anii 1950-1960 [9] , și nu a dispărut până în zilele noastre.
În Evul Mediu , dezvoltarea muzicii bisericești a fost cel mai bine documentată. Primele forme gallicane ale liturghiei creștine au fost înlocuite cu liturghia gregoriană . Răspândirea cântului gregorian în timpul domniei dinastiei carolingiene (751-987) este asociată în primul rând cu activitățile mănăstirilor benedictine . Mănăstirile catolice din Jumièges (pe Sena, tot în Poitiers, Arles, Tours, Chartres și alte orașe) au devenit centre ale muzicii bisericești, celule ale culturii muzicale profesionale spirituale și seculare [10] . Pentru a-i învăța pe elevi să cânte, în multe mănăstiri au fost create școli speciale de canto ( metrisas ). Ei au predat nu numai cântul gregorian, ci și cântatul la instrumente muzicale, capacitatea de a citi muzică. La mijlocul secolului al IX-lea A apărut notația neobligatorie , a cărei dezvoltare treptată, după multe secole, a dus la formarea notației muzicale moderne.
În secolul al IX-lea, cântul gregorian a fost îmbogățit cu secvențe , care în Franța sunt numite și proză . Crearea acestei forme a fost atribuită călugărului Notker de la Mănăstirea St. Gallen ( Elveția modernă ). Cu toate acestea, Notker a indicat în prefața la „Cartea imnurilor” sa că a primit informații despre secvența de la un călugăr din Abația Jumièges. Ulterior, autorii de proză Adam de la Abația Saint-Victor (sec. XII) și creatorul celebrei „Proze de măgar” Pierre Corbeil (începutul secolului XIII) au devenit deosebit de celebri în Franța. O altă inovație au fost tropii - inserții în mijlocul cântului gregorian. Prin ele, melodiile seculare au început să pătrundă în muzica bisericească.
Din secolul al X-lea la Limoges , Tours și alte orașe, în profunzimea serviciului divin însuși, a apărut o dramă liturgică, născută din tropi de dialog cu „întrebări” și „răspunsuri” alternative a două formații antifonale ale corului. Treptat, drama liturgică s-a îndepărtat din ce în ce mai mult de cult (alături de imagini din Evanghelie au fost incluse și personaje realiste).
Din cele mai vechi timpuri, cântecele populare s-au caracterizat prin polifonie, în timp ce cântecul gregorian s-a format ca unul monofonic. În secolul al IX-lea, elementele de polifonie au început să pătrundă și în muzica bisericească. În secolul al IX-lea au fost scrise manuale despre polifonia organum . Călugărul Hukbald de Saint-Aman, lângă Tournai , în Flandra , este considerat autorul celui mai vechi dintre ele . Stilul polifonic care s-a dezvoltat în muzica bisericească diferă însă de practica muzicală populară.
Muzică laicăOdată cu muzica cultă s-a dezvoltat și muzica seculară, care răsuna în viața populară, la curțile regilor franci, în castelele feudalilor. Purtătorii tradițiilor muzicale populare din Evul Mediu au fost în principal muzicieni ambulanți - jongleri, care erau foarte populari în rândul oamenilor. Au cântat cântece moralizatoare, pline de umor, satirice, au dansat cu acompaniamentul diferitelor instrumente, inclusiv tamburină , tobă , flaut , instrument ciupit de tip lăută (aceasta a contribuit la dezvoltarea muzicii instrumentale). Jonglerii au jucat la sărbători la sate, la curțile feudale și chiar la mănăstiri (au participat la unele ritualuri, procesiuni teatrale dedicate sărbătorilor bisericești, numite Carole ). Au fost persecutați de biserică ca reprezentanți ai unei culturi seculare ostile acesteia. În secolele XII-XIII a avut loc stratificarea socială în rândul jonglerilor. Unii dintre ei s-au stabilit în castele cavalerilor, căzând în deplină dependență de cavalerul feudal, alții au rămas în orașe. Astfel, jonglerii, după ce și-au pierdut libertatea creativității, au devenit menestreli stabiliți în castelele cavalerilor și muzicieni din oraș. Totuși, acest proces a contribuit în același timp la pătrunderea artei populare în castele și orașe, care devine baza artei muzicale și poetice cavalerești și burgheze .
În epoca Evului Mediu târziu, în legătură cu ascensiunea generală a culturii franceze, arta muzicală a început să se dezvolte intens. În castele feudale, pe baza muzicii populare, a înflorit arta seculară muzicală și poetică a trubadurilor și trobadorilor (secolele XI-XIV). Celebri printre trubaduri au fost Markabrun , Guillaume IX - Duce de Aquitania , Bernard de Ventadorne , Geoffre Ryudel (sfârșitul secolelor XI-XII), Bertrand de Born , Giraut de Borneil, Giraut Riquier (sfârșitul secolelor XII-XIII). În a 2-a jumătate a secolului al XII-lea, o tendință similară a apărut în regiunile nordice ale țării - arta trovaursului, care la început a fost cavalerească, iar mai târziu s-a apropiat din ce în ce mai mult de arta populară. Printre găsitori, împreună cu regi, aristocrația - Richard Inimă de Leu , Thibault de Champagne (regele Navarrei), reprezentanți ai straturilor democratice ale societății - Jean Bodel , Jacques Bretel, Pierre Mony și alții au câștigat ulterior faimă.
În legătură cu creșterea unor orașe precum Arras , Limoges , Montpellier , Toulouse și altele, arta muzicală urbană s-a dezvoltat în secolele XII-XIII, ai cărei creatori au fost poeți-cântăreți din moșiile urbane (artizani, cetățeni de rând, precum și ca burghezii). Ei și-au introdus propriile caracteristici în arta trubadurilor și a găsitorilor, îndepărtându-se de imaginile sale muzicale și poetice sublim cavalerești, stăpânind temele populare și cotidiene, creând un stil caracteristic, propriile genuri. Cel mai proeminent maestru al culturii muzicale urbane a secolului al XIII-lea a fost poetul și compozitorul Adam de la Alle , autorul cântecelor, motetelor , precum și piesei odată populare „ Jocul lui Robin și Marion ” (circa 1283 ), saturat de cântece, dansuri de oraș (era neobișnuită însăși ideea de a crea un spectacol de teatru secular, pătruns de muzică). A interpretat într-un mod nou genurile muzicale și poetice unanime tradiționale ale trubadurilor, folosind polifonia.
Școala Notre DameConsolidarea semnificației economice și culturale a orașelor, crearea universităților (inclusiv Universitatea din Paris la începutul secolului al XIII-lea ), unde muzica era una dintre disciplinele obligatorii (parte a quadriviumului ), a contribuit la sporirea rolului. a muzicii ca artă. În secolul al XII-lea, Parisul a devenit unul dintre centrele culturii muzicale și, mai ales, Școala sa de canto din Catedrala Notre Dame , care a reunit cei mai mari maeștri - cântăreți-compozitori, oameni de știință. Această școală este asociată cu înflorirea polifoniei culte în secolele XII-XIII, apariția de noi genuri muzicale și descoperiri în domeniul teoriei muzicale.
În lucrările compozitorilor Școlii Notre Dame, cântul gregorian a suferit modificări: înainte ritmic liber, cântarea flexibilă a dobândit o mai mare regularitate și netezime (de unde și numele unui astfel de cânt cantus planus ). Complicațiile țesăturii polifonice și ale structurii sale ritmice au necesitat desemnarea exactă a duratelor și îmbunătățirea notației - ca urmare, reprezentanții școlii pariziene au ajuns treptat să înlocuiască doctrina modurilor cu notația mensurală . O contribuție semnificativă în această direcție a avut-o muzicologul John de Garlandia .
Polifonia a dat naștere la noi genuri de muzică bisericească și seculară, inclusiv dirijat și motetul . Comportamentul a fost inițial săvârșit în principal în timpul slujbei bisericești festive, dar mai târziu a devenit un gen pur laic. Printre autorii conduitei se numără Perotin .
Pe baza comportamentului de la sfârșitul secolului al XII-lea în Franța s-a format cel mai important gen de muzică polifonică - motetul . Exemplele sale timpurii aparțin și maeștrilor școlii pariziene ( Perotin , Franco de Köln , Pierre de la Croix). Motetul a permis libertatea de a combina melodii și texte liturgice și seculare, o combinație care a dus la nașterea motetului jucăuș în secolul al XIII-lea. Genul motetului a primit o actualizare semnificativă în secolul al XIV-lea în condițiile tendinței ars nova , ideologul căruia a fost Philippe de Vitry .
În arta ars nova, s-a acordat o mare importanță interacțiunii muzicii „de zi cu zi” și „științifice” (adică cântec și motet). Philippe de Vitry a creat un nou tip de motet - motetul izoritmic. Inovațiile lui Philippe de Vitry au afectat, de asemenea, doctrina consonanței și disonanței (el a anunțat consonanțe de treimi și șase ).
Ideile de ars nova și, în special, motetul izoritmic și-au continuat dezvoltarea în opera lui Guillaume de Machaux , care a combinat realizările artistice ale artei muzicale și poetice cavalerești cu cântecele sale unanime și cu cultura muzicală urbană polifonică. Deține cântece cu un depozit popular (lays), virele , rondo , a dezvoltat mai întâi genul baladelor polifonice . În motet, Machaux a folosit instrumentele muzicale mai consecvent decât predecesorii săi (probabil, vocile mai joase erau instrumentale înainte). Macheud este considerat și autorul primei Liturghii polifonice franceze (1364).
În secolul al XV-lea, în timpul Războiului de o sută de ani, poziția de lider în cultura muzicală a Franței în secolul al XV-lea. ocupat de reprezentanți ai școlii franco-flamande (olandeze) . Timp de două secole, cei mai remarcabili compozitori ai școlii polifonice olandeze au lucrat în Franța: la mijlocul secolului al XV-lea - J. Benchois , G. Dufay , în a 2-a jumătate a secolului al XV-lea - J. Okeghem , J. Obrecht , la sfârşitul secolului al XV-lea - începutul secolului al XVI-lea - Josquin Despres , în a doua jumătate a secolului al XVI - lea - Orlando di Lasso .
La sfârșitul secolului al XV-lea, cultura Renașterii a fost stabilită în Franța . Dezvoltarea culturii franceze a fost afectată de factori precum apariția burgheziei (secolul al XV-lea), lupta pentru unificarea Franței (încheiată până la sfârșitul secolului al XV-lea) și crearea unui stat centralizat . De o importanță semnificativă au avut și dezvoltarea continuă a artei populare și activitățile compozitorilor școlii franco-flamande.
Rolul muzicii în viața socială este în creștere. Regii francezi au creat capele mari la curțile lor , au organizat festivaluri muzicale, curtea regală a devenit centrul artei profesionale. Rolul capelei curții a fost întărit. În 1581 , Henric al III-lea a aprobat funcția de „ intendent șef al muzicii” la curte, primul care a ocupat acest post a fost violonistul italian Baltazarini de Belgioso. Alături de curtea regală și de biserică, saloanele aristocratice au fost și centre importante de artă muzicală .
Perioada de glorie a Renașterii, asociată cu formarea culturii naționale franceze , cade la mijlocul secolului al XVI-lea. În acest moment, cântecul polifonic secular - chanson - a devenit un gen remarcabil de artă profesională . Stilul ei polifonic primește o nouă interpretare, în consonanță cu ideile umaniștilor francezi - Rabelais , Clement Marot , Pierre de Ronsard . Principalul autor al chansonului din această epocă este considerat a fi Clément Janequin , care a scris peste 200 de cântece polifonice. Chansons și-au câștigat faima nu numai în Franța, ci și în străinătate, în mare parte datorită notației muzicale și întăririi legăturilor dintre țările europene.
În perioada Renașterii, rolul muzicii instrumentale a crescut. Viola , lăuta , chitara , vioara (ca instrument popular) au fost utilizate pe scară largă în viața muzicală . Genurile instrumentale au pătruns atât muzica de zi cu zi, cât și muzica profesională, parțial bisericească. Piesele de dans pentru lăută s-au remarcat printre operele polifonice dominante în secolul al XVI-lea prin plasticitatea lor ritmică, compoziția omofonică și transparența texturii. Caracteristic a fost combinarea a două sau mai multe dansuri conform principiului contrastului ritmic în cicluri deosebite, care au devenit baza viitoarei suite de dans . Muzica pentru orgă a căpătat, de asemenea, o semnificație mai independentă . Apariția școlii de orgă în Franța (sfârșitul secolului al XVI-lea) este asociată cu munca organistului J. Titluz .
În 1570, Academia de Poezie și Muzică a fost fondată de Jean-Antoine de Baif . Membrii acestei academii au căutat să reînvie metrica poetico-muzică antică și au apărat principiul legăturii inseparabile dintre muzică și poezie.
Un strat semnificativ în cultura muzicală a Franței în secolul al XVI-lea a fost muzica hughenoților . Cântecele hughenote au folosit melodii ale cântecelor populare casnice și populare, adaptându-le la texte liturgice franceze traduse. Puțin mai târziu, lupta religioasă din Franța a dat naștere psalmilor hughenoți cu transferul lor caracteristic al melodiei la vocea superioară și respingerea complexităților polifonice. Principalii compozitori hughenoți care au compus psalmii au fost Claude Goudimel , Claude Lejeune .
Estetica raționalistă a clasicismului a avut o influență puternică asupra muzicii franceze a secolului al XVII-lea , care a prezentat cerințele de gust, echilibrul frumuseții și adevărul, claritatea intenției, armonia compoziției. Clasicismul, care s-a dezvoltat concomitent cu stilul baroc , a primit o expresie completă în Franța în secolul al XVII-lea.
În acest moment, muzica seculară în Franța prevalează asupra spiritualului. Odată cu instaurarea monarhiei absolute , arta curții a căpătat o mare importanță, ceea ce a determinat direcția de dezvoltare a celor mai importante genuri de muzică franceză din acea vreme - opera și baletul . Anii domniei lui Ludovic al XIV-lea au fost marcați de extraordinara splendoare a vieții de curte, de dorința nobilimii pentru lux și distracții sofisticate. În acest sens, un rol important a fost atribuit baletului de curte. În secolul al XVII-lea, tendințele italiene s-au intensificat la curte, ceea ce a fost facilitat în special de cardinalul Mazarin . Cunoașterea operei italiene a servit drept stimulent pentru a-și crea propria operă națională , prima experiență în acest domeniu îi aparține Elisabeth Jacquet de la Guerre (Triumful dragostei, 1654 ).
În 1671, la Paris s-a deschis o operă numită „ Academia Regală de Muzică ” . Conducătorul acestui teatru a fost J. B. Lully , care acum este considerat fondatorul școlii naționale de operă. Lully a creat o serie de comedii-balete, care au devenit precursoarele genului tragediei lirice, iar mai târziu opera-balet. Contribuția lui Lully la muzica instrumentală este esențială . A creat un tip de uvertură de operă franceză (termenul a fost stabilit în a doua jumătate a secolului al XVII-lea în Franța). Numeroase dansuri din lucrările sale de formă mare ( menuet , gavotă , sarabanda și altele) au influențat formarea ulterioară a suitei orchestrale .
La sfârșitul secolului al XVII-lea - prima jumătate a secolului al XVIII-lea, compozitori precum N. A. Charpentier , A. Campra , M. R. Delaland , A. K. Detouche au scris pentru teatru . Odată cu succesorii lui Lully, convenționalitatea stilului teatral de curte se intensifică. În tragediile lor lirice, laturile decorativ-balet, pastoral-idilice ies în prim plan, iar începutul dramatic este slăbit din ce în ce mai mult. Tragedia lirică face loc operei-balet.
În secolul al XVII-lea s-au dezvoltat în Franța diverse școli instrumentale - lăuta (D. Gauthier, care a influențat stilul clavecin al lui J.-A. d'Anglebert , J. Ch. de Chambonnière), clavecinul (Chambonniere, L. Couperin ). ), vioară ( M. Marin, care pentru prima dată în Franța a introdus contrabasul în orchestra de operă în locul violei contrabasului). Şcoala franceză de clavecinişti a căpătat cea mai mare importanţă. Stilul de clavecin timpuriu s-a dezvoltat sub influența directă a artei lăutei. În lucrările lui Chambonnière s-a reflectat maniera de ornamentare melodică , caracteristică claveciniştilor francezi . Abundența decorațiunilor a conferit lucrărilor pentru clavecin o anumită rafinament, precum și o mai mare coerență, „melodiozitate”, „lungime” și sunetul sacadat al acestui instrument. În muzica instrumentală a fost utilizată pe scară largă combinația de dansuri în pereche ( pavan , galliard și așa mai departe), care a fost folosită încă din secolul al XVI-lea, ceea ce a condus la crearea unei suite instrumentale în secolul al XVII-lea.
secolul al XVIII-leaÎn secolul al XVIII-lea, odată cu influența crescândă a burgheziei, se conturează noi forme de viață muzicală și socială. Treptat, concertele depășesc sălile palatului și saloanele aristocratice. În 1725, A. Philidor (Danican) a organizat în mod regulat „ Concerte Spirituale ” publice la Paris , în 1770 Francois Gossec a fondat societatea „Concerte de amatori”. Serile societății academice Friends of Apollo (înființată în 1741 ) au fost de natură mai închisă, iar Academia Regală de Muzică a organizat cicluri anuale de concerte.
În anii 1720 și 1730, suita de clavecin a atins apogeul. Printre claveciniştii francezi, rolul principal îi revine lui F. Couperin , autorul de cicluri libere bazate pe principiile asemănării şi contrastului pieselor. Alături de Couperin, o mare contribuție la dezvoltarea suitei de clavecin caracteristice program a avut-o și J. F. Dandre și mai ales J. F. Rameau .
În 1733, premiera de succes a operei lui Rameau Hippolyte et Aricia i-a asigurat compozitorului o poziție de frunte în opera de curte, Academia Regală de Muzică. În opera lui Rameau, genul tragediei lirice a atins apogeul. Stilul său vocal-declamator a fost îmbogățit cu expresie melodico-armonică. Uverturile sale în două părți se disting printr-o mare varietate , cu toate acestea, în lucrarea sa sunt prezentate și uverturi în trei părți, apropiate de opera italiană „sinphonia”. Într-o serie de opere, Rameau a anticipat multe cuceriri ulterioare în domeniul dramei muzicale, deschizând calea reformei operistice a lui C. W. Gluck . Rameau deține un sistem științific, dintre care o serie de prevederi au servit drept bază pentru doctrina modernă a armoniei („Tratat de armonie”, 1722; „Originea armoniei”, 1750 și altele).
Până la mijlocul secolului al XVIII-lea, operele eroico-mitologice ale lui Lully, Rameau și alți autori nu au mai îndeplinit cerințele estetice ale publicului burghez. În popularitatea lor, sunt inferioare spectacolelor târgului puternic satirice cunoscute de la sfârșitul secolului al XVII-lea. Aceste spectacole au ca scop ridiculizarea moravurilor păturilor „superioare” ale societății și, de asemenea, parodiază opera curții. Primii autori ai unor astfel de opere comice au fost dramaturgii A. R. Lesage și C. S. Favara . În măruntaiele teatrului de târg, s-a maturizat un nou gen operistic francez - comediantul de operă . Întărirea poziției sale a fost facilitată de sosirea la Paris, în 1752, a unei trupe italiene de operă, care a pus în scenă o serie de opere îndrăgite , inclusiv Doamna servitoare a lui Pergolesi , și de o controversă asupra artei operei care a izbucnit între susținători (burghezi-). cercurile democratice) și oponenții (reprezentanți ai aristocrației) ai operei italiene buff, așa-numitul „Războiul Buffonilor”.
În atmosfera tensionată a Parisului, această controversă a căpătat o urgență deosebită și a primit un uriaș protest public. Figurile iluminismului francez au participat activ la ea , susținând arta democratică a „bufoniștilor”, iar pastorala lui Rousseau „ Vrăjitorul satului” ( 1752 ) a stat la baza primei opere comice franceze. Sloganul proclamat de ei „imitația naturii” a avut o mare influență asupra formării stilului operistic francez al secolului al XVIII-lea. Lucrările enciclopediștilor conțin și valoroase generalizări estetice și muzical-teoretice.
Marea Revoluție Franceză a adus schimbări enorme în toate domeniile artei muzicale. Muzica devine parte integrantă a tuturor evenimentelor din timpul revoluționar, dobândind funcții sociale, care au contribuit la stabilirea genurilor de masă - cântece, imnuri, marșuri și altele. Teatrul a suferit, de asemenea, influența Revoluției Franceze - au apărut genuri precum apoteoza , un spectacol de propagandă folosind mase corale mari. În anii revoluției, „opera mântuirii” a primit o dezvoltare deosebită, ridicând temele luptei împotriva tiraniei, expunând clerul, slăvind loialitatea și devotamentul. Muzica militară de alamă a căpătat o mare importanță și a fost înființată Formația Gărzii Naționale .
Sistemul de educație muzicală a suferit și el transformări radicale. Metricurile au fost abolite; dar în 1792 a fost deschisă școala de muzică a Gărzii Naționale pentru a pregăti muzicieni militari, iar în 1793 - Institutul Național de Muzică (din 1795 - Conservatorul din Paris ).
Perioada dictaturii napoleoniene (1799-1814) și a Restaurației (1814-15, 1815-30) nu a adus realizări strălucitoare muzicii franceze. Până la sfârșitul perioadei de Restaurare, are loc o revigorare în domeniul culturii. În lupta împotriva artei academice a Imperiului Napoleonic a luat contur opera romantică franceză, care în anii 1720-1730 a ocupat o poziție dominantă ( F. Aubert ). În aceiași ani s-a format genul de operă mare pe subiecte istorice, patriotice și eroice. Romantismul muzical francez și -a găsit cea mai izbitoare expresie în opera lui G. Berlioz , creatorul simfonismului romantic programatic. Berlioz, împreună cu Wagner , este, de asemenea, considerat fondatorul unei noi școli de dirijat.
În anii celui de-al Doilea Imperiu (1852-1870), cultura muzicală a Franței a fost caracterizată de o pasiune pentru cafenele-concerte, reviste de teatru și arta chansonnierului. În acești ani, au apărut numeroase teatre de genuri ușoare, unde au fost puse în scenă vodeviluri și farse. Se dezvoltă opereta franceză, printre creatorii ei se numără J. Offenbach , F. Herve . Din anii 1870 , în condițiile celei de-a treia republici, opereta și-a pierdut satira, parodia, actualitatea, intrigile istorice, cotidiene și lirico-romantice au devenit predominante, iar lirica a intrat în prim-plan în muzică.
Operă și balet în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. se înregistrează o creştere a tendinţelor realiste. În operă, această tendință s-a manifestat în dorința pentru comploturi de zi cu zi, pentru reprezentarea oamenilor obișnuiți cu experiențele lor intime. Cel mai cunoscut creator al operei lirice este Ch. Gounod , autorul unor opere precum „ Faust ” ( 1859 , ediția a II-a 1869 ), „Mireil” și „Romeo și Julieta”. J. Massenet , J. Bizet s-au orientat și pe genul operei lirice , în opera sa Carmen , principiul realist se manifestă mai clar.
În ultima treime a secolului al XIX-lea, operele lui R. Wagner au câștigat o popularitate considerabilă în Franța . Influența operei compozitorului german a afectat muzica de operă franceză din acea vreme, în special în opera „Gwendoline” de Chabrier (1886), lucrări instrumentale de A. Duparc, E. Chausson .
Un eveniment important în viața Franței sociale în anii 1870 a fost Comuna din Paris din 1870-1871. Această perioadă a dat naștere multor cântece de lucru, dintre care una - „ Internationale ” (muzică de Pierre Degeyter după cuvintele lui Eugene Pottier ) a devenit imnul partidelor comuniste, iar în 1922-1944 - imnul URSS .
La sfârșitul anilor 1880 - 1890, în Franța a apărut o nouă tendință, care a devenit larg răspândită la începutul secolului al XX-lea - impresionismul . Impresionismul muzical a reînviat anumite tradiții naționale - dorința de concretețe, programatică, rafinamentul stilului, transparența texturii. Impresionismul și-a găsit cea mai completă expresie în muzica lui C. Debussy , a afectat opera lui M. Ravel , P. Duke și alții. Impresionismul a introdus și inovații în domeniul genurilor muzicale. În opera lui Debussy, ciclurile simfonice lasă loc schițelor simfonice; muzica de pian este dominată de miniaturi de program. Maurice Ravel a fost influențat și de estetica impresionismului. În opera sa s-au împletit diverse tendințe estetice și stilistice - romantice, impresioniste, iar în lucrările sale ulterioare - tendințe neoclasice.
Alături de tendințele impresioniste din muzica franceză la începutul secolelor XIX-XX, tradițiile din Saint-Saens au continuat să se dezvolte , precum și Franck , a cărui operă se caracterizează printr-o combinație de claritate clasică a stilului cu imagini romantice vii.
După primul război mondial , arta franceză a manifestat tendințe de a respinge influența germană, de a lupta pentru noutate și, în același timp, pentru simplitate. În acest moment, sub influența compozitorului Eric Satie și a criticului Jean Cocteau , s-a format o asociație creativă, numită „ Cei șase francezi ”, ai cărei membri s-au opus nu numai wagnerianismului, ci și „vagului” impresionist. Totuși, potrivit autorului său, Francis Poulenc , grupul „nu avea alte scopuri decât o asociație pur prietenoasă și deloc ideologică” [11] , iar din anii 1920 membrii săi (printre cei mai faimoși se numără și Arthur Honegger și Darius Milhaud ) a evoluat într-un mod individual.
În 1935, în Franța a apărut o nouă asociație creativă de compozitori - „Tânăra Franță”, care includea, printre altele, compozitori precum O. Messiaen , A. Jolivet , care, la fel ca „Șase”, au pus renașterea tradițiilor naționale. iar ideile umaniste în prim plan. Respingând academicismul și neoclasicismul , ei și-au îndreptat eforturile spre actualizarea mijloacelor de exprimare muzicală. Cele mai influente au fost căutările lui Messiaen în domeniul structurilor modale și ritmice, care au fost întruchipate atât în lucrările sale muzicale, cât și în tratatele muzicologice.
După cel de -al Doilea Război Mondial , curentele muzicale de avangardă s-au răspândit în muzica franceză. Un reprezentant remarcabil al avangardei muzicale franceze a fost compozitorul și dirijorul Pierre Boulez , care, dezvoltând principiile lui A. Webern , folosește pe scară largă metode de compoziție precum pointillismul [12] și serialitatea. Un sistem special de compoziție „stohastic” este folosit de compozitorul de origine greacă J. Xenakis .
Franța a jucat un rol semnificativ în dezvoltarea muzicii electronice - aici a apărut muzica concretă la sfârșitul anilor 1940 , sub conducerea lui Xenakis un computer cu introducere grafică a informațiilor - UPI a fost dezvoltat, iar în anii 1970 a fost dezvoltat direcția muzicii spectrale. s-a născut în Franța [13] . Din 1977, IRCAM , un institut de cercetare fondat de Pierre Boulez, a devenit centrul muzicii experimentale .
Centrul muzical al Franței rămâne capitala sa - Paris . Opera de Stat din Paris funcționează la Paris (oferă spectacole la Opera Garnier și Opera Bastille ), concerte și spectacole de operă au loc la Théâtre des Champs-Elysées , printre principalele formații muzicale se numără Orchestra Națională a Franței , Orchestra Filarmonică a Radioului Franța , Orchestra de Paris , Coloana Orchestrei și altele.
Printre instituțiile de învățământ muzical specializat se numără Conservatorul din Paris , Scola Cantorum, Ecole Normal din Paris. Cel mai important centru de cercetare muzicală este Institutul de Muzicologie de la Universitatea din Paris . Cărțile și materialele de arhivă se păstrează la Biblioteca Națională (secția de muzică a fost înființată în 1935 ), la Bibliotecă și la Muzeul Instrumentelor Muzicale de la Conservator.
Franța găzduiește: Concursul internațional de pian și vioară. M. Long și J. Thibault , concurs de chitară, Concurs internațional de voce de la Toulouse (din 1954 ), Concurs internațional pentru tineri dirijori din Besançon (din 1951 ), Concurs internațional de harpă la Paris, precum și numeroase festivaluri, inclusiv Festivalul de toamnă din Paris, Festivalul de muzică de la Paris al secolului XX (fondat în 1952 ), Concursul de pian Epinal (din 1970 ), concursul de orgă Garne Prix de Chartres (din 1971 ), Festivalul de muzică clasică de la Rouen și altele.
Aproape toate domeniile muzicii populare sunt cunoscute de scena muzicală franceză, în același timp, a dat naștere și la o serie de genuri naționale specifice, în primul rând chanson francez .
În cultura modernă, muzica populară franceză se numește chanson, care păstrează ritmul specific limbii franceze, deosebindu-se de cântecele scrise sub influența muzicii în limba engleză. Printre interpreții străluciți ai chansonului se numără Georges Brassens , Edith Piaf , Joe Dassin , Jacques Brel , Charles Aznavour , Leo Ferre , Jean Ferrat , Georges Moustaki , Mireille Mathieu , Patricia Kaas și alții. Interpreții francezi de chanson sunt de obicei numiți chansonniers. În anii 1960, regia și yé -yé (yé-yé, yéyé) era o varietate populară de chanson , reprezentată în principal de interprete feminine, printre care France Gall , Sylvie Vartan , Brigitte Bardot , Francoise Hardy , Dalida , Michel Torr.
În anii 1970, disco -ul a fost foarte popular în Franța . Mulți artiști disco francezi au fost populari în Uniunea Sovietică, cum ar fi Desireless , Ottawan , Kaoma , Amanda Lear , Dalida .
Franţa a găzduit de trei ori Eurovision Song Contest - în 1959 , 1961 şi 1978 . Cinci muzicieni francezi au câștigat Eurovision Song Contest - Andre Clavier ( 1958 ), Jacqueline Boyer ( 1960 ), Isabelle Aubret ( 1962 ), Frida Boccara ( 1969 ) și Marie Miriam ( 1977 ), după care cea mai mare realizare a francezilor a fost locul doi. în 1990 şi 1991 .
În anii 1920 , jazzul [14] s-a răspândit în Franța , cel mai mare reprezentant al căruia a fost Stephane Grappelli . De-a lungul timpului, jazz-ul francez a experimentat numeroase amestecuri cu stilurile muzicale franceze și latine - chanson, tango, bossa nova; precum şi experimente stilistice în genurile lounge şi acid jazz . Artiștii de jazz francezi contemporani ( Nouvelle Vague , Art Zoyd , Gotan Project , Karpatt ) amestecă cel mai adesea jazz-ul cu muzica populară și electronică.
Francezii au adus o contribuție deosebit de semnificativă la muzica electronică [14] . Jean-Michel Jarre , proiectele Space și Rockets au fost printre pionierii genului. Sintetizatorul a jucat un rol central în electronica franceză timpurie , împreună cu science fiction și estetica spațiului cosmic. În anii 1990, în Franța s-au dezvoltat și alte genuri electronice, precum trip-hop ( Air , Télépopmusik ), new age ( Era ), industrial ( Krystal System ), etc.
Un fenomen specific a fost casa franceză, caracterizată printr-o abundență de efecte de fazer și tăieturi de frecvență, inerente Eurodisco-ului anilor 1970. Fondatorii acestei direcții sunt Daft Punk , Cassius și Etienne de Crécy. În anii 2000, DJ-ul house David Guetta a devenit unul dintre cei mai bine plătiți muzicieni francezi.
Muzica rock în Franța a apărut de la sfârșitul anilor 1950 datorită unor interpreți precum Johnny Hallyday , Richard Anthony , Dick Rivers și Claude Francois , care au interpretat rock and roll în spiritul lui Elvis Presley . În anii 1970, rockul progresiv era bine dezvoltat în Franța. Printre patriarhii rock-ului francez din anii 1960 și 70 se numără trupele de rock progresiv Art Zoyd , Gong , Magma , similar ca sunet cu rock-ul german kraut . Anii 1970 au văzut, de asemenea, o scenă rock celtică înfloritoare , mai ales în nord-vestul țării de unde provin Alan Stivell , Malicorne , Tri Yann și alții. Trupele cheie ale anilor 1980 sunt post-punk-ii Noir Désir , metaleștii Shakin' Street și Mystery Blue . În anii 1990, mișcarea underground de black metal Les Légions Noires s-a format în Franța . Cele mai de succes trupe din ultimul deceniu sunt metalerii Anorexia Nervosa și trupele rapcore Pleymo .
Pleymo sunt, de asemenea, asociate cu scena hip hop franceză. Acest stil de „stradă” este foarte popular în rândul oamenilor neindigeni, al imigranților arabi și africani. Unii interpreți din familii de imigranți au atins faima mainstream, cum ar fi K.Maro , Diam's , MC Solaar , Stromae , Sexion d'Assaut .
Franța găzduiește festivaluri de muzică rock precum Eurockéennes (din 1989), La Route du Rock (din 1991), Vieilles Charrues Festival (din 1992), Rock en Seine (din 2003), Main Square Festival (din 2004), Les Massiliades (din 2004). 2008).
| Franta in subiecte | |
|---|---|
| Forțele armate • Știință | |
| Poveste | |
| Politică | |
| Simboluri | |
| Economie | |
| Geografie | |
| cultură | |
| Religie | |
| Țări europene : muzică | |
|---|---|
| State independente |
|
| Dependente |
|
| State nerecunoscute și parțial recunoscute |
|
| 1 În cea mai mare parte sau în totalitate în Asia, în funcție de locul în care este trasată granița dintre Europa și Asia . 2 În principal în Asia. | |