Istoria fotografiei acoperă dezvoltarea fotografiei ca una dintre artele vizuale de la mijlocul secolului al XIX-lea până în prezent.
În primul deceniu de fotografie, principalele sale tehnologii au fost dagherotipul și, într-o măsură mai mică , calotipul ; în anii 1850 au fost înlocuite treptat de procesul de colodion , care a făcut posibilă reducerea semnificativă a vitezei de expunere la fotografiere (dacă Daguerre în 1839 avea un timp de expunere de 10 minute sau mai mult, iar în 1840-1841 a scăzut deja la 10 secunde, apoi în timpul procesului de colodion viteza obturatorului a fost redusă la câteva secunde și chiar mai puțin de o secundă [1] ). Tradițiile picturii europene și expunerea îndelungată au dus la necesitatea pozării, adică la natura înscenată a fotografiei timpurii, dacă oamenii erau prezenți în ea [2] [3] .
În primii ani, fotografia comercială a început să se dezvolte rapid, în primul rând fotografia de portret și de peisaj. S-au deschis numeroase studiouri foto pentru realizarea de portrete (deja în 1841 erau peste zece doar la Paris).În 1854 Dizderi a brevetat tehnologia de realizare a „cărților de vizită” – fotografii de format mic, care, datorită ieftinității lor, devin rapid extrem de populare; începe strângerea cărților de celebritate. Fotografi, precum celebrul Felix Beato , merg pe tărâmuri îndepărtate pentru a crea fotografii de peisaj - din Italia, Grecia și Egipt până în Japonia - și chiar deschid studiouri acolo; fotografiile lor cu peisaje , monumente de arhitectură , scene de gen sunt vândute pe loc turiștilor în vizită sau sunt publicate la întoarcerea lor din expediție sub formă de cărți.
Se dezvoltă și fotografia aplicată - științifică (de exemplu, albumul „British Algae” de Anna Atkins , 1843) și medicală, polițienească, arhitecturală (de exemplu, Expediția Heliografică 1851) și altele. [patru]
Roger Fenton , care a capturat Războiul Crimeii în 1855 , este numit primul fotograf de război , iar Războiul Civil American, datorită eforturilor lui Matthew Brady , Alexander Gardner , Timothy O'Sullivan , devine primul care a dat naștere la un corp semnificativ de documente fotografice. Din cauza limitărilor tehnice, nu acțiunile de luptă în sine sunt filmate, ci doar consecințele lor, ca în celebra fotografie a lui O'Sullivan „Recolta morții” (1863), precum și vederi ale taberei militare, portrete ale participanților. , etc. [4] Interesant este că în unele fotografii militare celebre, istoricii găsesc urme de manipulări cu scena pentru a o face mai expresivă (de exemplu, în fotografia „The House of the Rebellious Sniper” (1863) de A. Gardner , corpul și pușca au fost mutate [5] , iar în fotografia „ Valea umbrei morții ” (1855) de R. Fenton, s-ar fi putut transfera ghiulele).
Este greu de trasat o linie clară între funcțiile pur informaționale („protocol”, transmiterea imaginii reale către privitor) și funcțiile estetice ale fotografiei; astfel, manipulările amintite în timpul filmării scenelor militare vorbesc deja despre dorința de efect artistic. Criteriul esențial aici este însăși intenția fotografului. J. E. Mayall și Gabriel Harrison au fost printre primii care au încercat să realizeze o astfel de intenție în a doua jumătate a anilor 1840 , iar Gustave le Gres a scris în 1852: „Dorința mea prețuită este ca fotografia, în schimb de a cădea sub puterea industriei și comerțului, ar fi inclusă printre arte. Acesta este singurul loc demn de ea și tocmai în această direcție voi încerca să o îndrept mereu . În anii 1850, această abordare a fotografului asupra operei sale nu mai este o raritate.
Printre genurile de fotografie artistică timpurie, precum și în fotografia comercială și aplicată, un loc de cinste este ocupat de un portret foto - în special celebrități. Peisajele sunt filmate - vederi naturale și urbane , structuri arhitecturale. Scenele de gen mai mult sau mai puțin puse în scenă moștenite din pictura de gen nu sunt neobișnuite . În Marea Britanie victoriană , în a doua jumătate a anilor 1850, popularele „ imagini vii ” [6] au migrat către fotografie , s-au creat portrete teatrale și scene de costume: s-a format tendința „fotografie ca artă înaltă” ( Fotografie de artă înaltă ) - pusă în scenă în formă şi gravitând spre morala creştină.alegorie după conţinut [2] .
Primii artiști fotografi majori ai secolului al XIX-lea au fost: Nadar , Gustave le Gré în Franța; reprezentanți ai înaltei fotografii de artă OG Reilander , Henry Peach Robinson , Julia Margaret Cameron în Anglia; David Hill cu Robert Adamson în Scoția. Oscar Reilander a fost unul dintre primii care a folosit o formă timpurie de fotomontaj , tipărirea compozită din mai multe negative, în 1855, iar mai târziu a folosit-o pentru a crea compoziții complexe cu mai multe figuri, dintre care cea mai faimoasă, Two Ways of Life (1857), a fost tipărit cu 30 sau 32 de negative. Gustave le Gré a fost renumit în special pentru peisajele sale marine, pe care le imprima de obicei din două negative pentru a crește latitudinea fotografică . Maestrul portretului psihologic Nadar în 1858 a fost primul care a fotografiat dintr-un balon, iar în 1860-1862 a făcut o serie de fotografii ale catacombelelor și canalizării pariziene .
Recunoașterea instituțională nu este ușoară pentru fotografie. De regulă, fotografiile sunt afișate în secțiunea științifică și tehnică a expozițiilor. Astfel, la Salonul din 1859, calotipurile lui Gustave le Gré sunt expuse pentru prima dată împreună cu litografiile, iar atunci când tehnica de realizare a acestora este clarificată, acestea sunt mutate la departamentul științific. În pregătirea pentru Expoziția Mondială din 1862, fotografi insistă asupra unui loc în secțiunea de arte plastice, dar realizează doar ca „fotografie să fie prezentată separat în general – nici ca tehnică, nici ca creație artistică, ci ca domeniu de activitate independent. „ [2] . Lupta pentru recunoașterea fotografiei continuă până la sfârșitul secolului. [2]
În anii 1880, datorită Eastman Kodak , rula de film de celuloid și camerei cu box pentru amatori Kodak nr. 1 » (1888), care le permitea neprofesionistului să obțină fotografii instant clare din mâinile lor: „Tu apeși butonul, noi facem restul” era sloganul publicitar [1] . Obținerea unui simplu tablou „documentar” încetează să mai fie o problemă, ceea ce stimulează căutările artistice.
PictorialismAnii 1880 - 1910 au cunoscut perioada de glorie a pictorialismului - o mișcare internațională ai cărei reprezentanți au proclamat apropierea fotografiei de pictură și au căutat să introducă tehnici și efecte picturale în fotografia artistică. Pictura a avut o influență semnificativă asupra fotografiei, dar acum modelul nu mai este pictura academică și prerafaeliți , ci „ impresionism (în sensul estompării imaginii) și simbolism (în sensul intriga-gen)” [ 7] . Pentru a obține un efect pitoresc, se folosesc lentile cu focalizare moale, cum ar fi un monoclu (uneori și filtre), retușarea negativelor și metode speciale de imprimare.
În 1892, veteranul fotograf de artă H. P. Robinson și asociații au înființat comunitatea pictorialistă The Closed Ring în Marea Britanie în 1902 Alfred Stieglitz a fondat un grup similar , Photo-Secession și influenta revista Camera Work , în SUA . În Austria, în 1897, susținătorii mișcării Heinrich Kuhn , Hugo Henneberg și Hans Watzeck s-au unit în grupul „Trefoil” ( latina „Trifolium” , germană „Kleeblatt” ). Cei mai mari pictoriști au fost englezii Frank Meadow Sutcliffe , teoreticianul și practicantul Peter Henry Emerson , membrii Photo-Secession Alfred Stieglitz, Edward Steichen , Alvin Coburn , Clarence White , francezul Robert Demachy reprezentând extremele stilului. [8] . În 1910, Photo-Secession a organizat o „Expoziție internațională de fotografie picturală” la scară largă la Galeria de Artă Albright , prezentând peste 600 de lucrări ale a 65 de autori [9] .
În Rusia, pictorialismul s-a format puțin mai târziu, dar s-a dezvoltat mai mult - de la începutul secolului al XX-lea până în a doua jumătate a anilor 1930 ( Serghei Lobovikov , Alexei Mazurin , Anatoly Trapani , Nikolai Andreev , Nikolai Petrov , maestrul de portrete Moses Nappelbaum , Vasily Ulitin , Alexander Grinberg , Yuri Eremin , Nikolai Svishchev-Paola și alții). [7] [10] [11]
P. G. Emerson . Shooting snipes, publ. 1886
A. Stiglitz . Gară, 1892
E. Steichen . Iron House , 1904. Imprimare umbicromata
R. Demachy . Lupte, publ. 1904. imprimeu gumbicromat
În Statele Unite în anii 1910 [13] , pictorialismul a început să fie înlocuit de fotografia directă , primul adept al căruia este considerat a fi Paul Strand . Fotografia nu ar trebui să imite deloc pictura, afirmă această abordare: lentilele cu focalizare moale sunt înlocuite cu focalizare clară, accentul în munca fotografului este transferat de la procesul de imprimare la procesul de filmare. Stiglitz îl susține pe Strand: „Fotografii ar trebui să învețe să nu fie jenați că fotografiile lor arată ca niște fotografii”, [14] scrie el în 1913, iar el însuși trece treptat de la pictorialism la acest mod.
Nu este vorba despre o întoarcere la naturalismul naiv al fotografiei timpurii, ci despre modernism : formele abstracte sunt dezvăluite în vederi urbane și obiecte naturale, se afirmă estetica industrială și a mașinilor ( Charles Sheeler ).
Fotografia directă a continuat să se dezvolte în anii 1920 și a atins apogeul în activitatea reprezentanților Grupului F / 64 (1932-1935) - Edward Weston , Ansel Adams și alții. Weston explorează textura și formele obiectelor naturale ( Sink , 1927 , Pepper No. 30 , 1930 ), filmează nuduri ( Naked , 1936 ). Adams creează peisaje clasice alb-negru și dezvoltă un sistem de zone care vă permite să ajustați expunerea și parametrii de procesare a filmului în conformitate cu intenția creativă.
Modernismul europeanFotografia europeană din anii 1920 a fost preluată și de modernism .
În Italia, în anii 1910, A. J. Bragaglia a creat un trend futurist în fotografia artistică - fotodinamismul.
În Germania, mișcarea artistică „ New Objectivity ” se dezvoltă în multe privințe apropiate de modernismul american [7] , care în domeniul fotografiei este reprezentat de Albert Renger-Patch , Karl Blossfeldt [16] și August Sander . Ele se disting prin dorința unui transfer obiectiv și detaliat al obiectului, în cazul Ranger-Patch și Blossfeldt - cu o atenție pronunțată la formă.Sander în anii 1910 - 1920 lucra la un proiect foto monumental „Oamenii secolului XX”, dorind să surprindă reprezentanți ai tuturor claselor și straturilor societății germane într-o serie de portrete documentare; primul său album, A Face of Our Time, avea să fie publicat în 1929. [17]
Dadaiștii germani — John Heartfield cu Georg Gross în 1916 și Raul Hausmann cu Hannah Höch în 1918 — descoperă tehnica fotocolajului [18] care avea să fie preluată în curând de fotografi sovietici .
Mișcarea internațională de avangardă „ New Vision ” a exprimat în fotografie influența Bauhaus -ului german și a constructivismului sovietic . Lucrările din această direcție se caracterizează prin scurtări neobișnuite , compoziție diagonală („ kosina ”), decupare mare, gravitație către abstractitatea imaginii; sunt explorate tehnici non-standard: solarizare la Man Ray ; fotograma în Christian Schad , Man Ray, Moholy-Nagy ; fotomontaj și colaj de Mohoy-Nagy, Alexander Rodchenko și alții, expunere multiplă . [7]
Suprarealiștii sunt în primul rând Man Ray , precum și Maurice Tabar , Raoul Yubak , Hans Bellmer , Paul Nouget , Jacques-André Bouffard , Claude Caon , Philippe Halsman și alții - aplică în mod activ cele menționate și altele. tehnici non-standard, creează imagini în scenă, implică materiale fotografice terțe în spațiul lor artistic [19] .
Germaine Krul , care a început în anii 1910 cu pictorialismul, în anii 1920 se apropie de diverse curente ale modernismului; în 1928, a fost publicată celebra ei carte foto „Metal”.
Frantisek Drtikol , Josef Sudek , Jaromir Funke , Yaroslav Rössler lucrează în Republica Cehă .
În 1929, a avut loc la Stuttgart o mare expoziție FiFo ( Film und Foto ) , care demonstrează experiența acumulată de fotografie în diferite țări; mai târziu această expoziție este prezentată în Austria și Elveția, iar în 1931 în Japonia.
America LatinăDin anii 1920 până la sfârșitul secolului, cariera mexicanului Manuel Alvarez Bravo , unul dintre cei mai mari fotografi din America Latină , continuă .
Iubita lui Edward Weston, Tina Modotti , a lucrat cu el în anii 1920 în Mexic, exercitând o influență notabilă asupra vieții culturale din Mexico City, inclusiv asupra tânărului Alvarez Bravo.
Precursorii fotografiei documentare includ fotografi militari din anii 1850-1860 care au filmat Războiul Crimeei și Războiul Civil din Statele Unite , deși din cauza expunerii lungi forțate, fotografiile lor au fost în mare parte montate și, în plus, autorii au făcut-o. nu știu întotdeauna și a căutat să dea unei imagini pur reportaj o dimensiune estetică.
Fotografia de stradă timpurieDin același motiv tehnic, au fost puse în scenă și scene de stradă care au fost filmate în anii 1850 de Charles Negre , dar prin anii 1880 expunerile au fost deja reduse semnificativ.
Pionierii fotografiei de stradă sunt considerați a fi olandezul Georg Breitner , care a lucrat în anii 1890 , italianul Giuseppe Primoli , britanicul Paul Martin (care a filmat cu o cameră ascunsă și a capturat, de asemenea, vederi nocturne în London by Gaslight series, 1895-1896) . [douăzeci]
Fotografie socialăÎn secolul al XIX-lea, în ciuda limitărilor tehnice (cum ar fi fotografierea de pe un trepied din cauza vitezei reduse a obturatorului), documentarul social a început să se dezvolte . John Thomson în 1876-1877 publică revista Street Life of London, iar în 1878 publică o carte cu același nume. În New York, Jacob Riis a filmat viața mahalalelor orașului de-a lungul anilor 1880 și a publicat o carteHow the Other Half Lives (1890), el este considerat primul fotoreporter care a folosit flash -ul . Lewis Hine preia conducerea, fotografiend viețile grele ale imigranților americani și ale copiilor industriali din anii 1900 și 1910; în anii 1920 și 1930, a continuat să fotografieze clasa muncitoare într-o manieră mai optimistă, documentând construcția Empire State Building într-o binecunoscută serie de fotografii .
Walker Evans , Dorothea Lang și alți nouă fotografi au luat parte la proiectul social masiv al Farm Protection Administration (1935-1942) sub conducerea lui Roy Stryker , creând un portret documentar al Americii rurale în timpul Marii Depresiuni din zeci de mii de fotografii (dintre cele mai cunoscute: „ Migrant Mother ” de D. Lang, „Ellie Mae Burroughs, Sharecropper’s Wife” [2] de W. Evans, „Dust Storm” [3] și craniul albit al unui bou [4] ] de A. Rothstein - toate 1936).
În 1935-1951 funcționează influența New York Photo League , o asociație și școală de fotografi de stânga.
Fotografie de propagandăÎn URSS, în anii 1920-1930, fotografia documentară și de propagandă se dezvolta rapid [21] . Cei mai mari fotografi ai acestui timp, dintre care majoritatea erau membri ai asociației de artă Oktyabr - Alexander Rodchenko , Boris Ignatovici , Arkady Shaikhet , precum și Abram Shterenberg , Boris Kudoyarov , Dmitry Debabov , Eleazar Langman și alții - afirmă constructivistul avangardist. estetica „Noua Viziune” (fotografie unghiulară, oblică, încadrare mare).
De la începutul anilor 1930, reportajul foto a jucat un rol principal în fotografia sovietică . Sunt dezvoltate diferite forme de combinare narativă a fotografiilor: montaj foto (inclusiv combinarea imaginilor fotografice cu tipografia afișului și alte elemente de design [22] , - Alexander Rodchenko , El Lissitzky , Gustav Klutsis ), serii de fotografii [23] și album foto .
Cele mai mari expoziții ale acestui timp sunt „Expoziția de fotografie sovietică timp de 10 ani” (1928), „Prima expoziție de artă fotografică a întregii uniuni” (1937). [douăzeci]
În Germania, estetica posterului de fotomontaj este dezvoltată de John Heartfield [24] .
FotojurnalismApariția în anii 1880 - 1890 a tipăririi semitonuri și în anii 1900 a tipăririi offset a făcut posibilă reproducerea fotografiilor la calitate înaltă în periodice (înainte de aceasta, se făcea o gravură dintr-o fotografie, din care se imprima deja), iar la începutul secolului al XX-lea, „în aproape toate revistele aveau cu siguranță o secțiune sub denumirea generală de tipul „Lumea în imagini”, unde erau publicate fotografii cu vedete, personalități politice, reprezentanți ai înaltei societăți, evenimente festive. acoperit” [25] . Introducerea și îmbunătățirea în anii 1910 - 1930 a fototelegrafului a făcut posibilă transferul rapid de imagini. Succesul extraordinar al camerei Leica , lansată pe piață în 1925, a dus la răspândirea fotografiei de format mic - camere ușoare, mobile, puțin observabile. La sfârșitul anilor 1920, flash-urile de magneziu zgomotoase și pline de fum au fost înlocuite cu becuri . Acești patru factori tehnologici - și, bineînțeles, cererea în creștere pentru presa de știri - duc la faptul că anii 1930-1950 devin „Epoca de aur a fotojurnalismului ” (mai târziu inițiativa se va muta la televiziunea de știri). Săptămânalele ilustrate sunt publicate în milioane de exemplare: German Berliner Illustrirte Zeitung (1892-1945), Münchner Illustrierte Presse (1924-1944), French Vu (1928-1940), American Life (1936-1972), British Picture Post (1938-1957).
Fotojurnalistul german Erich Salomon și-a câștigat faima paneuropeană , de la sfârșitul anilor 1920 până la arestarea sa de către naziști în 1940, a filmat - adesea cu o cameră ascunsă ascunsă într-o pălărie, servietă, carte etc. - la întâlniri diplomatice și în instanțe. . De la sfârșitul anilor 1920, Alfred Eisenstadt filmează în Germania și mai târziu în SUA . Iconicul fotoreporter internațional Robert Capa , care și-a exprimat crezul cu cuvintele „Dacă pozele tale nu sunt suficient de bune, atunci nu ai fost suficient de aproape”, apare peste tot unde este război, de la începutul anilor 1930 până la moartea sa în 1954. Fotojurnalistul american Vidzhi a devenit celebru în anii 1930 și 1940 pentru cronica sa criminală nocturnă din New York; stilul său a influențat fotografia americană în a doua jumătate a secolului XX.
Tragedia celui de-al Doilea Război Mondial devine o sursă inepuizabilă de material pentru fotojurnalism ; mulți fotografi importanți filmează acțiuni militare și consecințele acestora, iar unii - precum Evgeny Khaldei , Dmitry Baltermants - sunt acum cunoscuți tocmai pentru lucrările lor de război. Fotografiile celebre includ: 11 fotografii ale debarcărilor din Normandia, care au fost făcute sub gloanțe de Robert Capa și alții .
Fotografie documentară a autoruluiChiar și în perioada de glorie a pictorialismului, fotograful francez Eugene Atget a lucrat într-o manieră complet diferită de el : a fotografiat vechiul, retrăgându-se spre Parisul haussmannian [26] , viața de zi cu zi a orașului din 1888, dar recunoașterea a venit doar la el. din a doua jumătate a anilor 1920 datorită suprarealiştilor [27] şi Berenice Abbott , care a făcut mult pentru a păstra şi a populariza opera lui Atget şi a întruchipat abordarea sa în filmarea New York -ului în anii 1930.
De la începutul secolului al XX-lea, Jacques-Henri Lartigue fotografieză încă din copilărie ; a fost o expoziție cu fotografiile sale timpurii la MoMA în 1963 care i-a adus faima.
Cel mai mare maestru al fotografiei documentare a fost André Kertész , care a lucrat în Ungaria din 1912, apoi în Franța și mai târziu în SUA. Kertesz „a fost primul care a combinat în opera sa liniile de fotografie funcțională (revista-foto-reportaj) [28] și de autor, a cărei dialectica este aproape principala intriga a perioadei sale clasice” [20] . După cum a spus mai târziu Cartier-Bresson , „orice am făcut, Kertész a făcut-o primul” [20] .
Se deosebește August Sander , ale cărui lucrări din anii 1910-1920 conțin atât elemente documentare - stradale și sociale, cât și fotografie în scenă portretistică.
Fotografia documentară a continuat să se dezvolte în Europa în anii 1930, combinând principiile autorului și ale reportajului (jurnalistic): multe reviste ilustrate au acționat ca o modalitate de a elibera imaginile publicului. Printre cei mai de seamă fotografi a căror cale creativă a început în acest deceniu: francezul Brassai – colaborând cu suprarealiştii, dar remarcând că „a căutat mereu să exprime realitatea, pentru că nu există nimic mai suprareal” [7] , Henri Cartier-Bresson este unul. dintre cele mai influente figuri din istoria mediumului, Robert Doisneau - un maestru al fotografiei de stradă lirice, chiar sentimentale, Willy Roni - care, alături de Cartier-Bresson și Doisneau, sunt considerați [29] a fi fondatorii „umanistului”. fotografie" ; englezul Bill Brandt . Fotografia de stradă este populară , cărțile „ 100x Paris ” (1929) de Germaine Krul, „ Paris at Night ” (1929) de Brassai, „ Paris prin ochii lui Andre Kertész ” (1934), „ Noapte la Londra ” (1938) de Bill Brandt sunt publicate.
În SUA în 1938-1941. Walker Evans filmează discret pasagerii din metroul din New York, ascunzând camera sub haină [5] ; cu toate acestea, aceste fotografii nu vor fi publicate până în 1966. Proeminenta fotojurnalist americană din anii 1930 și 1940, Margaret Bourke-White , a fost influențată de estetica fotografică sovietică [20] . Unul dintre cei mai mari fotojurnalişti americani de la sfârşitul anilor 1930 şi 1970, maestrul fondator al genului foto-eseurilor a fost Eugene Smith . În același timp, pe străzile din Philadelphia , și după război - la New York, Louis Faurer [ , puțin cunoscut publicului larg, dar apreciat de colegii săi și în aspectul și stilul său anticipând parțial poezia și libertate tehnică fotografie 1950- x - 1960.
În 1955, Edward Steichen , curator al MoMA din 1947 , organizează una dintre cele mai semnificative expoziții din istoria fotografiei, Rasa umană , care va rezuma fotografia documentară umanistă din prima jumătate a secolului XX.
STATELE UNITE ALE AMERICII. De la începutul anilor 1940, tradițiile formalismului american au fost dezvoltate de Harry Callahan , care este înclinat către compoziția abstract-minimalistă, folosește fotografia ca practică spirituală, Minor White și Aaron Siskind , care este strâns asociat cu expresionismul abstract . . [treizeci] De la sfârșitul anilor 1940, pionierii fotografiei color Saul Leiter și Ernst Haas au oferit priveliștilor străzilor din New York o calitate abstract-pictură; expunerea lungă și mișcarea camerei, la care Haas recurge adesea pentru aceasta, este folosită cu succes în fotografia de stradă alb-negru de un alt reprezentant al Școlii de Fotografie din New York, Ted Kroner . În anii 1950, Callahan și Siskind predau la New Bauhaus din Chicago ; Ray Metzker și Kenneth Josephson (cel din urmă și sub Minor White) au studiat sub ei , încă din anii 1960 se îndreptau către „modificarea imaginii documentare într-un model abstract” [31] , având o fotografie alb-negru avansată. departe în aceeași direcție ca Leiter și Haas - culoare.
Germania. În Europa distrusă de război, nu era timp pentru experimente formale și abia la sfârșitul anilor 1940-1950 Otto Steinert și grupul artistic Fotoform condus de el au reînviat tradițiile Noii Viziune și Bauhaus sub numele " Fotografie subiectivă” .Spre deosebire de acest curent , Berndt și Hila Becher au fotografiat structuri industriale încă de la sfârșitul anilor 1950, moștenind abordarea obiectivistă a școlii Noii Obiectivități . În 1976-1996, Bernd Becher predă fotografie la Academia de Arte Frumoase din Dusseldorf , studenții săi formează Școala de fotografie din Dusseldorf . [treizeci]
Italia. În anii 1940 - 1950, filmează Giuseppe Cavalli , a cărui operă se remarcă printr -o tonalitate ușoară . Din anii 1950, Mario Giacomelli , care a fost influențat de el, lucrează, recurgând la diverse tehnici de fotografiere și imprimare pentru a obține imagini cu contrast extrem de ridicat (serile cu preoți sunt deosebit de populare [6] ).
Suprarealismul rămâne o mișcare influentă. Estetica sa se vede în opera lui Bill Brandt , care după război s-a îndepărtat de stilul documentar și, în anii 1950, a filmat nuduri, distorsionate în mod bizar de un obiectiv cu unghi larg [32] [31] . Tehnica fotogramei , introdusă în practica artistică de suprarealişti, a fost dezvoltată în Germania încă din a doua jumătate a anilor 1950 de Floris Neususs . În anii 1930, K. J. Laughlin , care este numit primul suprarealist american, a început să filmeze în SUA (cea mai faimoasă carte a sa, Ghosts Along the Mississippi, a fost publicată în 1948); Din 1938, Frederic Sommer care sa mutat din Europa, s-a ocupat de fotografie . În anii 1950, americanii Ralph Eugene Mityard și Jerry Welsman preluat ștafeta , obținând un efect suprarealist cu ajutorul fotomontajului.Influențat de René Magritte și de alți artiști suprarealişti, Dwayne Michaels se deosebește atât de formaliștii, cât și de documentariştii dominanti [ 33] ai anilor 1960 [34] : creează serii narative de fotografii asemănătoare unei benzi desenate , iar în deceniul următor (1970) a început să completeze atât fotografiile individuale, cât și serii cu text scris de mână. Influența lui Michaels și a altor suprarealiști este observată în experiențele Francescei Woodman din anii 1970.
Odată cu dezvoltarea televiziunii în anii 1950, componenta de reportaj a fotografiei documentare începe să-și piardă treptat din semnificație și principiul auctorial iese în prim-plan: în SUA fotografia se formează „documentar din punct de vedere material și individualist-artistic ca tip. a interpretării sale” [30] , în timp ce acoperirea materialului social se extinde pentru a include unele zone marginale și anterior tabu.
Fotografia de stradă se dezvoltă , există o eliberare treptată de multe foste canoane. În anii 1930 în Europa și de la începutul anilor 1940 în Statele Unite, Lisette Model a lucrat , printre lucrările celebre - o serie timpurie de portrete ale locuitorilor bogați din șezlongurile de pe Promenade des Anglais din Nisa în 1934 [35] , apoi vitrina de sticlă „Reflections” și fragmentată modernistă „Running Legs” în primii ani la New York; stilul ei de prim-plan, „drept și brutal” [30] a influențat următoarea generație de fotografi americani.
În anii 1950, abordarea lui Model a fost dezvoltată și radicalizată de William Klein și Robert Frank . Fotografiile lor se disting prin estetica unei fotografii de amator : lumină naturală, adesea un orizont plin, estompare , granulare . Spre deosebire, de exemplu, de Cartier-Bresson , Klein și Franck nu caută să rămână invizibili: uneori sunt incluși în complot, fixând reacția participanților la ei înșiși. În 1956, cartea lui W. Klein cu fotografii din New York, devenită rapid un clasic, a fost publicată la Paris; în 1960 - o carte similară despre Roma, în 1964 - cărți despre Moscova și Tokyo. În 1958, tot la Paris, a fost publicată cartea lui R. Frank „The Americans ” cu 83 de fotografii făcute într-o călătorie de-a lungul drumurilor Statelor Unite. Atât Klein, cât și Frank, după o perioadă de fotografie, trec la cinema.
Lisette Model și Robert Frank, precum și Vigi și Walker Evans , au devenit puncte de referință pentru fotografi americani din anii 1960 - reprezentanți ai fotografiei „Peisajului social” sau „New Documentary” [37] : Lee Friedländer , Harry Winogrand și Diane Arbus . La fel ca predecesorii lor, acești fotografi demonstrează un interes social pronunțat (în cazul Dianei Arbus, mai ales la marginal), o privire și mai individuală, iar pe latura formală, o puternică aderență la estetica unei fotografii de amator [38] .
În 1947, Cartier-Bresson, Robert Capa și câțiva dintre colegii lor au înființat Agenția Internațională Magnum , o cooperativă care a reunit fotojurnalişti a căror activitate mută accentul „de la efectul senzațional, pur de știri, la interpretarea personală a evenimentului” [20] . În curând, în rândurile agenției se alătură fotografi mari precum Werner Bischof , Ernst Haas , Elliott Erwitt , Marc Riboud , René Bourri , Bruce Davidson
În anii 1960, fotografia de reportaj din Statele Unite a intrat într-o perioadă de criză, pierzându-și treptat semnificația informațională sub asaltul televiziunii. [30] În Europa, fotojurnalismul, mai ales din hotspot-uri, joacă încă un rol proeminent, tradiția fotojurnalismului de autor în stilul agenției Magnum este continuată de italienii Gianni Berengo Gardin și Romano Cagnoni , francezul Raymond Depardon și Gilles Caron (decedat în 1970 d.), britanicul Don McCullin , cehul Josef Koudelka și alții. În general, fotojurnalismul european al anilor 1960, ca și documentarul american din anii 1950-1960 , se „eliberează treptat de patosul umanist, îndreptându-se către o expresie artistică sincer subiectivă” [20] . Vladimir Lagrange lucrează în URSS încă de la începutul anilor 1960 . Maestrul fotografiei sportive a fost Lev Borodulin , care a lucrat în revista Ogonyok în anii 1950 și 1960 .
De la începutul anilor 1950, Vivian Mayer filmează pe străzile din New York și Chicago , dar nu și-a publicat fotografiile și faima i-a venit abia în secolul XXI, când după moartea ei a fost descoperită o arhivă foto uriașă. Viața de stradă a zonelor defavorizate din Barcelona a fost filmată discret de Joan Colom încă de la sfârșitul anilor 1950 .
În URSS, la sfârșitul anilor 1950 și începutul anilor 1960, odată cu debutul „ dezghețului ”, monopolul fotojurnalismului semi-oficial stabilit în anii 1930 a fost spart: cluburile foto au fost deschise în toată țara, iar mișcarea de amatori a devenit principala. forță creatoare în dezvoltarea fotografiei. În anii 1960, fotografia documentară de stradă a dominat printre fotografi amatori; în anii 1970, autorii s-au angajat într-o căutare stilistică, recurgând activ la prelucrarea negativului și a pozitivului în tipărire și la fotomontaj , și menținând în același timp orientarea socială și documentară generală în lucrările acestei perioade, principiul individual-autoral, „principiul autoexprimării” [39] (așa cum sa întâmplat în documentarele americane din anii 1950-1960 ).
Anatoly Boldin filmează la Moscova de la sfârșitul anilor 1950 , iar Boris Smelov și alții la Leningrad de la începutul anilor 1970 . Susținătorii fotografiei în afara terenului Vyacheslav Tarnovetsky , Boris Savelyev , Sergey Lopatyuk și Alexander Slyusarev - toți, cu excepția ultimului, provenind din Cernăuți ucrainean - au format „Grupul celor Patru”, a cărui expoziție a avut loc în 1978 la Muzeul de Fotografie din Siauliai . În țările baltice mai libere se formează școli deosebit de puternice: în Lituania - Antanas Sutkus , Aleksandras Macijauskas , Rimantas Dikhavičius (lucrări în genul nudului ), Vitaly Butyrin (fotomontaje suprareale) și altele; în Letonia - Gunars Binde și alții. [40]
Tradiția pictorialismului rus a fost continuată încă de la mijlocul anilor 1960 de către Anatoly Yerin , iar de la sfârșitul anilor 1970 de către Georgy Kolosov , membri ai clubului foto Novator Moscova . [41]
În timpul celui de-al treilea sfert al secolului al XX-lea, fotografia color își câștigă treptat locul în artă . În ciuda dezvoltării cu succes a filmului color în anii 1930, costul ridicat al acestuia, dificultatea de prelucrare și fotografiere sub lumină artificială, reputația sa ca instrument publicitar [42] , precum și preferințele estetice generale ale comunității fotografice au împiedicat multă vreme intrarea sa. a fotografiei color în domeniul artei.
Începând din 1948-1949. Saul Leiter (la New York) și Ernst Haas (în toată lumea) creează un corpus semnificativ de fotografii color . În 1962, MoMA organizează o retrospectivă de 10 ani a lucrării lui Haas, prima expoziție personală a muzeului de fotografie color [43] , fără a număra expoziția naturalistului american Eliot Porter din 1943 [44] . De la sfârșitul anilor 1950, fotojurnalistul René Bourri filmează în culoare alături de film alb-negru [45] . Cu toate acestea, lucrările de culoare rămân excepția până acum.
William Eggleston , care de la mijlocul anilor 1960 creează stilizări atent executate pentru un instantaneu amator , saturat de culoare și plin de viață cotidiană lipsită de orice dramă, în 1976 a primit o expoziție la MoMA , care - în ciuda unei rafală de critici - consolidează recunoașterea instituțională fotografie color. Reprezentant al „Noua Topografie” (după titlul expoziției din 1975 ) Stephen Shore filmează în culoare, cu o cameră de format mare , vederi la fel de obișnuite încă de la începutul anilor 1970; o expoziție a lucrărilor sale color are loc la MoMA în același 1976.
Printre pionierii fotografiei documentare color se numără japonezul Ihei Kimura , care a prezentat viața de stradă a capitalei franceze în cartea foto Paris (1974), și Ragubir Singh : „Singh a fost cel care a readus culoarea la gen. și fotografia de stradă în anii 1970. Cu toate acestea, faima mai mică a maestrului indian în comparație cu europenii face să ne gândim la permeabilitatea limitelor „canonului occidental”” [46] .
De la începutul anilor 1970, fotografia s-a apropiat de arta contemporană , atât în medii creative, cât și instituțional. Statele Unite sunt în fruntea mișcării. În 1940, s-au deschis Muzeul American de Fotografie L.W. Sipley din Philadelphia și departamentul de fotografie de la MoMA , în 1949 a fost deschis Muzeul Fotografic George Eastman , de la începutul anilor 1970, departamentele de fotografie au apărut în alte muzee majore din diferite țări, se organizează festivaluri internaționale de fotografie, apar tot mai multe galerii foto (excepții rare anterior), fotografia merge la licitații. În ceea ce privește atitudinile creative, la acea vreme - în primul rând în SUA - semnificația socială a fotojurnalismului era în scădere, în același timp s-au exprimat îndoieli teoretice cu privire la obiectivitatea fotografiei documentare - de fapt, deja pentru realizatorii de documentar americani ai Anii 1950 - 1960 camera a fost mai mult un instrument de viziune artistică individuală decât de fixare obiectivă, în anii 1970 această abordare se adâncește; toate acestea, împreună cu interesul crescut pentru fotografie din partea artiștilor contemporani, duc la o ruptură cu documentarul: fotografia se contopește cu postmodernismul și conceptualismul .
…Fotografiile sunt acum copii fără originale . Dacă mai devreme exista o realitate și o fotografie din ea, acum rămâne doar o fotografie. [47]
În anii 1990, procesarea digitală a imaginilor a devenit larg răspândită . Începe o tranziție treptată la fotografia digitală .
După mai bine de un secol de cercuri, prin anii 1970 fotografia de artă revine la scenele puse în scenă din care, în imitarea picturii, a început cândva. În locul celebrei Leika, mulți fotografi acum, la fel ca dagherotipiștii din trecut, folosesc nu doar un trepied și lumină suplimentară, ci și camere de format mare pentru a mări printuri la dimensiuni enorme, concepute nu mai pentru o pagină de ziar și reviste. , dar pentru un spațiu de muzeu și galerie.
Fotografia urmează o varietate de strategii din arsenalul postmodernismului: reflectarea asupra propriei sale naturi, referirea la tehnologiile fotografice timpurii și netradiționale sau redarea documentarelor ; își însușește lucrările finite și împrumută metode și teme altor arte vizuale — și devine ea însăși materialul și metoda ( fotorealismul ) pentru acestea; dimpotrivă, se retrage din propria sa vizualitate, transformându-se într-un mijloc de transmitere a ideilor .
Fotografia artistică din acest timp (cu excepția lucrărilor conceptualiștilor) este cel mai adesea colorată.
Cinematograful, pictura, instalarea ca metodeÎn abordările și metodele sale, fotografia postmodernă urmează adesea căile altor arte vizuale, antice și noi.
Film. Încă de la sfârșitul anilor 1970, canadianul Jeff Wall , denumit el însuși metoda sa „ cinematologică ” [48] , filmează scene atent puse în scenă cu o cameră de format mare care la prima vedere par a fi documentare; își afișează fotografiile pe film translucid în casete luminoase și folosește tehnologii de imagistică digitală din anii 1990. Din a doua jumătate a anilor 1970, americanul Philip-Lorca Di Corsia amestecă stilurile fotografiei documentare și scenice, „echilibrând între fotografierea informală și figurativitatea compoziției puse în scenă, jucându-se cu lumina naturală și artificială” [49] : fotografii ale primei sale serii (" A Storybook Life " , „ Family and Friends ”, anii 1970—) sunt puse în scenă, dar stilizate ca documentare, iar mai târziu, când filma trecători la întâmplare, a folosit surse de lumină ascunse, dând fotografiei un efect pitoresc-cinematic („ Streetwork ”, 1993-1999) și smulgerea din mulțime a indivizilor („ Cape ”, 2000-2001). [50] Începând cu anii 1990, americanul Gregory Crewdson aranjează și filmează cu un aparat de fotografiat de format mare scene din viața Americii suburbane - cu un strop de suprarealitate, cinematografic în intriga și iluminare atentă, uneori chiar folosind actori celebri - conform autorul, „filme într-un cadru” ; încă din anii 2000, a apelat și la tehnologiile de procesare digitală, iar seria sa Under the Roses (2003-2005) este comparată ca tehnică și efect stilistic cu lucrările lui O. G. Reilander , care a folosit imprimarea compozită încă din anii 1850. [51]
Pictura. Începând cu anii 1970, americanul Joel-Peter Witkin creează picturi fotografice șocante , pline de fizicitate, deformare și moarte, moștenind suprarealiștii, fotografii din secolul al XIX-lea și pictura din epoca barocului .
Fotografii explorează genurile tradiționale de pictură , puternic influențate de aceasta din urmă. De la începutul anilor 1990, Rineke Dijkstra din Olanda, folosind o cameră de format mare și bliț, realizează o serie de portrete în lungime care au fost comparate cu lucrările lui August Zander , Diana Arbus, vechi maeștri ; deosebit de celebru este seria timpurie „Portrete de plajă” cu adolescenți [52] . germanul Loretta Lux creează portrete originale pentru copii, prelucrează și manipulează digital fotografiile și uneori le completează cu fundal pictat. Începând cu anii 1990, naturile moarte au fost fotografiate de Laura Letinsky din Canada, care a fost influențată de tradiția picturii flamandă și italiană [53] ; din anii 2000 - Uta Barth din Germania. Vederile urbane, create de om, create de om devin forma dominantă a peisajului . În 1975, în SUA a avut loc influența expoziție „New Topography” , care a marcat această tendință. Peisajele transformate de mâinile omului au fost eliminate încă din anii 1980 de către canadianul Edward Burtinsky .Începând cu anii 1990, Andreas Gursky , reprezentant al Școlii de Fotografie din Düsseldorf , creează fotografii uriașe, atent computerizate, de obicei luate dintr-un punct de vedere înalt, înfățișând „lumea vieții de zi cu zi globalizate” [54] , care au stabilit recordul. preturi la licitatii. [55] Abordarea lui Andreas Gefeller este apropiată , folosind procesarea computerizată pentru a crea vederi ale peisajelor create de om care sunt inaccesibile vederii obișnuite: de exemplu, în seria Observations (2002-2009) [7] , îmbinare împreună multe imagini luate de la sol pe un computer, el obține vedere de sus „dintr-un punct care nu există în realitate” [56] . De la începutul anilor 2000, germanul Michael Wolf și italianul Olivo Barbieri fotografiază mediul urban , dând scenelor realizate de la înălțime aspectul unor modele în miniatură prin deplasarea și înclinarea obiectivului .
Un efect pitoresc este dat peisajului de o expunere lungă : la viteze de expunere de până la 20 de minute, cu o cameră de format mare, noaptea, filmează vederi pustii ale orașului din anii 1990 de Ruth Blis Luxembourg [57] ; Britanicul Darren Almond a început seria Luna plină în 1998 , fotografiend picturi tradiționale de peisaj sub lună plină la expuneri de 15 minute sau mai mult [58] . Viteze de declanșare chiar mai mici și alte tehnici neconvenționale au fost folosite încă din anii 1990 în genurile tradiționale de peisaj, portret și natură moartă Michael Wesley , Chuck Close , Gary Schneider , Richard Learoyd , Chris McCaw și alții.
Nici fotografia nu vrea să rămână în urma picturii abstracte . O metodă populară de a crea imagini abstracte este filmarea din focalizare: această cale a fost urmată în anii 1990 de germanul Uta Barth , care dezagregează astfel vederile despre natură și interioare („ Background ”, 1992-1997), Americanul Bill Armstrong și Gaston Bertin [ 8] , influențat de Mondrian , care își sculptează compozițiile din reproduceri și hârtie colorată ; [59] O altă abordare este de a estompa imaginea cu o viteză mică a obturatorului, cum ar fi Gabor Oz [60] [61] . Imaginile color abstracte - chemigre și chemograme , luminograme și cianotipuri - sunt create fără a utiliza o cameră .
Instalare. O altă direcție este crearea de obiecte și scene spațiale pentru fotografiarea lor ulterioară. Din anii 1970, Sandy Skoglund a lucrat în SUA într-un mod apropiat de suprarealism : ea creează și apoi fotografiază instalații complexe , adesea pline cu obiecte repetitive. De la mijlocul anilor 1970, James Kasebere proiectează și filmează modele de interioare și cartiere întregi Din anii 1990, germanul Thomas Demand a creat din hârtie și carton - de obicei dintr-o fotografie dintr-o revistă - și apoi a fotografiat cu o cameră de format mare modele naturaliste de interioare, adesea încăperi semnificative din punct de vedere istoric (de exemplu, pentru fotografia din 1994). „Camera” - un model al unei camere explodate, unde conspiratorii l-au atacat pe Hitler ). Din anii 1990, artistul și fotograful Vladislav Efimov își fotografiază obiectele și instalațiile capricioase. Brazilianul Vik Munis își fotografiază „picturile vechi” de scurtă durată încă din anii 1990.
Fotografia este folosită pentru a surprinde obiecte de land art , precum și spectacole , întâmplări și fenomene similare ale artei contemporane; de exemplu, americanul Spencer Tunick a organizat și fotografiat flash mob -uri de sute și mii de oameni goi din anii 1990 .
Citat, însuşire, conceptualismFotografia recurge de bunăvoie la astfel de strategii generale ale postmodernismului precum citarea, însuşirea şi conceptualismul .
Citare. Nu doar metodelor, ci și temelor, conținutului specific, fotografia este adesea datorată pânzelor celebre, mai rar filmelor sau lucrărilor fotografice. Lucrările amintitului Jeff Wall conțin adesea aluzii la picturile clasice. Americana Cindy Sherman se împușcă într-o serie de fotografii „ Fotografii din filme fără titlu ” (1977-1980), stilizate ca cadre din filme inexistente.Și în seria foto „ Portrete istorice ” (1988-1990), Sherman, folosind părți false ale corpului, apare ca model din picturile vechilor maeștri [62] (japonezul Yasumasa Morimura creează și ele lucrări similare ). În anii 1990, Andrey Chezhin filmează ciclul „Button and Modernism” - aluzii la picturile și fotografiile clasice. Începând cu anii 2000, americanul Sharon Core recreat în fotografiile ei naturi moarte ale lui Raphael Peel , pânze de Wayne Thiebaud și alți pictori. Vadim Gushchin filmează în anii 2010 naturi moarte minimaliste – în cuvintele sale, „abstracții de subiect” – întruchipând suprematismul în fotografia color [63] .
Însuşire. O strategie comună este de a include fotografii anonime „găsite” (amatori sau de arhivă) și chiar lucrări ale altor autori în propriul context artistic . [64]
Pe lângă amintita -,]enLevineSherrișiPrinceRichard,Barbara KruegerapropriatoriiCindy Sherman, After Walker Evans (1981) - fotografiile altcuiva. Bill Armstrong a colajat fragmente de reproduceri ale picturilor sau fotografii celebre încă din anii 1990 și reînregistrează nefocalizat; în aceiași ani 1990 în Marea Britanie , Emmanuel Perdon (n. 1965) scoate din foc chipuri de femei din picturi vechi. [66] Începând cu anii 2000, un alt britanic , Idries Khan , a comprimat imaginile împrumutate — toate rezervoarele de gaz sferice ale lui Bechers [ ⇦ , toate paginile Coranului etc. — într-o singură imagine cu mai multe straturi pe pragul dintre abstract și figurat . Aproprierea se găsește și în fotografia sovietică subterană : de exemplu, Boris Mikhailov , colorat manual, a găsit fotografii de amatori, stratificând un nou sens (Luriki, 1971-1985) [67] . Un exemplu de pură însuşire este Alien Photos (1987) de Alexei Shulgin [68] . Andrey Chezhin în anii 1990 transformă găsit negative amatori la imprimare, creând imagini cu participarea personajului său preferat - butonul .
Revoluția digitală deschide noi oportunități .De la sfârșitul anilor 1980, Thomas Ruff , un reprezentant al Școlii de Fotografie din Düsseldorf , a transformat digital imaginile altor oameni - de la imagini științifice ale spațiului la pornografie de pe Internet. Din 1998, artista franceză Orlan , în seria sa Self-Hybridization, îmbină digital chipul ei cu portrete de indieni, măști africane, sculpturi și măști din America precolumbiană. La începutul anilor 2010, odată cu apariția serviciului Google Street View , unii fotografi - Michael Wolf , John Rafman - au început să împrumute cadre din imaginile străzii capturate automat.
Conceptualismul. Aproprierea este doar una dintre metodele artei conceptuale , pentru care ideea întruchipată este mai importantă decât impresia estetică directă.
Kenneth Josephson filmează în anii 1960 - 1970 cel mai popular serial al său „ Fotografii în fotografii ”.Un grup influent s-a format în San Diego : la sfârșitul anilor 1960, Martha Rosler a creat colaje foto feministe și anti-război bazate pe imagini de reviste adecvate (serie „ Frumoasa trupă, sau frumusețea nu cunoaște durerea ”, 1966-1972; „ Frumoasă casa: război cu livrarea la domiciliu ”, 1967-1972) [69] ; Eleanor Entin trimite o serie de cărți poștale [70] cu 50 de perechi de cizme într-o călătorie epică prin SUA („ 100 Boots ”, 1971-1973).
Fotografia este, de asemenea, folosită ca instrument pentru declarații conceptualiste radicale. Astfel, artistul Ed Ruscha în anii ’60 catalogează obiecte simple în cartea foto 26 Gas Stations (1962) și altele. Douglas Huebler a făcut o serie de 10 fotografii în 1969: stătea în Central Park și ori de câte ori auzea cântecul păsărilor, făcea o poză în direcția sunetului; în anul următor a expus o serie de 12 fotografii făcute la fiecare două minute în timp ce conducea pe drum. Seria a lui Christopher Williams „ Din Angola în Vietnam ” (1989) a constat din 27 de fotografii cu flori de sticlă de la Muzeul de Istorie Naturală din Harvard , originară din țările în care au avut loc dispariții politice în 1985 [71] . Germanul Wolfgang Tillmans filmează 56 de vizualizări ale lui Concorde în 1997 .
Fotografiile sunt împerecheate cu texte - ca în seria lui John Baldessari " Wrong " (1966-1968), Keith Arnatt (" Trouser-Word Piece ", 1972-1989 [10] ) [72] , în celebra lucrare de Martha Rosler „ Bowery în două sisteme de descriere inadecvate ” (1974-1975), în Duane Michaels ; cu o secvență video - ca Eleanor Entin (" Caught Red-handed ", 1973) [73] .
În anii 1980, conceptualismul s-a răspândit și în fotografia sovietică: diferite opțiuni de combinare a fotografiilor cu texte găsite sau înscrise de mâna fotografului se găsesc, de exemplu, în Vladimir Kupriyanov („În memoria lui Pușkin”, 1984; „Nu mă respinge din fața ta ...”, 1990; etc.), în lucrările membrilor grupului de la Moscova „ Fotografie indirectă ” Boris Mikhailov , Ilya Piganov , Igor Mukhin și alții. [74] Un alt membru al acestui grup, Serghei Leontiev , filmează seria de programe „Experience in hard photography” (1988) [75] .
Lucrări conceptualiste au apărut și în anii 1990-2000, de exemplu, de Gillian Waring (serie „Semne care spun ceea ce vrei să spui, și nu ceea ce alții vor să audă de la tine”, 1992-1993; „Album”, 2003).
Artă bazată pe fotografieÎn anii 1950 - 1960, reprezentanții artei contemporane au început să combine fotografia cu alte materiale și tehnici în lucrările lor, de exemplu, Robert Rauschenberg , Andy Warhol , Gerhard Richter , încă din anii 1970 - Gilbert și George și alții. Începând cu anii 1960, conceptualistul Robert Heineken a colajat imagini ale culturii de masă - imagini de reviste și televiziune: „Folosind suprapunerea, juxtapunerea și alte schimbări contextuale, acționez ca o gherilă vizuală” 76] . Lucas Samaras , în seria „ Fototransformații ” (1973-1976) , prelucrează fotografii Polaroid acționând asupra emulsiei în timpul dezvoltării; David Hockney în anii 1980 adună colaje uriașe cubiste din zeci de Polaroid. Menționată Barbara Krueger , încă de la sfârșitul anilor 1970, aplică tipografia în spiritul constructiviștilor fotografiilor împrumutate din publicitate și mass-media , stil poster . În Rusia, lucrările bazate pe fotografie au fost create încă din anii 1980 de Ilya Piganov , Mikhail Ladeyshchikov , grupul de artă AES+F și alții.
Apropiere de fotografia documentarăExistă o oarecare estompare a granițelor dintre fotografia artistică și cea documentară. În primul rând, fotografia în scenă este stilizată ca documentar ( Jeff Wall , Philip-Lorca Di Corsia ) . Joan Fontkuberta și Waleed Raad creează lucrări pseudo-documentare conceptualiste. [77] În al doilea rând, tehnicile artistice sunt folosite în filmările stradale : același Philip-Lorca Di Corsia folosește lumină artificială ascunsă; Alexey Titarenko folosește o viteză mică a obturatorului și mișcarea camerei [78] ; Paul Graham în seria sa „ American Night ” (1998-2002) a supraexpus puternic imagini din cartiere sărace, oferind un comentariu stilistic asupra inegalității sociale [79] . Traficul care se apropie este vizibil din partea fotografiei de reportaj.
Tehnologii timpurii și neconvenționaleEste practicat pe scară largă să faci fotografii fără ajutorul unei camere. Belgianul Pierre Cordier în 1956 inventează și începe să folosească chemigram pentru a crea imagini abstracte - procesul de prelucrare a hârtiei fotografice cu diverse substanțe chimice; în 1974, germanul Josef Neumann numește modificarea sa a procesului o chimiogramă . Robert Rauschenberg în 1950-1951. experimentarea cu cianotip ; în anii 2000, Christian Marclay revine la el - într-o versiune mai abstractă . Posibilitățile artistice ale fotogramelor alb-negru și color au fost explorate încă din anii 1970 de americanul James Welling , din anii 1980 de britanicul Susan Durges (cufundarea hârtiei fotografice în apa râului în lumina lunii) și Adam Fass , din anii 1990 — britanicul Christopher Bucklow și mulți alții. Luminogramele abstracte color - un fel de fotograme - au fost create încă din anii 1990 de Harry Fabian Miller , iar din anii 2000 de Wolfgang Tillmans și Walid Beshti . [80]
Interesul pentru diverse tehnologii fotografice timpurii și netradiționale a reînviat vizibil în anii 1990. Entuziaștii reînvie dagherotipul , deoarece sursele de lumină puternice fac posibil să se facă fără viteze mari de expunere, ca și înainte - de exemplu, artistul Chuck Close realizează portrete în această tehnică [81] ; alții apelează la colodion umed , ca Sally Mann pentru peisaje. Și Abelardo Morell , Vera Lutter și Gabor Oz încep să surprindă imaginile pe care o cameră obscura și mai veche , transformând camerele întunecate în ultimele; Din anii 2000, britanicul Richard Learoyd folosește aceeași tehnică , obținând portrete de format mare și naturi moarte de o claritate excepțională [82] .
Ei experimentează, de asemenea, fotografierea cu o cameră fără obiectiv - un stenop . [83]
În anii 1970 - 1980, japonezii Hiroshi Sugimoto și Hiroshi Yamazaki ( vezi ) au filmat la expuneri lungi, în loc de „momentul decisiv” al lui Bresson , surprinzând chiar trecerea timpului în imagine. În anii 1990, germanul Michael Wesley duce această abordare la extrem, filmând natură moartă, peisaje naturale și urbane cu o fotografie special concepută montată pe perete la expuneri ultra-lungi de la câteva zile la câțiva ani. Gary Schneider din Africa de Sud , care s-a mutat în SUA, în anii 1990-2000 creează portrete cu o expunere de 8 minute (seria Heads, din 1989) până la o oră pentru portrete în lungime (Nuduri, 2001-2005) , în întuneric complet, mișcând încet o sursă de lumină slabă în jurul modelului. Fotograf din anii 2000, Chris McCaw [11] permite soarelui să ardă literalmente o pistă într-o emulsie foto în câteva ore și folosește efectul solarizării . [84]
Până în anii 1970, fotojurnalismul de reportaj din SUA a fost în mare măsură epuizat, s-a închis, pierzând în fața TV pentru audiență și venituri din publicitate, Life și alte reviste foto. Galeriile, muzeele și publicațiile de carte devin principalul punct de vânzare pentru fotografia documentară. [85]
Fotografia documentară a acestei perioade este diversă: amestecă principii auctoriale și de reportaj, sociale și estetice în proporții diferite, folosește și dezvoltă într-o măsură mai mare sau mai mică descoperiri ale anilor 1950-1960, recurge sau nu recurge la culoare (negru). iar alb imaginea este la fel de populară ca și culoarea, cel puțin până la apariția erei digitale).
Criza documentarăPuritatea documentară, „veracitatea” fotografiei sunt puse sub semnul întrebării.În SUA, membrii grupului The San Diego [86] în practică creativă ( Martha Rosler , „ Bowery in two inadequate systems of description “, 1974-1975; Eleanor Entin , „ Red-handed “, 1973 [73] ) și articole teoretice [87] au criticat fotografia documentară tradițională, care se pretinde a fi umanistă și obiectivă, în special filmul documentar social, cu tendința sa de a „opune jumătății „noastre” și celeilalte jumătăți , clasei de mijloc și de jos . clasă , sine și alții” [ 88] ; de fapt, fotografia, scriu ei, nu este atât de protocol, cât de expresivă, înțelegerea fotografiei este determinată de contextul cultural în care a fost realizată și percepută, iar „triumful umanității abstracte devine în orice situație politică triumful demnitatea unei victime pasive” [89] . Această linie de critică documentară a fost continuată de Susan Sontag în colecția On Photography (1977) și mai ales în lucrarea ulterioară Looking at Others' Suffering (2003).
La rândul său, problema veridicității a fost exacerbată de revoluția digitală , care a început odată cu apariția computerelor personale la sfârșitul anilor 1970 și începutul anilor 1980 și a oferit posibilități nelimitate de manipulare a imaginii . Primul caz important de manipulare digitală a fost fotografia lui Gordon Gahan din februarie 1982 , National Geographic , două piramide egiptene împinse împreună pentru a se potrivi pe o copertă verticală . Proeminentul documentarist mexican Pedro Meyer , care filmează de la începutul anilor 1960, trece la manipularea digitală a materialului său la începutul anilor 1990, insistând că acesta „documentează experiența” [91] , nu faptele și că fotografia, în care, de exemplu, combină elemente din două planuri succesive ale unei scene de stradă, este nici mai mult și nici mai puțin „adevărat” decât documentarul tradițional cu construcția cadrului, elementele de pozare și punere în scenă, încadrare , prelucrare la tipărire etc. [92] ] .
Documentare logoditeO variantă de depășire a viciilor fotografiei documentare umaniste devine un documentar sincer subiectiv, implicat. Începând cu 1963, Larry Clark a fotografiat tinerii din orașul său natal – prietenii cu care își petrece timpul – iar drogurile, armele și sexul umplu paginile apreciatei sale cărți foto Tulsa 1971). Din anii 1970, Nan Goldin a dezvoltat această abordare: fotografiile ei în stil amator sunt un fel de jurnal, o reflectare a experienței personale de viață în comunitatea LGBT , printre dependenții de droguri. La sfârșitul anilor 1980 și începutul anilor 1990, cultura tinerilor germani a fost cronicizată de germanul Wolfgang Tillmans .
Fotografia de familie poate fi, de asemenea, atribuită acestei direcții, și dacă Emmett Gowin , care face poze din a doua jumătate a anilor 1960, sau în fotografiile lui Sally Mann , realizate în a doua jumătate a anilor 1980 și culese în cartea „ Familia imediată ”, modelele se uită adesea la aparatul de fotografiat, apoi în serialul de mari dimensiuni „ Familie ” de Alain Laboile , care își filmează copiii încă din a doua jumătate a anilor 2000, intervenția fotografului este minimă.
Apropiere de fotografia artisticăO altă tendință, așa cum sa menționat deja , este „depășirea diviziunii în reportaj și fotografie artistică” [31] .Din anii 1970 până în prezent, tradiția artei documentare, inclusiv socială , a fost continuată de cel mai mare fotograf brazilian Sebastian Salgado , sub obiectivul căruia o fotografie de reportaj alb-negru este transformată într-o „foto-pictură” epică. ” [31] ; Susan Sontag în cartea amintită din 2003 îi reproșează estetizarea violenței și afirmarea neputinței, în „retorică fals umanistă”. În schimb, ironicul britanic Martin Parr , care este extrem de departe de patosul estetic și umanist, arată în culori strălucitoare „laturile urâte și ridicole ale existenței umane” încă din anii 1980 [93] .
Continuând linia lui S. Leiter și E. Haas , estetica formală a fotografiei documentare color a fost dezvoltată încă din anii 1960 de Harry Gruyer , din anii 1970 de către fotograful sovieto-francez Georgy Pinkhasov . Din anii 1990, parcul australian Trent a creat atât lucrări color, cât și alb-negru într-un stil similar .
Adam Brumberg și Oliver Chanerin au lucrat la limita documentarului și conceptualismului încă de la începutul anilor 2000 ; într-un protest conceptualist împotriva părtinirii fotojurnalismului militar, ei au călătorit în Afganistan fără camere și au expus o rolă de hârtie fotografică de 6 metri la lumina soarelui timp de 20 de secunde (The Day No One Died, 2008) [94] .
În anii 2000, Alec Soth , în călătoriile sale prin țară, creează cu o cameră de format mare „imagini deosebite, fermecător de obișnuite ale Americii moderne” [95] . O abordare apropiată a fotografiei și o abordare inversă a materialului este demonstrată de Peter Hugo din Africa de Sud , care în aceiași ani realizează portrete de stradă, filmând în țările africane „grupuri de oameni marginale sau neobișnuite” [96] , pentru care i se reproșează [97] tocmai în acel voyeurism și exotism împotriva căruia, de exemplu, se pronunță Erik Prasetya . Filmând tot în Africa de Sud, americanul Roger Ballen în anii 1970 și 1990 descoperă un interes tot mai mare pentru personajele marginale în stilul Dianei Arbus , până când la începutul anilor 2000 abandonează complet documentarul în favoarea imaginilor suprareale.
FotojurnalismÎn ciuda disputelor teoretice, fotografia de reportaj tradițională dă naștere la noi nume. Din anii 1970 lucrează fotoreporterul ceh-american Antonin Kratochvil - un experimentator îndrăzneț în domeniul documentarelor sociale , militare și a altor documentare, precum și în fotografia de portret. Războaiele și conflictele au fost filmate încă din anii 1970 de francezul Gilles Perez , din anii 1980 de americanul Steve McCurry , în anii 1990-2000 de franțuzoaica Alexandra Bula . În anii 1980, rândurilor realizatorilor de documentare sociale și militare li s-au alăturat francezul Luc Delaier , americanul James Nachtwey , iar în anii 1990 americanul Stanley Greene . Din anii 1990, americanul Fazal Sheikh (de obicei face portrete), din anii 2000 americanul Manuel Rivera-Ortiz , s-a angajat în realizarea de filme documentare sociale în regiunile cu probleme ale lumii . Fotojurnalistul Serghei Maksimishin lucrează în Rusia din anii 2000 .
Fotografia de modă și vedete, fiind comercială în sine, în opera unor autori coexistă și uneori se limitează la fotografia de artă plastică. Fotografia celebrităților provine de la apariția „cărților de vizită” în 1854, fotografia de modă s-a format ca gen de la începutul secolului al XX-lea. Fotografia comercială a fost influențată de toate tendințele existente - de la pictorialism la modernism, suprarealism și apoi eseu foto etc. Dintre marii fotografi de modă și celebrități, printre alții, Edward Steichen (în perioada 1923-1938) și Man Ray a fotografiat . Alți maeștri ai genului: de la sfârșitul secolului al XIX-lea, pictorialistul baron Adolf de Meyer , din anii 1920 — baronul Georges Goyningen-Hühne , Cecil Beaton , din anii 1930 — Horst P. Horst , Erwin Blumenfeld , Martin Munkacsy , cu anii 1940 - Irvine Penn , Richard Avedon , din anii 1950 - Guy Bourdain , din anii 1960 - David Bailey , din anii 1970 - Helmut Newton (care a filmat și mai devreme, dar de la începutul anilor 1970 - într-o manieră radical erotică) . [98] Din anii 1940 până la sfârșitul vieții sale, Arnold Newman a lucrat în genul fotografiei portret într-un cadru natural pe care l-a inventat . Maestrul portretului în anii 1940-1980 a fost Yusuf Karsh .
Oriunde s-a dus curentul mainstream al fotografiei, au existat mereu maeștri care, în cuvintele lui Susan Sontag, „s-au închis în obsesia lor (cum ar fi Lewis Carroll cu fetele sau Diana Arbus cu sărbătorile de Halloween)” [99] . Wilson Bentley (și în Rusia - Andrey Sigson ) a fotografiat fulgi de zăpadă la microscop încă din secolul al XIX-lea. Karl Blossfeldt , folosind un aparat de fotografiat creat de el, s-a angajat în fotografia macro a plantelor; opera sa a fost publicată pentru prima dată în 1928 în cartea Urformen der Kunst . Lennart Nilsson a examinat cu cristalinul său vasele de sânge și cavitățile interne ale corpului uman; fotografiile sale cu embrioni umani în pântec au fost adunate în A Child Is Born (1965). Harold Egerton a dezvoltat o tehnică de fotografiere de mare viteză care i-a permis să surprindă căderea unei picături de lapte, zborul unui glonț, primele milisecunde ale unei explozii nucleare și multe altele; de la sfârșitul anilor 1930, Gyen Mili a colaborat cu el , precum și Edgerton, cunoscut pentru fotografiile cu ajutorul unui stroboscop .
De la începutul anilor 1970, fotoreporterul iranian Abbas Attar a lucrat
Fotojurnalistul Shahidul Alam filmează în Bangladesh încă de la începutul anilor 1980
Fotojurnalistul vietnamez Nick Ut a făcut celebra fotografie „The Horror of War” („Napalm în Vietnam”) în 1972.
Fotojurnalistul filipinez Alex Baluyat lucrează din anii 1980. [100]
Fotograful stradal indonezian Erik Prasetya a lucrat în 1997 cu Salgadu și, după ce a învățat multe, a ajuns la o abordare în mare măsură opusă - „estetica banalului” [101] ; în prefața cărții sale Jakarta. The Aesthetics of the Banal” (2011) Firman Ishsan scrie că Prasetya „a criticat abordarea estetică tradițională, observând că majoritatea fotografilor au o estetică de clasă de mijloc care înclină spre voyeurism sau romanticism , dacă nu exotism, situație pe care un fotograf trebuie să o depășească atunci când trăgând pentru a ajunge la „adevăr”” [102] .
Fotograful malay Che' Ahmad Azhar face fotografie de stradă în Kuala Lumpur încă din anii 2000.
Conceptualistul singaporean John Klang în seria „Time” (2009) creează colaje din fotografii rupte și lipite.
Interesul publicului și al istoricilor de artă în problema falsificării fotografiilor vechi cu valoare istorică și artistică a atras un proces în 1978 împotriva artistului Graham Ovenden și a fotografului Howard Gray. Ei au creat fotografii în stilul și tehnica fotografiei victoriane timpurii și le-au atribuit unui fotograf care se presupune că a trăit în anii 1840, Francis Hetling . Aceste fotografii au fost expuse la London Portrait Gallery și apoi vândute colecționarilor privați. Instanța i-a achitat pe falsificatori [103] .
Istoricii fotografiei și experții au fost nevoiți să admită că cazul lui Francis Hetling a demonstrat ușurința de a falsifica fotografii vechi: „Nu există un proces fotografic istoric care să nu poată fi reprodus astăzi”, a spus istoricul de artă Isabelle Anscombe [103] .
![[2]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Allie_Mae_Burroughs.jpg){kind=link}
![[3]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Farmer_walking_in_dust_storm_Cimarron_County_Oklahoma2.jpg){kind=link}
![[4] ]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Arthur_Rothstein_-_The_bleached_skull_of_a_steer,_South_Dakota_Badlands,_1936.jpg){kind=link}
![[6]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Giacomell_series_Priests.jpg){kind=link}
![[1]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Carleton_E._Watkins,_Late_George_Cling_Peaches,_1889,_Albumen_silver_print,_32.8_x_50.3_cm,_MoMA,_896.2010.png){kind=link}
