Sculptură

Sculptură ( lat.  sculptura , de la sculpo  - decupez, sculpt) - un tip de artă plastică , ale cărei lucrări au o formă tridimensională și sunt realizate din materiale solide prin sculptură, eliminând excesul din masa inițială a unei pietre sau alt bloc (metoda de scădere a formei). Modelarea din materiale moi (greacă πλαστική - modelare) se bazează pe metoda opusă de modelare, deoarece maestrul în această formă de artă adaugă, acumulează material plastic pe cadru. Aceste metode în teoria și metodologia predării artei sunt de obicei împărțite în arta sculpturii și arta plasticității . În munca artiștilor individuali, ei există separat, dar alții le combină: de exemplu, modelează un model din lut, ipsos sau ceară, apoi îl transferă pe materiale solide. De exemplu , bozzetto ( italiană  bozzetto  - schiță, schiță) - o schiță sculpturală, o schiță preliminară, realizată de un sculptor din lut, ceară, ipsos, adesea în mărime naturală pentru a verifica impresia generală înainte de a efectua o lucrare în material solid. Modelele din material moale sunt adesea turnate în bronz sau porțelan (de unde și termenii: plastic bronz, plastic fin porțelan, plasticitate) [1] . Prin urmare, în sens larg, sculptura este arta de a crea din lut, ceară, piatră, metal, lemn, os și alte materiale imaginea unei persoane , animale și alte obiecte ale naturii în forme tactile, corporale.

Definiția sculpturii ca formă de artă plastică

În istoria artei sunt cunoscute numeroase încercări de analiză comparativă a specificului picturii, sculpturii și modelajului. Așadar, în epoca Renașterii italiene în 1546, umanistul și teoreticianul artei Benedetto Varchi a trimis un chestionar artiștilor celebri din Florența: Michelangelo Buonarroti, Giorgio Vasari , Agnolo Bronzino , Jacopo Pontormo , Benvenuto Cellini , Francesco da Sangallo și alții cu întrebare: „Care dintre arte, pictura sau sculptura, o consideră mai perfectă”.

Ca răspuns la întrebarea lui Varka, Michelangelo, în special, a dat o definiție fundamentală a celor două principii de modelare care stau la baza distincției dintre artele sculpturii și picturii: „Întâlnesc prin sculptură acea artă care se realizează în virtutea scăderii ( italiană ).  per forza di levare ); arta, care se realizează prin adăugare ( italiană  per via di porre ), este ca pictura. În rest, a scris Michelangelo, „disputele inutile trebuie eliminate”, deoarece ambele „vin din aceeași minte” [2] (în primul caz, sculptorul îndepărtează excesul de material, de exemplu, sculptând o statuie dintr-un bloc). din piatră; în al doilea, el adaugă lovituri în pictură sau construiește lut în modelare). Într-o formulare diferită: „Iau o piatră și tai tot ce este de prisos” (Aforismul este apocrif). Celebra definiție a artei desenului a lui Michelangelo (parafrazată de Francisco de Holanda ) este, de asemenea, indirect legată de această discuție [3] .

Această dispută, începută de Leonardo da Vinci, nu a fost niciodată rezolvată. În 1549, Varkey a publicat textele disputelor, subliniind specificul fiecărei forme de artă și echivalența acestora [4] . În 1893, a fost publicată cartea sculptorului și teoreticianului artei german Adolf von Hildebrand „Problema formei în arta plastică”, în care, din punctul de vedere al unui artist profesionist, se face o analiză a modelelor de formare în arta plastică. , bazată pe două moduri de percepere a spațiului și, în consecință, două tipuri principale de reprezentări spațiale: îndepărtate (plane) și tactile (volumerice). Cu percepția la distanță, calitățile bidimensionale, de siluetă ale obiectelor percepute sunt îmbunătățite, iar cele tridimensionale, voluminoase, aproape că nu sunt simțite. De exemplu, când vedem o pădure la orizont sau munți în depărtare, nu facem distincție între copaci sau pietre individuale, dar percepem natura siluetei de ansamblu. Claritatea unei astfel de percepții poate fi îmbunătățită prin mijirea ușoară a ochilor, privirea „cu jumătate de ochi” sau chiar închiderea unui ochi. Este exact ceea ce fac pictorii, deoarece baza artei picturii este percepția obiectelor în raport cu mediul spațial înconjurător: lumină, aer, luând în considerare reflexele și relațiile cald-reci ale tonurilor . Așa, de exemplu, pictorul pe schițe, îndepărtându-se de pânză și strâmbând din ochi (cu privirea „cu jumătate de ochi”), verifică impresia generală a naturii. Această trăsătură a fost dovedită clar de impresioniștii francezi în anii 1870-1880. Prin urmare, „privirea la distanță” se numește sintetic sau pitoresc.

Modul opus de a privi un obiect de aproape contribuie la o mai bună înțelegere a calităților sale tridimensionale, constructive, dar uneori slăbește percepția întregului. Această metodă se numește tactilă sau motorie, deoarece vederea în ea este asemănată cu atingerea, simțirea obiectului din toate părțile, ceea ce stimulează analiza calităților volumetrice și constructive ale obiectului, „sculptarea” convingătoare a formei sale prin intermediul tonului. , linie, culoare. Exact așa modelele de percepție și construcția unei forme picturale determină nu numai „două atitudini vizuale” (termenul lui D. N. Kardovsky și N. E. Radlov), ci și cele două tipuri principale de artă plastică [5] .

Un artist care s-a dedicat artei sculpturii este numit sculptor sau sculptor. Sarcina sa principală este de a transmite figura umană într-o formă reală sau idealizată, imaginile animalelor joacă un rol secundar în sculptură (cu excepția lucrării sculptorilor de animale), iar alte obiecte au o importanță secundară, auxiliară. Arta sculpturii se bazează pe principiul tangibilității, corporalității, ponderii și calităților materiale ale formei. Așadar, sculptorul poate înfățișa spațiul doar indirect, prin intermediul atributelor „vorbitoare”, sau în situații compoziționale deosebite (compoziție spațială multi-figură). Separat, ei consideră un astfel de tip de artă sculptură drept relief . În funcție de măsura adâncimii spațiului reprezentat, relieful se împarte în basorelief, înalt relief și „relieful pitoresc” rar întâlnit cu nuanțe deosebit de subtile ale relației dintre fundal și volum, creând un joc de lumini și umbra la suprafata.

Cu toate acestea, în majoritatea cazurilor, calitățile tactile (tactile) ale formei sunt cele care alcătuiesc specificul artei sculpturii. De aici și conceptul de „sculptură”, opus calităților de „grafic” și „pictor” [6] [7] . În comparație cu relieful, definiția „rotundă” (sculptură rotundă) este adesea adăugată termenului de „sculptură”.

Cuvântul sculptură , pe lângă forma de artă în sine, denotă și fiecare dintre lucrările sale individuale [8] . Imaginea sculpturală este desemnată și prin cuvântul sculptură [9] .

Tipuri de sculptură

Principalele genuri de sculptură:

Metode de lucru și metode de modelare în sculptură:

Tipuri de sculptură:

Există trei tipuri de teren:

În funcție de scop, sculptura este împărțită în:

Metoda de obținere a unei sculpturi depinde de material:

În ceea ce privește materialul și metoda de execuție a imaginii, sculptura, în sensul larg al cuvântului, se încadrează în mai multe ramuri: modelare sau modelare - arta de a lucra cu material moale, ce sunt ceara și argila ; turnătorie sau toreutică  - realizarea de lucrări de relief din metal prin gofrare, gofrare sau turnare; gliptic  - arta de a sculpta pe pietre prețioase; ramurile sculpturii includ lucrări din piatră, lemn, metal și substanțe solide în general; în plus, fabricarea de timbre pentru monede și medalii (art medaliei).

Sculptură de forme mici

Înălțimea și lungimea lucrării pot fi aduse până la 80 de centimetri și un metru. Poate fi replicat industrial, ceea ce nu este tipic pentru sculptura de șevalet. Artele decorative și aplicate și sculptura de forme mici formează o simbioză între ele ca arhitectura clădirii cu sculptura rotundă care o decorează, alcătuind un singur ansamblu . Sculptura formelor mici se dezvoltă în două direcții - ca artă a lucrurilor de masă și ca artă a lucrărilor unice, unice. Genuri și direcții de sculptură mică - portret , compoziții de gen, natură moartă, peisaj . Forme mici, tridimensionale, design peisagistic și sculptură cinetică.

Alte tipuri de sculptură

Sculptura cinetică este un tip de artă cinetică în care sunt jucate efectele mișcării reale. O sculptură în gheață  este făcută din gheață, o sculptură în nisip  este făcută din nisip și o sculptură în zahăr  este făcută din zahăr. Materiale de sculptură - metal , piatră , lut , lemn , ipsos , nisip , gheață etc.; metode de prelucrare a acestora - modelare , sculptură, turnare artistică , forjare , goană etc.

Tehnica

Întreprinderea oricărei lucrări, sculptorul, în primul rând, realizează un desen, o fotografie sau un model pe computer al lucrării, apoi efectuează un calcul matematic al lucrării (determină centrul de greutate al produsului, calculează proporțiile), apoi sculptează un model într-o formă mică din ceară sau argilă umedă , transmițând ideea lucrării sale viitoare. Uneori, mai ales în cazul în care sculptura intenționată trebuie să fie mare și complexă, artistul trebuie să realizeze un alt model, mai mare și mai detaliat. Apoi, ghidat de aspect sau model, începe să lucreze la lucrarea în sine. Dacă o statuie urmează să fie executată, atunci se ia o scândură pentru picior și se pune pe ea un cadru de oțel , îndoit și montat în așa fel încât nici o singură parte a acesteia să nu se extindă dincolo de figura viitoare, iar el însuși a servit ca un schelet pentru ea. În plus, în acele locuri în care corpul figurii ar trebui să aibă o grosime semnificativă, cruci de lemn sunt atașate de cadru cu sârmă de oțel; în aceleași părți ale figurii care ies în aer, de exemplu, în degete, păr, pliuri agățate ale îmbrăcămintei, crucile de lemn sunt înlocuite cu sârmă răsucite sau cânepă înmuiată în ulei și pliate sub formă de mănunchiuri . După ce a așezat un astfel de schelet al unei statui pe un trepied, o mașină staționară sau care se rotește orizontal, numită pulpă , artistul începe să suprapună cadrul cu lut stuc, astfel încât să se obțină o figură care este în mare măsură similară cu modelul. Apoi artistul, îndepărtând lutul suprapus excesiv într-un loc, adaugă deficiența ei în altul și termină parte cu parte în figură, o aduce treptat la asemănarea dorită cu natura. Pentru această lucrare, el folosește unelte din palmă sau oțel de diferite forme, numite stive . Pe tot parcursul sculptării, este necesar, pentru a evita apariția crăpăturilor în argila uscată, să se mențină constant umiditatea acesteia și pentru aceasta, din când în când, umeziți sau stropiți silueta cu apă și, întrerupând lucrul până la următorul zi, înfășurați-l cu o pânză umedă. Tehnici similare sunt, de asemenea, utilizate în producerea de reliefuri de dimensiuni considerabile - cu diferența că în locul cadrului, cuie și șuruburi mari din oțel sunt folosite pentru a întări argila, înfipte într-un scut de placă sau într-o cutie de mică adâncime care servește drept bază pentru relieful. După ce a terminat de modelat, sculptorul are grijă să realizeze o fotografie fidelă a operei sale dintr-un material mai rezistent decât lutul, iar în acest scop apelează la ajutorul unui modelator . Mașina de turnat îndepărtează așa-numita matriță de alabastru negru din originalul de lut și turnează pe acesta o turnare în gips a lucrării. Dacă artistul dorește să aibă o turnare nu într-un singur exemplar, ci în mai multe exemplare, atunci acestea sunt turnate în așa-numita formă pură , a cărei fabricare este mult mai dificilă decât cea anterioară (vezi turnare ).

Nici o singură piesă de sculptură mai mult sau mai puțin mare nu poate fi creată fără modelarea preliminară a unui original din lut și turnarea gipsului acestuia, fie că este piatră sau metal. Adevărat, au existat sculptori, precum Michelangelo , care lucrau direct din marmură ; dar imitarea exemplului lor necesită o îndemânare tehnică extraordinară a artistului și totuși el riscă să cadă în greșeli ireparabile la fiecare pas cu o muncă atât de îndrăzneață.

Odată cu primirea unui gips, o parte esențială a sarcinii artistice a sculptorului poate fi considerată finalizată: nu rămâne decât să reproducă turnarea, în funcție de dorința cuiva, în piatră ( marmură , gresie , tuf vulcanic etc.) sau în metal ( bronz , zinc , oțel etc.). .), care este deja lucrare semi-artizanală. La fabricarea statuilor de marmură și piatră în general, suprafața originalului de ipsos este acoperită cu o întreagă rețea de puncte, care, cu ajutorul unei busole , a unui plumb și a unei rigle , se repetă pe blocul de finisat. . Ghidați de această punctuație, asistenții artistului, sub supravegherea sa, îndepărtează părțile inutile ale blocului cu daltă , daltă și ciocan ; în unele cazuri, folosesc așa-numitul cadru punctat , în care firele care se intersectează reciproc indică acele părți care trebuie îndepărtate. Astfel, dintr-un bloc neprelucrat, se naște treptat forma generală a statuii; devine din ce în ce mai subțire sub mâinile muncitorilor cu experiență, până când, în cele din urmă, artistul însuși îi dă un finisaj final, iar lustruirea cu piatră ponce nu transmite diferitelor părți ale suprafeței lucrării o posibilă asemănare cu ceea ce natura însăși reprezintă în acest respect. Pentru a se apropia de el din punct de vedere optic, grecii și romanii antici și-au frecat sculpturile de marmură cu ceară și chiar le-au pictat ușor și le-au aurit (vezi Policromie ).

Utilizarea materialelor

Bronz

Cel mai important material pentru sculpturi, alături de marmura , este bronzul ; marmura este cea mai potrivită pentru reproducerea formelor delicate, ideale, mai ales feminine; bronz - pentru a transmite formele curajoase, energice. Mai mult, este o substanță deosebit de convenabilă în cazul în care lucrarea este colosală sau înfățișează o mișcare puternică: figurile animate de o astfel de mișcare, atunci când sunt realizate din bronz, nu au nevoie de suporturi pentru picioare, brațe și alte părți care sunt necesare. în figuri asemănătoare sculptate în piatră fragilă. În sfârșit, pentru lucrările destinate să stea în aer liber, în special în climatele nordice, bronzul este de preferat pentru că nu numai că nu se deteriorează din cauza influențelor atmosferice, dar primește, ca urmare a oxidării sale, o acoperire verzuie sau închisă la culoare, plăcută ochiului. pe suprafața sa, numită patina . O statuie de bronz este realizată fie prin turnarea metalului topit într-o formă pregătită în prealabil, fie eliminată cu un ciocan din plăci de metal.

O modalitate de a produce sculpturi din bronz este metoda de turnare a bronzului în gol. Secretul ei constă în faptul că forma inițială pentru figurină este realizată în ceară, apoi se aplică un strat de lut și se topește ceara. Și abia atunci se toarnă metalul. Turnarea bronzului  este denumirea colectivă pentru întregul proces.

În ceea ce privește lucrarea knockout (așa-numita lucrare de repousse ), aceasta constă în următoarele: se ia o foaie de metal, se înmoaie prin încălzire la foc și, lovind interiorul foii cu un ciocan, îi dau umflare necesară, mai întâi într-o formă brută, apoi, cu continuarea treptată a aceleiași lucrări, cu toate detaliile, conform modelului existent. Această tehnică, pentru care artistul trebuie să aibă o dexteritate deosebită și o experiență îndelungată, se folosește mai ales la executarea basoreliefurilor de dimensiuni nu deosebit de mari; la fabricarea de lucrări mari și complexe, statui, grupuri și înalte reliefuri , acum se recurge la el doar atunci când este necesar ca acestea să aibă o greutate relativ mică. În aceste cazuri, lucrarea este eliminată în părți, care sunt apoi conectate cu șuruburi și elemente de fixare într-un singur întreg. Începând cu secolul al XIX-lea, lucrările de demontare și turnarea au fost în multe cazuri înlocuite prin depunerea metalului în matrițe folosind electroformarea .

Arborele

Lemnul , ca material pentru sculpturi, era folosit în antichitate ; dar sculptura în lemn a fost respectată în special în Evul Mediu și în primele zile ale Renașterii în Germania, dotând templele cu statui de sfinți pictate și aurite, retaule complicate , jubés figurat, pupitre și scaune pentru cor . Pentru astfel de meșteșuguri, se folosește în mod predominant un tei sau fag moale, ușor de tăiat ; la utilizarea lor, liniile sunt mai fine.

Materiale prețioase

Metalele nobile , precum și fildeșul , sunt folosite, din cauza costului lor ridicat, exclusiv pentru statuile mici. Cu toate acestea, în perioada de înflorire a artei grecești antice, fildeșul și-a găsit utilizarea și în lucrări mari, chiar colosale - în așa-numitele sculpturi crisoelefantine . În cele din urmă, în ceea ce privește pietrele dure, trebuie remarcat faptul că, din cele mai vechi timpuri, acestea au jucat un rol important în lucrările plastice mici, cum ar fi camee și pietre prețioase . Pentru astfel de lucrări, cel mai adesea se ia onix , ceea ce permite artistului, datorită straturilor multicolore ale acestei pietre, să obțină efecte foarte pitorești.

Piatra artificiala

În stadiul actual de dezvoltare, piatra artificială sau betonul decorativ a căpătat o mare importanță pentru fabricarea sculpturilor . Multe sculpturi din epoca sovietică sunt realizate din el. Cea mai grandioasă lucrare de beton este Patria de pe Mamaev Kurgan . Una dintre caracteristicile lucrărilor din piatră artificială este durabilitatea lor (în absența actelor de vandalism și întreținere adecvată), în plus, maestrul are capacitatea de a imita materiale naturale scumpe ( granit , marmură , calcar etc.).

Sticla

Sticla în sculptură poate fi folosită în multe feluri. Turnarea sticlei a fost folosită în Egipt. Suflarea sticlei este, de asemenea, o tehnică comună. Dintre cele mai recente tehnici de lucru cu sticla, se poate distinge tăierea sticlei.

Istorie

Lumea antică

Primele manifestări ale creativității artistice în domeniul sculpturii se află în întunericul timpurilor preistorice; cu toate acestea, nu există nicio îndoială că acestea au fost cauzate, deoarece au fost ulterior cauzate de triburile tinere, de nevoia unei persoane care nu a părăsit încă starea sălbatică de a exprima ideea unei zeități cu un semn senzual. sau pentru a păstra memoria oamenilor dragi. Acest motiv este sugerat de legenda poetică a grecilor antici despre invenția materialelor plastice, - legenda conform căreia Kora , fiica Wutadului corintian , dorește, atunci când se despărți de iubitul ei, să-și păstreze imaginea ca amintire, și-a conturat conturul capului în umbra aruncată de soare, iar tatăl ei a umplut această siluetă cu lut. Care au fost experiențele inițiale ale sculpturii în epoca preistorică - să judecăm idolii găsiți de călătorii europeni când au vizitat pentru prima dată insulele Oceanului Pacific, de exemplu, în Insulele Hawaii . Sunt niște stâlpi simpli, cu indicii vagi, monstruoase, ale unei fețe umane și ale organelor genitale. Istoria sculpturii începe cu aproximativ treizeci de secole î.Hr. e., din cele mai vechi dintre popoarele culturale ale lumii antice - egiptenii.

Egiptul Antic

Sculptura Egiptului, de-a lungul vieții sale istorice, a rămas un tovarăș inseparabil al arhitecturii , supunându-și principiilor și servind la decorarea clădirilor sale cu statui de zei, regi, creaturi fantastice și picturi plastice corespunzătoare scopului clădirii. La început (în perioada Memphis ), sub influența ideii populare a vieții de apoi, ea a manifestat o înclinație puternică către realism (statui portret în mastaba și grote funerare, o statuie a faraonului Khafre și a „ Șeicului el ”. Beled „ de la Muzeul Egiptean din Cairo , „Scribe” de la Luvru etc.), dar apoi a înghețat în forme condiționate, cândva stabilite, care aproape că nu au fost supuse schimbării până la chiar căderea regatului egiptean. Răbdare și dexteritate uimitoare în depășirea dificultăților tehnice în prelucrarea unor materiale atât de dure precum dioritul , bazaltul și granitul , reproducerea caracteristică a tipului tribal, măreția obținută prin colosalitate și oferirea unor figuri strict proporționale de simetrie a formelor și calm solemn - acestea sunt calitățile distinctive ale statuile egiptene din Teba și perioadele Saiss suferă, totuși, din cauza lipsei de exprimare a caracterului individual și a vieții reale (figurele uriașe ale lui Ramses al II-lea din Abu Simbel , Colosii din Memnon etc.). Reprezentările zeilor erau adesea antropomorfe, meșterii reproducând cu pricepere figuri de animale (o pereche de lei pe treptele Capitoliului din Roma ). Pereții clădirilor au fost acoperiți cu reliefuri pictate cu scene ale unor evenimente istorice, militare și religioase importante. Modul în care au fost executate aceste reliefuri a fost deosebit: figurile din ele fie ieșeau ușor pe fundalul adâncit (reliefuri plat-convexe, koilanaglife ), fie, dimpotrivă, intrau puțin mai adânc în fundal (reliefuri plat-convexe). Lipsa de perspectivă, convențiile de compunere și desen și alte neajunsuri nu împiedică aceste imagini să fie o poveste detaliată despre viața, credințele și istoria oamenilor până la cel mai mic detaliu.

Mesopotamia

Săpăturile efectuate în Mesopotamia , în zonele unde au domnit cândva Babilonul și Ninive , au introdus lumea învățată în sculptura caldeo-asiriană (1000-600 î.Hr.). Și aici această ramură a artei era în strânsă legătură cu arhitectura, chiar mai puternică decât cea a egiptenilor. Principala ei chemare era de a spori splendoarea palatelor regale. Monumentele sculpturale găsite în ruinele palatelor din Nimrud , Khorsabad și Kuyunjik constau în reliefuri de perete care înfățișează diferite episoade din viața regilor, incidente militare și scene de vânătoare. Trăsăturile distinctive ale acestor lucrări sunt o umflătură destul de semnificativă de relief, severitatea conceptului, expresia exagerată a puterii fizice în figuri dense, musculare și absența caracterului individual și a vieții spirituale în ele. Aceste figuri sunt semnificativ inferioare reprezentării animalelor, pe care arta mesopotamia le-a reprodus cu o anumită înțelegere a naturii. În ceea ce privește sculptura religioasă, găsim la caldeeni și asirieni aproape exclusiv mici figurine din bronz și teracotă ale demonilor binefăcători și răi, reprezentând uneori o combinație norocoasă, alteori monstruoasă de forme umane cu forme animale. Dintre lucrările majore de acest fel, se pot indica doar tauri înaripați și lei cu un cap de om cu barbă încoronat cu o tiară - semistatui colosale, semireliefuri, stând în perechi parcă de pază la intrările în locuințele regale. .

Persia antică

Arta Asiriei a trecut odată cu puterea ei la medii și prin ei la perși (560-330 î.Hr.), care au moștenit de la ea atât utilizarea sculpturii pentru decorarea palatelor regale, cât și forma și conținutul acesteia. Monumentele de sculptură, găsite în ruinele reședințelor regale din Persepolis și Susa , constau în reliefuri cu imagini legate în principal de viața regelui și a curții, și în fantasticii paznici ai palatului - animale înaripate cu cap uman. Cu toate acestea, nu se poate spune că sculptura persană a făcut un pas semnificativ înainte față de asiriană: dimpotrivă, în loc de energică, plină de mișcare de figuri și forme, pe care am văzut-o în aceasta din urmă, există figuri lipsite de viață și lenețe. , repetându-se în scene complexe cu monotonie obositoare., în aceleași forme și ipostaze; într-un lucru sculptorii persani dau oarecare succes, și anume în înțelegerea importanței pe care faldurile draperiilor o au în desemnarea formelor corpului uman și a mișcărilor sale; dar faldurile lor sunt uscate, ascuțite, parcă amidonate.

India antică

Credințele religioase ale indienilor antici s-au reflectat puternic în sculptura lor, cele mai vechi monumente ale cărora datează de la jumătatea secolului al III-lea î.Hr. e. Această ramură a artei și pe malurile Indusului era în legătură directă cu arhitectura: misterul, misticismul, care și-au găsit expresia în vârfuri, temple rupestre și pagode , s-au manifestat și mai clar în personificările plastice ale zeilor și imaginile lor. isprăvi simbolice, sculptate în relief pe stâlpi de lângă cornișe și în nișele acestor altare. Dar conceptele zeităților indiene nu au apărut din idei clare, pur umane, ci din cele visătoare și fantastice; prin urmare, imaginile zeilor și istoria destinelor lor, o frică profundă de necunoscut, au fost întruchipate printre indieni într-un ciclu întunecat de imagini bizare, în ipostaze exagerate și mișcări neliniștite de figuri, cu o puternică nuanță de pasiune și senzualitate (mai ales în figuri feminine), într-un morman bizar de capete, mâini și membre ale corpului în general, sau într-o combinație ciudată de forme umane și animale. În termeni tehnici, astfel de lucrări mărturisesc priceperea considerabilă a interpreților lor.

China antică

  • Ding de bronz (trepied) , dinastia Shang târzie (secolul al XIII-lea î.Hr.-secolul al X-lea î.Hr.)

  • Un gardian al mormântului plasat de obicei în interiorul ușilor mormântului pentru a proteja sau ghida sufletul, perioada Statelor războinice , ca. secolul al III-lea î.Hr

  • Calvaler în mărime naturală din armata de teracotă , dinastia Qin , ca. secolul al III-lea î.Hr

  • Cerb de aur cu cap de vultur, mormânt Xiongnu la granița cu Mongolia , secolele IV-III î.Hr.

  • Figura de mormânt a unei fete dansatoare, dinastia Han (202 î.Hr.-220 d.Hr.)

  • Recipient de cauri din bronz cu iac , din Regatul Dian (sec. IV î.Hr. - 109 î.Hr.) tradiția Hanului de Vest

  • Figura mormântului dinastiei Tang în ceramică cu glazură sancai , cal și mire (618-907)

  • Buddha așezat , dinastia Tang circa 650

  • Statuia lui Buddha la Leshan , dinastia Tang , finalizată în 803

  • Bodhisattva din lemn , Imperiul Song (960–1279)

  • Cupă din jad chinezesc cu mânere de dragon, Imperiul Song , secolul al XII-lea

  • Statuie albastră sub glazură a unui bărbat cu pipa sa, porțelan Jingdezhen , perioada Ming Wanli (1573-1620)

  • Leul chinezesc la Templul Yonghegong , Beijing , Imperiul Qing , ca. 1694

  • Bodhisattva din lemn , Puning (templu) , Chengde , provincia Hebei , construit în 1755 în timpul domniei lui Qianlong

Sculptură budistă Grecia antică

Concepțiile religioase și etice ale elenilor , care au luat lumea vizibilă ca o manifestare directă a divinității și au căutat să o exprime pe cea din urmă prin purificarea sau idealizarea celor dintâi, au fost motivul pentru care sculptura a devenit cea mai semnificativă formă de creativitate artistică a grecii antici.

secolele XIII-VII î.Hr. e.

Dovezi ale înclinației grecilor antici de a imita direct natura se găsesc în perioada arhaică a istoriei lor. Un exemplu în acest sens este relieful de deasupra Porții Leului din Micene .

Apoi, din primele secole de după invazia dorienilor în Peloponez , nu s-au păstrat surse sigure de informații și monumente, ci de la sfârșitul secolului al VII-lea î.Hr. e. există dovezi ale activității artistice ample a grecilor, îndreptate în principal către fabricarea ofrandelor de altar de lux pentru temple , vase pentru vin și alte ustensile de uz casnic. Producția lor a fost realizată în special de meșteri din Samos și Chios , care au obținut un mare succes în tehnica de prelucrare a metalelor .

Abilitatea de a reproduce formele corpului uman este, de asemenea, în creștere, mai ales în personificările zeilor și eroilor. Anterior, zeii erau înfățișați sub forma unor idoli de lemn brut (așa-numiții xoans ), cu membrele rigide, uneori abia vizibile și nedespărțite de corp. Apoi sculpturile au devenit mai vii, iar corpurile lor erau din lemn, iar capetele și mâinile lor erau din marmură (astfel de sculpturi se numesc acroliți ). Au apărut și primele experimente cu materiale plastice crisoelefantine . Marmura și bronzul devin treptat răspândite: bronzul a fost inițial în politicile ionice și în Asia Mică , marmura - în alte orașe grecești.

Procesul de creare a statuilor ridicate în onoarea câștigătorilor la concursurile de gimnastică și reprezentând nu un portret sculptural, ci figuri idealizate, i-a forțat pe sculptorii greci să studieze cu atenție corpul uman gol. Peste tot, pe Aegina , în Argos , Sikion , Atena și în alte locuri, apar școli de sculptură, iar printre sculptorii Deepoin și Skillides sunt celebri Kallon , Onat , Agelad și alții.

secolele VI-V î.Hr. e.

Secolul VI și începutul secolului al V-lea - sculptura greacă își pierde influența orientală și începe să se dezvolte independent. Cele mai importante monumente ale acestei epoci includ metopele celor mai vechi dintre templele Selinunte din Sicilia , grupurile de fronton ale templului Aegina din Aphaia , depozitate în Glyptothek din München și care înfățișează scene ale luptei grecilor cu troienii .

Epoca lui Pericle  este perioada celei mai mari înfloriri a sculpturii grecești. Reprezentanți cunoscuți ai acestei perioade sunt Kalamid , în ale cărui diverse lucrări grația a fost combinată cu un fler artistic subtil pentru natură, și Miron , printre ale cărui merite se numără introducerea unui nou element în sculptură - o mișcare îndrăzneață, animată.

Un sculptor remarcabil al epocii lui Pericle a fost atenianul Fidias (aproximativ 500-432 î.Hr.), care a sculptat în principal statui de zei, înzestrați cu noblețe și măreție rară. După ce a simțit profund caracterul principalilor olimpici , el a creat cele mai bune exemple ale acestora, care au fost ulterior urmate de mulți sculptori antici. Acestea sunt statuia crisoelefantină a lui Pallas Athena pentru Partenon , statuia de bronz a aceleiași zeițe ca și paza orașului, care stătea în Acropola ateniei , Zeus crisoelefantin al Templului Olimpic și altele.

Dintre studenții lui Fidias, cei mai cunoscuți au fost Alkamen (o copie din opera sa - Hera de la Vila Ludovisi ), Agoracritus și Paeonius (statuia lui Nike , găsită în Olimpia ); din lucrările școlii sale, sunt deosebit de remarcabile decorațiile sculpturale ale Partenonului ( grupuri de fronton și o friză înfățișând o procesiune panathenaică ).

Concomitent cu această școală atică de sculptori, la Sicyon a înflorit școala peloponeziană , în fruntea căreia se afla Policlet , care a creat tipul ideal de Hera într-o statuie crisoelefantină pentru templul argiv al acestei zeițe; s-a remarcat mai ales prin arta de a portretiza tinerii sportivi și una dintre astfel de imagini ( dorifor , adică un lăncier) a stabilit proporțiile ideale ale corpului uman (așa-numitul canon al Polikletului).

secolul al IV-lea î.Hr e.

În secolul al IV-lea. î.Hr e. Sculptura greacă, fără a-și pierde perfecțiunea, s-a deschis pe cealaltă parte: ideile și sentimentele care au dat naștere multor capodopere în epoca lui Pericle nu au dispărut încă , dar li s-au adăugat noi concepte, noi sarcini; lucrările au devenit mai pasionate, pline de dramatism, remarcate prin frumusețe mai senzuală. Modificări au avut loc și în ceea ce privește materialele sculpturii: fildeșul și aurul au fost înlocuite cu marmură ; metalul și alte decorațiuni au început să se recurgă la mai moderat.

Unul dintre reprezentanții acestei tendințe a fost Skopas , șeful școlii neo-mansarde. A încercat să reproducă patos, să exprime pasiuni violente și și-a atins acest scop cu o forță care până atunci nu fusese la îndemâna nimănui (deținea originalele lui Apollo Kifared , Ares așezat de la Vila Ludovisi și, poate, Niobid , murind în preajma lui ). mama și, de asemenea, îi aparține execuția unei părți din reliefurile Mausoleului din Halicarnas ).

Un alt mare maestru al aceleiași școli, Praxiteles , iubea, la fel ca Skopas, să înfățișeze senzații profunde și mișcări provocate de pasiune, deși era cel mai bine la figurile tinerești și semi-copilărești, ideal de frumoase, cu un strop de pasiune abia trezită sau încă ascunsă ( Apollo Saurokton , Afrodita din Cnidus , Hermes cu pruncul Dionysos în brațe, găsit în Olympia și așa mai departe).

Spre deosebire de maeștrii idealiști atenieni, sculptorii școlii peloponeziane din aceeași epocă din Argos și Sicyon au lucrat într-un spirit naturalist, creând în principal figuri masculine puternice și frumoase, precum și portrete ale unor figuri celebre. Printre acești artiști a excelat Lisip , sculptor în bronz, contemporan și favorit al lui Alexandru cel Mare , care a devenit celebru pentru imaginile sale portretistice , a creat un nou canon al proporțiilor corpului uman cu statuia sa de atlet apoxiomen ( adică, îndepărtând praful de palestre ) și a creat, de altfel, o imagine tipică a lui Hercule .

În ultima perioadă de existență independentă a poporului grec, de la epoca lui Alexandru cel Mare până la cucerirea Greciei de către romani, s-a înregistrat o scădere a creativității sculptorilor. Ei nu pierd nici cunoștințele, nici priceperea tehnică moștenite de la foștii sculptori, ba chiar aduc această pricepere la o mai mare subtilitate, dar nu introduc elemente esențial noi în artă, nu deschid noi direcții pentru aceasta, ci doar repetă, îmbină. și modifică vechiul, pasând doar să reproducă o impresie asupra privitorului cu dimensiunea colosală a lucrărilor sale și pitorescul unei grupări complexe de figuri, iar lucrările sunt adesea caracterizate de patos și teatralitate exagerate.

În acest moment, școlile de sculptură din Rodos și Pergamon au înflorit : prima aparține faimosului grup Laocoon (în Muzeul Vaticanului , opera lui Agesander și fiii săi Athenodorus și Polydorus) și Bulul Farnese al Muzeului Napolitan (opera lui Apollonius ). și Taurisc ); al doilea este „ Galia pe moarte ” a Muzeelor ​​Capitoline , „ Galia ucigașă ” a vilei Ludovisi și magnifica friză în relief a monumentalului altar din Pergamon (situat în Muzeul Pergamon din Berlin ).

Roma antică

În această ultimă fază a dezvoltării sale, arta sculpturii grecești a trecut la romani. Oamenii, chemați să dezvolte bazele vieții de stat și să domine ecumenul , nu au fost la început până la artă și plăcerile estetice; prin urmare, la început, s-a mulțumit cu ceea ce a primit în materie de artă de la etrusci și cu ceea ce au învățat maeștrii nativi de la ei. În arta etruscă s-a reflectat mai întâi influența orientală, apoi greacă; dar această artă și-a păstrat pentru totdeauna o parte din uscăciunea și grosolănia sa primitivă, deși din punct de vedere tehnic a obținut un succes semnificativ - a dezvoltat tehnici de realizare a figurilor și reliefurilor din teracotă și a turnării diverselor obiecte din bronz; mai presus de toate, era renumit pentru meșteșugurile de natură artistică și industrială. După căderea Greciei, iar lucrările sculptorilor săi au fost aduse în vrac la Roma , la care, în plus, artiștii săi au început să se adună, era destul de firesc ca arta perfectă elenă să alunge arta mediocră a Etruriei din orașul etern. Maeștrii greci au început să lucreze pentru romani și au găsit printre ei ucenici și imitatori. Cu toate acestea, lucrările care au apărut la acea vreme atât din mâinile grecești, cât și din mâinile romane, în cea mai mare parte, au doar o importanță secundară: acestea sunt copii mai mult sau mai puțin reușite ale renumitelor creații ale plasticității grecești sau imitație a acestora. Ca cea mai bună dintre aceste lucrări, se pot indica statuile lui Venus Medicea , Venus Capitoline , Vatican Ariadna , Apollo Belvedere și altele. Cu toate acestea, sculptorii romani nu s-au limitat la rolul de simpli imitatori: ținându-se puțin seama de idealizare, ei au încercat să transmită natura cu acuratețe și forță. Aceasta este natura statuilor și busturilor lor istorice care umplu muzeele moderne (de exemplu, statuile lui Augustus din Vatican, Marcus Aurelius și Agrippina din Muzeele Capitoline). Aceeași dorință se reflectă și în sculpturile cu care romanii au decorat monumente publice pentru a perpetua evenimentele glorioase ale istoriei naționale, isprăvile și victoriile care au extins stăpânirea Romei până la limite îndepărtate (reliefuri pe arcurile de triumf ale lui Titus, Septimius Severus, Marcus). Aurelius, pe coloanele lui Traian, Antoninus și Constantin) .

Aproape că nu existau alți oameni care ar fi cheltuit atât de multă marmură pentru sculptură ca romanii; dar rezultatul muncii lor s-a dovedit adesea a fi foarte mediocru, iar ei înșiși, în graba lor de a-și înmulți lucrările, se pare că au acordat mai multă atenție cantității lor decât calității lor, care a scăzut rapid, iar în epoca lui Constantin cel Mare a căzut foarte jos.

În această poziție, creștinismul a găsit sculptura , triumfând asupra păgânismului . Noua religie nu a oferit condiții favorabile dezvoltării acestei ramuri a artei: imaginile și formele plastice li s-au părut primilor creștini prea materiale, prea senzuale și, în plus, periculoase din punctul de vedere că îi puteau readuce pe credincioși la păgân. cult. Prin urmare, în primele secole ale creștinismului, sculptura, pierzându-și dominația în fața picturii și mozaicurilor, a jucat doar un rol subordonat, fiind folosită mai ales în scopuri decorative.

Sculptura Africii Negre Sculptura din Mesoamerica

Evul Mediu

Cele mai importante monumente care au ajuns până la noi din acea perioadă sunt sarcofagele cu reliefuri care personifică simbolic o nouă viziune asupra lumii sau reproduc scene biblice. Totuși, s-au păstrat și câteva statui creștine antice (statuia de bronz a Sfântului Petru din Catedrala Petru din Roma, statuile de marmură ale Sfântului Ipolit din Muzeul Lateran). În aparență, toate aceste monumente diferă puțin de cele păgâne târzii; execuția lor tehnică este foarte slabă, dar simt suflarea ideilor noi și a credinței sincere.

În vremurile întunecate ale Evului Mediu timpuriu, sculptura era în declin complet: în Bizanț și în Orient în general, a fost exclusă din uz pentru marile întreprinderi și a produs doar lucruri mici, cum ar fi diptice de fildeș, cruci, salarii ale cărților sacre. și icoane, iar în Occident, unde a trebuit să satisfacă aproape exclusiv nevoile unui cult religios, care a vegetat pe baza unor tradiții antice vagi, degradate.

În perioada romanică a istoriei artei pot fi semnalate mai multe fenomene curioase. Acestea sunt ușile de bronz ale Catedralei Hildesheim în secolul al XI-lea - opera iscusitului turnător episcopul Bernwald, în secolul al XII-lea - un mare izvor în biserica Sf. Bartolomeu din Luttich , colosalul relief Exter pe un zid de piatră în Westfalia și decorațiunile plastice ale catedralelor Bourges și Chartres din Franța ; în secolul al XIII-lea - așa-numita Poartă de Aur din Freiberg , fontul Catedralei din Berna și altele.

Primele încercări de a renaște arta prin observarea directă a naturii și studiul antichităților au fost făcute în Saxonia și cu mai mult succes în Italia , unde la mijlocul secolului al XIII-lea Nicolo Pisano a ridicat imediat sculptura la o înălțime considerabilă (scaunele de Baptisteriul din Pisa și Catedrala Siena, fântâna din fața primăriei din Perugia ). Dominația ulterioară a stilului arhitectural gotic a deschis un domeniu mai larg de activitate pentru sculptură: pentru a decora fațadele complicate, turnurile, pereții și toate părțile templelor din acest stil, a fost nevoie de asistența puternică a materialelor plastice, iar ea le-a înzestrat cu numeroase decorațiuni sculptate, reliefuri și statui și le-au executat în spiritul goticului însuși - mistic și visător. Lucrări de acest fel sunt mai întâi în Franța (sculpturi din Reims, Paris, Amiens și alte catedrale), iar apoi în Germania (sculpturi ale Bisericii Maicii Domnului din Trier, Bamberg, Naumburg, Strasbourg și alte catedrale). În a doua dintre aceste țări, la începutul secolului al XV-lea, sculpturile în piatră ale figurilor umane se remarcă deja prin frumusețe și armonie considerabilă, iar draperiile lor au un stil pitoresc și plin de semnificație, așa cum se poate concluziona din statuile Catedralei din Köln. Mișcarea ulterioară a plasticului german tinde spre o direcție și mai vie, individualizantă, prefigurand în multe privințe stilul Renașterii. Adam Kraft (circa 1500) și turnătorul Peter Fischer , ambii din Nürnberg , trebuie considerați reprezentanți ai acestei tendințe. Alături de sculptura în piatră și metal, înregistrează progrese semnificative și sculptura germană în lemn, pentru care a existat o mare cerere în perioada analizată și anume, pentru altar și alte decorațiuni bisericești. Cei mai faimoși maeștri ai sculptării în lemn din secolul al XVI-lea au fost nurembergerii Veit Stoss și Hans Bruggemann și tirolezul Michael Pacher .

Gotic

Sculptura gotică este rareori o unitate independentă și este cel mai adesea parte a unei catedrale gotice.

Renaștere

Italia

Spre deosebire de țările nordice, în Italia sculptura din perioada gotică s-a dezvoltat independent de arhitectură. Acolo și-a datorat succesul în principal fiului amintitului Nicolo Pisano, Giovanni (amvonul din biserica Sf. Andrei din Pistoia , piatra funerară a Papei Benedict al XI-lea din Perugia, reliefuri pentru amvonul Baptisteriului din Pisa). O serie de alți sculptori toscani , studenți sau imitatori direcți ai săi, s-au alăturat regiei acestui artist , dintre care cei mai cunoscuți sunt: ​​Giotto , Andrea Pisano și Orcagna . Datorită eforturilor acestor și altor maeștri, arta italiană aruncă ultimele rămășițe de uscăciune și convenționalitate medievală la începutul secolului al XV-lea. intră pe o nouă cale liberă - calea individualității creativității, expresivitatea animată, înțelegerea profundă a naturii, combinată cu un studiu critic al antichităților. Într-un cuvânt, vine Renașterea.

Toscana este în continuare centrul principal al activității artistice, iar artiștii săi creează lucrări care încântă nu numai contemporanii lor, ci și posteritatea îndepărtată. Cei mai importanți promotori ai noii mișcări sunt Jacopo della Quercia , supranumit „della Fonte” pentru excelenta fântână pe care a ridicat-o la Siena; Luca della Robbia , care și-a făcut un nume în special cu reliefuri din lut ars și glazut, și talentatul Donatello . În urma lor se află o falangă de meșteri mai mult sau mai puțin talentați. În timpul domniei Papei Leon al X- lea , sculptura italiană, ca și alte ramuri ale artei, atinge punctul culminant în lucrările lui Gian Francesco Rustici , Andrea Contucci ( Sansovino ) și, în cele din urmă, genialul Michelangelo Buonarroti . Dar acesta din urmă, cu toată enormitatea talentului său, și chiar ca urmare a acestuia, a avut o influență fatală asupra cursului ulterioar al sculpturii: stilul său puternic, dar prea individual și liber, a depășit puterea numeroșilor săi studenți și imitatori. , dintre care se remarcă doar Giovanni da Bologna , Benvenuto Cellini și Jacopo Tatti ; majoritatea sculptorilor, urmând direcția marelui florentin, au căzut într-un arbitrar capricios și în căutarea unui singur efect exterior. Cu cât mai departe, cu atât mai mult sculptura și-a pierdut simplitatea și sinceritatea anterioară, astfel încât în ​​secolul al XVII-lea în Italia manierismele lui Lorenzo Bernini , Alessandro Algardi și nenumărații lor adepți dominau deja această ramură a artei . Acest stil, cunoscut sub denumirea de baroc , a continuat până în secolul al XVIII-lea, timp în care au existat uneori lucrări care nu erau lipsite de grandoare și mărturiseau imaginația bogată a interpreților lor, dar mai adesea acelea care erau curioase doar din cauza pretențioșiei lor.

Franța

În afara Italiei, sculptura, începând din secolul al XVI-lea, a reflectat influența sculpturii italiene și a reprezentat în general puține fenomene semnificative. Unele dintre ele merită totuși să fie menționate. Așa este, de exemplu, întemeierea în Franța a școlii de sculptură Fontainebles, ai cărei reprezentanți, Jean Goujon , Germain Pilon și alții, au lăsat posterității lucrări foarte talentate. Mai departe, este imposibil să nu menționăm Pierre Puget , Francois Girardon , Antoine Coisevo  - sculptori francezi care au trăit și au lucrat în epoca lui Ludovic al XIV-lea ; dar opera lor este puternic păcătuită de teatralitate, care în secolul al XVIII-lea în Franța a atins punctul de afectare goală, stânjenitoare.

Spania

Sculptorii majori din Spania în timpul Epocii de Aur au fost Alonso Cano și Pedro de Mena .

Olanda

Printre artiștii olandezi demni de atenție se numără Frans du Quesnoy , poreclit de italieni il Fiammingo , care a trăit la Roma pe vremea lui Bernini și, în ciuda faptului că a rămas liber de manierisme italiene. Și mai naiv și mai pur în viziunea sa asupra naturii este studentul Art Quellinus du Quesnoy . Al treilea sculptor olandez semnificativ, Adrian de Vries , un elev al lui Giovanni da Bologna , este cunoscut pentru lucrările sale de bronz frumos concepute și executate cu măiestrie.

ținuturi germanice

În ceea ce privește Renașterea germană, a folosit sculptura aproape exclusiv pentru pietre funerare și sarcini arhitecturale și decorative. Dintre sculptorii Germaniei din secolul al XVIII-lea, însă, mai presus de nivelul mediocrității se remarcă maeștri talentați: Andrei Schluter la Berlin (un monument al marelui elector din acest oraș) și Raphael Donner în Austria (o fântână de pe Piața Nouă din Viena).

Tranziția la Noul Timp

În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, se trezește o înțelegere a importanței sociale și a demnității artei; conduce, pe de o parte, la o imitare directă a naturii, neîncețoșată de principii preconcepute și, pe de altă parte, la un studiu atent al modului și în ce mod o asemenea viziune asupra naturii a fost exprimată în creațiile artistice ale vremurile de înflorire ale Greciei. Un impuls puternic celui de-al doilea dintre aceste aspirații a fost dat de Winckelmann , care, în scrierile sale despre arta antică, a explicat elocvent semnificația lor înaltă și a predicat o dragoste arzătoare pentru ele. Cu toate acestea, solul pregătit de acest om de știință a început să dea roade abia mai târziu, după ce interesul general pentru antichitatea greacă s-a intensificat și au început să apară publicații ale monumentelor sale artistice, iar muzeele europene s-au îmbogățit fie cu lucrări autentice din materialele sale plastice, fie cu gips-uri din acestea. .

Primele încercări de actualizare a sculpturii prin revenirea ei la principiile artei antice au fost făcute la începutul secolului al XIX-lea de către suedezul I. T. Sergel și italianul Antonio Canova . Acesta din urmă, în special, a devenit celebru pe această cale, deși numeroasele sale lucrări, măiestrie din punct de vedere tehnic, nu sunt încă străine de manierismul italian precedent și cad adesea doar în strălucire exterioară sau sentimentalism dulce. Mulți alții au luat curând aceeași cale ca acești sculptori, în cea mai mare parte imitatorii lor direcți. Ca cei mai buni dintre acești artiști, ar trebui să se arate francezul Chaudet (statuia „ Cupidon și Fluture ” din Luvru , Paris ), spaniolul X. Alvarez (grupul „Antiloch îl apără pe Nestor”, cunoscut sub numele: „ Apărarea Zaragoza "), englezul John Flaxman și pe germani Trippel (statuia "Bacchante", etc.), și Dannecker (celebra " Ariadna pe Pantera ", la Bethman , în Frankfurt pe Main). Dar nimeni nu a obținut rezultate atât de strălucitoare ca danezul Bertel Thorvaldsen . Posedând o imaginație inepuizabilă, el a creat o serie de lucrări diverse, concepute într-un spirit pur grecesc, izbitor de o noblețe pur antică a formelor, și totuși complet originale, când sublime, când naiv idilice și grațioase.

Timp nou

În Franța, plasticul a continuat să se lipească de direcția ceremonială a curții din epoca lui Ludovic al XIV-lea, din ce în ce mai mult intrând în afectare. Cel mai bun sculptor al acestui timp a fost Jean-Baptiste Lemoine (1704-1778; numeroase busturi și statui ale celebrităților moderne). Elevul său Falcone (1716-1791), un talentat autor al monumentului lui Petru cel Mare din Sankt Petersburg. Bouchardon (1698-1762) și Pigalle (1714-1785; o statuie a Mareșalului Moritz de Saxonia la Strasbourg) au încercat să lucreze în spiritul artei antice . Școala franceză, înaintea altora, a aruncat jugul clasicismului absolut și a luat cu îndrăzneală drumul realismului . Houdon (1741-1828) a introdus o mare simplitate și vitalitate în sculptura franceză; faimoasa sa statuie a lui Voltaire din Comedie Francaise (o altă copie se află în Ermitaul Imperial) cu o fidelitate uimitoare transmite aspectul și caracterul sarcastic al filozofului Ferney. Mai mulți sculptori ai Primului Imperiu, Cartelier, amintitul Chaudet, F. Bosio (basoreliefurile coloanelor Vendome, statuia ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea în Piața Victoriei din Paris), F. Lemo (statuia lui Henric al IV-lea pe Podul Nou în Paris), J. Cortot (frontonul camerelor deputaților, apoteoza lui Napoleon I pe poarta triumfătoare, Stele la Paris) și elevii lor direcți, corecti și eleganti, încă reci în compozițiile lor; dar trei artiști deja lucrează alături de ei, aducând un flux de viață exuberant în sculptura franceză. Aceștia sunt F. Rude , J. Pradier și J. David din Angers. Prima dintre acestea („Mercur legându-și aripile în picioare”, „Tânărul pescar napolitan”, „Doamna de la Orleans”, statui în Muzeul Luvru, și mai ales „Voluntarii în 1792”, un grup pe porțile triumfale ale Stelei) a atribuit o importanță extremă observării directe a naturii, a exprimat puternic și sincer mișcarea și sentimentul și, în același timp, s-a remarcat printr-o uimitoare subtilitate a decorațiunii. La început. secolul al 19-lea David de Angers și Pradier au căutat să împace tradițiile antice cu romantismul. Talentul lui Pradier era mai exterior și s-a manifestat mai ales în prelucrarea elegantă a formelor corpului feminin, în crearea unor figuri fermecătoare, vii, dar senzuale („Easy Poetry”, „Flora”, „Graces”, „Bacchante and Satyr”. ", etc.). Adept hotărât al realismului și dușman al tuturor convențiilor, lui David de Anzhersky îi păsa nu atât de frumusețea liniilor și, în compozițiile complexe, de o împărțire clară a grupurilor, cât de caracterizarea exactă a celui înfățișat; lucrările sale (timpanul Panteonului din Paris, statuia lui Condé la Versailles, multe statui portret, busturi și medalioane) sunt întotdeauna impregnate de o idee profundă și de o expresivitate ridicată, ceea ce face cea mai puternică impresie că este înglobat în forme preluate direct din realitate. Aceste virtuți l-au făcut pe David cel mai influent dintre sculptorii generației care a părăsit recent scena, nu doar în Franța, ci și în Belgia. Alături de cei trei lideri ai sculpturii franceze din Epoca Modernă menționați, F. Duret , un demn adept al lui Rude și David de Angers („improvizatorul napolitan”, „dansatorul napolitan”, o statuie a Rahelei în rolul Fedrei în teatru al comediei franceze la Paris), care a format, la rândul său, talentatul elev al lui E. Delaplanche („Dragostea mamei”, „Muzica”, portretul lui Aubert). Numeroși studenți și adepți ai lui Pradier au lucrat în general în spiritul său, uneori mergând chiar mai departe decât el, în predilecția pentru senzualitate, uneori temperând-o cu dorința unui ideal mai pur și grație nobilă și îngrijindu-se constant să aducă execuția tehnică a lucrării lor. la cel mai înalt grad de perfecţiune. Grupul acestor artiști include: O. Courte („Faun și Centauri”, „Leda”, un frumos portret al lui Adrienne Lecouvreur în Teatrul Francez de Comedie din Paris ), A. Etex („Cain”, „Hercule și Antey” și două grupuri la Porțile triumfale ale Stelei: „Rezistența” și „Pacea”), C. Simar („Oreste urmărit de furi”), E. Guillaume (grupul „Muzică” la Noua Operă, la Paris, multe busturi portretistice și statui), Idrak („Cupidon rănit” și „Salambo” în Muzeul din Luxemburg), J. B. Klezinger („Sappho”, „Ariadna cu tigru”, „Bacânta beată”) și A. Chapu („Jeanne d’Arc”) „ în Muzeul Luxemburg și „Tineretul” pe monumentul Regnault, la Școala de Arte Frumoase din Paris). O școală extinsă și în continuă creștere lucrează în această direcție realistă, un impuls puternic căruia i-a dat David din Anzhers. Printre reprezentanții acestei școli, D. Foyatier (monumentul Ioanei d’Arc din Orleans, statuile lui Cincinnatus și Spartacus din grădina Tuileries din Paris), E. Millet („Apollo”, în vârful clădirii Marii Opere, și „Cassandra” în Muzeul Luxemburg) din Paris), A. Preo („Omor” și „Tăcere”, busturi colosale în cimitirul Lachaise din Paris) și A. Carrier-Belez , cel mai prolific dintre studenții lui David și cel mai apropiat de el în stil („Madonna” în centrul Parisului S.-Vinseny-de-Paul).

Din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. predomină tendința realistă și naturalistă: Barrias , Bartolome, Carpeau , Delaplanche, Dubois, Falter, Fremier , Garde, Mercier, genialul Rodin . Naturalismul școlii franceze moderne și-a găsit ultima, vie expresie în lucrările lui J.-B. Carlo, un discipol al lui David, Ryud și Dure, care a împrumutat de la fiecare dintre ei ceea ce este mai bun în ei și și-a combinat virtuțile cu ceea ce, poate, le lipsea - cu un talent deosebit, puternic, chiar nestăpânit, asemănător cu talentul Michelangelo. și, în același timp, Rubens („Tânărul pescar napolitan”, decorațiuni plastice ale pavilionului Flora din Luvru, celebrul grup de dans de la Marea Operă din Paris). În ciuda morții timpurii a acestui maestru ciudat, el a lăsat o amprentă profundă asupra artei și a format o mulțime de studenți, dintre care J. Dali și Contesa Colonna, cunoscuți sub pseudonimul Marcello („Pythia” pe scările Marii Opere din Paris). ), merită menționate.

Realismul care a prevalat în sculptura franceză din acea vreme nu exclude însă existența altor aspirații în ea. Conducătorul școlii clasice era în 1839 F. Juffroy („Fata care își mărturisește secretul lui Cupidon” în Muzeul din Luxemburg), printre ai cărui adepți L. Barrias („Jurământul lui Spartacus” și „Mozart acordând vioara”) și R. de Saint-Marceau („Geniul care păzește secretul sicriului” în Muzeul Luxemburg); dar cel mai bun dintre studenții lui Jouffroy, A. Falguiere , manifestă o înclinație clară către realism („Dansatoare egipteană”, „Diana” și alții), P. Dubois și A. Mercier sunt inspirați din monumentele sculpturale din perioada de înflorire a Italiei. Renaștere, în căutarea armoniei și frumuseții în ipostaze calme (din lucrările primei, sunt deosebit de remarcabile grupurile de pe monumentul lui Lamoricière: „Curaj militar” și „Iubire creștină”, precum și „Cântăreața napolitană din secolul al XV-lea”. .” și „Eve”; din lucrările celui de-al doilea - „David” în Muzeul Luxemburg, un monument al lui Michele în cimitirul Lachaise din Paris și grupul Quand même). În sfârșit, Franța are dreptul de a fi mândră de câțiva sculptori care reproduc perfect animalele. Cel mai proeminent dintre acești artiști este L. L. Barry (Lion Devouring a Snake, Resting Lion și mici grupuri de bronz), care poate fi considerat adevăratul fondator al acestei industrii plastice și stăpânul ei. Pe lângă el, E. Fremier, O. Caen, L. Navale și A. Bartholdi , dintre care acesta din urmă, indiferent de lucrările din specialitatea sa, a devenit celebru și pentru colosala statuie a Libertății, adusă de guvernul francez în 1886. ca un cadou pentru Statele Unite ale Americii.

Sculptura belgiană nu este altceva decât urmașul francezului - un fapt ușor explicabil prin faptul că majoritatea sculptorilor belgieni și-au primit sau și-au finalizat educația artistică la Paris. Cei mai semnificativi dintre sculptorii din această țară pot fi numiți: Guillaume (Willem) Gaefs (monument național în Piața Martirilor din Bruxelles, monument al lui Rubens din Anvers), fratele său Joseph Gaefs (monumente lui Leopold I la Bruxelles și Wilhelm). II la Haga) [11 ] , Frankin (monumentul lui Egmont și Horn la Bruxelles) și Simonis (monumentul lui Gottfried de Bouillon la Bruxelles).

În Germania, după Thorvaldsen, printre sculptorii care au aderat la direcția sa idealistă, se remarcă în special L. Schwanthaler , pentru ale cărui activități, sub regele bavarez Ludwig I, s-a deschis un larg domeniu de activitate pentru decorarea Munchenului (statui colosale ale Bavariei, frize sculpturale în palatele regelui și ducelui Maximilian, reliefuri și statui care decorează Gliptoteca etc.). Mulți studenți își datorează educația acestui artist, printre altele, M. Wiedimann (monument lui Schiller din München și alții), L. Schaller (monument lui Herder din Weimar, reliefuri din Pinakothek din München pe scene din viața lui J. van). Eyck, A. Dürer și Holbein , statui alegorice de patru stele etc.), F. Bruggen (statui ale lui Gluck, Elector Maximilian Emmanuel și Gertner la München, grupuri: „Chiron îl învață pe Ahile”, „Mercur și Calypso”, etc. ), K. Zumbusch (monum Maximilian II din München, cel mai bun dintre toate decorând acest oraș; monumentul Mariei Tereza din Viena și altele) și M. Wagmuller („Fata cu fluture”, „Fata cu șopârlă”, excelent busturi portret). Influența lui Schwanthaler, adusă la Viena de Gasser și Fernkorn (statui ecvestre ale Arhiducelui Karl și Prințului Eugen), se reflectă încă în lucrările sculptorilor locali, dintre care K. Kundeman, autorul monumentului pr. Schubert și V. Tilgner, care și-a făcut o reputație măgulitoare cu statui și busturi portrete. O altă mișcare s-a conturat la Berlin, unde la începutul secolului al XIX-lea, I. K. Shadov , fără a neglija antichitățile, și-a propus principala sarcină de a reproduce modernitatea și lumea reală (carul și metopele de pe Poarta Brandenburg, monumente). lui Ziten și prințului Leopold de Dessau la Berlin, Blucher în Rostock, Luther în Wittenberg și alții). Aspirațiile sale s-au dezvoltat pe deplin în lunga și influenta lucrare a lui X. Rauch (monumentele lui Frederic cel Mare la Berlin, A. Dürer la Nürnberg, Kant la Königsberg, celebrele figuri ale lui „Victorius”, pietrele funerare ale reginei Louise și Friedrich Wilhelm al III-lea în Mausoleul din Charlottenburg). Școala din Berlin înființată de acest artist a produs mulți meșteri mai mult sau mai puțin pricepuți, care sunt: ​​Φ. Drake (basoreliefuri pe monumentul lui Friedrich Wilhelm al III-lea din Grădina Zoologică din Berlin, statuia ecvestră a împăratului Wilhelm la gara din Köln și altele), Schifelbein („Distrugerea Pompeii”, o friză mare în noul Muzeu din Berlin, basoreliefuri pe podul din Dirschau), Bleser (statuia ecvestră a lui Wilhelm al IV-lea pe podul Rinului din Köln), A. Kis, care a reprodus perfect animalele și a lucrat cu succes și în partea sculpturii istorice (statui ale Arhanghelului Mihail și Sf. Gheorghe ucigând dragonul; statui ecvestre ale lui Frederic William III în Königsberg și Breslau), T. Kalide, A. Wolf și alții. Dintre sculptorii berlinezi ai New Agei, se remarcă în special puternicul și înflăcăratul R. Begas (monumentul berlinez lui Schiller, bustul lui Mendel din Galeria Națională; „Pan îl consolează pe Psyche”, „Familia lui Faun”, „Venus și Cupidon”. " și alte grupuri pline de viață și mișcare) și R. Siemering (o statuie de marmură a regelui Wilhelm la bursa din Berlin; grupurile „Nimfa îl învață pe tânărul Bacchus să danseze” și „Faun îi dă de băut băiatului Bacchus”; „Victoria Monument” din Leipzig). Doi sculptori de primă clasă au lucrat simultan la Dresda : E. Ritschel , elev al lui Rauch, care i-a urmat direcția realistă (lucrări principale: monumentul maiestuos al lui Luther din Worms, monumentul lui Schiller și Goethe din Weimar, statuia lui Lessing din Braunschweig) și E. Gänel, un adept al școlii idealiste (cele mai bune lucrări sunt statuile decorative ale fațadei Galeriei de Artă din Dresda, monumentul prințului Schwarzenberg din Viena, statuia lui Beethoven din Bonn ). Printre alți sculptori din Dresda, mai mult decât alții demni de atenție: I. Schilling , student și adept al lui Ganel (grupurile „Noaptea” și „Ziua” pe terasa Bryulevskaya, monumentele lui Ritschel în Dresda și Schiller în Viena) și A. Donndorf , moștenitor al modului vioi și nobil al lui Ritschel , colaboratorul său la monumentul lui Luther de la Worms, autorul statuii ecvestre a lui Karl August din Weimar și al monumentelor: Schumann din Bonn și Cornelius din Düsseldorf.

În Anglia, sculptura, în special sculptura monumentală, nu și-a găsit teren favorabil pentru ea însăși; în această ţară reflectă puternic influenţa italiană. Cel mai talentat dintre sculptorii englezi, John Gibson , un elev al lui Canova, a lucrat la Roma și ar trebui să fie luat în seamă cu școala clasică locală (grupurile de marmură „Psyche tormented by Cupidon”, „Gilas and the Nymphs” în Galeria Națională din Londra, „Regina Victoria pe tron, între figurile Mercy și Justiție” în Camerele Parlamentului, piatra funerară a ducesei de Leicester din Longford și altele). Lucrările multor alți artiști englezi, care au interpretat intrigile mitului antic în grațios, mângâind formele ochiului, au ecou în maniera lui Canova, cum ar fi, de exemplu, P. MacDaull („Virginius și fiica lui”, „Spălarea”. Dream”), R. Westmacot (statui ale lui Addison, Pitt, Fox și Percival în Westminster Abbey, lorzii Erskine la Lincoln Inn și Nelson la Liverpool Exchange, figuri de pe frontonul Muzeului Britanic) și R.-J. Watt („Flora”, „Penelope”, „Musidora” și altele).

În Italia, aspirațiile materialelor plastice nu au fost deloc supuse unei abateri semnificative de la idealurile lui Canova. Artiștii talentați P. Tenerani care l-au urmat (pietre funerare ale Ducelui și Ducesei de Torlonia în S. Giovanni in Laterano, Pius al VIII-lea în Catedrala lui Petru din Roma, „Psyche” și „Venus culcată cu Cupidon” în Schitul Imperial) și L Bartolini (o statuie a lui Napoleon I, în Bastia în Corsica, și Machiavelli în Muzeul Uffizi din Florența), a lucrat în spiritul nobil-clasic al acestui maestru. Elevul lui Bartolini, G. Dupre, a făcut o oarecare întorsătură către naturalism („Maița Plângând-o pe Mântuitorul Mort” în cimitirul din Siena, monumentul lui Cavour din Torino, „Cain” și „Abel” în Schitul Imperial). G. Bastiani a încercat să reînvie stilul sculpturii italiene din secolul al XV-lea („Grupul Bacantelor”, „Patru anotimpuri”, frumoase busturi portret). Apoi, numeroși sculptori italieni și-au îndreptat atenția în principal către prelucrarea tehnică a marmurei, în care au atins o perfecțiune ridicată, producând cu dragoste deosebită subiecte împrumutate din realitatea modernă. Cel mai semnificativ dintre artiștii acestei tendințe a fost V. Vela (grupul „Franța și Italia” și „Napoleonul pe moarte” din Muzeul Versailles din Paris, statuile lui Victor-Emmanuel din Primăria din Torino, „Correggio” în orașul său natal, filozoful Rosmani și „Primăvara” ). Pe lângă artiștii autohtoni, printre reprezentanții sculpturii italiene trebuie să fie incluși mulți străini, precum mai sus menționatul englez Gibson, care a trăit și a lucrat la Roma; astfel sunt, de altfel, olandezul M. Kessel („Sfântul Sevastan”, „Paris”, „Aruncător de discoteci”, scene din Judecata de Apoi), bavarezul M. Wagner (friză în Valhalla lângă Regensburg; „Minerva” , patrona activității artistice pe frontonul Glyptothek din München), K. Steingeyser din Bremen („Eroul și Leander”, „Goethe cu Psihicul” la Muzeul din Weimar, „Violinistul” și altele) și prusacul E. Wolf („Nereida” și „Amazon” în Schitul Imperial, „Venus”, „Judith” și altele).

Timpurile moderne

Modernism

Sculptura modernistă include mișcări precum Cubismul , Abstracția geometrică , De Stijl , Suprematismul , Constructivismul , Dadaismul , Suprarealismul , Futurismul , Formalismul , Expresionismul abstract , Pop Art , Minimalismul , Land Art , precum și arta instalației .

La începutul secolului al XX-lea, Pablo Picasso a revoluționat arta sculpturii, începând să-și creeze desenele , în care obiectele și materialele incompatibile erau combinate într-o singură sculptură, ca și cum ar crea un analog sculptural al unui colaj bidimensional. Odată cu apariția suprarealismului , au apărut noi tipuri de sculptură „automată”, cum ar fi coulage, care a fost creat prin turnarea materialului topit (de exemplu: metal , ceară sau ciocolată ) în apă rece, drept urmare, după ce materialul s-a întărit. , forma sculpturii s-a dovedit a fi imprevizibilă. Ultimii ani ai lui Picasso au fost marcați de fascinația sa pentru ceramică, care, împreună cu un interes din ce în ce mai mare pentru istoria ceramicii din întreaga lume, a dus la o renaștere a artei ceramicii cu sculptori precum George Edgar Ohr și mai târziu Peter Voulkos, Kenneth Price. și Robert Arnerson. În același timp, Marcel Duchamp a inventat termenul Readymade (din engleză readymade ), prezentând publicului sculptura „ Fântână ”.

În mod similar, opera lui Constantin Brâncuși la începutul secolului a deschis calea pentru experimentarea ulterioară în sculptura abstractă. Într-o revoltă împotriva naturalismului lui Rodin și a contemporanilor săi la sfârșitul secolului al XIX-lea, Brâncuși a distilat obiectele până la esența lor, așa cum este ilustrat de formele subtile din seria sa Bird in Space (1924).

Influența lui Brâncusi, cu dorința sa de a scăpa de tot ceea ce este superfluu și abstract, este văzută de-a lungul anilor 1930 și 1940 și este ilustrată de artiști precum Gaston Lachaise , Sir Jacob Epstein , Henry Moore , Alberto Giacometti , Joan Miro , Julio González , Pablo Serrano . , Jacques Lipchitz , iar în anii 1940 sculptura abstractă a fost atinsă și extinsă de Alexander Calder, Len Lai, Jean Tinguely și Frederic Kiesler, care au devenit pionierii artei cinetice.

Sculptorii moderniști au ratat în mare măsură creșterea interesului pentru arta publică, determinată de cererea de monumente comemorative de război după cele două războaie mondiale, dar din anii 1950, organismele publice au devenit mai loiale sculpturii moderniste, cu mari comisioane atât în ​​stil abstract, cât și în stil figurativ. uzual. Picasso a fost însărcinat să realizeze un model pentru o sculptură publică uriașă de 50 de picioare (15 m), așa-numita Chicago Picasso (1967). Designul său a fost ambiguu și oarecum controversat, iar ceea ce reprezintă figura este neclar; poate fi o pasăre, un cal, o femeie sau o formă complet abstractă.

La sfârșitul anilor 1950 și 1960, sculptorii abstracti au început să experimenteze cu o gamă largă de materiale noi și abordări diferite pentru a-și crea lucrările. Imaginile suprarealiste, abstracția antropomorfă, noi materiale și combinații de noi surse de energie și diverse suprafețe și obiecte au devenit caracteristice noii sculpturi moderniste. Proiectele în comun cu designeri de peisaj, arhitecți și arhitecți de peisaj au extins teritoriul posibil și integrarea contextuală. Artiști precum Isamu Noguchi , David Smith , Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois și Louise Nevelson au ajuns să modeleze chipul sculpturii contemporane.

În anii 1960, au dominat expresionismul abstract , abstracția geometrică și minimalismul , care a redus sculptura la trăsăturile sale cele mai esențiale și fundamentale. Unele lucrări din această perioadă sunt lucrarea cubică a lui David Smith și lucrarea din oțel sudat a lui Sir Anthony Caro , precum și sculptura sudată a unei mari varietăți de sculptori, opera la scară largă a lui John Chamberlain și opera de mediu a lui Marc di Suvero . Alți minimalisti includ Tony Smith , Donald Judd , Robert Morris , Ann Truitt , Giacomo Benevelli , Arnaldo Pomodoro , Richard Serra , Dan Flavin , Carl Andre și John Safer , care au adăugat mișcare și monumentalitate și o linie curată.

În anii 1960 și 1970, sculptura figurativă în forme stilizate a fost introdusă de artiști moderniști precum Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal , Marisol Escobar , Paul Teck , Robert Graham și Fernando Botero , transformând figurile din picturile sale în sculpturi monumentale.

Tendințe moderne

Mișcările ecologice și specifice site-ului reprezentate de sculptori precum Andy Goldsworthy , Walter De Maria , Richard Long , Richard Serra , Robert Irvine, George Rickey și Christo și Jean-Claude au stabilit o nouă direcție în sculptura abstractă.

Minimalism Postminimalism

  • Richard Long, South Bank Circle, 1991, Tate Art Gallery Liverpool, Anglia

  • Jean-Yves Lechevalier , Aripa încătușată, 1991

  • Anish Kapoor , Turning the World Upside Down , Muzeul Israelului , 2010

  • Rachel Whiteread , Monumentul Holocaustului 2000, Judenplatz, Viena

  • Guardians of Time , sculptură în lumină de Manfred Kleinhofer pentru Bienala Austriacă de Artă ușoară 2010

  • Dublin Needle , denumit oficial Monumentul luminii , oțel inoxidabil, 121,2 metri (400  ft ), cea mai înaltă sculptură din lume

Sculptură în Rusia

Rusia antică

În procesul de cercetare arheologică de la șantierul de săpături Nerevsky (partea Sofia a Novgorodului), au fost găsite sculpturi din lemn datate din secolele X-XV. [12] [13]

Imperiul Rus

În vremurile pre-petrine, arta în Rusia își avea vocația de a servi exclusiv scopurilor religioase și, din moment ce Biserica Ortodoxă detestă statuile figurilor umane, sculptura, în adevăratul sens al cuvântului, nu s-a putut dezvolta doar în Rusia antică, ci chiar și a existat. . Adevărat, în unele locuri, în special în fostele regiuni din Novgorod, erau respectate imaginile cioplite și pictate ale sfinților, dar erau străine de orice valoare artistică și erau produse apărute sub influența Occidentului. De fapt, în Rus', manifestările de artă plastică se limitau la turnarea crucilor mici, la împăturirea imaginilor, la scoaterea din salarii pentru imagini și la cioplirea iconostaselor figurate. Printre roadele civilizației vest-europene , Petru cel Mare i-a transferat sculptura, care, totuși, în timpul acestui suveran și mult timp după el, a fost aici în mâinile străinilor în vizită. Figura principală în domeniul sculpturii în timpul domniei lui Petru cel Mare și Anna Ioannovna a fost K. B. Rastrelli, tatăl celebrului arhitect de mai târziu, care a fost chemat la Sankt Petersburg pentru a arunca tunuri. Stilul lui manierat este evidențiat de o statuie de bronz a împărătesei Anna și un monument al lui Petru cel Mare, care se află în fața Castelului Inginerilor din Sankt Petersburg.

De fapt, sculptura rusă a început abia sub Ecaterina a II-a, după înființarea Academiei, unde primul profesor al acestei arte a fost N. F. Gillet, invitat în 1757 de la Paris. A pregătit mai mulți studenți, dintre care cel mai talentat a fost F. I. Shubin (opera sa principală este statuia Ecaterinei din Academia de Arte). Statutul Academiei prevedea celor mai buni dintre elevii ei, după finalizarea cursului, să meargă, cu întreținere din partea guvernului, timp de câțiva ani, pe țări străine, pentru îmbunătățirea lor ulterioară, iar acest drept a fost folosit pentru prima dată de tinerii sculptori Shubin. Începe o serie lungă de sculptori ruși care au trăit și au lucrat în străinătate, în special în Italia, continuând până în epoca noastră. Aici, desigur, au fost influențați de maeștrii populari la acea vreme și au asimilat direcția artistică dominantă de atunci. Prin urmare, sculptura din Rusia, care a arătat puțină independență până de curând, a reflectat în ea însăși mișcările care au avut loc în această ramură a artei în Occident: la sfârșitul secolului al XVIII-lea a purtat amprenta franceză, apoi italiană - mai mult sau trăsături mai puțin vizibile ale stilului lui Canova, Thorvaldsen, Dupre, Tenerani și alții. Cu toate acestea, printre reprezentanții săi au fost mulți artiști care ar face onoare oricărei țări. În secolul Ecaterinei, pe lângă Shubin, care a păstrat naturalismul în operele sale, înnobilat de respectul pentru antichități, au existat rutinerul-eclectic F.G. Gordeev (grupul lui Samson pentru fântâna Peterhof cu acest nume) și înzestrată, oarecum manierată, pajiștea M.I. Tsaritsyn. la Sankt Petersburg, statuia lui „Cupidon care ia o săgeată dintr-o tolbă” din Ermite și altele). În timpul lui Alexandru I și parțial Nikolaev, reprezentanți de seamă ai sculpturii rusești au fost: V. I. Demut-Malinovsky (statuia apostolului Andrei în Catedrala Kazan din Sankt Petersburg, „Scaevola rusă” la Academia de Arte, busturi portrete și altele ), S. S. Pimenov (două grupuri la intrarea Institutului Minier din Sankt Petersburg), I. P. Prokofiev (statuia Acteonului alergător, tritonii fântânii Peterhof), I. P. Martos (monumentele lui Minin și Prințului Pojarski la Moscova, Ducele Richelieu). în Odesa, Lomonosov în Arhangelsk, o statuie colosală a Ecaterinei a II-a în Adunarea Nobiliară de la Moscova și altele) și altele.

Sculptura rusă a primit o renaștere specială în a doua jumătate a domniei împăratului Nicolae I datorită dragostei acestui suveran pentru artă și patronajului pe care l-a oferit artiștilor autohtoni, precum și unei astfel de întreprinderi uriașe precum construcția și decorarea Sf. Catedrala lui Isaac din Sankt Petersburg și Catedrala Mântuitorului Hristos din Moscova. Toți sculptorii ruși, atât din generația mai în vârstă, cât și din generația mai tânără, au primit apoi ordine guvernamentale semnificative și, încurajați de atenția monarhului față de munca lor, au încercat să se depășească unul pe altul în ei. Principalele figuri din zona luată în considerare la acea vreme au fost: Contele F.P. Tolstoi (medalioane pe teme din Războiul Patriotic din 1812-1814, statuia „Nimfa turnând apă dintr-un ulcior” din Peterhof, modele pentru figurile diferiților sfinți, pentru ușile templului Mântuitorului), S. I. Galberg (statuia Ecaterinei a II-a stând la Academia de Arte, statuia „Invenția muzicii” din Ermit), B. I. Orlovsky („Îngerul” pe Coloana lui Alexandru, monumentele lui Kutuzov și Barclay de Tolly în fața Catedralei din Kazan, statui „Paris”, „Satir cântând la vioară”, „Faun și Bacchante” în Schit), I. P. Vitali (două frontoane ale Catedralei Sf. Isaac: „Adorarea Magilor” și „Sfântul Isaac îl binecuvântează pe împăratul Teodosie”, reliefuri sub porticurile acestui templu, sculpturi ale ușilor sale de intrare și altele; o statuie a lui Venus în Schit), baronul P. K. Klodt („Îmblânzitorii de cai”, patru grupuri pe podul Anichkovsky, un monument al fabulistului Krylov, în Grădina de vară; o figură a împăratului Nicolae I călare, în Sankt Petersburg monument al acestui suveran; mici sculpturi cai), N. S. Pimenov (grupurile „Învierea” și „Schimbarea la Față” în vârful catapeteasmei coridoarelor mici ale Catedralei Sf. Isaac; statui „Jocul bunicilor” și „Băiat cerșetor”), P. Stavasser (statui „Sirenă” și „Nimfă încălțată de un faun” în Schit), K. Klimchenko („Nimfă după baie” în Schit), A. A Ivanov („Băiatul Lomonosov” și „Paris” în Schit), S. I. Ivanov („Mica Scăldatoare”), A. V. Loganovsky („Jocul grămezii”; reliefuri sub porticurile Catedralei Sf. Isaac „Masacrul lui”. Inocenți” și „Apariția unui înger către păstori”; înalte reliefuri pe pereții exteriori ai Bisericii Mântuitorului) și N. I. Ramazanov (înalt reliefuri de pe pereții exteriori ai aceluiași templu).

Cu toate acestea, trebuie remarcat faptul că, din cauza însăși naturii sarcinilor atribuite acestor artiști talentați, aceștia au fost, în cele mai multe cazuri, legați în munca lor și nu puteau da un spațiu deplin fanteziei și dorinței de realism și naționalitate care se treziseră deja în mijlocul lor. Această întindere s-a deschis odată cu apariția erei marilor reforme ale lui Alexandru al II-lea - o epocă în care artele descriptive ale Rusiei, în urma literaturii sale, au devenit purtătorii de cuvânt ai conștiinței de sine care se trezise în societatea rusă, au devenit involuntar receptive. la îndoielile, dorințele și speranțele sale. Problema nu putea continua fără ezitare și false evaziuni; cu toate acestea, în mișcarea sa generală, cea mai recentă sculptură rusă, făcând un pas major înainte, a câștigat simpatia nu numai a claselor superioare, ci și a masei societății sale natale și i-a forțat pe străini să recunoască existența unei școli rusești originale. Dintre artiștii care au contribuit la aceasta într-o măsură mai mare sau mai mică, precum și au susținut demnitatea sculpturii rusești din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, putem numi: M. M. Antokolsky (statui „Ioan cel Groaznic”, „Hristos înaintea oameni”, „Moartea lui Socrate”, „Mefistofel” în Schit; o statuie a lui Petru cel Mare în Peterhof), N. R. Bach (statuia „Pythia”), R. R. Bach (statuia „Ondine”; înalte reliefuri „Elf” și „ Idilă"), A. R. von Bock ( grupul "Minerva" pe cupola Academiei de Arte, monumente ale contelui Paskevich din Varșovia și M. Glinka din Smolensk; statuia "Psyche" și grupul "Venus și Cupidon"), P. A. Velionsky (statuia „Gladiatorul”, basorelieful „Venus reprezintă olimpienii Cupidon”), P. P. Zabello (o statuie a lui Pușkin în Liceul Imperial Alexandru, „Tatyana, eroina romanului lui Pușkin” de E. I. V. Împărăteasa Maria Feodorovna și „Sirena” pentru un fântână din Kazan), G. R. Zaleman (statuia „Oreste urmărit de furi”, grupul „Cimbri”, basorelieful „Styx”), F.F. Kamensky (statui „Băiatul sculptor” și „Fata culegătoare de ciuperci” și grupul Primul Pas din Schit), V. P. Kreitan (busturi portret), N. A. Laveretsky (grupurile Cochetarii timpurii din Ermit și Băiat și fată cu pasăre); statuia Rhodope), E. E. Lansere (grupuri mici și statuete de luptă și conținut casnic cu figuri excelente de cai), N. I. Liberich (figurine și grupuri mici reprezentând scene militare și de vânătoare), L. L. Ober (lucrări de același fel), A. M. Opekushina (monument al lui Pușkin la Moscova), I. I. Podozerova (statui „Cupidon cu fluture” și „Eve”; busturi portret), M. P. Popova (statuie „Pescarul napolitan, cântând la mandolină”, „Cocheta”, „Fryne” ), A. V. Snigirevsky (statuia „Curiozitatea”, grupul „Into the Storm”; grupuri mici cu un personaj de gen), M. A. Chizhov (grupurile „Țăran în necazuri”, „Blind Man’s Bluff”, „Mama care învață un copil să Cuvântul nativ”; „Prima iubire”; statuia „Rezvushka”) și, în cele din urmă, I. N. Schroeder (monumente către Prințul P. G. Oldenburg și Kruzenshtern la Sankt Petersburg; Petru cel Mare la Petrozavodsk).

Epoca sovietică

Sculptura din epoca sovietică acoperă cea mai mare parte a secolului al XX-lea. Perioada sovietică a schimbat statutul sculpturii interne, deschizându-i oportunități uriașe, în primul rând în ceea ce privește implementarea printr-o ordine de stat fără precedent. Colecția de sculpturi din epoca sovietică este cea mai numeroasă dintre toate epocile anterioare din Rusia. Acest lucru este valabil mai ales pentru a doua jumătate a secolului al XX-lea, deoarece a doua jumătate a secolului al XX-lea o depășește semnificativ pe prima în numărul de sculpturi. Epoca sovietică a dat naștere unui număr mare de sculptori. Unii dintre sculptorii sovietici, precum Vera Mukhina și Dmitri Tsaplin , au combinat lucrări de un plan diferit și autoritățile plăcute, fără a-și pierde calitatea și semnificația, păstrându-și individualitatea și întruchipând propriile idei și ambiții creative, cineva a eșuat. După ce a crescut din experiența istorică a artelor plastice rusești, legată în primul rând de tradiția Moscovei și, de asemenea, absorbind experiența și inovația sculpturii europene, sculptura sovietică a arătat deja în primele decenii lucrări de merit artistic excepțional în lucrările lui N. A. Andreev , S. T. Konenkov , A. T. Matveev , I. M. Chaikov , B. D. Korolev , V. N. Domogatsky , Serghei Merkurov („ Moartea liderului ”). Școala lor fundamentală clasică a determinat soarta ulterioară a tuturor sculpturilor rusești din secolul al XX-lea [14] [15] [16] .

Perioada de glorie a artei rusești la începutul secolelor XIX și XX a fost urmată de avangarda sovietică explozivă ( cubism și constructivism ), care a zguduit întreaga lume. Un exemplu izbitor de sculptură de avangardă este arhitecții lui K. S. Malevich  - modele arhitecturale suprematiste. Artistul a definit aceste construcții drept formule arhitecturale de noi forme. Limbajul plastic al lui Malevich a anticipat multe decizii pentru a crea un mediu spațial confortabil pentru o persoană.

  • Sculpturi de Kazimir Malevich

  • Architecton „Gotha”, Muzeul de Stat al Rusiei, Sankt Petersburg

  • Architecton "Alpha", 1920, Muzeul de Stat al Rusiei, Sankt Petersburg

  • Crucea Neagră, Muzeul de Stat de Artă Modernă, Paris

Cu toate acestea, odată cu plecarea din URSS la începutul anilor 1920 a celor mai importanți maeștri ai sculpturii de avangardă rusă, precum Naum Gabo și Antoine Pevzner , nu au existat reprezentanți ai acestei tendințe egale cu ei în sculptura rămasă în Rusia sovietică. Începând cu anii 1930, epoca sculpturii de avangardă sovietică a început să se schimbe dramatic în sculptură predominant monumentală, plină de imagini eroice și idealiste, îndeplinind cererea autorităților de realism social. Guvernul sovietic a ales sculptura ca una dintre principalele forme de artă, publicând un plan de propagandă monumentală. Planul presupunea că sculptura ar trebui să fie exclusiv monumentală (sub formă de monumente), iar acesta a servit drept unul dintre motive și a dat impuls consolidării forțelor creative în rândul unor maeștri pentru a aborda tema animalisticii în anii 1930, ceea ce a făcut nu provoacă atâta iritare în autorităţi ca alţii.Subiecte. Primul centru de sculptură animală apare la Moscova printre maeștri sovietici precum I. S. Efimov , A. S. Golubkina și V. A. Vatagin . În a doua jumătate a secolului al XX-lea, li s-au alăturat succesorii lor - A. G. Sotnikov , A. V. Marts , A. S. Tsvetkov și alții [16] [17] . La mijlocul anului 1950. La expoziții apar lucrări interesante ale sculptorilor din teritorii și regiuni, republici autonome, inclusiv portrete ale vechilor maeștri din Urali ale sculptorului V. E. Egorov, imagini pentru copii de G. V. Petrova, sculptură în lemn de M. V. Zaskalko și altele.

Perioada de la sfârșitul anilor 1950 - începutul anilor 1960, care a intrat în istorie sub numele de „ dezghețul lui Hrușciov ”, a dat un impuls puternic dezvoltării sculpturii sovietice. A fost o perioadă de schimbare, de eliberare de timbrele oficiale ale propagandei sovietice. Unul dintre principalele fundamente profesionale ale noii mișcări în sculptură a fost școala plastică a sculptorului A. T. Matveev , care a fost suspendat de la predare în 1948 pentru inconsecvența metodelor sale pedagogice cu „educația artiștilor care construiesc societatea socialismului”. Cu toate acestea, experiența lui A. T. Matveev a fost adoptată de generația mai tânără de sculptori din anii 1950 și 1960, care și-a copiat manual prelegerile anterioare, transmițându-le unul altuia ca lecții profesionale. În același timp, încep să apară și să se declare sculptori cu totul noi, așa-zișii sculptori ai anilor șaizeci, a căror operă nu a fost pe placul autorităților, fie căzând încă sub criticile presei sovietice, fie sub interdicții. Printre ei se numără sculptorii Ernst Neizvestny , Vadim Sidur , Leonid Sokov și alții.Arta lor era artă dintr-o altă lume, care se potrivea destul de mult în arta europeană modernă din acele vremuri, satisfacând nevoile societății capitaliste. Dar aproape fiecare dintre sculptorii anilor şaizeci avea o legătură profesională şi chiar vitală cu „marii bătrâni” – sculptori din generaţia mai veche, recunoscuţi de autorităţile sovietice [16] [18] [19] .

În aceiași ani 1960, datorită sculptorului monumental sovietic E. V. Vuchetich , a apărut cea mai înaltă sculptură din istoria Rusiei și a Europei - ansamblul monument „Eroilor bătăliei de la Stalingrad” din Volgograd „ Patria cheamă! ". Deschiderea monumentului a avut loc în 1967. Înălțimea statuii, stând pe o fundație de șaisprezece metri, este de 52 de metri. Lungimea sabiei ei este de 33 de metri. Greutatea sabiei este de paisprezece tone. Înălțimea totală a sculpturii este de 85 de metri. Monumentul „Patria mamă cheamă!” - parte dintr-un triptic sculptural, care include, de asemenea, monumente ale „ Frontului din spate ” din Magnitogorsk și „ Războinicul-Eliberator ” din Parcul Treptow din Berlin . Compoziția sculpturală Magnitogorsk înfățișează un muncitor care predă o sabie pe care a falsificat-o unui războinic și un monument german înfățișând un soldat învingător cu un copil salvat în brațe și o sabie coborâtă. Monumentul Magnitogorsk a fost creat de sculptorul Lev Golovnitsky și arhitectul Yakov Belopolsky . Toți participanții la proiect au primit premii onorifice. Yevgeny Vuchetich a primit și titlul de Erou al Muncii Socialiste și premiul Steaua de Aur [20] .

Anii 1970 au fost o perioadă de reînnoire a sculpturii sovietice. Sculptura sovietică include o nouă generație de maeștri care se disting printr-o școală profesională fundamentală, pricepere, metaforă, artă și intoxicare cu procesul de creație, cum ar fi A. N. Burganov , A. I. Rukavishnikov , V. B. Soskiev și alții, devine nu numai om și animale, dar și interiorul, peisajul, natura moartă. Datorită faptului că culoarea este introdusă activ în plastic, sculptura începe să dobândească culori diferite. Una dintre trăsăturile caracteristice ale dezvoltării sculpturii din această perioadă este întrepătrunderea și îmbogățirea reciprocă a formelor de șevalet și monumentale, interconectarea diferitelor tipuri de arte plastice. Laconismul și generalizarea anilor 1960 sunt treptat înlocuite de limbajul plastic mai liber, mai variat și individual al anilor 1970. În același timp, a avut loc o formare intensivă de școli locale rusești. Una dintre cele mai puternice s-a dezvoltat în jurul Școlii de Artă Penza. K. A. Savitsky . Sculptura națională din Buriatia și Chukotka a primit, de asemenea, o dezvoltare artistică interesantă . Este demn de remarcat un fenomen original nu mai puțin semnificativ al acelor ani - opera sculptorilor oseți, în care fundamentele profesionale ale școlii de la Moscova au fost combinate organic cu tradițiile culturii antice osetice, mitologia ei și natura bogată [16] .

În anii 1980, școlile naționale de sculptură s-au format și dezvoltat activ în republicile URSS, care s-au manifestat în special în republicile baltice ( Estonia , Letonia , Lituania ), precum și în Armenia și Turkmenistan . La sfârșitul anilor 1980 și începutul anilor 1990 li s-au alăturat sculptori din Belarus și Moldova . Este de remarcat semnificația deosebită pentru dezvoltarea sculpturii în anii 1980 a simpozioanelor desfășurate în Casele Creativității ale Uniunii Artiștilor . Un rol neprețuit în formarea sculpturii naționale a URSS l-a jucat Casa Creativității. D. N. Kardovsky în Dzintari ( Letonia ). Comunicarea strânsă a sculptorilor din diferite republici ale URSS a dat naștere la influențe reciproce puternice și, în același timp, a încurajat fiecare maestru să declare ceva individual despre sine și despre lumea sa de cultură națională. În același timp, a fost cea mai activă înflorire a ceramicii sovietice. Un material mult mai accesibil decât metalul, argila începe să dobândească posibilități plastice și decorative aproape nelimitate în mâinile sculptorilor sovietici. Ceramica sovietică a anilor 1980 capătă emancipare, organicitate, curaj, strălucire și polifonie a compozițiilor. Fanteziile ceramice decorative ale unor artiști sovietici precum I. I. Agayan , A. G. Pologova , L. P. Azarova , S. I. Aseryants  sunt doar câteva exemple demne din marea varietate a sculpturii ceramice sovietice din anii 1980 [16] .

În paralel cu arta oficială a URSS, arta alternativă a început să se dezvolte în anii 1950 , unul dintre curentele căruia a fost conceptualismul de la Moscova .

Procesul de dezvoltare a sculpturii multinaționale sovietice a fost oprit odată cu prăbușirea URSS. Întreaga diversitate a patrimoniului sculptural sovietic este adesea ascunsă în muzee, care rareori își expun exponatele. În plus, o mare parte din original și non-monumental s-au dovedit a fi în colecții private, ceea ce face imposibil să se realizeze și să înțeleagă pe deplin semnificația sculpturii din perioada sovietică [14] [15] [16] .

Sfârșitul secolului XX - începutul secolului XXI

Vezi și

Note

  1. ↑ Vlasov V. G. . Plasticitate, plasticitate // Vlasov VG Noul dicționar enciclopedic de arte plastice. În 10 volume - Sankt Petersburg: Azbuka-Klassika. - T. VII, 2007. - S. 488-493
  2. ↑ Masters of Art on Art. - În 7 volume - M .: Art, 1966. - T. 2. - S. 186
  3. ↑ În numele lui Michelangelo, această definiție este dată în cartea lui Francisco de Olanda „Patru dialoguri despre pictură” (1548), este considerată, cel puțin, o repovestire liberă a ideilor marelui maestru / Traducere și comentariu de A. G. Gabrichevsky. Citat din cartea: Masters of Art on Art. - T. 2. - M . : Art, 1966. - S. 197
  4. ↑ Masters of Art on Art. - În 7 volume - M .: Art, 1966. - T. 2. - S. 204 (Comentariu de V. N. Grashchenkov)
  5. ↑ Vlasov V. G. Spațiul reversibil în artele vizuale și gândirea proiectivă // Jurnal științific electronic „ Architecton: știri universitare ”. - UralGAHU , 2019. - Nr. 1 (65). [unu]
  6. ↑ Vipper B. R. . Introducere în studiul istoric al artei. - M .: Izbr-e art, 1985. - S. 16-34
  7. ↑ Vlasov V.G. Teoria „două atitudini de viziune” și metode de predare a artei // Spațiul culturii. - M .: „Casa lui Burganov” - 2009. - Nr. 3. - S. 65-76
  8. ↑ GRAMOTA.RU. Verificare cuvinte: sculptură . Preluat la 25 februarie 2018. Arhivat din original la 28 septembrie 2020.
  9. ↑ DECLARAȚIE Dicționarul explicativ al lui Ozhegov online . slovarozhegova.ru . Preluat la 17 iulie 2020. Arhivat din original la 17 iulie 2020.
  10. ↑ „ Venus din Tan-Tan ”, descoperiri în peștera Blombos (75.000 î.Hr.)  – sunt sursa disputei dacă ar trebui considerate exemple de „artă abstractă”
  11. ↑ Somov A. I. Gefs // Dicționar enciclopedic al lui Brockhaus și Efron  : în 86 de volume (82 de volume și 4 suplimentare). - Sankt Petersburg. , 1890-1907.
  12. ↑ Sculptură. secolele X-XV . Preluat la 18 august 2019. Arhivat din original la 21 septembrie 2020.
  13. ↑ Sculptură. secolele X-XV . Preluat la 18 august 2019. Arhivat din original la 21 septembrie 2020.
  14. ↑ 1 2 Biroul Gamayoun. Sculptură sovietică . Preluat la 4 august 2018. Arhivat din original la 5 august 2018.
  15. ↑ 1 2 Tatyana Astrakhantseva. Sculptura Rusă Contemporană . Preluat la 4 august 2018. Arhivat din original la 1 august 2018.
  16. ↑ 1 2 3 4 5 6 Galeria de Stat Tretiakov. Sculptură din secolul XX. - Moscova: Piața Roșie, 1998. - ISBN 5-900743-39-X
  17. ↑ V. A. Tihanova. Eseuri despre sculptorii de animale sovietici. - M .: Artist sovietic, 1990. - 240 p. — ISBN 5-269-00029-6
  18. ↑ Vadim Sidur. „Un monument al statului modern” . Preluat la 4 august 2018. Arhivat din original la 5 august 2018.
  19. ↑ Ernst Necunoscut. Unul împotriva tuturor . Preluat la 4 august 2018. Arhivat din original la 5 august 2018.
  20. ↑ „Teamă patria!”. 10 fapte despre monument . Preluat la 5 august 2018. Arhivat din original la 29 ianuarie 2018.

Literatură

Link -uri

  Accesați articolul Wikidata  Dicționare și enciclopedii